Dans cet article je vais vous montrer comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle, mais aussi comment créer une peinture en couleurs à partir d’une photo noir et blanc.
D’habitude je conseille à mes élèves de travailler d’après nature. La nature est la meilleure des professeurs ! Mais il y a les moments quand pour telle ou telle raison on ne peut pas travailler d’après nature. Alors on travaille d’après une photo. Dans ce cas-là je conseille toujours de ne pas copier cette photo mais plutôt de l’utiliser comme le point de départ pour votre œuvre.
Donc dans cet article vous allez découvrir :
1.Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle. Si vous travaillez dans l’acrylique, la peinture à l’huile et même au pastel, cet article peut-être quand-même intéressant pour vous car la plupart des conseils que je donne peuvent être appliqués pour toutes les techniques de peinture.
2.Comment convertir une photo en noir et blanc en peinture en couleurs.
3.Comment apporter une touche personnelle dans votre peinture.
4.Comment même en travaillant d’après une photo créer une peinture qui vous rassemble.
5.Et à la fin de cet article nous allons regarder un tutoriel vidéo. Dans ce tutoriel vous verrez tout le processus du travail étapes par étapes.
En fait vous trouverez tous ce que j’ai cité dans le tutoriel vidéo, mais avant de passer au tutoriel en bas de cet article, je vous conseille quand même de lire cet article avant de passer sur la vidéo car ici je vous donnerai quelques informations importantes qui vous aideront d’avantage pour réaliser un paysage enneigé en aquarelle et pouvoir transcrire une photo noir et blanc en peinture en couleurs.
D’abord je voudrais vous donner la liste du matériel pour réaliser cette aquarelle.
Pour peindre un paysage enneigé en aquarelle nous allons avoir besoin :
1. Une feuille de papier d’aquarelle 250 -300 gr.
Dans la démonstration dans le tutoriel vidéo j’utilise le papier 200 gr en cellulose. C’est du papier bas de gamme. Mais j’utilise souvent dans mes du papier bas de gamme pour montrer toutes les difficultés et comment corriger des erreurs. Bien sûr, sur le papier plus haut gamme il est beaucoup plus facile et agréable de travailler. Donc malgré que j’utilise ce papier dans mes démonstrations, je vous conseille quand même de choisir le papier 250, 300 ou même 400 gr en coton ou coton-cellulose.
2.Un contre-plaqué ou un support en bois pour coller votre feuille de papier.
Je vous conseille de toujours coller votre feuille de papier sur un support dur. Souvent les papiers aquarelle sont vendus dans les blocks collés. Il parait qu’on peut travailler directement sur le block. Oui. C’est possible mais plutôt pour les tous petits formats en travaillant principalement avec les glacis et sans utiliser beaucoup de lavis. Si vous travaillez beaucoup dans le mouillé sur les blocks, la feuille de papier va gondoler quand même et après cela sera assez complique de la détacher des autre feuilles qui peuvent prendre elles aussi l’humidité. Donc si ce n’est pas le cas des croquis de voyage, je vous conseille de coller votre feuille sur le support dur avant de commencer à travailler.
3.Un crayon HB et une gomme pour faire le dessin préparatif.
4.Un pinceau en petit gris ( gros pinceau rond ) et deux pinceaux en martre ou en putois sibérien ( un petit pinceau rond et un pinceau moyen rond )
5.Un Sopalin ou un torchon pour essuyer et égoutter vos pinceaux.
6.Un bocal pour mettre de l’eau
7.Une boite de peinture aquarelle. ( J’utilise l’aquarelle White Night 36 couleurs )
8.Une éponge de mer. Bien sûr pour faire des corrections vous pouvez utiliser n’importe quelle éponge. Mais je vous conseille quand même d’utiliser une éponge de mer pour vos aquarelles. L’éponge de mer n’abîme presque pas la surface de papier aquarelle donc vous pouvez l’utiliser facilement en plusieurs fois sur un même endroit.
Maintenant regardons
Comment adapter une photo en noir et blanc à la peinture multicolore pour peindre un paysage enneigé à l’aquarelle.
Mais en fait ça marche pour toutes les autres techniques de peinture et pour peindre n’importe quel sujet.
Donc, si l’on regarde le cercle chromatique on peut remarquer que chaque couleur de cercle chromatique à sa tonalité et sa valeur. On voit cela clairement quand on convertit le cercle chromatique en image en noir et blanc.
Cercle chromatique d’Itten valeurs de gris des couleurs.
Comme cela on voit les valeurs de gris de chaque couleur. Maintenant quand on regarde la photo on voit, approximativement bien sûr, à quelle valeur de gris correspond telle ou telle couleur.
photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé
C’est la théorie, en réalité ce n’est pas si simple, car il faut prendre en considération l’éclairage et les valeurs de gris des couleurs qui changent par rapport à l’éclairage. Mais la bonne nouvelle c’est que les couleurs de l’ombre et de la lumière ne sont pas les mêmes. Pour peindre l’ombre et la lumière on utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. Pour trouver encore plus d’information sur l’utilisation du cercle chromatique je vous invite à lire mon article “Cercle chromatique”.
Je répète toujours une de règles principales de la peinture.
La règle de la température des couleurs.
Si la lumière est chaude l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide.
Par conséquent on peut deviser le cercle chromatique en deux parties, la partie des couleurs chaudes et la partie des couleurs froides. Ce sont deux parties opposées du cercle.
Donc pour peindre l’ombre et la lumière nous allons utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique. Par exemple si pour peindre l’ombre froide vous utilisez les couleurs bleues et violètes, dans la lumière vous trouverez les couleurs jaunes et oranges, les couleurs opposées du bleu et du violet dans le cercle chromatique.
Pourquoi la partie éclairée de l’objet n’a pas la même couleur que l’ombre de cet objet ? Parce que l’éclairage, la lumière du soleil, du feu, des bougies ou de l’ampoule électrique ont leurs couleurs. Et si la lumière de soleil est chaude, elle va influencer les couleurs de l’objet et les rendre plus chaudes dans la partie éclairée. Et comme de ce fait la partie éclairée de l’objet sera chaude, dans l’ombre on verra les couleurs opposées des couleurs chaudes – les couleurs froides.
Cet effet sera encore plus fort à l’extérieur qu’à l’intérieur car à l’extérieur on verra en plus les reflets bleus du ciel dans les ombres. Je parle des couleurs, mais en réalité cela sera rarement les couleurs vives, ce sera plutôt des nuances des couleurs.
Donc pour adapter la photo noir et blanc en couleurs on va jouer également avec la température et la tonalité des couleurs opposées. Et bien sûr quand vous travaillez d’après une photo, je vous conseille de vous laisser vous emporter par la créativité.
Comment apporter une touche personnel dans votre peinture.
C’est cela la différence entre un artiste-peintre et un photographe. Le photographe n’est pas complétement libre dans sa créativité, il est toujours dépendant du moment, de la scène, du sujet. L’artiste peintre est complétement libre dans sa créativité. Il peut changer le sujet, la composition, rajouter des objets et des personnages.
Donc quand on travaille d’après une photo, la photographie nous sert de point de départ pour notre peinture. Quand vous travaillez d’après une photo je vous conseille toujours d’avoir à l’esprit le résultat final de votre tableau.
Posez vous des questions…. Ou voulez-vous aller ? Quel message voulez-vous transmettre à vos spectateurs ? Quel sentiment ? Quelle histoire voulez-vous raconter à vos spectateurs ?
Pour tout cela il ne faut pas chercher un sujet particulier, vous pouvez passer le message ou évoquer les sentiments à travers des sujets tous simples… un paysage, une fleur, une chaise, un chat, un chien, une tasse etc… Quand vous travaillez d’après une photo vous êtes libres de changer les couleurs, la composition, de rajouter des personnages, des objets etc. Tout cela fait partie de la création artistique.
Maintenant avant de vous laisser regarder le tutoriel vidéo “Comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle” où vous trouverez les conseils et verrez le processus de réalisation de cette peinture pas à pas je veux vous donner encore quelques conseils pour réussir votre paysage enneigé
1.Dégraissez toujours votre feuille de papier avant de commencer à travailler. Vous pouvez le faire facilement à l’aide de l’éponge de mer.
2.Commencer toujours par peindre le paysage en commençant par le ciel. Le ciel c’est ce qui est le plus propre, le plus transparent dans le paysage. ( Ce conseil marche pour toutes les techniques de peinture ).
3.Commencez votre aquarelle par les endroits les plus clairs pour aller après progressivement vers les teintes plus foncées.
4.Tachez de ne pas mélanger plus que 3 couleurs dans les lavis et plus que 2 couleurs par glacis pour éviter rendre la peinture boueuse.
5.Peignez ou bien sur une couche de peinture bien mouillée ou bien sur une couche complètement sèche. Evitez de travailler sur la couche demi-sèche.
6.Ne passez pas trop de temps à mélanger les couleurs sur votre palette. Quand on mélange les couleurs trop longtemps sur la palette on perd la vivacité de l’impression. Passez plus de temps sur votre peinture ou en regardant le nature ou la photo que en mélangeant les couleurs.
7.Soyez libre, ne soyez pas bloqués par la crainte de faire une erreur ! Les erreurs font la partie de la réalisation du tableau. On peut presque rattraper toutes les erreurs.
8.Avant de commencer votre tableau il vaut mieux avoir déjà une idée du résultat final.
9.Ne cherchez pas faire une peinture parfaite ! On peut trouvez des erreurs même dans les tableaux de Léonard de Vinci. Improvisez ! Le plus important c’est le sentiment éprouvé par les spectateurs qui vont regarder votre œuvre.
Maintenant je vous invite à regarder le tutoriel vidéo ou vous trouverez toutes les informations et les conseils nécessaires pour réaliser votre peinture. Et ensuite à vos pinceaux !
Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle
Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et du tutoriel vidéo. Votre avis est très importent pour moi !
Dans cet article nous parlerons du cercle chromatique et comment l’utiliser dans la peinture pour rendre votre tableau harmonieux.
Il existe énormément de bouquins et d’articles qui parlent du cercle chromatique, mais ici je veux aller à l’essentiel. Ce qu’il faut savoir sur le cercle chromatique pour l’utiliser dans la peinture.
Je trouve que le cercle chromatique le plus utile pour un artiste peintre c’est le cercle de Johanne Itten (l’ancêtre des cercles chromatique que l’on peut trouver maintenant dans toutes les boutiques pour les artistes peintres.)
« La simplicité c’est du génie » et le cercle d’Itten reste le plus simple et le plus pratique. Dans ce cercle chromatique les 12 couleurs font un cercle de façon que les paires de couleurs contrastées se trouvent du côté opposé du cercle.
Cercle chromatique d’Itten
Les couleurs primaires du cercle chromatique
Dans le centre du cercle Itten a mis le triangle de trois couleurs Rouge, Bleu, Jaune. Ce sont des couleurs primaires. Les couleurs de bases pour toutes les autres couleurs du cercle chromatique.
Cercle chromatique. Couleurs primaires.
Les couleurs secondaires du cercle chromatique
Le triangle des couleurs primaires est enfermé dans l’hexagone ou on voit encore trois couleurs. Ce sont les couleurs secondaires Orange, Violet, Vert qu’on peut obtenir en mélangeant les couleurs primaires (Rouge, Bleu, Jaune).
Rouge et Bleu donne Violet, Rouge et Jaune donne Orange, Jaune et Bleu donne Vert.
Couleurs secondaires du cercle chromatique
Les couleurs tertiaires du cercle chromatique
Ensuite sur le cercle chromatique on peut voir les couleurs tertiaires. Ce sont les couleurs obtenues par le mélange d’une couleur primaire et une couleur secondaire.
Rouge et Orange donne Rouge orangé (dans les pigments équivalents approximatif du Rouge de cadmium claire)
Rouge et Violet donne Pourpre (proche d’alizarine, mais un peu plus chaud)
Jaune et Orange donne Jaune orangé (dans la peinture équivalant approximatif du Jaune de cadmium foncé)
Jaune et Vert donne Vert chaud
Bleu et Vert donne Bleu turquoise ou Cobalt Bleu-Vert dans les pigments
Bleu et Violet donne Indigo
Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.
Je vous parle de toutes ces couleurs du cercle chromatique par ce qu’il faut les connaitre. Mais franchement c’est de la théorie pure. Si à chaque fois que vous mélangez les couleurs vous allez les mélanger en consultant tout le temps le cercle chromatique vous n’arriverez jamais à obtenir les mélange naturels, instinctifs. Ce qu’il nous faut pour la peinture.
Une des règles du mélange des couleurs dit que pour obtenir le mélange juste et pur il faut essayer de ne pas mélanger les couleurs sur votre palette durant plus de 5 à 7 secondes. Sinon vous risquez de perdre la pureté de l’impression et de vous tromper avec le mélange.
En fait avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger les couleurs automatiquement. Et bien sûr sans consulter le cercle chromatique.
Maintenant on est arrivé à la chose la plus importante pour l’artiste peintre dans le cercle chromatique. Soyez attentifs et concentrés c’est hyper important à retenir et à utiliser.
Les couleurs opposées du cercle chromatique.
Vous me direz « les couleurs opposées du cercle chromatique, c’est très simple, tout le monde les connaît ». Oui, tout le monde les connaît mais aujourd’hui nous allons voir à quoi elles servent réellement dans la peinture. Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires se trouvent du côté opposés du cercle chromatique.
Donc les couleurs opposées du cercle chromatique.
Rouge est complémentaire du Vert Jaune est complémentaire du Violet Orange est complémentaire du Bleu Jauneorangé est complémentaire de l’Indigo Vert chaud est complémentaire du Pourpre Bleu turquoise est complémentaire du Rouge orangé
Et bien sûr toutes les nuances de ces couleurs se contrastent entre elles.
Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.
Quand on regarde le cercle chromatique on peut le diviser en deux parties. La partie chaude et la partie froide. C’est très important aussi.
Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique
Donc comment utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique et la température des couleurs dans la peinture.
Une des choses primordiales dans la peinture ce sont les contrastes entre les couleurs chaudes et couleurs froides. Je répète sans cesse que la peinture se construit sur les contrastes des couleurs.
Si l’ombre est froide la lumière est chaude et si la lumière est chaude l’ombre est froide.
C’est la règle incontournable de la peinture.
La deuxième règle incontournable de la peinture dit que si l’on travaille avec telle ou telle couleur, juste à côte on verra la couleur opposée de cette couleur.
Je vais expliquer plus précisément. Si par exemple vous peignez les arbres éclairés par le soleil. Imaginons que dans la lumière vous utilisez le vert chaud et le jaune, donc dans l’ombre vous verrez le violet ou les nuances de bleu et le rouge qui sont les couleurs opposées du vert et du jaune.
Vous direz comment est-ce possible, les arbres sont verts ! Non. C’est dans notre esprit que les arbres sont verts. C’est le cliché, c’est peut-être dans l’école maternelle la maitresse nous a dit que les arbres étaient verts.
Regardez les peintures de tous petits infants qui ne savent pas encore que les arbres sont verts, là les arbres et les herbes peuvent être rouges, jaunes, oranges. Et ils ont raison ! Ils n’ont pas encore appris les clichés.
Pourquoi je vous dis tout cela ? Pour vous montrer que quand vous peignez vous devez faire confiance à vos yeux. Je ne dis pas qu’il n’y a pas du tout de couleur verte dans les arbres et les herbes, mais ce sont plutôt des nuances riches du vert, vert-jaune, vert-orange, brun-rouge, bleu-vert etc.
Comment voir la vraie couleur ?
Il existe une technique pour voir la vraie couleur. Et je vous conseille fortement de l’utiliser au moins au début, avant que ça devienne automatique.
Si vous voulez voir la vraie couleur de l’objet, ou par exemple de l’ombre porté d’un objet ou la couleur de sa lumière, ne regardez pas directement cet endroit, régaterez à côté et comme ça vous verrez la vrai couleur de façon indirecte.
Par exemple si vous voulez voir la couleur de l’ombre de l’objet, regardez sa lumière. Et très probablement si vous regardez comme ça vous verrez dans l’ombre les couleurs opposées du cercle chromatique des couleurs de la lumière.
Au début quand vous faites cela vous pouvez consulter les couleurs opposées du cercle chromatique, pour soutenir votre impression. Mais très vite vous commencerez à faire cela intuitivement, sans consulter le cercle chromatique.
Observons quelques exemples concrets.
Regardez ce tableau de Claude Monet.
Claude Monet
Ici on voit très bien comment l’artiste utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. La couleur du ciel est jaune et orange. Donc sur la ligne d’horizon, dans les ombres sur la terre et sur les meules de foin on voit les couleurs bleues et violets. On voit également dans la lumière sur la terre sur la neige les reflets des couleurs du ciel. La lumière sur la terre a les reflets rouges (roses) et jaunes. Ce qui est les couleurs opposées du bleu et du violet que l’on voit dans les ombres.
Claude Monet
Dans ce tableau de Monet on voit le même principe. Les ombres sur les meules sont violettes et bleues – les couleurs opposées des couleurs de la lumière des meules l’ocre jaune, la terre de Sienne, le jaune et l’ocre rouge et orange. La lumière sur les arbres sur le dernier plan est jaune ou jaune- vert et dans les ombres on voit du bleu, du violet et un peu de rouge (rouge- violet). Donc on voit bien comment Monet utilise cette règle de la peinture. La lumière est chaude et les ombres sont froides, les couleurs des ombres sont opposées aux couleurs de la lumière.
Igor Grabar
Sur ce tableau de Grabar on voit également comment l’artiste –peintre utilise le principe de température des couleurs. Sur les fleurs dans la lumière on trouve les couleurs jaunes et rouges, la lumière est chaude car ces fleurs sont éclairées par le soleil. D’habitude la lumière du soleil est chaude. Et dans les ombres on voit le bleu et le violet qui sont l’opposées des couleurs de la lumière du rouge et du jaune. Les ombres sont froides. Car d’habitude quand le ciel n’est pas couvet de nuages il jette ses reflets sur les ombres.
Igor Grabar
Je veux attirer votre attention sur ce paysage de Grabar. Ici on voit les nuances de la couleur vert dans les parties éclairées des arbres, des herbes sur les rives et dans les reflets des arbres dans le lac. Et dans les ombres des arbres on voit les couleurs rouges (qui correspondent à l’alizarine), les couleurs violètes et les bleues. Ce sont des couleurs opposées des couleurs de la lumière des arbres et des rives.
Je vais vous donner encore quelques informations sur le cercle chromatique.
Les couleurs analogiques
Les couleurs analogiques. Ce sont des couleurs qui se trouvent à côté dans le cercle chromatique, les couleurs adjacentes.
Les couleurs analogiques
Les couleurs complémentaires adjacentes
Les couleurs complémentaires adjacentes. Ce sont des couleurs complémentaires à une ou plusieurs couleurs analogiques.
Les couleurs complémentaires adjacentes
C’est assez utile à savoir pour trouver les couleurs complémentaires pour les couleurs nuancées. Mais je veux vous assurer qu’avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger des couleurs et trouver les couleurs opposées (complémentaires) automatiquement, presque sans réfléchir.
Merci d’avoir lu cet article. J’espère qu’il a été intéressant pour vous. Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article. S’il est intéressent et utile pour vous.
Il n’y a pas longtemps j’ai fait un tutoriel vidéo en deux parties “Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle”. Dans ce tutoriel je montre notamment comment peindre les coquelicots à l’aquarelle mais aussi je donne des conseils qui marchent pour peindre n’importe quelle fleur à l’aquarelle.
Dans ce tutoriel nous allons voir :
Comment utiliser le liquide de masquage,
Comment faire la première couche de peinture. Quelles couleurs utiliser pour la première couche et pourquoi.
Comment peindre des coquelicots dans le mouillé et avec les glacis. Quelles couleurs utiliser pour peindre les coqueliots.
Comment travailler dans le mouillé et avec les fondus.
Comment peindre les pétales et les étamines des coquelicots. Comment peindre une fleur en volume, Comment peindre les ombres et la lumière. Comment travailler sur les détails.
Comment peindre le fond. Comment faire le lavis multicouleur du fond.
Tout cela vous pouvez trouver dans mon tutoriel “Comment peindre les coquelicots à l’aquarelle”.
Comment peindre des coquelicots. En cours du travail.
Juste avant de vous laisser regarder ce tutoriel vidéo ( en bas de cet page), je veux vous rappeler quelques notions de base qui me paressent indispensables pour réussir votre aquarelle.
Mélange des couleurs à l’aquarelle
1. Donc pour réussir votre peinture aquarelle n’oubliez pas que pour éviter la peinture boueuse on ne doit pas mélanger plus que 2 couleurs aquarelle pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques.
Les couches de peinture à l’aquarelle et la transparence des couleurs
2. Quand vous travaillez avec les glacis faites toujours attention aux couleurs de la couche inférieure. Les couleurs d’aquarelle sont les couleurs transparentes ( quand on parle de l’opacité des couleurs d’aquarelle, cela veut dire qu’il existe les couleurs aquarelle qui sont plus opaque que les autres, mais en général toutes les couleurs aquarelle sont transparentes ). Donc au travers de la couche supérieure on voit toujours les couleurs de la couche inférieure qui influencent les couleurs de la couche supérieure. Alors il nous faut prendre en considération les couleurs de la couche inferieure quand on fait le mélange pour la couche supérieure pour éviter la peinture lourde et boueuse.
Les couleurs chaudes et les couleurs froides.
3. Quand vous travaillez avec les glacis, d’après mon expérience il vaut mieux travailler avec des couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes.Les couleurs froides ( Bleu de cobalt, Bleu d’outremer, Violet quinacridone, Laque de garance, Alizarine, Bleu d’indanthène, Bleu de Prusse etc… ) sont en majorité les couleurs transparentes, et les couleurs chaudes ( Jeune de cadmium, Ocre d’or, Ocre jaune, Terre de Sienne, Terre d’ombre, Sépia, Rouge de Cadmium, Orange de cadmium etc… ) sont les couleurs opaques ou semi-opaques. Les couleurs opaques laissent beaucoup moins bien passer la lumière et souvent forment une couche de peinture trop “lourde”.
Donc il est préférable de travailler d’abord avec les couleurs chaudes ( en gardant quand même au maximum la transparence de la couche de peinture ( toutes les couleurs aquarelle sont quand même transparentes)). Et ensuite travailler avec les couleurs froides dans les couches supérieures.
Faites attention, quand je dis “travailler avec les couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes”, cela ne veut pas dire que vous ne devriez pas utiliser pas du tout les couleurs chaudes dans les couches supérieures !
Quel papier aquarelle choisir pour peindre des coquelicots et d’autres sujets à l’aquarelle ?
Pour faire une aquarelle utilisez le papier aquarelle de plus de 250 gr. De préférence en coton ou coton + cellulose. Je conseille de commencer par le papier coton + cellulose pour les aquarelles sur lesquelles vous envisagez de travailler assez longtemps. Pour les petites études vous pouvez choisir le papier 100% cellulose ( mais toujours pas moins de 250-300 gr). Et pour les aquarelles de grand format sur lesquelles vous pensez travailler longtemps en utilisant les glacis et les lavis prenez le papier 100% coton ou 70% coton + 30% cellulose environ.
Quel pinceau choisir pour peindre des coquelicots ?
Pour réaliser l’aquarelle que vous aller découvrir dans le tutoriel vidéo “Comment peindre des coquelicots” j’ai utilisé le grand pinceau à lavis en petit gris et le pinceau moyen en putois Sibérien.
D’habitude il suffit d’avoir un grand pinceau et un pinceau moyen en petit gris et un pinceau moyen et un petit pinceau en putois Sibérien ( ou en martre ) pour réaliser n’importe quelle aquarelle. Verifiez juste que vos pinceaux étant mouillé , ils aient leur extremité pointue. Comme cela même avec le grand pinceau vous pourrez travailler sur les petits détails.
Tutoriel vidéo “Comment peindre des coquelicots”
Maintenant je vous propose de regarder mon tutoriel et ensuite de réaliser une fleur en aquarelle. Si vous avez besoin de mes conseils, mon aide ou si vous avez des questions, n’hésitez pas à m’écrire ou, si vous voulez, à m’envoyer votre peinture pour avoir mes conseils concernant votre tableau.
Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle. Tutoriel vidéo Partie 1.
Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle. Tutoriel vidéo Partie 2
Merci d’avoir lu cet article. Je vous invite à m’écrire dans les commentaires ce que vous en pensez, si cet article était intéressant pour vous, quel sujet voulez-vous que j’aborde dans un de mes prochains articles ou tutoriels vidéo. Quelle technique vous intéresse le plus, aquarelle, peinture à l’huile, peinture acrylique, pastel, détrempe, techniques de dessin ?
Dans cet article nous allons voir comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour. Je vous expliquerai tout le processus du travail pas à pas et à la fin de cet article on regardera le tutoriel vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour” qui vient de ma chaîne Youtube.
On commence comme d’habitude par mettre la première couche de peinture aquarelle. Pour la première couche je choisi souvent le jaune de cadmium moyen qui fait aussi la base pour faire des lavis.
Je mets la peinture librement avec beaucoup d’eau et de suite j’essaie de tracer les vagues et la ligne d’horizon avec des coups de pinceau rapides. Pour cette étude en aquarelle je n’ai pas fait de dessin préparatif, donc je dessine directement avec les couleurs.
Comment peindre le ciel à l’aquarelle
Pour peindre le ciel je travaille souvent avec le lavis. Je fais un lavis dégradé multicouleur du haut vers le bas. Je commence en haut par les couleurs plus froides et foncées et je vais vers le bas vers les couleurs plus claires et chaudes.
Pour peindre les nuages je retire les couleurs de l’endroit où je veux placer les nuages. Si la couche de peinture et encore bien mouillée je passe tout simplement avec le pinceau bien égoutté en petit gris. Le pinceau au poil de petit gris absorbe très bien de l’eau, donc il convient très bien pour retirer les couleurs de la surface bien mouillée.
Ensuite, pour peindre les nuages en contre-jour je place les ombres presque au centre des nuages. Je rends les nuages assez foncés pour que la lumière sur les nuages paraisse encore plus claire.
J’essaie de travailler au maximum dans le mouillé. Pour que les couleurs se dondent dans le ciel. Cela m’aide à montrer l’air et l’humidité.
Dans le paysage je commence toujours par peindre le ciel. Quand vous travaillez sur le ciel essayez toujours de faire des mélanges purs pour éviter que la peinture devienne boueuse. Pour obtenir les mélanges purs ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques. Toutes les informations sur le mélange des couleurs en aquarelle vous pouvez lire dans mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”.
Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour
Je commence souvent par la ligne d’horizon. Je profite que le ciel est encore mouillé pour que les couleurs se fondent pour rendre la ligne d’horizon assez floue.
Pour peindre la mer en aquarelle en contre-jour je dois de suite réserver la place pour les reflets du soleil qui brillent sur la mer. Je trace de suite la direction de vagues. L’écume sur les vagues en contre-jour nous parait foncée.
Il y a une règle : Le noir éclairé est plus clair que le blanc dans l’ombre.
Cela renforce l’effet de brillance de soleil sur la mer. Malgré que l’écume soit “blanche” pour montrer le volume on est obligé de rendre ses ombres assez foncées. Comment rendre des objets volumineux, vous pouvez le lire dans mon article “Comment dessiner en volume”.
Pour réaliser cette étude aquarelle je me sers de l’aquarelle White Night 36 couleurs en godets. Pour peindre la mer en aquarelle j’ai utilisé les couleurs suiventes:
Le jaune de cadmium moyen dans la première couche
Le bleu d’outremer
La laque de garance
le bleu d’indanthène
le gris de payne
le bleu de cobalt
l’ocre d’or (ocre jaune )
Violet quincridone (pour le premier plan )
Pour peindre le ciel j’ai utilisé:
le bleu d’indanthène
le violet quinacridone
la laque de garance
la bleu de cobalt
le gris de payne
le jaune de cadmium moyen
Maintenant je suis obligée de rendre le ciel plus foncé pour souligner l’effet de brillance du soleil avec les contrastes. Je touche rarement le ciel vers la fin de mon travail, mais ici je suis obligée de le faire car le ciel me parait trop clair par rapport aux reflets du soleil. Rappelez-vous que les couleurs d’aquarelle perdent environ 30 % de leur intensité après le séchage.
Ensuite je reviens vers les vagues.
J’ai mouillé un peu ma feuille pour pouvoir travailler sur l’écume. Comment peindre les vagues avec l’écume vous pouvez le lire dans mon article “Comment peindre les vagues à l’aquarelle” Dans cet article vous pouvez voir également comment peindre les oiseaux volants.
Pourquoi placer des oiseaux ?
J’ai placé quelques oiseaux dans ma peinture pour souligner l’effet de perspective, de profondeur et de distance. Les régles de la perspective linéare et de la perspective aérienne vous pouvez les trouver dans mes articles: “La perspective” et ” La perspective aèrienne”. Les oiseaux me servent aussi pour centrer la composition de mon tableau et diriger le regarde du spectateur vers la profondeur de mon tableau.
Je trouve que connaitre les régles de la composition est indispencable pour l’artiste peintre. Comment organiser la composition du tableau vous pouvez lire dans mon article “Composition dans la peinture” où j’analyse plusieurs types de compositions sur les exemples des tableaux des grands artistes peintres.
Ensuite je rends la mer de deux côtés des reflets du soleil encore plus foncée pour faire resortir l’effet du soleil en contre jour.
Pour finaliser mon étude je rends les vagues et les reflets sur le sable au premier plan encore plus contrastés.
Mon tutoriel vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour
Maintenant je vous propose de regarder mon tutoriel vidéo qui vient de ma chaîne Youtube“Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour” dans lequel vous pouvez voir tout le processus du travail.
Je vous invite également à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour”. Est-ce que cet article est intéressant et utile pour vous. Et bien sûr, n’hésitez pas à m’écrire si vous avez des questions ou si vous avez besoin de mon aide dans vos créations artistiques. Je suis toujours contente de vous aider !
Souvent j’entends que l’aquarelle est une technique difficile car on ne peut pas corriger les erreurs. Ce préjugé peut bloquer la création et l’envie de travailler dans cette belle technique. Donc dans cet article je vais vous montrer comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.
Cinq techniques simples pour rattraper les erreurs à l’aquarelle.
Laver complétement votre feuille de papier sous l’eau courante
Enlever les couleurs avec une éponge de mer
Recouvrir avec la couche supérieure de peinture
Enlever les couleurs à l’aide d’un pinceau
Gratter le papier avec le Cutter.
1. Laver la feuille de papier.
La première astuce, laver la feuille de papier sous l’eau courante est utile uniquement si vous voulez effacer complètement la peinture du papier et si votre papier aquarelle est de très bonne qualité. Je vous conseille d’utiliser plutôt la deuxième technique et enlever les couleurs à l’aide de l’éponge de mer.
2. Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle avec l’éponge de mer.
Rattraper les erreurs à l’aquarelle avec l’éponge de mer est une technique très simple. Il suffit juste de mouiller bien l’endroit d’où vous voulez enlever des couleurs avec l’éponge et ensuite enlever les couleurs avec l’éponge égouttée. Je vous conseille d’utiliser l’éponge de mer, car cette éponge n’abîme pas beaucoup la surface de papier aquarelle par rapport aux autres éponges. Cette technique vous pouvez voir dans les parties 1 et 2 de mon tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.
3. Comment corriger les erreurs avec la couche supérieure de peinture.
Si dans votre peinture il y a les endroits où la couche de peinture n’était pas bien mise. Par exemple, il y a de petites coulures, le lavis n’est pas suffisamment uniforme, les gouttes d’eau ont déchirées la surface de fondu dans la couche demi-sèche etc ….
Si vous avez encore de la marge au niveau de la tonalité et des valeurs de gris, vous pouvez tout simplement recouvrir cette couche de peinture avec une couche supérieure.
Juste faites attention, malgré le fait que les couleurs de la couche supérieure doivent être plus au moins opaques pour recouvrir la couche inferieure, il ne faut pas oublier qu’avec les glacis on travaille quand même dans la transparence et votre couche supérieure ne doit pas être trop lourde et avoir trop de mélanges de couleurs.
Comment faire cela, vous pouvez le voir dans la partie 2 de mon tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle, que j’ai mis en bas de cet article.
4. Comment rattraper les erreurs à l’aide d’un pinceau.
C’est la technique que j’utilise le plus. Pour rattraper les erreurs à l’aquarelle avec un pinceau j’utilise principalement les pinceaux au poil de petit gris, de putois Sibérien ou de martre. Parfois vous pouvez utiliser le pinceau synthétique mais ce pinceau absorbe très peu l’eau, donc il est utile pour enlever la couleur, mais pour après retirer de la surface de papier vous aurez besoin d’un pinceau qui absorbe bien de l’eau, comme le pinceau en petit gris ou en putois Sibérien.
Donc pour enlever la couleur de la surface de papier il faut mouiller avec le pinceau l’endroit que vous voulez corriger et ensuite retirer les couleurs avec un pinceau bien égoutté. Cette technique est efficace pour corriger les petits détails, les coulures, les contours, la tache de lumière. Comment corriger avec le pinceau vous pouvez le voir dans les parties 1 et 2 de mon tutoriel.
5. Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle avec un cutter.
Pour enlever les couleurs avec le cutter on doit gratter la surface de papier avec sa lame. Cette technique peut être utilisée sur les petites surfaces, par exemple si vous avez oublié de réserver une place pour la tache de lumière. Faites attention, avec le cutter vous enlever les couleurs définitivement et vous ne pourrez pas retravailler les endroits corrigés car le cutteur abîme la surface de papier. Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle avec le cutter vous pouvez le voir dans la partie 1 de mon tutoriel.
Maintenant je vous propose de regarder les 2 parties de mon tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.
Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle. Partie 1
Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle. Partie 2
Dans cet article vous allez découvrir comment peindre les vagues à l’aquarelle. Je vais vous montrer tout le prossesus de travail sur exemple de mon étude aquarelle que j’ai réalisé en plein air d’après nature.
Dans cet article nous parlerons:
Quel est le prossesus et l’ordre du travail.
1.Comment peindre le ciel. Quelle technique utiliser et quelles couleurs utiliser pour peindre le ciel.
2.Comment peindre les vagues à l’aquarelle.
3.Comment peindre l’écume sur les vagues. Les nuances des techniques, les couleurs à utiliser pour peindre la mer, quelle est la structure des vagues.
3. Comment peindre les oiseaux volants.
4. Comment corriger les erreurs à l’aquarelle.
5. Et a la fin on regardera le tutoriel vidéo“Comment peindre les vagues à l’aquarelle” pour voir tout le prossesus de travail.
Comment peindre les vagues à l’aquarelle.
Je commence souvent mes aquarelles par mouiller ma feuille de papier en rajoutant dans l’eau un peu de couleur jaune. Jaune de cadmium moyen. C’est une couleur opaque mais pure, sans mélange, elle convient très bien pour la première couche de peinture. J’ai remarqué qu’il y avait moins de risque de rendre la peinture boueuse si l’on travaille avec les couleurs froide par-dessus les couleurs chaudes dans les glacis. Donc pour la première couche je choisis très souvent la couleur chaude, l’Ocre jaune ou encore plus souvent le Jaune de Cadmium moyen.
Comment peindre le ciel à l’aquarelle
J’ai mis un peu de jaune de cadmium moyen sur ma feuille et de suite je commence à travailler avec le lavis sur le ciel. Je fais un dégradé de haut en bas. Je commence par les couleurs assez foncées et je vais vers les couleurs plus claires vers la ligne d’horizon. Le ciel est en général rarement « bleu ». Il peut être vert, jaune, rose, rouge, violet, et bleu aussi. La règle générale, pour peindre le ciel à l’aquarelle il faut allez toujours de haut en bas en commençant par les couleurs plus froides et foncées en haut et les couleurs plus chaudes et claires vers le bas, vers la ligne d’horizon. Cet effet d’optique s’explique par l’épaisseur de l’atmosphère de la terre qui a la couleur plutôt chaude.
Pour peindre le ciel je fais souvent le lavis sur le papier bien mouillé pour laisser fondre les couleurs de dégradé.
Pour peindre le ciel j’ai utilisé les couleurs bleues : bleu d’outremer, bleu indanthène (presque 100 % la même tonalité que le bleu de Prusse, bleu de cobalt, bleu d’outremer et un peu de gris de Payne (pour casser la vivacité des bleus). Et les couleurs plus chaudes : le jaune de cadmium moyen,la laque de garance ( dans ma boîte de peinture il a remplacé l’alizarine, mais comme ce sont des couleurs très proches au niveau de la tonalité et les caractéristiques ( les deux sont transparentes), quand on travaille, on ne voit pas de différance.)
Technique simple pour peindre les nuages à l’aquarelle
Ensuite je commence à peindre les nuages. Je profite que le papier soit toujours très mouillé et j’enlève la couleur dans les endroits où je veux placer les nuages avec un pinceau. Je vous conseille d’enlever la couleur du papier mouillé avec le pinceauen petit gris. Ce pinceau récupère et retient plus d’eau et de couleurs que le pinceau synthétique ou le pinceau en putois de Sibérie.
Faites attention, je travaille uniquement sur le papier très mouillé. Donc pour réaliser les nuages il faut commencer à travailler de suite après avoir fait le lavis du ciel. Sinon on risque d’avoir l’effet que l’eau appliquée sur la couche de peinture demi-sèche va “déchirer” les couleurs de la couche inférieure. D’ailleurs on peut utiliser cette capacité de la peinture d’aquarelle de « déchirer » la couche inférieure pour faire les taches de lumière sur l’eau par exemple, les embruns ou l’écume sur les vagues. Comment faire cela on le verra plus tard dans cet article.
Comment peindre la mer avec les vagues à l’aquarelle
Maintenant je commence à peindre la mer. Quand je travaille en plein air j’utilise rarement le liquide de masquage, je réserve tout simplement les endroits que je veux laisser clairs. Je vous rappelle que dans l’aquarelle classique le pigment blanc ne s’utilise pas.
Le blanc, c’est la couleur de papier. Il existe les techniques ou vous pouvez utiliser la gouache blanche, mais alors ce sont les techniques mixtes. On parlera de ces techniques plus tard. Pour l’instant pour apprendre l’aquarelle classique je vous conseille de ne pas utiliser le blanc.
Je travaille toujours dans le mouillé vers la ligne d’horizon. Cela me permet de montrer l’air, l’humidité et la profondeur.
Pour peindre la mer j’utilise les couleurs bleues : bleu de cobalt, bleu de Prusse (ou bleu d’indanthène ), bleu d’outremer, bleu d’azur. Pour casser la vivacité des bleus je raujoute le gris de Payne. J’utilise aussi le jaune de cadmium moyen, la laque de garance, le violet quinacridone, l’ocre jaune.
Comment peindre les vagues à l’aquarelle
Pour peindre les vagues à l’aquarelle il fait comprendre la structure des vagues et apprendre à peindre l’écume sur les vagues. Commençons par apprendre à peindre l’écume. C’est assez simple.
Comment peindre l’écume sur les vagues
Au début de mon travail j’ai réservé quelques endroits blancs où j’estimais placer l’écume.
Maintenant je laisse ma feuille sécher un peu pour obtenir cette fameuse couche demi-sèche, je prends assez d’eau sur mon pinceau et je mets de l’eau sur les endroits où je veux placer l’écume. Les gouttes d’eau vont déchirer le pigment sur la couche inférieure et on va obtenir l’effet d’écume.
Faites attention, ne laissez pas trop sécher votre feuille, si non la couche de peinture ne sera pas “déchirée” par l’eau appliquée.
Comment peindre les vagues à l’aquarelle sur une couche de peinture sèche.
Comment corriger les erreurs à l’aquarelle.
Maintenant je veux faire la vague avec l’écume au premier plan. Tout au début de mon travail je n’ai pas laissé assez de place réservée au blanc pour l’écume et en plus la couche de peinture est déjà sèche. Mais ce n’est pas grave, cela me donne la possibilité de vous montrer comment corriger les erreurs à l’aquarelle.
Il ne faut jamais avoir peur de faire des erreurs ! Tous les artistes peintres, même les plus professionnels font des erreurs. Les erreurs font partie de travail du peintre. Si vous craignez de faire une erreur, une mauvaise manipulation, ne pas mélanger de bonnes couleurs, il sera très difficile d’avancer. La crainte de faire une faute va vous bloquer. Sachez que l’on peut corriger presque toutes les erreurs à l’aquarelle. Les différentes façons de corriger des erreurs à l’aquarelle vous pouvez les trouver dans mon Tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle. Et maintenant on va parler d’un cas concret.
Comment faire un rouleau d’écume sur une vague si le papier est déjà sec.
On va tout simplement mouiller bien l’endroit où on va faire l’écume. Et ensuite on va enlever la couleur de cet endroit pour obtenir la couleur du papier blanc. Après cela il ne nous reste qu’à mettre encore de l’eau sur cet endroit déjà clair pour obtenir l’effet d’écume. Comment faire cela techniquement on verra cela à la fin de ce cours dans le tutoriel vidéo.
Ensuite je vais rajouter un peu de volume dans mes vagues. Pour cela je fais des ombres sur l’écume. Malgré que l’écume soit “blanche” pour faire son volume on a besoin de montrer des ombres. En fait la couleur blanche n’existe pas dans la nature, comme d’ailleurs la couleur noire. Dans les endroits qui nous paraissent blancs il y a plein de couleurs claires…. Jaunes, roses, bleus…. Et pour montrer que c’est un endroit très clair il faut rendre les ombres très foncées…. Et oui, on voit les couleurs et les valeurs du gris en comparaison.
Il n’y a pas de lumière sans ombre ! Donc pour montrer que l’écume est blanche je fais les ombres assez foncées et la mer autour de l’écume plus foncée aussi. Comment montrer le volume d’un objet vous pouvez le lire dans mon article “Comment dessiner en volume“.
Ensuite je rends le premier plan plus foncé. Comme cela je montre la profondeur en utilisantles régles de la perspective aérienne. Plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon plus il devient clair et froid. Plus l’objet s’approche de nous, plus il devient foncé et chaud.
Maintenant je commence à peindre l’endroit où je veux montrer le rouleau de la vague sans écume. Pour montrer la transparence de l’eau dans cet endroit on peut rendre le bord et la base du rouleau de la vague plus foncés et le centre du rouleau, plus clair.
Pour comprendre la construction d’une vague je vous propose d’observer ce tableau d’Ivan Aïvazovski. Ici on voit bien la transparence de la vague. Tout en haut de la partie transparente de la vague on voit le contour foncé et en bas l’ombre assez foncée, ce qui faire ressortir la partie claire au centre de la vague et comme cela montrer sa transparence.
Ivan Konstantinovich Aïvazivski
Revenons à notre aquarelle. Pour souligner les vagues et montrer le ressac je fais les coups de pinceau en suivant la forme et la direction de la vague. J’essaie toujours mettre les coups de pinceau en suivant la forme de l’objet, cela m’aide à faire ressortir le volume et la profondeur d’avantage.
Sur l’image suivante vous voyez que je rends la mer autour de l’écume en peu plus foncée avec les coups de pinceau horizontaux qui m’aide à faire ressortir la couleur claire de l’écume et montrer la surface de la mer.
Ensuite je souligne les vagues au premier plan.
Et je place un petit voilier très proche de la ligne d’horizon pour encore plus montrer la profondeur.
Mais il y a encore d’autres moyens pour montrer la profondeur. Je vais dessiner quelques oiseaux.
Comment montrer la profondeur avec les oiseaux
Donc je place quelques oiseaux de tailles et de tonalités différentes. Plus un oiseau est proche de nous plus il est grand et foncé, plus un oiseau s’éloigne vers la ligne d’horizon plus il est clair et petit. Comme cela on utilise les règles de la perspective linéaire et de la perspective aérienne pour montrer la profondeur. Et bien sûr plus un oiseau est proche de nous plus qu’il est détaillé.
Et au final je vais unifier un peu mon étude. Il arrive de temps en temps que l’artiste travaille énormément sur le tableau, il s’applique beaucoup pour réaliser de jolis détails et à la fin il comprend que malgré que les détails soient très jolis et bien faits, ils sautent trop aux yeux et empêchent le spectateur voir le tableau en entier. Donc c’est le moment pour unifier le tableau et se débarrasser des détails qui sont excessifs ou mal placés.
C’est le moment le plus difficile dans le travail d’artiste. Savoir unifier le tableau !
Donc dans mon cas, j’ai décidé de me débarrasser des petites pierres au premier plan. En même temps je rends le premier plan plus foncé. Premièrement j’ai enlevé un peu la couche de peinture au premier plan et comme cela presque effacé les petites pierres. Et ensuite je mets le glacis transparent mais assez foncé. Cela m’aide aussi à faire ressortir le premier plan.
Voilà le résultat
A la fin de cet article je vous invite à regarder mon tutoriel “Comment peindre le vagues à l’aquarelle” qui vient de ma chaîne Youtube. Je vous propose également à vous abonner sur ma chaîne Youtube pour être averti de tous mes nouveaux tutoriels vidéo.
Comment peindre les vagues à l’aquarelle. Le tutoriel.
Merci d’avoir lu cet
article. Cela me fera très plaisir si vous me laissez des commentaires. Ils
m’aident énormément à améliorer la qualité de mes articles. Si vous avez des
questions n’hésitez pas à me les poser. Je suis toujours contente de vous aider
!
Aujourd’hui je
vais vous raconter comment peindre une rose à l’aquarelle.
C’est tellement beau les fleurs d’été, nous avons souvent envie de les peindre ou de les dessiner. Mais souvent cela nous paraît difficile. Quand on réalise un bouquet de fleurs ou une fleur, on rencontre souvent quelques problèmes. Comment faire de façon pour que notre fleur ou notre bouquet soit en volume ? Comment faire pour que notre fleur soit « vivante » ?Comment faire pour sentir l’odeur de cette fleur ?Quelles couleurs choisir pour peindre une rose ou une autre fleure ?
La première chose qu’il faut savoir, la fleur c’est une forme comme les autres, donc pour peindre une fleur il faut respecter les mêmes règles qui nous aident à dessiner et peindre en volume. La méthode simple comment rendre n’importe quel objet volumineux vous pouvez la trouver dans mon article « Comment dessiner en volume ». Quand on dessine ou peint une fleur, dans notre cas c’est une rose, on doit comprendre qu’il a le volume de la rose en entier et le volume de chaque pétale ou de chaque feuille. Et d’abord on doit s’occuper du volume de la fleur en entier et après du volume des pétales.
Pour voir le volume il est très utile de regarder votre peinture et votre sujet, dans notre cas le rose, en plissant les yeux. C’est vraiment une très bonne technique pour voir les volumes et les valeurs du gris qui sont souvent négligées par les débutants. Je vous conseille fortement d’utiliser cette technique ! Le dessin est la base de la peinture ! Faites toujours attention aux valeurs de gris quand vous peignez !
Maintenant nous allons voir comment peindre une
rose à l’aquarelle étape par étape.
Cette fois-ci pour peindre une rose j’ai décidé d’utiliser le liquide de masquage pour protéger les endroits que je veux garder en blanc pour le moment. En plus pour peindre une rose je veux utiliser les fondus et en ce cas-là le liquide de masquage aide énormément. Car quand on fait les fondus il est très difficile de garder les endroits blancs. Donc je commence par mettre le liquide de masquage sur les endroits que je veux laisser blancs dans mon aquarelle.
Quelle couleur utiliser pour la première couche de peinture ?
Ensuite je mets la première couche de peinture. Pour la première couche je choisie souvent le jaune de cadmium moyen. C’est une couleur opaque ou semi-opaque ( dépend de la marque d’aquarelle, dans mon cas, c’est l’aquarelle White Night 36 couleurs en godets). Le jaune de cadmium moyen me convient très bien pour la première couche car c’est une couleur que nous apercevons partout dans la nature. Dans la terre, dans le ciel, dans l’eau, dans les feuilles des arbres etc.
La première
couche me sert aussi pour dégraisser ma feuille de papier aquarelle.
Quelle technique utiliser pour peindre une rose ?
Cette fois-ci pour peindre une rose j’utilise les deux techniques le plus utilisées en aquarelle. Les fondus et les glacis.
Après avoir appliqué la première couche, je commence à peindre une rose en rajoutant les couleurs pendant que la première couche reste encore très humide pour faire les fondus. Rappelez-vous que pour réaliser les fondus on travaille uniquement sur une couche très humide avec le pinceau bien rempli de couleur et d’eau pour faire les fondus sur les surface assez grandes et avec le pinceau presque égoutté, mais toujours avec beaucoup de couleur, si vous voulez faire les détails et être plus précis.
Rappelez-vous que la peinture aquarelle perd environ 30% de son intensité après le séchage. Donc surtout pour faire les fondus prenez toujours beaucoup de couleur sur votre pinceau et toujours la couleur est un peu plus intensive que ce comment vous la voyez dans la nature.
Ensuite je commence à travailler avec les glacis pour tracer les pétales.
Faites attention, quand je travaille avec les glacis, à travers la couche supérieure on peut toujours voir les couleurs de la couche inférieure. Donc pour réussir les glacis faites toujours attention pour que la peinture de la couche supérieure soit transparente. Pour faire la couche supérieure dans les glacis utilisez de préférence les couleurs transparentes ( alizarine, bleu outremer, violet quinacridone etc. )
Et s’il vous plaît, ne mélanger pas plus que deux – trois couleurs ! Rappelez-vous que à travers la couche supérieure on doit voir les couleurs de la couche inférieure et cela fait déjà les couleurs supplémentaires dans notre mélange. Sur le mélange des couleurs en aquarelle vous pouver lire mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle“.
Pour peindre une rose, notamment les pétales j’utilise les fondus dans les glacis. Cela veut dire que pour faire les pétales dans la couche supérieure du glacis je fait les fondus. Par exemple je mes l’alizarine et pendant que la couleur reste humide je rajoute un peu de bleu d’outremer ou d’ocre jaune pour fair les fondus à l’intérieur du glacis.
Pour commencer à travailler sur le fond et sur les feuilles je ragoute encore le jaune de cadmium moyen sur le fond.
Et pendant que la couche de jaune de cadmium moyen reste humide je commence à appliquer les couleurs vertes pour tracer les feuilles.
En même temps je mets les couleurs sur le fond. J’essaie faire le maximum dans cette première couche de fondus. Mais si la couche sèche trop vite et que vous n’arrivez pas à finir votre fondu, ne vous inquiétez pas et n’essayez pas de travailler sur une couche demi-sèche. Laissez sécher complètement votre peinture, appliquer de nouveau l’eau, peut-être avec un peu de couleur de base et continuez à travailler sur les fondus.
Comme vous pouvez voir sur cette image, comme je n’ai pas eu le temps pour finir le fondu du fond, j’ai laissé sécher et appliqué de nouveau la couleur de base pour continuer tranquillement mes fondus.
Comme vous pouvez voir sur cette image, comme je n’ai pas eu le temps pour finir le fondu du fond, j’ai laissé sécher et appliqué de nouveau la couleur de base pour continuer tranquillement mes fondus.
Les couleurs foncées du fond m’aident aussi à ajuster les contours et la forme de la rose.
Après avoir fini le fond je continue à mettre en forme les pétales. Pour peindre les pétales j’utilise tout à fait la même technique que pour le fond. Juste pour être plus précise dans mon travail je peins sur la couche humide avec le pinceau bien égoutté. Ce qui me permet de faire les coup de pinceau et de fondus plus précis.
Pour peindre les feuilles j’utilise les fondus pour la première couche et les glacis pour deuxième couche. Pour la deuxième couche j’utilise souvent les couleurs froides. Mais pas toujours, des fois je suis obligée d’utiliser les couleurs chaudes pour la deuxième couche. Alors en ce cas-là j’essaie d’utiliser les couleurs pures ou le minimum de mélange. Et je tâche toujours garder la transparence de la couche d’aquarelle.
Ensuite j’enlève le liquide de masquage. Faites attention pour enlever cette espace de colle complètement. Et bien sûr avant d’enlever le liquide de masquage assurez vous que votre peinture soit complétement sèche.
Après avoir enlevé le liquide de masquage il nous faut adoucir les contours. Le problème du liquide de masquage c’est que les endroits couverts réstent trop blancs et ne s’integrent pas naturellement dans la peinture. Ce qui ne se passe pas quand on garde tout simplement les endroits clairs de notre aquarelle en les contournant, sans utiliser la liquide de masquage.
C’est pour cela que quand on travaille avec les glacis, je ne conseille pas d’utiliser le liquide de masquage, tout simpleumente faire attention pour ne pas couvrir avec la couleur foncée les endroits qui doivent rester clairs. Mais c’est beaucoup plus difficile à faire quand on travaille avec les fondus. C’est pour cela que dans cette peinture ou on fait beaucoup de fondus j’ai choisi d’utiliser le liquide de masquage.
Donc après avoir enlevé la liquide du masquage on doit intégrer les endroits couverts par le liquide de masquage dans notre peinture. Pour faire cela il faut absolument adoucir les contours et mettre un peu de couleurs sur les endroits blancs. Pour apprendre comment adoucir les contours et comment corriger les petits erreurs dans l’aquarelle je vous propose de consulter la partie 2 de mon tutoriel video “Comment peindre une rose à l’aquarelle”. La partie 1 et la partie 2, tous les deux cours vidéo vous pouvez les trouver à la fin de cet article.
Pour apprendre à peindre une rode à l’aquarelle je vous conseille de regarder ces videos, ou vous trouverez l’information supplémentaire. Et plus les cours vidéo sont très visuels, là vous pouvez voir tout le processus de travaille en détail.
Donc après avoir intégré les endroits couverts par le liquide de masquage je commence à retravailler les pétales.
Ici je veux attirer votre attention sur le fait que je ne travaille pas sur chaque pétale. Je rends les pétales plus contrastés et plus détaillés uniquement au centre de la rose et à l’endroit ou l’ombre et la lumière se rencontrent.
Comme cela je montre le premier plan de ma rose et en même temps j’essaie de montrer un espace de l’odeur de la rose ou le mouvement d’air. Pour faire cela je laisse les contours de la rose et de ces pétales assez flous.
Pour peindre une rose j’ai choisi une journée très ensoleillée. Pour montrer le soleil et la lumière je rends ma peinture très contrastée dans les endroits où je peut me permettre de le faire, par exemple sur les feuilles et sur le fond.
Donc si vous voulez montrer le soleil, n’ayez pas peur de rendre les ombres foncées ! Et bien sûr rappelez- vous toujours une règle, si la lumière et chaude, l’ombre est froide et si la lumière est froide, l’ombre est chaude ! Ce principe vous pouvez le voir clairement sur les feuilles ou la lumière est chaude car c’est une lumière de soleil et les ombres sont froides, car on voit toujours les reflets du ciel bleu dans les ombres.
Je fais la même chose sur le fond. Le fond est froid dans son profondeur, ce qui met en valeur les couleurs douces de la rose et rend même les ombres de la rose qui sont assez froides, relativement chaudes si on les compare avec le fond.
Dans la nature tout est relatif. On aperçoit les couleurs l’une par rapport aux autres. Par exemple si on va mettre la même rose avec tout à fait les mêmes couleurs sur le font chaud, la rose nous paraitra beaucoup plus froide que si l’on la mise sur le fond froid.
Mais même dans le fond froid il y a les endroits plus chaud, comme la terre au premier plan. En je profite de cet endroit pour mettre les ombre froides en diagonale et comme cela souligner la profondeur du fond.
Maintenait je vous invite à regarder la première et la deuxième partie de mon cour vidéo. Je vous propose également d’essayer de peindre une rose en utilisant la technique que je montre dans ces vidéos comme cela vous appliquerez de suite les connaissances acquises dans cet article.
Aujourd’hui comme promis je publie les caractéristiques des couleurs de la marque d’aquarelle White Night.
Ici vous voyez la boîte d’aquarelle et le nuancier des couleurs d’aquarelle White Night. (Célèbres nuits blanches de Saint-Pétersbourg).
La boîte d’aquarelle White Night
A mon avis l’aquarelle White Night c’est une des meilleures marques d’aquarelle au monde. C’est l’aquarelle que j’utilise personnellement. J’utilise la boîte d’aquarelle de 24 couleurs en godets. Mais dans cet article je vais vous montrer le nuancier de la boîte d’aquarelle de 36 couleurs. Les pigments de cette marque sont de très bonne qualité. Les couleurs sont fines et concentrées. La plupart des couleurs sont exceptionnellement résistantes à la lumière. Je n’ai pas pour but ici de faire la pub pour cette marque d’aquarelle, mais franchement c’est l’aquarelle que je préfère à toutes les autres !
Ma dernière aquarelle faite avec les couleurs de l’aquarelle White Night pour mon tutoriel Comment peindre une rose à l’aquarelle.
Donc dans la
boîte de 36 couleurs de la marque d’aquarelle White Night on trouve les
couleurs suivantes :
Nuancier des couleurs d’ aquarelle White Night
Les numéros des couleurs correspondent aux numéros sur le nuancier.
Blanc
Jaune
de cadmium citron
Jaune
de Cadmium moyen
Hansa
jaune
Ocre
jaune
Ocre
d’or
Orange
foncé ( Orange de cadmium foncé )
Rouge
de Titien
Rouge
de Cadmium
Rouge
de Rubis
Rouge
de carmin
Alizarine
ou Laque de garance rouge clair
Rouge
anglais
Violet
quinacridone
Rose
quinacridone
Violet
Bleu
Outremer
Bleu
de Cobalt
Bleu
d’azur
Bleu
indanthène
Bleu
turquoise
Bleu
Céruléum
Indigo
Vert
jaune ( Vert de Cobalt)
Vert
émeraude naturelle
Vert
( Vert de Cobalt foncé )
Vert
olive
Vert
Oxyde de Chrome
Terre
de Sienne naturelle
Terre
de Sienne brûlée
Terre
d’ombre
Terre
d’ombre brûlée
Brun
de Mars
Sépia
Noir
neutre
Gris
de Payne
Faites attention, les caractéristiques (opacité,
intensité, transparence) des couleurs appartiennent aux couleurs de ce
fabricant ! Chez les autres fabricants les mêmes couleurs peuvent
avoir des caractéristiques légèrement différents et mêmes les couleurs qui portent
les mêmes appellations peuvent avoir des teintes
un peu différentes.
Les couleurs d’aquarelle White Night
1
.Blanc
Je déconseille
d’utiliser cette couleur pour la peinture en aquarelle.
Blanc dans l’aquarelle, c’est la couleur du papier ! Dans les techniques
mixtes vous pouvez toujours utiliser le blanc de gouache. Pour garder les
endroits qui doivent rester blancs dans votre peinture d’aquarelle, comme par
exemple les tâches de lumière, vous pouvez utiliser le liquide de masquage.
2 .Jaune
de cadmium citron
Couleur opaque. Je ne
vous conseille pas de l’utiliser dans les glacis car elle est très mal absorbée
par le papier et trop couvrante. En mélange avec le noir elle donne de jolies
nuances du vert chaud.
3 .Jaune
de Cadmium moyen
Bonne couleur opaque,
surtout pour les premières couches de peinture et dans le fondu et en mélange
avec d’autres couleurs opaques.
4 .Hansa
jaune
Jolie couleur
semi-opaque. Très jolie pure et en mélange avec toutes les couleurs.
5
.Ocre jaune
Belle couleur
semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.
6.
Ocre d’or
C’est une couleur
semi-opaque. Elle est assez puissante et dans les mélanges je vous conseille de
faire attention à la proportion de cette couleur.
7.
Orange foncé. (Orange de cadmium)
Couleur assez opaque.
Elle se mélange bien avec tous les couleurs opaques.
8.
Rouge de Titien
Couleur chaude, opaque
et puissante.
9.
Rouge de Cadmium
Couleur opaque qui se
mélange très bien avec la majorité des couleurs, surtout avec les couleurs
opaques.
10.
Rouge de Rubis
Belle couleur
transparente. Assez froide. Se mélange bien avec toutes les couleurs.
11.Rouge
de carmin
Couleur transparente,
très froide. Cette belle couleur se mélange bien
avec toutes les couleurs.
12.Alizarine
Très belle couleur transparente.
Se mélange avec toutes les couleurs. Chez ce fabricant dans les boîtiers
aquarelle de 36 couleurs, Alizarine est parfois remplacée par Le Laque de
garance rouge clair qui la remplace bien car il a presque les mêmes
caractéristiques.
13.Rouge
anglais
Jolie couleur opaque.
Se mélange avec toutes les couleurs opaques.
14.
Violet quinacridone
Belle couleur
transparente. Très jolie en mélange avec les rouges et dans les fondus.
15.
Rose quinacridone
Couleur transparente
et assez puissante. Dans les mélanges et les fondus elle a tendance de dominer
les autres couleurs.
16.
Violet
Couleur transparente
et puissante. Comme la Rose quinacridone, elle a aussi la tendance
de dominer les autres couleurs.
17.
Bleu Outremer
Très belle couleur
transparente. Se mélange avec toutes les couleurs.
18.
Bleu de Cobalt
Jolie couleur
transparente. Très douce. Très jolie pure dans les glacis. Se mélange avec
toutes les couleurs.
19.
Bleu d’azur
Couleur assez
transparente et puissante. Jolie en mélange avec les jaunes, les ocres et les
verts et les bleus.
20.
Bleu indanthène
Belle couleurs
transparente. Dans les mélanges rends les autres couleurs froides plus
profondes.
21.
Bleu turquoise
Couleur transparente.
Jolie en mélange avec les verts et les bleus.
22.
Bleu Céruléum
Couleur opaque et
granulée. Il peut être utilisé pur ou en petit pourcentage dans les mélanges.
23.
Indigo
Couleur transparente.
En mélange avec les verts froids et les bleus rends les couleurs plus
profondes.
24.
Vert jaune ( Vert de Cobalt)
Jolie couleur
semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.
25.
Vert émeraude naturelle
Couleur transparente
et très puissante. Dans les mélanges domine les autres couleurs.
26.
Vert ( Vert de Cobalt foncé )
Très belle couleur semi-opaque.
Se mélange avec toutes les couleurs, très jolie dans les fondus.
27.
Vert olive
Jolie couleur
semi-opaque ou plutôt opaque. Très jolie pur. Se mélange bien avec les couleurs
opaques.
28.
Vert Oxyde de Chrome
Couleur très opaque. Peut-être
trop couvrante. Se mélange avec les couleurs opaques et
semi-opaques.
29.
Terre de Sienne naturelle
Très jolie couleur
semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.
30.
Terre de Sienne brûlée
Belle couleur opaque.
Se mélange bien avec toutes les couleurs
31.
Terre d’ombre
Très jolie couleur
opaque. Se mélange bien avec les Terres, les verts et les ocres
32.
Terre d’ombre brûlée
Très belle couleur
opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.
33. Brun de mars
Jolie couleur
semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.
34.
Sépia
Belle couleur opaque.
Se mélange avec toutes les couleurs.
35. Noir neutr
Couleur semi-opaque.
Donne de jolies nuances de vert chaud en mélange avec les jaunes.
36.
Gris de Payne
Couleur semi-opaque ou
plutôt opaque.
Un conseil…
En conclusion je veux vous donner un conseil. Je répète ce conseil à chaque fois que je parle du mélange des couleurs. Si vous respectez les règles de mélange des couleurs vous pouvez facilement faire de jolis mélanges. Et plus que vous pratiquez l’aquarelle, plus c’est facile.
Dans mon article Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle vous pouvez l’information sur le mélange des couleurs qui convient pour toutes les marques d’aquarelle et voir les exemples pratique du mélange des couleurs.
Donc les règles principales du mélange des couleurs d’aquarelle qui marchent bien sûr pour l’aquarelle White Night, mais encore pour toutes les autres marques d’aquarelle.
1. Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques.
2. Si vous travaillez avec les glacis, prenez toujours en considération les couleurs de la couche inférieures de votre peinture, car elles vont influencer les couleurs de la couche supérieure. Si dans chaque couche vous mélangez trop de couleurs, cela peut rendre votre peinture boueuse et fatiguée.
3. Utilisez principalement les couleurs mono-pigmentaires. Si vous utilisez les couleurs bi-pigmentaires, ne mélangez-les pas avec plus qu’une couleur ou utilisez- les sans mélange.
Et encore un petit secret ! J’ai remarqué que la peinture et plus jolie et moins fatiguée, si l’on travaille dans les glacis au début avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides. Si les couleurs chaudes (elles sont souvent opaques ou semi-opaques, donc plus couvrantes) sont posées par-dessus les couleurs froides (les bleus par exemples qui sont souvent transparentes), cela peut rendre la peinture lourde et fatiguée. Alors que si l’on met les couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes, on obtient la peinture plus légère et pure.
Les aquarelles de mes élèves réalisées avec l’aquarelle White Night.
Nathalie Deniskina. Nature morte campagnarde. Aquarelle.
Anne Nicol. Portrait du fils. Aquarelle.
Tatiana Viazgitcheva. Paysage avec le lac. Aquarelle.
Oxana Poltavtseva. Une rose. Aquarelle.
On ne voit pas souvent les boîtes d’aquarelle White Night dans les boutiques pour les artistes, mais on trouve cette aquarelle chez Amazon.
Boîte de 36 couleurs
Boîte de 24 couleurs
et chez Géant des beaux-arts.
Merci d’avoir lu cet article, j’espère qu’il était utile pour vous. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires. Je suis toujours contente de vous aider !
A bientôt ! 🙂
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Dans cet article on va voir comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.
En fait il y a beaucoup de tutoriels qui parlent du mélange des couleurs. Mais en réalité il est très difficile de l’apprendre avec même les meilleurs tutoriels. Il est impossible d’expliquer et montrer des millions des teintes et des nuances des couleurs qu’on peut obtenir. Le mélange des couleurs se fait automatiquement et selon votre expérience. Donc dans cet article je partagerai avec vous les méthodes comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.
Qu’est-ce qu’il faut savoir à propos des couleurs d’aquarelle…
Les pigments d’aquarelle sont les pigments qui s’utilisent pour toutes les autres techniques de peinture. Bien sûr qu’il y a les pigments qui appartiennent uniquement à telle ou telle technique. Il y a les pigments de la peinture à l’huile que l’on ne trouve pas dans l’aquarelle puis qu’ils sont trop opaques. Mais en général ce sont les mêmes pigments.
Souvent on appelle l’aquarelle la peinture à l’eau. Mais en pratique l’eau ne sert que de diluant pour l’aquarelle. Les couleurs d’aquarelle sont fabriquées à partir de pigments et de gomme arabique, de glycérine, du miel ou du sucre, de la dextrine de pomme de terre (pour certains pigments).
Comment réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle
Une chose qui est très importante à comprendre pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle c’est que Les couleurs d’aquarelles sont des couleurs transparentes. Toutes ! Dans beaucoup de tutoriels on peut trouver l’information que les couleurs d’aquarelle peuvent être transparentes et opaques, semi-opaques. Oui et non. Tout est relatif. Si l’on compare les couleurs d’aquarelle avec les couleurs d’huile, les couleurs d’aquarelles sont transparentes.
Cela veut dire si on met une couche de peinture d’aquarelle et après que l’on met une couche supérieure de peinture aquarelle ( en la diluant bien quand même avec de l’eau ) on pourra voir la couche inférieure à travers la couche supérieure. En plus les couleurs de la couche inférieure vont influencer les couleurs de la couche supérieure.
Mais parmi les couleurs d’aquarelle il y a les couleurs qui sont plus
transparentes que les autres.
Donc les couleurs d’aquarelle transparentes sont : Bleu outremer, Bleu de Cobalte, Bleu de Prusse, Rouge Vermillon, Carmin, Rouge Rubis, Vert émeraude, Alizarine, Laque de Garance etc… ( mais faites attention, les couleurs peuvent avoir les caractéristiques différentes en fonction de la marque choisie). Ce sont les pigments qui se diluent plus facilement, font des mélanges assez uniformes et s’absorbent bien par le papier. Cela explique leur transparence car la transparence est tout simplement la capacité de la couleur laisse passer la lumière reflétée d’un feuille de papier blanc.
Les couleurs plus opaques sont : Jaune de Cadmium, Jaune de Cadmium Citron, Vert oxyde de Chrome, Terre de Sienne, Terre de Sienne brûlée, Terre d’Ombre, Rouge anglais, Sépia ( faites attentions à la marque ! ) Ce sont les couleurs plus épaisses qui laissent passer moins facilement la lumière. Elles ne s’absorbent pas aussi facilement que les couleurs transparentes par une feuille de papier. Souvent elles sont assez granulées.
Comment mélanger les couleurs transparentes et opaques.
Quand on mélange uniquement les couleurs transparentes on obtient évidement les mélanges transparents.
Si l’on mélange la couleur transparente avec la couleur opaque, la couleur obtenue après le sèchement peut devenir assez fade. Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas du tout mélanger les couleurs transparentes avec les couleurs opaques. Il faut juste réspecter la règle qui nous dit qu’il ne faut pas mélanger plus que 2 couleurs ensemble dans les mélanges des couleurs opaques et les couleurs transparentes avec les couleurs opaques.
Et si l’on veut mélanger les couleurs opaques avec les couleurs opaques on obtient une couleur uniforme mais moins saturée que dans les mélanges des couleurs transparentes.
Je voudrais quand même vous faire remarquer que la transparence des
couleurs dépend souvent de la marque et de la méthode de fabrication. Donc
faites toujours attention à cela et faites des essais des nouveaux couleurs
avant de les utiliser dans votre peinture. Les appellations des couleurs
peuvent changer en fonction de la marque. Donc faites des essais.
Conseil important pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle
Le conseille que je peux vous donner, minimalisez l’utilisation de couleurs composées. Utilisez plutôt dans vos mélanges les couleurs pures (mono pigmentaires). Cela fera des mélanges beaucoup plus propres sans risque d’obtenir des mélanges boueux. Mais même quand vous mélangez les couleurs pures, faites toujours attention à la couche inférieure, aux couleurs de la couche inférieure. Si vous avez déjà utilisé plusieurs couleurs pour la couche inférieure, essayez de minimaliser les mélanges de la couche supérieure.
Dans ma boite d’aquarelle la majorité des couleurs, ce sont les couleurs
mono- pigmentaires.
le nuancier de ma boîte d’aquarelle
Donc trois règles pour bien mélanger les couleurs à l’aquarelle.
1.Ne mélangez jamais plus de 3 couleurs ensemble !
Ne
mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs opaques et pas plus que 2
couleurs pour les couleurs transparentes.
Cela vous aidera à garder la pureté de vos mélanges.
Comme dans l’aquarelle on utilise beaucoup de glacis, les couleurs de la
couche inférieure influencent les couleurs de la couche supérieure et si dans
chaque couche vous mélangez beaucoup de couleurs cela peut rendre votre
peinture boueuse.
Il vaut mieux même de ne pas mélanger plus que 2 couleurs si vous compter
après mettre encore quelques couches de peinture. Encore mieux utiliser pour la
première couche la couleur pure.
2. Travaillez d’abord avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides.
Il vaut mieux couvrir les couleurs chaudes comme par exemple l’Ocre, la Terre ou le jaune de Cadmium par les couleurs froides comme le bleu de Cobalt ou le bleu Outremer, Carmin, Alizarine et ne pas faire le contraire. Les couleurs chaudes sont les couleurs qui sont généralement plus opaques. Et les couleurs froides sont souvent transparentes. C’est donc mieux de mettre dans la couche supérieure plutôt les couleurs transparentes.
3. Diluez bien les couleurs avec de l’eau.
Et faites attention, travaillez sur une couche de peinture complétement sèche ou très humide pour faire les fondus par exemple. Evitez de peindre sur une couche demi-sèche. L’eau de la couche supérieure va déchirer la peinture de la couche inferieure si elle n’a pas encore assez sèche ou bien assez humide pour que la couleur de la couche supérieure puisse s’intégrer dans la couche inferieure.
Regardons les caractéristiques des couleurs et pourquoi il y des couleurs qui sont plus utilisées que d’autres.
Jaune de Cadmium Citron
C’est une couleur très opaque. Si vous la mélangez avec le Jaune de Cadmium Moyen ou le Noir (pour obtenir la couleur Verte) elle donnera de jolis mélanges.
Mais à part cela c’est une couleur trop opaque pour être utilisée dans les couches finales car elle va couvrir complétement les autres couches de peinture et va dominer les autres couleurs.
Pour la première couche je vous conseille de l’utiliser uniquement en petit pourcentage et en mélange avec le Jaune de Cadmium Moyen.
Jaune de Cadmium Moyen
C’est une couleur assez opaque mais elle donne de jolis mélanges.
J’utilise souvent cette couleur pure ou en mélanges avec l’Ocre (couleur opaque) ou le Rouge de Cadmium (couleur opaque) dans la première couche de ma peinture.
Cette couleur donne de jolis mélanges avec presque toutes les autres couleurs, mais évitez de la mélanger avec plus d’une couleur.
Par exemple pour peindre cette pomme j’ai choisi la technique du glacis. Pour faire la première couche de peinture j’ai mélangé le jaune de Cadmium citron et le jaune de Cadmium moyen et, pendant que la couche de peinture était encore humide, j’ai rajouté un peu de Rouge de Cadmium clair dans le fondu.
Ocre claire.
Chez certains fabricants cette couleur peut être remplacée par la Laque jaune, qui a les mêmes caractéristiques (peut-être un peu plus transparente).
C’est une bonne couleur. Elle donne de beaux mélanges, surtout avec les couleurs de Terre, Sépia, Verts, jaune de Cadmium Moyen.
N’hésitez pas à mélanger cette couleur avec les autres couleurs, mais pas plus que deux couleurs dans un même mélange.
Ocre jaune
Couleur assez vive, un peu plus transparente que l’Ocre claire (cela dépend de la marque).
Chez certains fabricants cette couleur est remplacée par le Jaune de Naples (c’est une couleur composée et opaque). J’ai aussi remarqué que chez les fabricants differants l’ocre jaune peut avoir les teintes légèrement differantes.
L’Ocre Jaune donne de beaux mélanges avec :
le Jaune de Cadmium Moyen
l’Ocre claire
l’Orange de Cadmium
Le vert de Cobalt
La Terre brulée, la terre d’Ombre
Et avec d’autres couleurs opaques dans les mélanges de deux couleurs.
Dans la deuxième couche de la peinture sur la pomme j’ai rajouté un peu d’ocre jaune et le Rouge de Cadmium. Pour faire la première couche de peinture sur le fond j’ai mis l’ocre jaune, l’ocre d’or et le jaune de Cadmium moyen. Je les ai mises pures sur le papier et les ai laissées se mélanger directement sur la feuille dans le fondu.
Orange de Cadmium
C’est une couleur opaque. Elle fait de jolis mélanges avec :
le Jaune de Cadmium
Le Rouge de Cadmium
Le Vert de Cobalt
Et toutes les couleurs de la Terre
Quand je vous dis que cette couleur se mélange avec telle ou telle couleur,
cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas la mélanger avec les autres
couleurs.
Il faut juste respecter la règle de ne pas mélanger plus de deux couleurs pour les couleurs opaques et plus de trois couleurs pour les couleurs transparentes.
Ocre d’Or.
C’est une jolie couleur assez opaque.
Elle se mélange bien avec :
Le Jaune de Cadmium
Le Rouge Anglais
Le Rouge de Cadmium
Le Vert de Cobalt
Le Vert Emeraude
Le Bleu de Cobalt, le Bleu Outremer
Les couleurs de la Terre… etc…
En fait l’Ocre d’Or fait de jolis mélanges avec presque toutes les
couleurs. Il faut juste bien mesurer les proportions des couleurs dans le
mélange. Mais cela vous arriverez vite à le gérer après seulement quelques
essais !
Terre de Sienne.
Belle couleur assez opaque qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.
En mélange avec le Bleu Outremer et le Bleu d’Azur, elle donne des nuances riches de Gris.
Quand je vous parle d’opacité des couleurs, c’est uniquement parce que les couleurs les plus opaques se mélangent mieux avec les couleurs opaques.
Le mélange d’une couleur opaque avec une couleur transparente peut devenir assez fade après séchage.
Mais cela ne veut pas dire qu’il ne faille pas du tout les mélanger !
Il faut encore une fois juste respecter la règle de mélange : pas plus que deux couleurs pour une couche !
Terre d’Ombre
Cette belle couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs.
Elle assez opaque comme toutes les couleurs de Terre et d’Ocre.
Faites attention ! Quand je dis « couleur opaque » cela veut dire que cette couleur est opaque par rapport aux couleurs transparentes de cette même marque.
Je veux vous rappeler que toutes les couleurs d’aquarelle sont transparentes.
Cela veut dire qu’au travers de la couche supérieure de la peinture on verra les couleurs de la couche supérieure.
La couche de peinture doit être toujours transparente !
9. Rouge Anglais
C’est une couleur assez opaque, mais elle donne de beaux mélanges avec les autres couleurs opaques.
L’opacité d’une couleur dépend aussi de la marque.
Les différents fabricants n’utilisent pas les mêmes compositions des couleurs, même si le pigment reste le même.
Donc l’intensité, l’opacité et la concentration d’une couleur dépend beaucoup de la marque.
Alors si vous avez acheté une nouvelle boîte d’aquarelle d’un fabricant différent de celle que vous aviez avant, faites un nuancier des couleurs pour comprendre leurs caractéristiques.
Rouge de Cadmium
C’est une couleur assez opaque et très forte comme la plupart des couleurs de Cadmium.
Cette couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs, surtout avec les couleurs opaques.
Quand vous mélangez des couleurs ne restez pas coincés sur la théorie !
J’adore la théorie, car je trouve que la théorie est une base forte pour la pratique et c’est pour cela que je sépare toujours les articles de mon blog entre deux parties, une théorique et une autre pratique.
Mais ici, c’est peut-être la première fois que je vous dis :
La théorie ne sert pratiquement à rien ! Mélangez les couleurs comme vous le sentez !
Respectez juste les deux règles :
Les couches doivent être toujours transparentes et ne mélangez pas plus que deux – trois couleurs.
Travaillez le plus possible avec les couleurs pures sans mélange si vous faites des glacis !
Priviligez les couleurs mono-pigmentaires.
Pour faire la troisième couche de peinture sur la pomme j’ai rajouté dans la partie éclairée un peu de vert de cobalt et un peu d’ocre jaune ( j’ai mis chaque couleur pure, sans mélange, car j’avais déjà deux couleurs mélangées dans la première couche de ma peinture) Et dans la partie d’ombre j’ai rajouté l’Alizarine.
Rouge de Carmin
Voilà bien la première couleur transparente de la liste.
C’est une couleur pure qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.
Les couleurs transparentes.
Les couleurs transparentes sont les couleurs qui se diluent très bien dans l’eau.
Elles sont bien absorbées par la feuille de papier et elles laissent facilement passer la lumière réfléchie du papier blanc.
Les couleurs opaques.
Les couleurs opaques ne sont pas bien absorbées pas bien par le papier et forment donc une couche de peinture qui reste plus à la surface du papier.
Elles sont plus granulées et épaisses, et souvent moins saturées.
Alizarine
Alizarine ! La reine des couleurs ! Ce n’est pas par hasard si les peintres l’appellent « le sang de la peinture » !
On ne peut pas imaginer la peinture sans cette magnifique couleur.
C’est une couleur transparente qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs
En la mélangeant avec le Bleu d’Outremer vous pouvez obtenir une très belle couleur Violette foncée.
Laque de Garance rouge claire
C’est une très jolie couleur. Elle a pratiquement les mêmes caractéristiques que l’Alizarine et peut la remplacer dans votre palette.
Bleu d’Azur
C’est une couleur très puissante, assez transparente qui donne de jolis mélanges.
l donne de jolies nuances de Vert en mélange avec le Jaune de Cadmiumcitron et le jaune de cadmium moyen.
Mais faites attention, si vous mélangez cette couleur avec plus que deux couleurs, le mélange deviendra lourd et parfois boueux.
Ne mélangez pas cette couleur avec plus qu’une autre couleur dans une couche de peinture si vous avez prévu de faire encors quelques couches.
Bleu de Cobalt
Couleur assez transparente et douce. Elle est très jolie pure, sans mélange, en glacis, et en mélange avec les autres couleurs elle donne des jolies nuances de Gris, Vert ou Bleu.
Bleu Outremer
Couleur magnifique ! Très transparente et assez puissante. Elle se mélange avec toutes les autres couleurs.
Violet
C’est une couleur assez transparente et assez puissante.
Mais faites attentions, cette couleur a la tendance à dominer les autres couleurs.
Cette couleur s’utilise rarement pure parce que trop puissante.
Je n’utilise pas beaucoup cette couleur, je préfère la composer moi-même en
utilisant toute la gamme des Bleus et Rouges.
Vert de Cobalt
C’est une couleur semi-opaque. Elle est très jolie en mélanges avec pratiquement toutes les autres couleurs.
Elle faut surtout de beaux mélanges avec :
Le Jaune de Cadmium
les Ocres
Le Bleus
Et parfois avec les Terres
En mélangeant cette couleur avec les Rouges vous pourrez obtenir des nuances de Brun.
Vert Oxyde de Chrome
C’est une couleur très opaque. Il y a encore cinquante ans vous ne trouviez pas cette couleur parmi les couleurs d’aquarelle.
C’est la couleur qui appartenait uniquement à la palette de coloris de la peinture à l’huile, car elle était considérée comme trop opaque pour l’aquarelle.
C’est une couleur jolie pure et en mélanges avec les couleurs opaques. Je vous conseille de l’utiliser vers la fin de votre peinture, dans les couches finales.
Vert émeraude
C’est une couleur transparente et puissante. Elle est toujours absorbée par le papier et est difficile à enlever avec l’éponge. Cette couleur est rarement utilisée pure à cause de sa puissance, mais elle fait de jolis mélanges avec toutes les couleurs.
Terre verte
C’est une couleur assez opaque comme toutes les Terres. Elle fait de jolis mélanges avec :
Les Terres
Les Jaunes
Les Ocres
Les Verts
Terre de Sienne brulée
C’est une couleur de Terre donc elle est assez opaque, et je dirais plutôt semi-opaque. Cette couleur se mélange bien avec toutes les autres couleurs mais il faut en surveiller la proportion.
Avec les Jaunes, les mélanges peuvent devenir boueux.
Voici la couche finale de ma peinture. Sur la pomme j’ai rajouté un peu de bleu de Cobalt et de la terre d’Ombre. Pour faire l’ombre réfléchie sur la pomme j’ai rajouté un peu de jaune de Cadmium moyen. Pour peindre une feuille de papier j’ai mis les couleurs chaudes ( ocre, jaune, rouge en les ayant bien diluées avec de l’eau) et je les ai laissées se mélanger sur la feuille. Ensuite pour faire les ombres portées j’ai utilisé le bleu de Cobalt et le Bleu outremer en les mélangeant soit avec un peu d’alizarine, soit avec un peu de Terre de Sienne. Et pour faire l’endroit très foncé sous la pomme j’ai mélangé le bleu outremer avec la Sépia. Pour peindre la texture du bois j’ai utilisé la terre de Sienne et la Terre d’Ombre brulée. Et ensuite j’ai rajouté encore une couche de peinture pour faire les ombres. Pour prendre les ombres j’ai utilisé le Bleu de Cobalt, Le bleu Outremer et un peu de Terre d’Ombre brulée.
Sépia
Bonne couleur semi-opaque. Elle se mélange très bien avec toutes les autres couleurs de Terre et les Verts.
Avec les Bleus elle fait de jolies nuances de Gris.
Terre d’ombre brulée
Bonne couleur semi-opaque qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs. Juste avec le jaunes il faut bien mesurer la proportion pour ne pas obtenir une couleur boueuse et trop opaque.
Noir (Noir de fumée, Noir d’ivoire, Noir de Mars)
C’est la couleur qui n’est pas obligatoire. Vous pouvez facilement la composer vous-même en mélangeant par exemple le Vert, le Rouge et le Bleu.
Mais je garde cette couleur dans ma boîte d’aquarelle car, en cas de mélanges avec les jaunes, elle donne de très jolies et riches nuances de Vert.
Blanc
Parlons un peu de la couleur qui est absente de la palette de l’aquarelliste ! C’est la couleur blanche.
Dans l’aquarelle, comme c’est la peinture qui est transparente, le blanc c’est aussi la couleur du papier. Il y a des techniques d’aquarelle (plutôt des techniques mixtes) où vous pouvez quand même utiliser le blanc mais ce sera du blanc de gouache. Chez beaucoup de fabricants vous pouvez trouver cette couleur dans les boîtes d’aquarelles de 36 couleurs.
Si vous trouvez le blanc dans votre boîte d’aquarelle, ne l’utilisez pas, s’il vous plaît. Vous risqueriez d’abîmer votre peinture !
Donc pour apprendre à mélanger les couleursà l’aquarelle il faut juste se souvenir de ces 5 règles :
1.Ne pas mélanger plus de trois couleurs (et seulement deux pour les couleurs opaques).
2. Toutes les couches de peinture doivent être transparentes.
3. En mettant la couche supérieure de la peinture prendre en considération les couleurs de la couche inférieure. Si vous avez déjà fait plusieurs couches de peinture, essayez de travailler par-dessus avec une couleur unique et plutôt transparente pour éviter que votre peinture devienne boueuse et « fatiguée ».
4. N’utilisez pas beaucoup de couleurs. Pour réaliser une aquarelle il vous suffit d’avoir 12 couleurs (principalement les couleurs primaires Rouge, Bleu et Jaune).
5. Travaillez de préférence avec les couleurs mono-pigmentaires.
Les 12 couleurs que je vous conseille d’avoir dans votre boîte de peinture en aquarelle.
Jaune
de Cadmium Moyen (opaque et semi-opaque)
Ocre
Claire ou Ocre Jaune (opaque et semi-opaque)
Ocre
d’Or ou Terre de Sienne (opaque et semi-opaque)
Orange
de Cadmium (opaque)
Rouge
de Cadmium (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
Rouge
de Carmin ou Rouge de Rubis (transparente)
Alizarine
(transparente)
Bleu
d’Outremer (transparente)
Bleu
de Cobalt (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
Bleu
d’Azur (transparente)
Terre
d’Ombre brulée (opaque et semi-opaque)
Sépia
(opaque et semi-opaque)
Les 17 couleurs supplémentaires que vous pouvez avoir et qui vous a :
Jaune
de Cadmium foncé (opaque et semi-opaque)
Jaune
de Cadmium claire (opaque et semi-opaque)
Laque
de Garance (transparente)
Violet
de Cobalt, Violet de Cobalt foncé (transparentes mais bi-pigmentaires)
Terre
d’Ombre naturelle (opaque et semi-opaque)
Terre
de Sienne brulée (opaque et semi-opaque)
Vert
Emeraude (transparente mais bi-pigmentaire)
Vert
de Cadmium clair et Terre Verte (opaque et semi-opaque : dépend de la
marque)
Brun
Van Dyck (semi-opaque)
Noir
(peut être transparent ou opaque, cela dépend de la marque)
Violet
quinacridone ( transparent )
Rouge
Anglais (opaque)
Indigo
(transparent ou semi-opaque)
Bleu
de Céruléum (assez opaque, je ne conseillerais pas cette couleur pour un débutant)
Jaune
de Naples (opaque)
Bleu
indanthène. (transparente ou semi-opaque )
Bleu
de Prusse (transparente )
Faites attention ! Les couleurs et leurs caractéristiques décrites dans cet article n’appartiennent pas à une marque d’aquarelle particulière. Comme je ne sais pas quelle marque d’aquarelle vous urtilisez je vous ai donné des caractéristiques des couleurs que vous pouvez trouver presque chez tous les fabricants.
Dans un de mes prochains articles je vous donnerai le nuancier et les caractéristiques des couleurs de la marque White Night ( les fameuses Nuits Blanches de St Pétersbourg ) que j’utilise moi-même.
Maintenant je vous invite à regarder la vidéo que je viens de publier sur ma chaîne YouTube “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”. Dans cette vidéo vous pourrez trouver des exemples pratiques du mélange des couleurs, couleur par couleur.
Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle
Je vous propose également de faire quelques exercices sur le mélange des couleurs. Vous pouvez commencer par mélanger les couleurs librement comme vous l’avez vu dans cette vidéo pour pouvoir sentir leurs textures et leurs capacités et ensuite je vous propose de faire les exercices de mon article Mélange des couleurs à l’aquarelle. Exercices. pour apprendre à gérer les couleurs et les appliquer sur le papier.
Dans cet article nous allons découvrir comment peindre à l’aquarelle une nature morte.
Dans la première partie nous analyserons une nature morte aquarelle et dans la deuxième partie nous réaliserons une petite nature morte à l’aquarelle pas à pas.
Je vais peindre à l’aquarelle cette petite nature morte pour vous montrer toutes les étapes de travail.
Je veux commencer par l’organisation de la nature morte. On va peindre à l’aquarelle une nature morte composée d’une cruche bleue, d’une grenade, d’une tranche de melon, les draperies brunes et bleues et comme fond le mur blanc et la draperie jaune.
Les couleurs des objets dans la nature morte sont assez riches, elles sont composées de couleurs différentes. On ne peut pas obtenir ces couleurs sans faire des mélanges riches.
Commençons par dessiner cette nature morte. Je ne vais pas m’arrêter longtemps sur ce sujet, je voudrais juste vous rappeler que pour dessiner la nature morte, comme d’ailleurs pour tous les dessins, on utilise la méthode de comparaison qui consiste à comparer les objets les uns par rapport aux autres et mesurer les proportions.
Faites attention aux lignes auxiliaires qui aident à déterminer les angles , dessiner des ovales et construire la cruche ( la ligne auxiliaire centrale verticale et les lignes auxiliaires horizontales qui aident à dessiner les ovales et mesurer la largeur de la cruche par rapport à sa taille verticale.)
Comment mesurer les proportions et comment utiliser la méthode de comparaison vous pouvez lire dans mon article Comment dessiner correctement où je montre aussi les étapes du dessin de la nature morte.
Par quoi commencer pour peindre à l’aquarelle
Donc par quoi commencer pour peindre à l’aquarelle une nature morte. Nous avons deux solutions. Deux techniques différentes. Si l’on veut utiliser la technique alla prima on doit commencer par les objets qui ont des couleurs assez claires et vives.
Si l’on travaille dans la technique d’aquarelle classique, cela veut dire dans la technique des glacis, on doit commencer par les teintes les plus claires et aller vers celles plus foncées en superposant progressivement les couches. Donc au début essayons de peindre à l’aquarelle en technique classique, mais en rajoutant quelques éléments de la technique alla prima. Comment mixer les deux techniques ainsi que comment peindre sur le papier ou la couche de peinture mouillée je vais vous le monter dans la deuxième partie de cet article.
Maintenant un peu de théorie. Dans la première partie de l’article nous allons analyser une nature morte faite par un élève. Dans notre nature morte les objets qui ont les couleurs les plus déterminées sont la grenade et la cruche, donc il est plus facile de trouver les couleurs de ces objets. Comme on a décidé de travailler dans la technique classique avec les éléments d’alla prima on peut peindre ces objets de suite en pleine force de couleurs. Cela va déterminer la tonalité générale de notre nature morte.
La cruche étant bleue en général, elle a beaucoup de nuances de couleurs. Dans l’ombre et dans la lumière on voit les couleurs différentes. Par exemple dans l’ombre la couleur bleue devient presque violette et quelque part vert-brun sous l’influence des reflets des autres objets. Sur l’influence de couleurs vous pouvez lire dans mon article Comment dessiner en volume.
Comment utiliser la méthode de comparaison pour peindre à l’aquarelle
Un conseil.…
Pour arriver à voir, capter la couleur la plus juste possible essayez de regarder de façon à voir la cruche en entier et avec le fond. Je sais qu’au début c’est très difficile à faire.
Mais cela aide énormément pour ne pas se tromper avec les couleurs et avec la tonalité générale.
Il existe encore une autre technique pour voir la vraie couleur d’un objet. Pour déterminer une couleur il ne fait pas regarder directement l’objet que vous êtes en train de peindre, mais à coté de lui.
Cela veut dire à quel point le côté éclairé de la cruche est plus foncé en comparaison du mur qui sert du fond. Vous pouvez aussi vérifier les contrastes en regardant la nature morte en pliant les yeux. Mais cette technique aide plutôt à voir clairement la tonalité des objets, mais ne marche pas si bien que la première technique pour voir des couleurs. Il faut se souvenir encore que la peinture aquarelle a la tendance à s’éclaircir en séchant.
Donc quand vous cherchez la couleur pour le côté éclairé, essayez de voir la cruche en entier avec le fond pour identifier le contraste basique de la silhouette de la cruche par rapport au mur.
Quelle technique d’aquarelle utiliser ?
Les couleurs de l’aquarelle peuvent perdre presque 30% de leur (intensité) saturation.
Donc quand vous travaillez dans la technique alla prima je vous conseille de peindre à l’aquarelle avec les couleurs un peu plus fortes, que vous ne les voyez dans la nature, car elles vont s’éclaircir un peu. Dès que vous aurez peint la lumière, continuez avec la pénombre. Quand vous peignez la lumière vous pouvez utiliser sa couleur comme la couleur de base pour la cruche et mettre cette couleur partout sur toute la surface de la cruche, sauf la tâche de lumière, qui reste pour l’instant blanche. (Dans la technique aquarelle classique la couleur blanche ne s’utilise pas, le blanc dans la technique classique, c’est la couleur du papier pour aquarelle. )
Il existe les techniques dans lesquelles l’on utilise le blanc gouache, mais ce n’est pas déjà la technique propre aquarelle, mais plutôt une technique mixte.
Et je vous conseille fortement d’apprendre la technique d’aquarelle classique avant d’utiliser les techniques mixtes.
Car la technique d’aquarelle classique donne les bases pour toutes les autres techniques.
Revenons à notre nature morte. Donc la couleur du côté éclairé peut nous servir comme la couleur de base pour la cruche, après on rajoute une couche de couleur de pénombre qui à son tour peut servir de base pour l’ombre. Les ombres sur les parties différentes de la cruche seront différentes aussi sous l’influence des reflets des autres objets.
Essayez toujours de trouver la différence des nuances des couleurs des ombres en les comparants entre elles. Et ne mélangez pas les mêmes couleurs pour l’ombre, la pénombre, pour la lumière et pour les ombres réfléchies, pour qu’elles soient différentes non seulement par la tonalité mais aussi par la nature du ton de couleur. Un petit exercice de mélange de couleurs vous pouvez trouver dans mon article Mélange de couleurs à l’aquarelle.
Ayant peint la cruche, faites de même façon pour la grenade. N’oubliez jamais de regarder la grenade en entier et chercher la différence entre les nuances du rouge.
Une régle incontournable pour peindre à l’aquarelle
Ici je veux vous rappeler d’une règle incontournable de la peinture. Quand vous travaillez dans n’importe quelle technique que peinture, que ce soit l’aquarelle, la peinture à l’huile ou l’acrylique… si dans la lumière on utilise les couleurs chaudes, dans l’ombre on doit utiliser les couleurs froides et si on peint la lumière avec les couleurs froides, l’ombre sera chaude. C’est un des premiers principes de la peinture. Le contraste des couleurs froides et des couleurs chaudes.
Commençant à peindre à l’aquarelle la tranche de melon comparez sa couleur et sa tonalité avec celles du mur et des draperies. Qu’est-ce qui est plus clair, le melon ou le mur ? Qu’est ce qui est plus froid au niveau des couleurs, le mur, le melon ou l’assiette ? Quelles sont les différences entre eux ? Quand on travaille, on se pose tout le temps des questions comme ça et on observe la nature. Ces questions et les réponses que l’on trouve nous aident à avancer vite et à éviter beaucoup d’erreurs dans notre peinture.
Quand vous travaillez sur votre peinture regardez de temps en temps votre travail de loin (ou dans le miroir). Cela aide énormément à voir les erreurs.
Peindre à l’aquarelle sur une couche seche ou umide ?
Peignant en aquarelle travaillez toujours sur la feuille de papier où il y a déjà une couche de peinture complètement sèche ou au contraire très humide, mais pas sur la couche de peinture demi-sèche (bien sûr si vous ne voulez pas avoir l’effet que la couche de peinture superposée “déchire ” la couche inférieur. Cet effet vous pouvez utiliser exprès quand vous peignez l’écume sur les vagues. Je vais vous parler de cette technique quand on va apprendre peindre la mer en aquarelle).
Donc pour l’instant on travaille uniquement que sur les couches sèches. N’oublions pas que la couleur nous sert pour relever la forme d’un objet. C’est pour cela que chaque coup de pinceau doit suivre le dessin et la forme de l’objet. Quand on travaille en couleur il est toujours plus difficile de déterminer les fautes et les corriger. Ici l’unité, l’ensemble de la peinture et son harmonie se composent de la couleur, sa tonalité, et sa saturation. Par exemple on trouve une bonne tonalité de couleur, mais cette couleur doit être correcte au niveau de la saturation et ses nuances de coloris. Il arrive que l’on ai réalisé très bien un objet dans la nature morte, mais on n’a pas réussi à trouver une bonne tonalité et bonne couleur pour un objet à côté ou pour le fond.
Alors l’harmonie de la nature morte
sera en déséquilibre. Comment peut-on corriger cela ? C’est une question
difficile. Est-ce que l’on doit refaire cette étude ?
Mais où sont les garanties que l’on
ne fera pas les mêmes erreurs, si l’on n’a pas compris l’origine de notre
échec…. ?
C’est pour cela que l’on doit s’obliger de s’habituer à l’ordre du travail.
Pour peindre à l’aquarelle correctement, il faut se corriger, comparer des objets et des couleurs, se poser des questions sans arrêt durant tout le travail.
Comment comparer les couleurs
Donc comment comparer… pour ne pas se tromper. Je vous conseille de comparer les couleurs chaudes avec les couleurs chaudes avec les chaudes, les froides avec les froides, les couleurs claires avec les couleurs claires, les foncées avec les foncées, les peu saturées avec les mêmes. Et bien sûr on doit toujours prendre le temps penser aux contrastes des couleurs et de leur tonalité. Cela étant fait on peut vérifier en regardant la nature en pliant les yeux. Déterminez les endroits les plus colorés avec les couleurs les plus saturées pour les teintes froides et chaudes. Et gardez-les toujours en vue. Chaque erreur enchaîne sur une autre. En même temps contrôlez la taille et la forme de chaque coup de pinceau.
Et encore une fois je veux vous rappeler que la peinture ne consiste pas à un copiage isolé de telle ou telle endroit de la nature. Pour peindre il faut déterminer la liaison entre toutes les couleurs en les comparants tout le temps.
Ce qui est plus facile à faire si l’on arrive à voir la nature en entier, et non pas détail par détail.
Maintenant pour donner un exemple je vais peindre à l’aquarelle devant vous une nature morte. J’ai choisi une nature morte qui a une gamme de couleurs assez limitée, ce qui est assez difficile car on est obligé de comparer les couleurs très nuancées.
Donc comment peindre à l’aquarelle une nature morte avec les châtaignes.
Dédut de dessin. Faites attention, je dessine principalement avec les lignes droites et je vais des grandes formes vers des formes plus petites sans les détailler.
Ici on commence comme d’habitude par la composition de la nature morte. On commence à dessiner toujours par les grandes masses et par les figures géométriques. Vous pouvez voir que j’ai commencé par dessiner une sorte de triangle dans lequel j’ai placé tous les objets. De cette façon j’ai déterminé la forme générale de toute la nature morte.
Je travaille sur les formes des objets. Maintenant on voit déjà que ce sont des châtaignes.
Maintenant je commence à détailler les formes pour rendre les objets plus reconnaissables. Faites attantion , je ne commence pas à dessiner les détails avant d’être sûre que tous les oblets sont placés correctement au niveau de la composition.
Je passe une éponge. Pour cela, comme d’ailleurs pour faire tous les lavis, j’utilise toujours une éponge de mer qui n’abîme pas la surfasse de ma feuille.
Dès que le dessin est terminé, avant de commencer è peindre je passe partout avec une éponge mouillée. je fais cela pour éclaircir un peu le dessin et dégraisser la surface de la feuille aquarelle.
La première couche de peinture. Légère et claire.
Je commence à peindre à l’aquarelle toujours par la couleur la plus claire de l’objet pour après aller vers les plus foncées. Ce qui est la base de l’aquarelle classique où on utilise des glacis. Mais dans cette aquarelle je me permet de mixer les deux techniques. La technique du glacis et la technique alla prima. Donc juste après avoir fait la première couche de peinture, je commence à y rajouter d’autres couleurs pendant que la première couche de peinture n’est pas encore séche ce qui permet aux nouveaux couleurs de bien s’intégrer et de se mélanger dans la couche de base.
Je commence à peindre la châtaigne de suite en ragoutant les couleurs presque en pleine force.
Vous voyez qu’ici je travaille plus en technique alla prima que dans la technique de glacis. Je mets les couleurs en pleine force de suite. Cela n’empêche pas qu’après je vais rajouter encore quelques couches de peinture avec les glacis pour affiner la forme.
De même façon je peins les autres châtaignes. Faites attention, je ne laisse pas les tâches de lumière blanche, malgré qu’elles sont les plus claires, Je les peins avec la couleur bleu clair.
Voilà. Je recommence à travailler avec les glacis pour approfondir les ombres. Quand vous travaillez avec les glacis il faut se rappeler que les couches de peinture aquarelle sont transparentes. Donc à travers une couche de telle ou telle couleur on vois la couleur de la couche inferieure. Alors on doit prendre en considération la couleur de la couche inférieure quand on choisit la couleur pour une couche supérieure. Car en se mélangeant les deux couches en feront une autre .
C’est maintenant que l’on peut travailler sur les détails.
Après cela je travaille sur le fond. Tout d’abord je mets la couleur ocre qui me sert de couleur de base pour la table en bois ou j’avais posé mes châtaignes.
Ensuite je commence à peindre la structure du bois. Et tracer légèrement les ombres portées des objets.
A l’étape suivante j’approfondie le fond en rajoutant les couleurs froides et je rends les ombres plus foncées dans les endroits ou elles touchent les objets. Cela m’aide à mettre les objets sur la table et à me débarasser de l’effet que les objets peuvent paraître en train de flotter au-dessus de la surface de la table. Pour rendre votre peinture plus unie, passez partout avec un glacis léger en utilisant la couleur que l’on trouve dans tous les autres objets. Dans mon cas c’est la couleur bleue.
Après avoir fait des ombres je retravaille la structure du bois au premier plan et dans les ombres. Faites attention que la structure du bois qui est très visible au premier plan devient floue au dernier plan et que les lignes de structure du bois suivent la perspective. C’est comme cela que l’on peut montrer que le surface de la table est en horizontale.
Maintenant je fait ressortir les piques claires des châtaignes avec les lavis. Et pour les rendre encore plus claires je les souligne avec les ombres. Pour faire des lavis très précis je travaille avec un pinceau et non pas avec l’éponge. Donc pour enlever la couleur on doit quelque part détruire la couche de peinture. Pour cela on met tout simplement de l’eau sur l’endroit où l’on doit enlever la couleur et après cela on passe par dessus avec un pinceau bien égoutté ou des fois prèsque sec.
Voilà notre nature morte est finie.
Maintenant je vous propose de regarder la vidéo qui vient de ma chaîne YouTube et qui montre une des étapes de la réalisation de cette nature morte ce qui vous aidera à encore mieux visualiser ce cours. Et après cela faites un petit exercice. Pour commencer, je vous conseille de réaliser une nature morte de trois ou quatre objets de structures différentes et une draperie, blanche par exemple. Les conseils pour choisir vos materiels nécessaires à peindre à l’aquarelle vous pouvez trouver dans mon article Débuter en aquarelle. L’information sur la composition de la nature morte vous pouvez la trouver dans mon article Composition. Nature morte. Et sur la composition en générale dans l’article Composition dans la peinture où j’analyse plusieurs oeuvres d’art pour montrer les exemples des compositions utilisées par les grands artistes peintres.
Dans cette vidéo je voudrais vous montrer la première couche de peinture en technique alla prima.
Et bien sûr je serais très contente si vous me laissez des commentaires et même envoyez-moi vos natures mortes si vous avez besoin de mes conseils. Je suis toujours ravie de vous aider ! 🙂
