Proportions du visage.

Cet article, dans lequel je vais vous parler des proportions du visage, est la suite de mon article sur les proportions du corps humain.

Pourquoi il est importent de connaître les proportions du visage ?

Je trouve qu’il est important pour l’artiste de connaître les proportions du visage et les proportions du corps humain car ces connaissances peuvent servir de point d’appui pour le dessin d’un portrait. Bien sûr que tous les visages sont différents, et il y a énormément d’écart entre les proportions du visage classique et les proportions du visage réel du chaque personne.

Malgré cela je trouve quand même utile de vous parler des proportions du visage classique. Car si vous connaissez les proportions du visage classique, cela sera beaucoup plus facile pour vous de voir la différence entre les proportions du visage classique et proportions du visage de votre modèle. De cette manière vous pourriez capter facilement la ressemblance.

Donc commençons à parler des proportions du visage.

Proportions de la tête par rapport au corps humain.

Avec l’âge la tête grandie mais elle devient plus petite proportionnellement au corps humain. La tête de l’embryon de deux mois, fait la moitié de son corps. La tête d’un bébé fait 1/4 de son corps. La tête d’un enfant de 3 ans fait déjà 1/5 de son corps. La tête d’un enfant de 7 ans fait 1/6 de son corps. Alors que la tête d’un adolescent de 14 ans fait 1/7 de son corps.

En ce qui concerne la tête d’un adulte, la règle générale dit que les gens de petite taille ont la tête plus grande par rapport à leur corps que les gens de grande taille. Par exemple chez les personnes de la taille 170 cm la tête fait 1/7,5 de leurs corps. Chez les personnes de la taille 175 cm – 1/7,75 et pour la taille 180 la proportion de la tête est 1/8 du corps.

Proportions du visage. Premier schéma.

Si l’on sépare la taille verticale de la tête en 4 parties égales, la première partie sera la partie de la tête couverte par les cheveux, la deuxième partie sera la taille verticale du front, la troisième partie sera égale à la taille ou la longueur du nez et la quatrième partie sera la distance entre le nez et le bout inferieur du menton.

Proportions du visage.
Ce schéma illustre un exemple des proportions du visage où la partie du front, du nez et de la bouche avec le menton ont la même hauteur. Les lignes verticales montrent que la distance entre les angles intérieurs des yeux, la largeur des yeux, la distance entre les angles extérieurs des yeux et les lignes extérieures qui montrent les limites du visage ont approximativement la même taille ( largeur ). Sur ce schéma on voit le cas où la taille verticale de la lèvre inférieure avec le menton deux fois plus grande que la taille verticale de la lèvre supérieure.

Si l’on tire une ligne centrale verticale qui sépare le visage en deux parties, on verra que la partie gauche et la partie droite du visage ne seront pas absolument identiques. Le visage est asymétrique.

Cette asymétrie apparait dans la forme du nez, dans la position des yeux, mais plus souvent dans la position de la bouche.

Pour voir les proportions du visage on peut séparer aussi le visage en cinq parties verticales. ( Regardez le premier dessin.) Une de ces lignes passera par l’angle intérieur de l’œil et une autre passera par l’angle extérieur de l’œil. Entre les deux lignes verticales intérieures se trouve le nez. Donc on peut dire que la largeur du nez est égale à la distance entre les yeux.

La partie qui se trouve entre l’angle extérieur de l’œil et la ligne extérieure (la première et la sixième ligne ) est la partie latérale du visage. La taille horizontale de l’œil comme la distance deux yeux fait 1/8 environ de la taille verticale de la tête. La bouche se trouve approximativement entre la première et le deuxième tiers de la partie inférieure du visage (quatrième partie du visage).

Proportions du visage. Deuxième schéma.

Il existe encore un schéma des proportions du visage. Pour utiliser ces proportions du visage séparons le visage en trois parties. La partie du front, la partie du nez et la partie de la bouche et du menton ensemble.

Proportions du visage. Schéma 2.
Sur ce schéma des proportions du visage on peut voir que la ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties. Le radius du cercle supérieur fait 1/3 de la taille verticale de la tête et le radius du cercle inférieur fait 1/4 de la taille verticale de la tête. Le cercle supérieur est unilisé pour construir la partie cérvicale de la tête. Le cercle inférieur est utilisé pour construir la partie faciale de la tête.

La ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties approximativement égales.

Effectivement toutes les proportions du visage sont approximatives. En dessinant le portrait l’artiste trouve les caractéristiques personnalisées de chaque modèle et utilise les proportions du visage classique juste pour trouver la différence entre ses proportions et les proportions du visage de son modèle. Comment dessiner le portrait vous pouver le découvrir dans mon article “Comment dessiner un visage”.

Proportions du cou

Comme la taille du cou dans l’anatomie artistique on prend la distance entre le menton et la fosse jugulaire. La taille du cou d’un adulte fait ½ de la taille du visage avec le front. Le cou d’un bébé ne fait que 1/50 de la taille de son corps alors que le cou d’un adulte fait 1/151/16 de la taille de son corps. D’ici on peut tirer la conclusion que quand un enfant grandit son cou devient plus grand en soit mais aussi plus grand proportionnellement.

La circonférence du cou est égale à deux circonférences du poignet et la moitié de la circonférence de la taille au niveau de la ceinture. La forme du cou est cylindrique et s’agrandi légèrement vers le bas. 

Merci d’avoir lu cet article. Pour compléter les informations de cet article je vous propose de lire mes articles Les os du crâne. Les proportions du corps humain et L’anatomie artistique du torse humain qui font la partie de mes articles consacrés à l’anatomie artistique. 

Je serais très contente si vous me laissez le commentaire. Et n’hésitez pas de me poser des questions. Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂  

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Anatomie artistique du corps humain.

Anatomie artistique du corps humain. Partie 1

Anatomie artistique du torse humain.

Il existe trois piliers qui nous aident à dessiner correctement le corps humain.

Premier pilier c’est l’anatomie plastique ou l’anatomie artistique.

Deuxième pilier ce sont des proportions et l’ordre du travail sur le dessin du corps humain.

Troisième pilier c’est la construction du corps humain et le mouvement.

Dans cet article je vais vous parler du premier pilier, de l’anatomie artistique ou l’anatomie plastique du torse. 

Pourquoi j’insiste sur le fait qu’il soit très souhaitable pour l’artiste peintre ou le sculpteur de connaitre l’anatomie artistique et savoir dessiner les nues ? Même si l’artiste n’envisage pas de dessiner des nus, mais uniquement des personnages habillés, pour comprendre comment fonction le corps qui se trouve sous les habits il faut connaitre la construction du corps humain. Pour dessiner le modèle habillé on doit le savoir dessiner déshabillé.

L’artiste doit toujours aller jusqu’au bout des choses. Quand on sait ce que l’on dessine, on sent la forme en volume, par exemple on comprend en regardant le visage de face quel sera son profil. L’artiste ne doit pas copier les contours de la forme, qu’il voit, mais dessiner la forme en volume, connaitre par cœur et sentir cette forme et ses volumes ! 

C’est pour cela qu’à l’époque de la Renaissance c’était les artistes qui pratiquaient des dissections et qui étudiaient parfois plus l’anatomie surtout l’anatomie artistique, même que les médecins. Vous connaissez bien sûr la fameuse anatomie de Léonard de Vinci. Ce grand artiste s’intéressait énormément à l’anatomie artistique et à l’anatomie générale du corps humain ainsi qu’à celle des animaux.

Léonrd de Vinci n’était pas le seul des artistes qui étudiaient profondément l’anatomie, avant et après Léonard de Vinci on trouve les études anatomiques dans l’héritage des Verrocchio, Michel-Ange, Raphaël, Rembrandt et chez encore beaucoup de grands artistes. Sans parler encore des artistes de la Grèce et de la Rome antique !

Donc nous parlerons, nous aussi, de l’anatomie artistique. Notamment dans cet article je veux vous parler de l’anatomie du torse humain qui vous aidera à dessiner correctement le corps humain.

Je n’insiste pas sur le faite qu’il faille absolument connaitre par cœur tous les os et les muscles, mais il est très utile de les visualiser pour se donner une image complète du corps humain.  

 Les principes généraux de la construction du squelette du torse humain dans l’anatomie artistique.

Dans cet article on parlera uniquement des muscles et des os qui se voient facilement sous la peau et qui sont importants pour comprendre la forme et les mouvements du torse.

La colonne vertébrale.    

La partie porteuse principale du torse est la colonne vertébrale. La colonne vertébrale se sépare en cinq parties :

1. Septe vertèbres cervicales

2. 12 vertèbres dorsales ou thoraciques

3. 5 vertèbres lombaires

4. 5 vertèbres soudées de sacrum

5. 4 vertèbres soudées de coccyx (rarement 5 vertèbres.)

La colonne vertébrale. Anatomie artistique
La colonne vertébrale. Vue de face et de côté droite.
1. vertèbres cervicales, 2. vertèbres dorsales, 3. vertèbres lombaires, 4. sacrum, 5. coccyx.

La partie cervicale se joint avec le crâne. La partie thoracique s’attachent les côtes qui forment le volume de la poitrine. La partie pelvienne (sacrum et coccyx) se jointe avec les os iliaque.

La colonne vertébrale n’est pas droite, elle est courbée et rassemble un peu à la forme de la lettre S. Les courbes de la partie cervicale et de la partie lombaire concaves en arrière s’appellent lordoses. Les courbes de la partie thoracique et de la partie pelvienne concaves en avant s’appellent cyphoses.

La colonne vertébrale fait 2/5 environ de la taille totale du corps humain. Chaque vertèbre a le corps vertébral, l’arc vertébral, l’apophyse épineuse qu’on peut palper facilement sous la peau, deux apophyses transverses et deux apophyses articulaires. Par exemple l’apophyse épineuse de la septième vertèbre cervicale C7 se voit très bien sous la peau et peut nous servir de pont d’appui pour le dessin de la ceinture scapulaire.  

Les apophyses épineuses nous permettent de voir la forme de la colonne vertébrale, car elles se voient clairement sous la peau. Les corps des vertèbres s’agrandissent progressivement du haut vers le bas, de la tête vers le sacrum. Seul Atlas, la première vertèbre n’a pas de corps, au lieu du corps il a l’arc ventral. Les vertèbres du sacrum sont soudées et forment l’os massif rétréci vers le bas. Le sacrum sert de support à la colonne vertébrale.

Quand vous étudiez et dessinez un modèle vivant faites attention à la ligne sur laquelle se trouvent les apophyses épineuses de la colonne vertébrale. Cela vous donnera de suite une base pour capter correctement la position du corps et son mouvement.

Squelette de profil. Os du squelette du torse humain.
Squelette de profil.
1. Atlas, 2. axis (deuxième vertèbre cervicale)C2,
3. septième vertèbre cervicale C7, 4. scapula ou omoplate, 5. humérus, 6. Côte K10, 7. os iliaque, 8. sacrum, 9. coccyx, 10. os hyoïde, 11. clavicule, 12. sternum, 13. côtes, 14. crête iliaque, 15. grand trochanter, 16. fémur.

La ceinture scapulaire

La forme du squelette de la ceinture scapulaire se détermine par la construction et la position de trois os : la clavicule, la scapula (omoplate), le sternum et l’extrémité supérieure de l’humérus (tête humérale).

La forme de la clavicule rappelle la lettre S. Cette forme de la clavicule ressort bien et détermine la forme de la ceinture scapulaire. Le sternum a une forme allongée, sa partie supérieure se joint avec les clavicules, et au milieu – avec las côtes.

Squelette de face. Os du squelette du torse humain.
Squelette du torse de face.
1. septième vertèbre cervicale , 2. clavicule, 3. acromion de la scapula 4. processus coracoïde de la scapula 5. humérus, 6. côtes, 7. crête iliaque, 8. grand trochanter, 9. manubrium du sternum, 10. deuxièm côte K2 , 11. corps du sternum, 12. processus xiphoïde du sternum, 13. douzième côte K12,
14. quatorzième vertèbre (L4), 15. sacrum, 16. fémur.

La scapula est l’os plat qui se trouve derrière de la cage thoracique. La scapula ou l’omoplate a la forme de triangle. Dans sa partie supérieure se trouve l’épine et son acromion. L’acromion s’articule avec la clavicule. Cette épine horizontale se voit facilement de côté du dos. Sur la partie extérieure de l’omoplate se trouve la cavité glénoïde qui, avec la tête humérale forme l’articulation scapulo-humérale.

La cage thoracique ou thorax est composée des 12 vertèbres thoraciques, du sternum et 12 paires de côtes.

Le sternum est composé du corps du sternum, du manubrium et du processus xiphoïde. Entre le manubrium et le corps du sternum se trouve l’angle sternal. Parfois l’angle sternal ressort fortement, parfois il est assez lisse. A l’endroit ou le manubrium s’articule avec le corps du sternum se trouve la deuxième côte qu’on peut palper facilement sous la peau. Sur le bord supérieur du sternum se trouve l’incisure jugulaire. L’incisure jugulaire avec les muscles sterno-cléido-mastoïdiens la fosse jugulaire. On peut la voir clairement sous la peau. Chaque côte est composée de l’os recourbé plat et du cartilage.

La position de la fosse jugulaire est très importante pour nous. Car c’est la fosse jugulaire nous aidera à trouver le centre de gravité ( centre de masse ) du corps pour positionner correctement notre modèle dans l’espace. 

Les côtes.

Les sept côtes qui s’articulent avec la colonne vertébrale et avec le sternum s’appellent les vraies côtes. Les cinq côtes qui s’articulent uniquement avec la colonne vertébrale s’appellent les fausses côtes.

Les trois des fausses côtes (K8,9,10) s’attachent avec leurs cartilages aux côtes supérieures. 11 et 12 côtes s’articule uniquement à la colonne vertébrale et s’appellent les côtes flottantes. La cage thoracique a la forme d’un tonneau, légèrement aplatie, parfois plutôt cylindrique, parfois plus conique.

Squelette du torse de dos. Os du squelette du torse humain.
Squelette du torse de dos.
1. Atlas, 2. septième vertèbre cervicale, 3. épine de la scapula, 4. humérus, 5. côte K12, 6. crête iliaque, 7. grand trochanter, 8. axis ( deuxième vertèbre cervicale), 9. côte K1, 10. côte K8, 11, côte K11, 12. sacrum, 13. coccyx, 14. tubérosité ischiatique, 15. fémur.

La forme de la cage thoracique peut être différente chez les différentes personnes. Elle peut être relativement courte et large ou longue et étroite. La forme de la cage thoracique dépend aussi de l’âge. Chez les bébés elle peut rassembler au cône tronqué et sa taille sagittale peut être égale à sa taille transversale.

Les muscles du torse dans l’anatomie artistique.

Maintenant nous parleront en peu des muscles du torse humain dans l’anatomie artistique. Les muscles avec les os font le volume et la forme du torse. Le contour et la forme des muscles ne sont pas constants. Avec les mouvements les muscles changent un peu leurs formes. Il y a les muscles qui deviennent plus courts et larges et en même temps plus volumétriques. Les autres muscles en se dilatant ou se décontractant perdent la clarté de leurs contours et s’aperçoivent moins bien.

Les muscles de la cage thoracique dans l’anatomie artistique

Muscles du torse humain de face dans l'anatomie artistique
Muscles du torse humain de face
1. muscle biceps brachial, 2. triceps brachial, 3. muscle coracobrachial, 4. muscle grand rond, 5. muscle grand dorsal, 6. muscle grand pectoral, 7. muscle grand dentelé, 8. muscle oblique externe, 9. muscle droit de l’abdomen, 10. ligne blanche, 11. muscle pyramidal de l’abdomen , 12. muscle moyen glutéal ou muscle moyen fessier, 13. muscle tenseur du fascia lata, 14. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 15. muscle trapèze, 16. deltoïde, 17. sillon deltoïde-thoracique, 18. ligament inguinal, 19. muscle couturier ou muscle sartorius, 20. muscle pectiné, 21. muscle long addicteur.

Donc sur la surface de la cage thoracique se trouve le muscle grand pectoral. Ce muscle large et puissant est très important pour la plastique de la ceinture scapulaire. C’est un muscle triangulaire qui prend le début de la moitié antérieure de la clavicule, du sternum, des 5 côtes (2-6) et de l’aponévrose du muscle grand droit. Il se termine à l’humérus ou plutôt sur la crête qui descend vers le bas de la tête de l’humérus.

En ce qui concerne les fibres de ce muscle, les fibres claviculaires vont vers le bas et l’extérieur, les fibres sternales vont en horizontal vers l’extérieur et les fibres abdominales vont vers le haut et l’extérieur. Le muscle grand pectoral contribue à l’adduction et à la rotation de l’humérus. On peut voit très facilement le muscle grand pectoral sous la peau, donc il est très important pour les artistes qui veulent dessiner les nus.

Sous le muscle grand pectoral se trouve le muscle petit pectoral qui prend le début des côtes 2, 3, 4, 5, et se termine au processus coracoïde de scapula. Quand on regarde le corps humain, on ne peut pas voir ce muscle. Mais on l’étudie car sa fonction est de bouger la scapula en avant et vers le bas. Et on peut voir le muscle grand pectoral se soulever quand le petit pectoral se contacte.

Sur la surface latérale du thorax au niveau de l’aisselle se trouve le muscle grand dentelé. Ce muscle bouge le scapula en avant. Ce muscle on peut bien le voir quand le bras est levé.

Muscles du torse humain de profil dans l'anatomie artistique
Muscles du torse humain de profil
1. muscle trapèze, 2. deltoïde, 3. triceps brachial, 4. muscle brachial, 5. biceps brachial, 6. muscle grand dentelé, 7. muscle grand dorsal, 8. triangle lombaire, 9. muscle moyen glutéal, 10. muscle grand fessier, 11. muscle omo-hyoïdien, 12. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 13. muscle sterno-hyoïdien, 14. muscle grand pectoral, 15. muscle oblique externe, 16. muscle droit de l’abdomen, 17.aponévrose, 18. muscle couturier ou muscle sartorius, 19. muscle tenseur du fascia lata.

Les muscles du ventre

Maintenant regardons les muscles du ventre dans l’anatomie artistique. Les plus grands muscles du ventre sont le muscle droit de l’abdomen et le muscle transverse d’abdomen.

Le muscle droit de l’abdomen est un muscle pair. Les deux parties du muscle sont séparées par la ligne tendineuse verticale et quatre lignes tendineuses horizontales. On peut voir facilement ce muscle avec ces lignes tendineuses sous la peau. Le muscle droit de l’abdomen descend avec l’expiration le thorax et plie la colonne vertébrale.

Sur la ligne tendineuse (ligne blanche) se trouve le nombril qui en même temps de trouve d’habitude au niveau de la quatrième côte lombaire. En bas à la ligne blanche s’attache le muscle pyramidal, il se termine sur le pubis. La ligne blanche du ventre est formée par toutes les aponévroses de tous les muscles de la paroi abdominale antérieure.

De chaque côté du muscle droit de l’abdomen se trouve le muscle oblique externe de l’abdomen. Au-dessous de ce muscle se trouve le muscle oblique interne et le muscle transversal.

On s’arrêtera uniquement sur le muscle oblique externe car c’est le seul des muscles qui se voit facilement sous la peau. Le muscle oblique externe a son origine à la surface latérale du thorax. Notamment des 8 côtes inférieures de la cage thoracique. Les fibres musculaires se dirigent vers le bas et à l’intérieur et la plupart des fibres se terminent en passant à l’aponévrose qui forme à son tour la ligne blanche. Le bout inférieur de cette aponévrose forme le ligament inguinal.  Pour les caractéristiques plastiques de la surface latérale du thorax il est important que ce muscle avec ses 5 insertions (fibres) charnues supérieures commence entre les insertions charnues (dentelures) du muscle dentelé antérieur et avec ses 3 insertions (fibres) charnues inférieures il commence entre les insertions charnues du muscle grand dorsal.

L’importance de ce muscle pour l’anatomie plastique du torse est énorme. On peut voir sous la peau la direction de ces fibres et l’endroit où ils passent à l’aponévrose. Dans l’endroit où il se fixe sur la crête iliaque le muscle oblique externe forme le rebord et dépasse un peu la crête iliaque donc dans cet endroit on peut voirla rainure qui passe au-dessous de la crête iliaque.  

La paroi abdominale postérieure est  formée par le muscle grand dorsal, le muscle grand rond, le muscle long dorsal et le muscle sousscapulaire.

Les muscles du dos dans l’anatomie artistique

Muscles du dos du tors humain dans l'anatomie artistique
Muscles du dos du tors humain.
1. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 2. muscle trapèze, 3. deltoïde, 4. muscle infra-épineux, 5. muscle grand rond, 6. muscle rhomboïde, 7. muscle grand dorsal, 8. muscle oblique externe, 9. muscle moyen glutéal, 10. muscle tenseur du fascia lata, 11. muscle grand fessier, 12. muscle petit rond.

Parlerons maintenant des muscles du dos dans l’anatomie artistique. Les muscles les plus importants pour nous, c’est-à-dire des muscles qui se voient facilement sous la peau et qui font la forme du dos sont :

Le muscle trapèze. Les deux parties de ce muscle, la partie gauche et la partie droite, ensemble à la forme du trapèze. Le muscle trapèze a l’origine de l’os occipitale du crâne et des apophyses épineuses vertèbres cervicales. Les fibres supérieures du muscle trapèze se dirigent vers le bas et à l’extérieure où ils se terminent sur le bord postérieur de la clavicule. Les fibres de la partie centrale du muscle trapèze se placent horizontalement et se terminent sur l’extrémité de l’épine du scapula et sur l’acromion. Ces fibres de la partie inferieure vont vers le haut et en dehors et se terminent sur l’épine du scapula. L’action de ce muscle est assez complexe.

La partie supérieure haussée de la ceinture scapulaire, la partie centrale rapproche la scapula de la colonne vertébrale, la partie inférieure abaisse la ceinture scapulaire. Toutes les fibres du muscle trapèze participent à l’extension de la tête et de la partie cervicale et la partie dorsale de la colonne vertébrale.

Le muscle grand dorsal. Ce muscle commence des apophyses épineuses de 5 vertèbres inférieures de la partie dorsale de la colonne vertébrale, du sacrum et de la partie arrière de la crête iliaque et de 4 côtes inférieures. Ses fibres sortent au-dessous du muscle trapèze et se dirigent horizontalement en dehors. Ces fibres couvrent l’angle inférieur du scapula. Les fibres de la partie moyenne du muscle se dirigent vers le haut et en dehors. Les fibres de la partie inférieure se dirigent vers le haut et juste un peu en dehors.

Le muscle grand dorsal se termine sur le tubercule mineur de l’humérus. Son action est la rotation interne, extension et addiction du bras. A travers l’humérus le grand muscle dorsal bouge la ceinture scapulaire vers le bas et en arrière. Le muscle grand dorsal est très importent dans la structure plastique du corps. On peut voir clairement ce muscle au moment où le modèle lève et baisse le bras le long de son corps.

Le muscle trapèze et le muscle grand dorsal sont deux muscles superficiels du dos. Au-dessous du muscle trapèze se trouve le muscle rhomboïde qui commence au niveau des apophyses épineuses de deux vertèbres cervicales inférieures et des apophyses épineuses de 4 vertèbres inférieures de la partie dorsale. Ce muscle rapproche la scapula de la colonne vertébrale. On parle de ce muscle uniquement parce que grâce à lui le muscle trapèze devient plus volumique entre le scapula et la colonne vertébrale.

Le muscle longe dorsal. Ce grand muscle a une structure complexe. Il monte tout le long de la colonne vertébrale jusqu’au crâne. Il prend son origine sur le sacrum, la crête iliaque et de l’aponévrose. Il se subdivise en trois parties – les trois muscles qui ont ses endroits d’origine et de terminaison sur la colonne vertébrale. Le muscle longe dorsal se trouve au-dessous du muscle trapèze et du muscle rhomboïde du dos mais il est très importent pour comprendre les mouvements du corps, car il est contribué à déplier le corps et l’incliner latéralement.

Dans la partie lombaire du corps ce muscle se trouve sur la surface, juste au-dessous du muscle grand dorsal. Dans cette partie on peut déterminer la position du muscle longe dorsal car sa forme se voit facilement même sous le muscle grand dorsal.

Pour terminer notre étude de l’anatomie du torse nous parlerons un peu des muscles du scapula.

Les muscles du scapula dans l’anatomie artistique

Sur la surface de scapula se trouvent plusieurs muscles qui font sa forme. Les plus importants pour nous sont le muscle supra-épineux, le muscle infra-épineux, le muscle grand rond et la muscle petit rond.

Le muscle infra-épineux occupe la majeure partie de la fosse infra-épineuse (au-dessous de l’épine de scapula) où il commence, ainsi que de son aponévrose et il se termine sur le tubercule majore d’humérus.  Son action est de tourner l’humérus en dehors.

Le muscle petit rond commence au bord latéral du scapula et se termine sur le tubercule majore d’humérus. Ce muscle contribue à tourner l’humérus en dehors, comme le muscle infra-épineux.

Le muscle grand rond se voit clairement sous la peau. Il commence de l’angle inférieure de la surface antérieure du scapula, il se dirige vers le haut et en dehors et se termine sur le tubercule mineur ( pour être plus précis, sur la crête tubercule mineur) de l’humérus. Son action est la rotation interne et addiction de l’humérus.

Le muscle supra-épineux se trouveau-dessus de l’épine du scapula, mais il n’a pas de grande importance pour nous car il n’influence pas la forme du scapula.   

J’espère que cet article vous a plu et qu’il vous a été utile.

Dans les prochains articles nous continuerons d’étudier l’anatomie artistique et passerons de la théorie à la pratique – nous commencerons par appliquer nos connaissances d’anatomie artistique pour dessiner le corps humain.

Je vous conseille également de lire mon article Les os du crâne  qui est déstiné à vous aider à dessiner la portrait . 

Et bien sûr je serai très contente si vous me laissez un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !  

A bientôt 🙂

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Comment peindre la mer en aquarelle

Dans cet article nous allons voir comment peindre la mer en aquarelle.

D’habitude je commence mes articles par la théorie mais aujourd’hui nous passerons directement à la pratique. Je vais peindre la mer devant vous d’après nature en plein-air.

Je vais vous montrer partie par partie comment peindre la mer en aquarelle et après cela vous pourrez regarder une vidéo qui vient de ma chaine YouTube. Comment peindre la mer en aquarelle.

Comment preparer une feuille de papier pour peindre la mer.

Commençons par préparer notre feuille de papier pour peindre la mer. Après avoir collé une feuille de papier sur une planchette à dessiner je vous conseille de dégraisser cette feuille avec de l’eau. Vous pouvez appliquer de l’eau à l’aide d’une éponge de mer ou d’un gros pinceau en poil d’écureuil (petit-gris).

Première couche de peinture

Pourquoi est-ce que je vous conseille de passer de l’eau sur une feuille avant de commencer à peindre à l’aquarelle ? Quand on touche une feuille de papier on laisse inévitablement un peu de gras sur notre feuille. Si l’on ne dégraisse pas la feuille, lorsque l’on est en train de peindre on risque d’avoir les endroits où les couleurs ne se mettent très bien sur la feuille et comme cela on risque d’abimer notre peinture. Pour mettre l’eau sur une feuille j’utilise toujours le pinceau écureuil ou l’éponge de mer comme ils sont très doux et n’abîment pas la surface du papier aquarelle.

Par quoi commencer peindre la mer

Au début vous avez le choix. Vous pouvez tout simplement dégraisser votre feuille, et attendre pour que votre feuille sèche complètement et ensuite commencer à peindre sur la surface complétement sèche ou bien rajouter dans l’eau un tout petit peu de couleur de base ( comme cadmium jaune, par exemple) et commencer à peindre directement sur le papier humide.

Peindre sur le papier humide ou sec ?

Dans l’aquarelle il y a une règle. On peut peindre sur le papier sec ou humide, mais on ne doit pas travailler sur le papier demi-sec. Si vous peignez sur une feuille de papier demi-sec vous risquez que la couleur que vous mettez par-dessus déchire une couche de peinture inferieure. ( Il y a les cas exceptionnelles où vous pouvez utiliser exprès cet effet de déchirure pour peindre l’écume sur les vagues par exemple. Mais on parlera de cette technique plus tard. 🙂 .

Si vous métrisez déjà bien la technique d’aquarelle vous pouvez contourner un peu cette règle en travaillant avec des pinceaux presque secs, mais cela ne marche pas toujours. Donc au début il vaut mieux tout simplement suivre cette règle.

Dans cette aquarelle j’ai choisi la deuxième variante pour peindre la mer.

J’ai mis la première couche de peinture en rajoutant un peu de cadmium jaune. Comme j’ai travaillé en plein-air au bord de la mer où l’air est très humide la peinture met assez longtemps pour sécher, donc j’ai choisi de travailler sur du papier humide. Par contre j’ai laissé non couvert les endroits où il y avait les reflets forts du soleil. Pourquoi l’ai-je fait on verra plus tard.

Première couche d'aquarelle

Normalement je couvre toute la surface de la feuille de papier avec un peu de couleur, y compris les taches de lumière, car même les taches de lumière très claires ont sa couleur. Dans la nature il n’existe pas la couleur purement blanche et noir, elles sont toujours composées des autres couleurs.

Par quoi commencer à peindre la mer

Sur le papier humide je rajoute les autres couleurs qui se fondent et se mélanges facilement sur la couche de peinture humide. Je trace de suite les nuages et la couleur du ciel plus foncée en haut qui s’éclaircie et devient plus chaude en descendant vers la ligne d’horizon. Pour marquer les parties claires des nuages, je les essuie avec un pinceau bien égoutté.

Comment peindre le ciel dans un paysage
Comment peindre le ciel

Après je rends les ombres des nuages plus foncées. Faites attention je change toujours les couleurs. La couleur des nuages est différente de celle du ciel de la mer, même si c’est toujours la couleur bleue.

Comment peindre le ciel avec les nuages

Ensuite je trace la ligne d’horizon et commence peindre la mer. Faites attention je travaille toujours sur une feuille de papier humide.

Comment commencer à peindre la mer

Si vous avez choisi de travailler sur une feuille de papier humide mais durant votre travail la couche de peinture sèche trop vite. Je vous conseille donc de la laisser sécher complètement, ensuite de mettre encore une couche d’eau sur votre feuille et enfin après cela continuer à travailler.

Il y a encore une règle à appliquer quand vous travaillez sur un paysage. Commencez toujours par peindre par le ciel et évitez de peindre le ciel après la terre pour ne pas emmener les couleurs de la terre dans le ciel. Les couleurs du ciel doivent rester très claires et très propres. (Cette règle touche plutôt des paysages avec la terre, quand on peint la mer on peut emmener dans le ciel les couleurs de la mer mais il faut quand même surveiller à ce que les couleurs restent propres.)

Donc on continue à peindre la mer en aquarelle.

Regardons quels mélanges de couleurs on peut utiliser pour peindre la mer.

Peindre les reflet sur la mer

La mer, même si elle nous parait bleue n’a pas qu’une seule couleur. Dans la mer on voit toujours beaucoup de nuances de bleu. Je précise dans la peinture que je suis en train de réaliser. En fait la mer peut être grise ( le gris comme couleur n’existe pas non plus, il est toujours composé d’autres couleurs. ), verte, ocre etc. Dons revenons à notre peinture.

Peindre la mer avec ses reflets

Je commence à peindre la mer avec un mélange de bleu outremer et bleu de cobalt et puis je continue vers le bas avec le bleu de cobalt et le bleu de céruléum et un peu d’ocre jaune.

Comment peindre la mer en aquarelle première couche

Ensuite je continue avec un mélange de bleu outremer, d’alizarine cramoisie et de violet d’outremer. Dans les endroits où il y a les reflets de soleil et où j’ai gardé le papier vierge je passe avec le pinceau bien égoutté mais avec juste un peu de couleur, ce qui ne me permet pas de couvrir complétement la surface blanche de papier, mais je juste laisse un peu de couleur sur les grainages inférieures du papier aquarelle torchon. Cela donne l’effet de brillance des reflets du soleil sur l’eau.

Comment peindre la mer. la première couche

Maintenant je commence à mélanger les couleurs pour le sable. Je mélange l’ocre avec un peu de violet d’outremer.

Peindre la mer. Les ombres
Peindre la mer
La mer avec ses reflets

Un conseil….

Evitez de mélanger trop de couleurs pour trouver le teint de l’endroit que vous peignez. Ne mélangez pas plus que trois, rarement quatre couleurs. Sinon votre mélange risque de perdre de sa pureté. En plus, il faut toujours prendre en considération que les couleurs d’aquarelle sont transparentes et quand vous peignez avec les glacis à travers la couche supérieure vous pouvez voir la couche inférieure.

Donc si vous travaillez par-dessus une couche où il y avait déjà un mélange de quelques couleurs essayez de travailler avec les couleurs pures au maximum avec le minimum de mélanges. Si non vous risquez d’obtenir au final une couleur boueuse.

Un exercice simple de mélange des couleurs que vous pourrez trouver dans mon article “Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices.”

Comment commencer à peindre la mer
Comment peindre la mer. On rajoute la deuxième couche de peinture
Comment peindre la mer

Donc après avoir fini la première couche de peinture je mets la deuxième couche sur la mer. Cette fois-ci je ne couvre pas complétement toute la surface de la mer, mais je laisse les endroits plus clairs non couverts.

comment peindre l'écume

Pour faire l’écume sur la vague au premier plan je passe avec le pinceau bien humide et ensuite sur le même endroit avec le pinceau très bien égoutté.

L'écume sur la vague

Comme cela j’enlève une couche de couleur dans cet endroit et tant que la feuille de papier reste humide dans cet endroit je rajoute de la couleur violet-ocre dans l’ombre de l’écume ( l’écume, malgré qu’elle nous paraisse blanche à sa forme, comme n’importe quel objet, donc comme tous les objets elle a son ombre, pénombre, son reflet et sa lumière.)

Peindre les vagues en aquarelle
Peindre le sable
On continue à peindre le sable

Après cela je mets quelques taches foncées sur le sable qui représentent le jeté de la mer.  Après je reviens vers la mer pour la rendre plus foncée. Comme cela les reflets brillants du soleil seront encore plus clairs et visibles. Il n’y a pas de lumière sans ombre. Si vous voulez rendre la lumière claire, faites l’ombre plus foncée. On voit tout en comparaison.

Ensuite je détaille le sable avec les ombres bleu outremer – ocre- alizarine cramoisie. Après cela je mets encore une couche de peinture sur le ciel pour le rendre plus foncé et faire ressortir les contours clairs des nuages.

Dès que j’ai fini de peindre la mer, le ciel et la terre je mets les petits bateaux. Et je continue à détailler la mer avec la couleur très pure (car je travaille déjà par- dessus les deux couches de peinture.)

Maintenant il ne me reste qu’à affiner le premier plan et enlever encore en peu la couche de peinture autour des bateaux pour souligner encore plus la différence de tonalité entre le reflet éblouissant du soleil sur l’eau et le bateau qui se trouve en contre-jour et sur le font du reflet brillant de soleil qui parait presque noir. 

Comment peindre la mer en aquarelle

Merci d’avoir lu cet article. A la fin je vous propose de regarder une vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle” qui montre le travail sur cette aquarelle étape par étape. Cette vidéo vient de ma chaîne Youtube. J’envisage de publier réguliérement sur cette chaîne des tutos et des vidéos avec les astuces et les exercices.

Comme exercice je vous conseille de peindre la mer d’après une photo ou encore mieux d’après nature. Et n’hésitez pas à me poser des questions dans les commentaires. Vous pouvez également m’envoyer vos peintures si vous voulez que je les analyse et vous donne des conseils pratiques.

Comment peindre la mer en aquarelle

Je vous conseille également de lire mon article “Comment peindre à l’aquarelle une nature morte” où vous trouverez beaucoup de conseils pratiques qui peuvent vous aider à peindre en aquarelle. L’article “Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage” qui vous aidra à apprendre à dessiner l’eau. L’information sur le materiel de l’aquarelle vous la trouverez dans mon article “Débuter en aquarelle” Et les régles de la perspective aérienne vous pouver les trouver dans l’article “La perspective aérienne“.

Merci et à bientôt ! 🙂

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Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage

Dans cet article nous allons découvrir comment dessiner l’eau dans le paysage et comment  construire les reflets des objets dans l’eau.
Dans la première partie de l’article je parlerai de la construction des reflets, ce sera une partie purement théorique. Et dans la deuxième partie, la partie pratique, nous dessinerons ensemble un paysage avec de l’eau.

Donc observons des règles de la construction des reflets qui sont indispensables, à mon avis,  pour dessiner l’eau dans un paysage.

Soyez patient, cette partie ne sera pas longue.

Pourquoi voit-on des reflets dans l’eau?  Parce que les rayons de lumière se reflètent  sur la surface faisant miroir sous les angles qui sont égaux aux angles de leur incidence. 

L’angle d’incidence est égal à l’angle de réflexion.

Plus la lumière est vive et la surface est lisse et polie, plus le rayon réfléchi sera clair.

L’image réfléchie de chaque point de l’objet se trouve sur la suite de la perpendiculaire tracée de ce point vers la surface miroir.

On dirait que l’image réfléchie se trouve à la même distance derrière la surface du miroir que le point qui (qu’il) reflète. Le reflet de l’objet dans le miroir plat est égal à l’objet même et est soumis aux mêmes règles de la perspective.

dessiner l'eau et ses reflets

Les reflets des lignes verticales sont verticaux, ceux des lignes horizontales sont horizontaux, les lignes réfléchies ont des directions parallèles aux directions des lignes des objets et les points de fuite sont communs. On peut  observer cela sur ce dessin. 
Quand on dessine les bâtiments, on peut souvent voir dans leurs reflets les côtés,  que l’on ne voit pas de notre point de vue de référence. Car ils peuvent être cachés derrière des autres objets. Regardez le dessin suivant, ici on voit dans le reflet la voûte de l’arc du pont, que l’on ne voit pas quand on regarde le pont lui-même.

Comment dessiner l’eau avec les reflets de forme complexe

Si l’on doit construire le reflet de forme complexe, alors il nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau. nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau.

Sur ce dessin, pour construire le reflet du pont, on doit tracer quelques points de repères sur l’arc (points 5, 7, 8, 9.. )

Comment dessiner l'eau et ses reflets

Comme les points 5 et 9 se trouvent sur la surface d’eau, leurs reflets se trouvent dans les mêmes endroits. Les points 7 et 8 sont projetés sur la surface d’eau ( c’est comme cela que l’on a obtenu les points 0 et 8’.) Ensuite les lignes verticales de projection sont tracées vers le bas. Maintenant nous devons reporter la distance d-d’  sur la ligne verticale de projection pour obtenir le point . De même façon on reporte la distance 7-0 pour  obtenir le point et la distance 8-8’, pour obtenir le point .

Ensuite on peut relier les points réfléchis que l’on a obtenu, et construire comme cela le reflet de l’arc du pont. De même façon on peut construire les personnages sur le quai.

Observez encore ce dessin. Ici on voit que les arbres et les personnages se trouvent à des distances différentes de l’eau.

comment dessiner l'eau dans un paysage

Donc pour construire le reflet du personnage qui se trouve à une certaine distance du bord de l’eau (7-7.1) on doit tirer une ligne verticale du point 7.1 vers le bas et tracer sur cette ligne le point 7.2 où se trouverait la surface de l’eau si elle continuait au-dessous vers le fond du quai. Pour trouver la taille du quai dans la profondeur passons la ligne auxiliaire du point P au point 6 ( le bord du quai ) à travers le point 7.1.

Du point 6 dessinons un perpendiculaire jusqu’à la surface d’eau et le point d’intersection 6.1 relions avec le point P. Au point d’intersection de la ligne 6.1 – P avec une ligne verticale tirée du point 7.1 ( le point où l’on a mis notre personnage ) on trouvera le point 7.2.

Ensuite on reporte la distance 7.2 – 7.1 du point 7.2 vers le bas pour obtenir le point 7.3. Le point 7.3 serait le reflet du point 7.2 si les points 7.1 et 7.2 étaient au bord du quai. Maintenant reportons du point 7.3 la distance 7-7.1 qui est égal à la taille du personnage vers le bas et comme cela trouvons le point 7.0. La taille du reflet.

Petit exercice.

Pour mieux comprendre comment dessiner l’eau et les reflets dans l’eau des objets situés des hauteurs différentes, je vous conseille de mettre un miroir sur la table et à côté de lui une pile de livres.

Comme cela vous pourrez observer comment les livres qui se trouvent sur la hauteur différente par rapport au miroir (qui le) reflètent. En tenant le crayon sous des angles différents par rapport à la surface, vous  pourrez observer ses reflets. Comme sur le premier dessin.

C’est une théorie. En réalité quand on doit dessiner l’eau, elle est rarement aussi lisse que le miroir. Souvent on peut voir les petites vaguelettes qui troublent la surface d’eau. 

Donc les contours des objets réfléchis sont moins nets que ceux des objets. La surface de l’eau ne reflète pas tous les rayons du soleil sous les mêmes angles, donc les objets clairs y apparaissent un peu plus foncés. Les bords est les détails des reflets sont moins bien déterminés que ceux des objets. Quand on travaille sur un paysage avec de l’eau, par exemple une rivière, on doit dessiner les objets qui se trouvent sur les bords en 3D- en volume. Mais pour les reflets on doit prendre en considération la surface d’eau, donc le volume des objets doit être subordonné à la surface d’eau.

Maintenant passons à la partie pratique dans laquelle nous allons voir :

Comment dessiner l’eau dans le paysage concret.

Je vais vous montrer comment dessiner l’eau en prenant pour exemple mon dessin que j’ai réalisé d’après une de mes photos prise en Thaïlande. Pour apprendre à dessiner l’eau il est bien souhaitable de dessiner d’après nature.

Si vous n’avez pas de possibilité de dessiner de suite d’après nature vous pouvez commencer par dessiner l’eau d’après une photo. Mais je vous conseille quand même de dessiner l’eau d’après nature dès que cela vous sera possible. La nature est le meilleur des professeurs ! Quand on dessine en plein air on voit beaucoup plus de nuances que quand on dessine d’après une photo.

Alors commençons comme d’habitude par trouver la ligne d’horizon et placer des objets sur notre feuille de parier.

comment commencer à dessiner un paysage

Quand vous dessinez un paysage il faut tout le temps se souvenir des règles de la perspective. Les règles de la perspective linéaire et aérienne vous pouvez trouver dans les articles suivants : “La perspective“, “Comment dessiner un paysage en perspective” et “La perspective aérienne“.

Pour placer correctement les objets sur une feuille de papier et faire une bonne composition, je vous conseille également de consulter mes articles “Comment dessiner correctement” dans lequel je parle de la méthode de comparaison, qui est utilisée par tous les artistes peintres professionnels, et “Composition dans la peinture” qui montre plusieurs formes de compositions sur l’exemple des tableaux des grands artistes peintres.

Dans cette vidéo vous pouvez voir la première étape du dessin.

Dans cette vidéo je montre comment commencer à dessiner un paysage.
Faites attention, je commence à dessiner selon mon impression, comme je le sens. Cela me sert de point d’appui. Et après cela je commence à comparer, corriger et mesurer les proportions.

Après avoir placé la ligne d’horizon et les maisons j’hachure légèrement de grandes masses d’arbres et les reflets dans l’eau. Je vois conseille de commencer à  travailler en tonalité le plus vite possible. Notre œil ne perçoit pas la forme avec les contours, mais avec les volumes. Donc pour arriver à transmettre ce que l’on voit devant nous il fait commencer par dessiner en volume le plus vite possible.

dessiner l'eau dans le paysage. Etape 2. On dessine en tonalité.
A cette étape je rajoute des ombres. Je vais affiner mon dessin après. Le fait de commencer à dessiner en tonalité le plus vite possible m’aide à capter mieux la forme.

Ensuite on dessine les maisons et les arbres en volume, en pleine force de leur tonalité. Quand vous dessinez un détail n’oubliez pas voir l’ensemble des objets du paysage pour ne pas perdre l’unité de votre tableau.

comment dessiner un paysage avec de l'eau
Je dessine d’abord les cabanes et les arbres pour avoir le point de référence au niveau de la tonalité et de la forme pour dessiner les reflets dans l’eau après.

Après cela on peut commencer à dessiner l’eau. Faites attention comment je dessineles reflets des arbres et des cabanes dans l’eau en les hachurant en vertical. Le fait de les hachurer comme cela donne un effet supplémentaire de reflet.

Comment dessiner des reflets dans l'eau
Faites attention, après avoir hachurer en vertical, je dessine par-dessus les lignes horizontales pour souligner la surface de l’eau.

Ensuite je continue de dessiner avec la gomme. Pour montrer le mouvement de l’eau je gomme en horizontal les parties éclairées de l’eau où il y a les vagues. Cela m’aide à montrer la surface horizontale de l’eau.

Maintenant dessinons les vagues. Pour cela dessinons uniquement les ombres sans toucher la lumière sur les vagues.

comment dessiner les vagues

Il y a une règle de la peinture et du dessin. Si l’on dessine l’ombre, on généralise la lumière et au contraire si l’on dessine la lumière, on généralise l’ombre. Cela veut dire, que si vous détaliez plus les ombres dans votre tableau, vous devez détailler beaucoup moins les parties éclairées pour que votre tableau reste uni. Dans chaque tableau vous devez choisir ce que vous allez dessiner, les ombres ou la lumière.

Pour donner l’effet de transparence des vagues vous pouvez faire la jonction entre la lumière et l’ombre de la vague un peu plus foncée, mais pas trop, pour ne pas rendre cet endroit aigu. Chaque vague a sa forme, son volume. Ne dessinez pas les contours, suivez la forme des vagues avec les hachures.

Au final pour souligner encore plus la surface d’eau hachurez légèrement en horizontal la partie de l’eau avec les reflets des arbres et des maisons.

Pour apprendre à dessiner l’eau il est très utile au début de copier quelque dessins de grands artistes peintres. Cela aide à apprendre la technique.

Ce sont les dessins que j’ai trouvé intéressants et utils à étudier.

Ivan Aïvazovski
Ivan Konstantinovitch Aïvazovski
Dans ce paysage on peut observer comment le peintre dessine les vagues. Ici on voit que l’artiste dessine les reflets dans l’eau et après il gomme la lumière sur les vagues.
Rembrandt. L'eau-forte
Rembrandt
Dans cette eau-forte de Rembrandt on voit comment peintre dessine les reflets dans l’eau. Faites attention, après avoir dessiné les reflets, le peintre hachure en horizontal la surface de l’eau.
Alexeï Savrassov
Alexeï Kondratievitch Savrassov
Ici on peut étudier comment l’artiste dessine les reflets des arbres dans l’eau et dans la glace.

Merci d’avoir lu cet article! Maintenant je vous proprse de faire quelques exercices. Pour appliquer les connaissences aquises dans cet article je vous invite à dessiner l’eau dans un paysage et faire une copie du dessin du peintre qui vous inspire.

Si vous avez des questions, posez-les moi dans les commentaires. Je vous propose également de m’envoyer vos dessins si vous voulez que je les corrige ou donne mon avis. Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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La perspective aérienne

La perspective aérienne

Dans mes articles précédents je vous avez beaucoup parlé de la perspective linéaire.  Aujourd’hui  parlons un peu de la perspective aérienne.

L’artiste peintre a besoin de connaître les règles de la perspective aérienne pour pouvoir représenter correctement la profondeur de l’espace de son tableau.

Quand on compare visuellement les objets qui sont placés à côté de nous et à distance, on voit qu’au fur et à mesure que l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, ses ombres et sa lumière perdent leur contraste. Les contours deviennent moins clairs et précis. Les volumes s’aplatissent. Les couleurs deviennent plus claires.

Dans la peinture de l’époque  du Classicisme il était d’usage de repartir le paysage en plans ayant des teintes différentes. Selon cette règle, le premier plan devait avoir principalement les couleurs brunes, le deuxième plan – les couleurs vertes et le dernier plan les couleurs bleus.

Cette règle a du sens, car dans la perspective aérienne la couleur de l’air compte aussi.

Et oui, l’air a de la couleur aussi. C’est la couleur bleu claire. Donc, plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, plus la couche d’air entre nous et l’objet est épaisse. Et comme l’air a la couleur bleu claire, on voit les couleurs de l’objet  plus froides et plus claires. C’est le bleu d’air qui influence les couleurs de l’objet. En plus l’air n’est pas complètement transparent. On peut voir parfois les mouvements de l’air les jours de canicule.

Néanmoins, la représentation de la perspective aérienne est basée sur la différence des valeurs de gris, la différence entre les ombres et la lumière plus contrastées au premier plan et moins contrastées et plus flous au second plan.  Sur un tableau on peut représenter beaucoup de plans et chaque plan plus éloigné vers la ligne d’horizon sera plus clair et plus froid, au niveau des couleurs.

Par exemple si vous dessinez une allée d’arbres, chaque arbre qui s’éloigne vers la ligne d’horizon sera plus clair,  moins contrasté, moins volumétrique et plus froid que l’arbre précédent, plus proche de nous.

Quand vous travaillez d’après nature,  pour voir la différence de clair-obscur, essayez de regarder des objets ou, ce qui est mieux, le paysage en entier, en plissant les yeux. Comme cela vous verrez clairement la différence entre la lumière et l’ombre et pourrez facilement comparer l’intensité des plans.

En plein air il faut aussi prendre en considération des couleurs réfléchies sur les objets. Par exemple, quand il fait beau, on voit la couleur bleu du ciel dans les ombres portées des objets, le soleil jette sa lumière chaude sur les arbres verts, cette lumière colore les feuilles qui sont à la base vertes en couleurs jaunes, ocres et rouges.

Maintenant je vous propose de faire quelques exercices. Dessinez ou peignez une allée d’arbres et le champ avec la route.

Comme par exemple dans cette peinture  d’ Ivan Chichkine où on peut voir les couleurs et les teintes plus intenses au premier plan et beaucoup plus claires vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Ivan Chichkine
Ivan Chichkine

Faites attention ! Le ciel, lui aussi, perd de son intensité et change sa couleur vers la ligne d’horizon. Cette peinture peut également nous servir d’exemple d’utilisation de trois plans de couleurs dans la perspective aérienne. Sauf que le peintre a fait le premier plan vert, deuxième – brun et dernier plan – bleu, alors que dans la peinture classique le premier plan est brun, deuxième est vert et le dernier plan est bleu.

Ou par exemple comme dans cette peinture de Claude Monet.

Ici on peut voir clairement la différence entre les arbres du premier plan et les arbres de deuxième et arrière-plan.

Les arbres qui sont très foncés et contrastés au premier plan perdent leur volume et leur contraste au fur et à mesure qu’ils s’éloignent vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Claude Monet
Claude Monet Les peupliers

Merci d’avoir lu cet article !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Dessin en perspective.

Dessin en perspective. Les éléments verticaux.

Parfois quand on travaille sur un tableau, pour faire un dessin en perspective, on a besoin de déterminer les places des fenêtres ou des colonnes qui se trouvent à la même distance l’une de l’autre. Donc comment faire pour déterminer leurs places et les intervalles entre elles ?

Comme, par exemple, sur ce pastel.

Dessin en perspective. Pastel.
La Seine en hiver. Pastel sec sur papier

Observez ce dessin en perspective ou plutôt un schéma qui représente les perches placées à la même distance l’une de l’autre.

Dessin en perspective. Schéma

 

Pour déterminer les place des perches, dessinons tout d’abord la première perche AA’ et après tirons les liens de ces points extrêmes au point de fuite P.  Donc avec cette façon de procéder on détermine du même coup la direction des autres perches.

Ensuite dessinons la deuxième perche BB’ à la distance choisie. Maintenant pour déterminer les mêmes distances au fond du tableau, divisions la hauteur de la première perche en deux parties égales. Si l’on relie le point O avec le point P (le point de fuite), on obtiendra deux rectangles égaux AOBO’ et OA’B’O’.

Tirons une diagonale du point A du rectangle supérieur au point C’en passant par le point O’. Le point C’ va déterminer la base de la troisième perche. Il ne nous reste plus qu‘à tirer une ligne verticale du point C’ jusqu’au point d’intersection avec la ligne AP qui détermine la hauteur de la troisième perche CC’.

Pour les autres perches le mode de construction sera analogique.

Voilà dans notre dessin en perspective on a déterminé les places des perches ! Comment faire le dessin en perspective si les points de fuite se trouvent en dehors de la surface de votre tableau, lisez dans mon article “Trois méthodes simples pour dessiner l’architecture en perspective”.

Quand vous travaillez d’après nature en plein air, pour faire un dessin en perspective, vous pouvez aussi utiliser la méthode de comparaison, qui marche toujours bien. Alors n’oubliez pas de mesurer les distances et des propositions comme c’est décrit dans mon article  Comment dessiner correctement, que je vous propose de lire.

Pour appliquer les connaissances acquises dans cet article, je vous conseille de dessiner une allée avec des arbres, une colonnade ou une clôture avec les perches. Quand vous dessinez vous pouvez utiliser la méthode décrite au début de cet article ainsi que la méthode de comparaison, mais après, essayez de vérifier votre dessin en utilisant la première méthode.

Dessin en perspective. Grabar
Igor_Grabar. La neige en septembre.

Ne vous inquiétez pas si les distances ne seront pas exactement les mêmes, dans la nature les lignes parallèles n’existent pas, comme d’ailleurs les distances parfaitement égales. Mais ces imperfections font tout le charme de la nature !

 

 

Maintenant je vous invite à me laisser un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

 

A bientôt ! 🙂

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Comment déterminer le point de vue

Comment déterminer le point de vue dans votre tableau.

 

Je sais, je sais,  j’écris en ce moment beaucoup d’articles théoriques sur des sujets  complexes. Mais soyez patients, ces connaissances théoriques vous aiderons beaucoup à vous décider dans vos tâches purement pratiques dans la peinture et le dessin. Cette fois-ci je vais vous parler du point de vue dans le dessin.

Cette article vous aidera à déterminer facilement le point de vue correct pour éviter la déformation de la perspective, des proportions et des formes des objets dans votre tableau.

Premièrement  je vais vous parler de l’interdépendance de l’image de la distance entre le tableau et le point de vue.

Cette illustration nous montre la même pièce.

le point de vue différent

Sur chaque dessin le point de vue est sur la même hauteur, mais sur les distances sont différentes par rapport à cette pièce.

Sur le premier dessin on voit la pièce de tout près, la distance entre nous est cette pièce est égale à la moitié de la diagonale de la surface de tableau.

Sur le deuxième dessin la distance est égale à la diagonale entière de la surface de tableau.

Sur le troisième dessin on regarde la même pièce d’une distance égale à deux diagonales et sur le quatrième dessin, à trois diagonales de la surface de tableau.

Si on compare tous les quatre dessins on remarquera que la même pièce sur le premier dessin nous paraît plus profonde que sur les autres dessins.

Quand on regarde les objets de tout près, comme sur le premier dessin, on voit la distorsion de la perspective, surtout aux bords de l’image. On peut voir le même effet sur les photos prises de tout près, où les objets ont des formes et des propositions déformées. Sur le premier dessin, les murs nous paraissent trop longs et le personnage au premier plan est trop grand par rapport aux autres.

En bas du premier dessin on peut voir le plan de cette pièce qui nous montre la distance jusqu’au point de vue. En observant ce plan nous voyons que la profondeur de la pièce ne fait que quatre mètres, mais quand on regarde le dessin on a impression que la pièce est beaucoup plus grande que cela. Ce que l’on voit  s’appelle la fausse profondeur. Donc,  plus le point de vue est prêt à la pièce (surface de tableau),  plus on voit le raccourcissement et la déformation de la perspective. Si on s’éloigne de cette pièce (de la surface de tableau) on verra sur le dessin moins de différence de taille des objets.

Alors, la conclusion de tout ce qui précède est …. Que quand on dessine d’après nature, il faut éviter de choisir un point de vue trop proche ou trop éloigné. Dans la plupart de cas, les peintres dessinent le sujet en se trouvant à une distance égale à une ½ diagonale ou deux de la surface de tableau, c’est à dire que l’angle de vision sera égal à 28° ou 37°. Un point de vue trop proche, fera apparaître de déformations fortes de la perspective et des formes des objets.  Par exemple, si on dessine de tout prêt un homme allongé en raccourci, on verra ses pieds quelques fois plus grands que sa tête.

Donc je résume…

Comment choisir le point de vue.

Quand vous dessinez d’après nature, choisissez le point de vue pas trop près et pas trop éloigné de ce que vous dessinez.

Pour comprendre où le point de vue dois se trouver, vous pouvez tout simplement vous mettre à la distance de deux et demi où trois tailles environ de ce que vous dessinez. Par exemple vous dessinez une nature morte. Pour trouver votre point de vue vous mesurez la taille de votre nature morte (ou sa diagonale, si c’est possible) est vous vous éloignez à une distance égale à trois tailles de la nature morte (ou la taille de deux diagonales).

le point de vue nature morte  le point de vue nature morte

Mais faites attention, il faut  mesurez la nature morte en entier, pas que la taille des objets, mais la taille de tout ce qui fera la surface de votre tableau.  Avec un peu d’expérience vous commencerez vite à déterminer le point de vue automatiquement.

Je vous propose à faire un exercice pour apprendre à déterminer le point de vue correct. Dessinez une fenêtre ouverte, une porte semi-ouverte, une petite maison. Je vous conseille dans ces dessins de fixer toujours la ligne d’horizon et des points de fuite pour chaque objet, comme je l’ai  expliqué dans mon article précédents   La perspective .

Je vous propose également de jeter un coup d’œil sur un petit parcours historique sur l’histoire de la perspective, qui m’a paru intéressent.

Je vous invite aussi à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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La perspective

La perspective

L’artiste peintre doit absolument connaître les règles de la perspective pour dessiner correctement. Et ce qui est encore plus important, il doit savoir comment les appliquer !  

Dans cet article je vais vous  expliquer les règles principales de la perspective.

la perspective. Vassili Verechtchaguine
Vassili Verechtchaguine

Quand on regarde la nature, on remarque que les objets  qui se trouvent les plus proches de nous, nous apparaissent plus grands que les objets plus éloignés de nous. De plus leurs formes changent en fonction de leur distance et de leur disposition. 

Les rails de chemin de fer, qui sont parallèles, nous les voyons se  rejoindre au point de fuite. Alors que l’on comprend que la distance entre eux reste invariable.

La surface de la table ronde nous apparaît comme ovale. Et celle de la table carrée nous la verrons de la forme d’un trapèze. Dans la chambre on verra que le bout du plafond le plus éloigné donne l’impression de pencher vers le bas, et le plancher lui de monter.

Si l’on prend une feuille de papier, on coupe trois ronds, on met le premier rond sur le plancher, le deuxième sur une chaise et le troisième sur la table, on verra trois ellipses (au lieu des ronds). Comme cela l’ellipse qui se trouve par terre nous apparaîtra plus ronde (plus large) que celle qui est sur la chaise, alors que l’ellipse qui est mise sur la table nous paraîtra la plus étroite.

Le rond placé au niveau des yeux (la ligne d’horizon) se transformera en ligne. En prenant et montant le rond plus haut, on verra la surface inférieure du rond sous forme d’une ellipse. Plus l’on monte le rond, plus l’ellipse, que l’on voit devient large. .

La perspective. étagère

On peut voir la transformation optique analogique en regardant les rayons d’une étagère.

Dans la rue on voit que les objets ou les gens qui sont à côté de nous, paraissent plus grands que ceux qui sont loin de nous. La taille des arbres et des maisons change visuellement en fonction de la distance et de l’angle de vision.

la perspective. Vassili Verechtchaguine
Vassili Verechtchaguine

Sur ce tableau de Vassili Verechtchaguine on peut voir que le pavillon blanc au dernier plan est représenté beaucoup plus petit, que le pavillon au premier plan, alors que sa colonnade est en réalité de même taille que la colonnade quel’on voit au premier plan.

Regardez aussi ce tableau de Vladimir Orlovski.

La perspective. Vladimir Orlovski
Vladimir Orlovski

Vous voyez  comment le peintre dessine les petits poteaux qui sont en réalité de même taille, mais dans le tableau ils sont dessinés de tailles différentes, plus ils s’éloignent, plus ils deviennent petits.

Les carreaux du plancher dans le tableau de Nicolas Gay , dessinés en Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis formes de rhombes, leurs lignes parallèles semblent se diriger vers le même point  (point de fuite).  

La perspective. Nicolaï Gay
Nicolas Gay. Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis.

Donc la technique de représentation des objets dans l’espace s’appelle la perspective.

Il existe deux types de perspectives.  La perspective aériennes et la perspective linéaire.

 

Dans cet article je vais vous parler de

 la perspective linéaire.  

Tout d’abord observons quelques notions que l’on doit prendre en considération quand on apprend la perspective.

Champ de vision ou champ visuel dans la perspective.

Notre œil voit les objets endéans (dans la limite) d’un angle visuel qui ne dépasse 53°. Tous les points visibles des objets sont liés à notre œil à l’aide de faisceaux de vision. Le faisceau principal se trouve au centre de notre champ visuel. Notre perception du sujet se fait automatiquement d’une façon horizontale. C’est  comme cela qu’on lit le sujet.

Donc si le faisceau principal se trouve au bord de notre tableau, le regard de spectateur continuera à imaginer mentalement au-delà du tableau (au-delà du sujet du tableau), cela veut dire que le regard du spectateur quittera le tableau, ce que nous, ne devrions à tout prix pas le laisser faire. Une fois parti, le regard du spectateur ne reviendra pas sur notre peinture !

Alors il faut  éviter de mettre le faisceau principal trop proche du bord de notre tableau ! Comme la visibilité est limitée par le champ visuel, à courte distance on ne peut voir en entier que de petits objets. 

C’est pour cela qu‘il est fort recommandé de dessiner les objets qui se trouvent à distance de nous, au moins une distance de 2 à 3 fois leurs dimensions. Mais si vous vous éloignez trop, les objets seront trop petits et leur volume sera moins visible. 

Le point de vue dans la perspective. 

Le point de vue dans la perspective, c’est l’endroit d’où le peintre regarde les objets. Pour pouvoir dessiner correctement je vous conseille de ne pas vous approcher trop prêt de votre feuille de papier ou de votre toile. Celle-ci doit être placée perpendiculairement par rapport à la direction de votre regard et à une distance équivalente à votre bras tendu.

Comme cela vous pourrez voir votre peinture ou dessin en entier et vous éviterez la déformation du dessin. Si la taille de votre peinture est trop grande, je vous conseille de la regarder régulièrement de loin pour vérifier l’exactitude de votre dessin. 

La ligne d’horizon dans la perspective.

Avant de commencer à dessiner on doit déterminer la position de la ligne d’horizon. Au bord de mer ou à la prairie la ligne d’horizon c’est la frontière entre la mer et le ciel, entre la terre et la ciel. Mais dans la perspective la ligne d’horizon, c’est la ligne imaginaire qui se trouve au niveau des yeux de spectateur. Si vous dessinez dans la nature, et que la ligne d’horizon est cachée derrière des bâtiments, des arbres ou des montagnes.

Pour déterminer la ligne d’horizon vous  pouvez tout simplement rapprocher vos yeux d’un verre d’eau et le tenir de façon à ce que le niveau de l’eau se voit comme une ligne. Après, assez rapidement, vous arriverez à déterminer la ligne d’horizon automatiquement.

Comme la ligne d’horizon est toujours au niveau de vos yeux, quand on se lève, la ligne d’horizon monte avec nous et quand on descend, elle descend avec nous aussi. La ligne d’horizon sépare les objets visibles en haut et en bas.

Observez ce dessin. Ici on voit le toit de la maison, qui se trouve sur la colline, pencher vers la ligne d’horizon. Alors que le toit de la maison en-dessous de la ligne d’horizon monte vers la ligne d’horizon. 

la perspective

Pour chaque ligne dans le dessin il y a son point de fuite. Le point de fuite peut se trouver en dehors du tableau.

Le point de fuite unique. la composition frontale dans la perspective.

Si vous choisissez la composition frontale, cela veut dire que votre faisceau de vision se trouve directement au centre du tableau et les objets sont placés en parallèle de la surface du plan du tableau. Donc pour tous les objets du tableau il n’y a qu’un point de fuite unique comme sur ce tableau du peintre russe Vassili Verechtchaguine

La perspective. Vassili Verechtchaguine
Vassili Verechtchaguine

Cette peinture de Kapiton Zelentsov peut servir également de bon exemple dans la composition frontale.

La perspective; Kapiton Zelentsov
Kapiton Zelentsov

La point de fuite unique vous pouvez observer aussi dans cette peinture de Pierre Mikhailov.

La perspective. Pierre Mikhailov
Pierre Mikhailov

Regardez ce dessin. 

La perspective. un cube

Ici on voit clairement comment construire le cube en position frontale. Faites attention, qu’il n’y ait qu’un seul point de fuite de cette position du cube.

La composition avec deux points de fuite.

Quand vous dessinez des objets qui sont placés sous des angles différents par rapport au plan de votre tableau, chaque objet aura deux points de fuite.

la perspective

Si les objets se trouvent sur une surface horizontale, les points de fuites seront sur la ligne d’horizon. Sur ce dessin on voit comment se construit un cube en fonction de sa position au-dessus, au-dessous ou directement sur la ligne d’horizon. 

la perspective

Sur le dessin suivant on voit bien la différence ente une étagère mise sous un angle par rapport au plan de votre tableau, et qui effectivement a deux points de fuite, et une étagère sur le dessin que vous avez déjà vu au début de cet article, où on voit une étagère dans la position frontale, qui a le point de fuite unique. 

la perspective. étagère

Maintenant parlons un peu de

la construction d’un rond dans la perspective.

Prenons une tasse.

La perspective. La tasse

 

Si l’on monte ou descend la tasse par rapport au niveau de nos yeux ( la ligne  d’horizon ),

on verra, que le fond  ou le bord supérieur de la tasse deviennent ovales.La perspective. La tasse

 

 

 

Le fond et le bord supérieur de la tasse seront ronds uniquement si on les regarde directement du haut.

La perspective. La tasse

Plus on descend la tasse, plus les ellipses du fond ou du bord supérieure de la tasse sont larges

 

Si l’on met le fond ou le bord supérieur de la tasse sur la ligne de nos yeux ( ligne d’horizon ), leurs ellipses se transformeront en ligne droite, comme sur cette photo.

La perspective. La tasseQuand on monte la tasse au-dessus de la ligne de nos yeux, on voit la surface intrados du fond de tasse. Plus on monte la tasse, plus l’ellipse du fond de la tasse est large.

Si l’on met une tasse sur la table de cette façon,

La perspective. La tasse

 

on verra que les lignes droites se dirigent vers le point de fuite sur la ligne d’horizon, donc l’ellipse plus proche de nous  sera plus grande que l’ellipse la plus éloignée.

 

 

 

Je veux encore vous faire remarquer qu’un axe d’ellipse est toujours perpendiculaire à l’axe de rotation du cercle.

la perspective

Si l’on insère les cercles dans les faces d’un cube, et que l’on met le cube en position angulaire, les cercles deviendront des ellipses.

La perspective. les ellipses L’axe de l’ellipse sur la face supérieure de cube sera horizontal, les axes les ellipses des faces latérales seront diagonales (d’un angle à l’autre).

Observez cette nature morte du peintre hollandais Willem Claeszoon Heda.

Ici on voit comment la largeur des ovales change en fonction de leur position par rapport à la ligne d’horizon. En descendant et en s’éloignant de la ligne d’horizon ( ligne de nos yeux ), les ovales deviennent progressivement plus larges.La perspective HedaWillem Claeszoon Heda

Lisez la suite dans mon prochain article dans lequel  je parlerai encore de la perspective linéaire, comment dessiner les ovales et comment construire l’espace de votre tableau. Je vous invite encore à lire mes articles qui me paraissent utiles à tous ceux qui apprennent la perspective: Comment dessiner les ombres et Comment dessiner les ombres portées.

Je vous propose de faire quelques exercices pour appliquer ce que l’on vient d’apprendre.

Dessinez une tasse et un livre, posés sur la table. Comme cela vous pourrez  mettre en application ce cours.

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Comment dessiner les ombres !

Comment dessiner les ombres !

Chaque peintre un jour rencontrera ce problème.  Comment dessiner les ombres portées des objets. Il paraît que ce serait assez facile. Ce ne sont que des ombres ! Mais en réalité, ce n’est pas si simple que cela.
Le sujet que je vais aborder est assez complexe et peut vous paraître ennuyeux. Mais soyez patients !

Bien sûr, pour dessiner les ombres on peut utiliser la méthode de comparaison, mesurer les proportions et la position d’ombre par rapport à  l’objet. Mais je suis persuadée que pour comprendre il faut toujours aller jusqu’au bout des choses.

Chaque dessin, que l’on fait, est lié directement à la mathématique et à la géométrie. Donc cet article va ressembler plutôt au cours de géométrie.

Mais c’est vraiment nécessaire pour comprendre comment construire et  dessiner les ombres. Certainement n’allez-vous pas utiliser la construction géométrique chaque fois que vous allez dessiner les ombres. Mais les connaissances que vous acquérez ici formeront une solide base dans vos études et vous aideront à faire des dessins exacts et éviter les fautes.

Donc soyez patients et attentifs ! On aborde déjà un sujet complexe, mais en revanche, après cela sera plus  facile !

“De la main du peintre ne doit sortir aucune ligne qui n’ait été formée auparavant dans son esprit.”  

Nicolas Poussin

Comment dessiner les ombres
Nicolas Poussin

C’est parti….

Pour apprendre comment dessiner les ombres portées, étudions  trois  variantes de placement de la source de lumière.  Devant le spectateur, derrière et à côté.

comment dessiner les ombres. monet.
Monet. La position du soleil se situe derrière et à gauche du spectateur.

Comment dessiner les ombres. Monet
Monet. La position du soleil se situe à droite du spectateur.

Comment dessiner les ombres. Monet
Monet. La position du soleil se situe devant le spectateur. Peinture à contre-jour.

Comment dessiner les ombres quand le soleil se trouve à notre gauche ou à notre droite.

Quand les objets dans un tableau sont éclairés de côté, le spectateur ne voit pas la source de lumière.

Pour déterminer la taille de l’ombre portée de l’objet, tirons les lignes horizontales de la base de l’objet qui  nous aideront à  déterminer la direction de l’ombre.

Ensuite tirons les lignes qui correspondent à l’angle de la direction de la source de lumière en passant par les points supérieurs de l’objet.

 

 

Les points d’intersections, les rayons de lumière avec leur projection détermineront les contours de l’ombre portée.

 

Comment dessiner les ombres quand le soleil se trouve devant nous.

Les objets à contre-jour.

Si le soleil (ou la lune) se trouvent devant le spectateur on peut des fois le voir représenté par le peintre sur le tableau.

Par exemple si l’artiste peint le soleil couchant, l’aube ou la lune.

Comment dessiner les ombres. aivazonski
Ivan Aïvazovski

Lorsque  le soleil se trouve devant le spectateur, il peut être placé à n’importe quelle hauteur par rapport à la ligne d’horizon, alors on ne voit que les côtés non éclairées des objets, ou éclairés partiellement.

Comment dessiner les ombres

Dans cette position toutes les ombres sont dirigées vers le spectateur. De ce fait la projection de la source de lumière ( S1 ) se trouve toujours sur la ligne d’horizon. Le point S1 est le point de fuite pour les ombres portées. Le soleil est la pointe de fuite des rayons de lumière ( S ). Elle se trouve toujours plus haut que la ligne d’horizon, elle se situe toujours sur un même perpendiculaire avec le point de projection de la source de lumière ( S1 ).

Sur ce dessin vous pouvez voir comment  se construit l’ombre portée du cube lorsque le soleil se trouve devant et à droite du spectateur.Comment dessiner les ombres. Cube

Les directions des contours de l’ombre portée du cube vont au point ( S1 ) sur la ligne d’horizon.

Pour déterminer la direction et la taille de l’ombre, tirons les lignes des projections du point (S1) passant par les bases des nervures verticales du cube ( 1.1, 3,1, 4.1 ) jusqu’aux points d’intersections avec les lignes tirées de la source de lumière en passant par les points supérieurs des angles ( nervures) du cube ( 1, 3, 4 ).

Sur cette photo vous pouvez voir  que la source de lumière se place  derrière la boule, donc on voit que l’ombre portée se dirige vers le spectateur.

Le point de fuite pour cette ombre sera la projection de la source de lumière sur la ligne  d’horizon,  la source de lumière,  elle-même, se trouve plus haut que la ligne d’horizon.

Étudions la construction de l’ombre portée d’un cylindre. Comment dessiner les ombres des objets arrondis. 

Sur ce dessin le soleil ( source de lumière ) se trouve devant et à gauche du spectateur.

Comment dessiner les ombres. Cylindre

L’ombre portée du cylindre se dirige vers nous. Et selon les règles de la perspective l’ombre paraît s’agrandir.

Observons  maintenant la construction analogique des ombres sur le tableau de Vassili Polenov. Qui représente une courette moscovite.

Comment dessiner les ombres. Polenov.
Vassili Polenov. Cour de Moscou

Ici le peintre dépeint une journée ensoleillée d’été. Le soleil éclaire la petite cour se trouvant devant et à droite du spectateur.  Les ombres sont dirigées vers le spectateur et à gauche des objets qui jettent les ombres.

Pour déterminer l’endroit où se trouve le soleil, on peut tirer une ligne de la pointe extrême de l’ombre tombant sur le mur éclairé de la maison en passant par la pointe extrême du toit.

Comme cela on aura l’angle des rayons du soleil. Le pente de toiture gauche du toit est plus foncée que le pente de toiture droit, parce qu’il est tourné vers les rayons de soleil sous un angle oblique.

Faites  attention à ce que les ombres au premier plan soient plus foncées que celles au dernier plan. Ici on voit les règles de la perspective aérienne. Sur les surfaces ombragées on voit les reflets qui rendent des ombres un peu plus claires.

Comment dessiner les ombres quand le soleil se trouve derrière nous.

Maintenant observons comment dessiner les ombres quand le soleil se trouve derrière le spectateur. Dans ce cas-là on peut voir les côtés éclairés des objets.  Les ombres portées se trouvent derrière les objets et sont partiellement cachées.

Les ombres se dirigent du spectateur vers la pointe de fuite ( S1 ) sur la ligne d’horizon devant le spectateur. La pointe de fuite des ombres portées se trouve sur le côté opposé par rapport au soleil.

Sur ce dessin vous pouvez voir  comment déterminer l’ombre portée du cube quand le soleil se trouve derrière et à gauche du spectateur.Comment dessiner les ombres. Cube. 2

Dessinons la pointe de fuite S1 sur la ligne d’horizon.

Elle va se trouver du côté opposé par rapport au soleil qui est derrière nous et va déterminer la direction de l’ombre portée.

Le peintre choisit en fonction de son envie la position de ce point ( point de fuite de la ligne d’horizon( S1))  pour obtenir telle ou telle direction de l’ombre portée. La point S qui se trouve au-dessous de la ligne d’horizon est à l’opposé de la source de lumière (soleil). Le point S se trouve aussi bas par rapport à la ligne d’horizon que le soleil est haut.

On peut voir une construction analogique des ombres sur ce dessin qui nous montre comment dessiner une ombre portée de cylindre.Comment dessiner les ombres. Cylindre

Ici le soleil (source de lumière) se trouve derrière et à gauche du spectateur. Avec une telle position du soleil derrière nous, la projection de la source de lumière  (soleil), le point S1, se trouve sur la ligne d’horizon. Alors que le point de fuite des rayons de soleil S se trouve au-dessous de la ligne d’horizon. Le point S1 détermine la direction de l’ombre portée de cylindre.

Les points S1 et S se trouvent toujours sur la même perpendiculaire, dont la hauteur correspond à la position (la hauteur) du soleil au-dessus de la ligne d’horizon. Si le cylindre était éclairé par la source de lumière immobile (une lampe), la direction de l’ombre resterait constante.

Mais quand le peintre travaille en plein air d’après nature, la position du soleil dans le ciel change tout le temps. Donc l’artiste doit choisir une position d’éclairage. C’est pourquoi le point S peut être fixé à n’importe quel endroit, selon l’idée du peintre. Ainsi que la distance S1 – S, qui détermine la position du soleil par rapport à l’horizon, derrière le peintre.

Je répète que les points S1 et S se trouvent toujours  sur le même perpendiculaire, la hauteur de laquelle est conforme à la hauteur du soleil au-dessus de la ligne d’horizon.

Comment dessiner les ombres tombant sur les surfaces différentes.

Observons maintenant comment se construit l’ombre portée du cône tombant sur les surfaces horizontales et verticales.

Comment dessiner les ombres

La source de lumière se trouve derrière et à gauche du spectateur.

Pour trouver la direction de l’ombre portée sur la surface horizontale, il nous faut tirer une ligne droite (la projection du rayon de lumière) du point O1 (point de projection de la pointe extrême du cône (O)) jusqu’au point S1 (point de projection de la source de lumière). (O1S1).

Après cela tirons la ligne droite (cela sera la ligne du rayon de lumière) de la pointe extrême du cône jusqu’au point S (point de fuite des rayons de lumière). L’intersection du rayon de lumière avec sa projection déterminera la position de l’ombre portée sur le point Oo.

Maintenant tirons les lignes droites de la base de cône (points m et n) jusqu’au point Oo. Comme cela on construit une ombre portée du cône sur la surface horizontale. (m Oo n).

Comme on peut le voir sur le dessin, l’ombre portée du cône se pose sur la surface horizontale  et verticalePour dessiner les ombres portées sur la surface verticale,  tirons une ligne perpendiculaire du point d’intersection O1 S1 (projection du rayon de lumière  OS) avec le mur (la surface verticale) jusqu’au point d’intersection avec le rayon de lumière au point O2. Ensuite relions les points m1, n1 avec O2 et comme cela nous finissons la construction de l’ombre portée du cône.

L’éclairage, où la source de lumière se trouve derrière le spectateur, c’est celle que l’on peut voir souvent dans la peinture classique.

Étudions la peinture de Constantin Youon ” Soleil de mars “.

Comment dessiner les ombres. yuon

Ici on voit que le soleil se trouve derrière et à gauche du spectateur.  Les ombres portées des arbres se dirigent vers le point de fuite qui est fixé plus haut que la ligne d’horizon.

D’habitude on voit toujours le point de fuite fixer sur la ligne d’horizon,  mais en la circonstance le peintre représente une pente de la colline. Les directions des ombres suivent et relèvent les formes du terrain, le relief des congères de neige.

Dans la journée, quand on ne voit pas de soleil, la fenêtre constitue la source de lumière dans une pièce. Quand la pièce est éclairée par la lumière diffuse, on peut prendre pour une source de lumière le centre de la fenêtre. Mais il faut prendre en considération que la surface de la fenêtre donne les rayons de lumière qui éclaircissent les contours des ombres portées et les rendent flous.

Mes félicitations ! On est arrivé à la fin de cet article !

Maintenant je vous propose de faire un petit exercice. Dessinons ensembles les fruits à contre-jour.

Comme cela, par exemple…

Comment dessiner les ombres. contre-jour

Mais avant je vous conseille de lire mon article: Comment dessiner en volume ! Si vous ne l’avez pas fait avant. 🙂

Et bien sûr je serai très contente si vous me laissiez un commentaire ! Dites-moi si cet article a été utile pour vous. Quelles difficultés rencontrez-vous quand vous dessiner les ombres et les volumes ?

Je suis toujours prête à vous aider ! 

Comment dessiner en volume.

Comment dessiner en volume.

dessiner en volume

 

A mon avis, il est le plus facile d’expliquer comment dessiner en volume à l’aide d’un…… tonneau. C’est comme cela que j’explique d’habitude les règles principales de volume à mes élèves à mon école d’art. C’est juste un schéma qui permet de montrer clairement comment  le clair-obscur se situent sur un objet arrondi en utilisant les valeurs de gris.

Donc, c’est parti…. Dessinons un tonneau.

Pour commencer à dessiner en volume, tout d’abords, déterminons l’emplacement de la source de lumière. L’endroit le plus clair sur le tonneau c’est une la tâche de lumière – Le reflet spéculaire.

dessiner en volume tonneau

Maintenant hachurons légèrement  le reste de la surface du tonneau.

C’est la lumière.- Le reflet diffus. 

dessiner en volume tonneau

Après ajoutons la demie-ombre (la pénombre) des deux côtés du tonneau. Ce sont les côtés ombragés de l’objet.

dessiner en volume tonneau

Ensuite dessinons l’ombre propre du tonneau. C’est l’endroit de l’objet qui ne reçoit pas de lumière de la source de lumière. Où l’on peut voir souvent une bosse d’ombre (le terminateur).

De l’autre côté de l’ombre portée ce sera l’ombre  réfléchie. En fait c’est la lumière réfléchie au sol.

dessiner en volume tonneau

Maintenant dessinons une ombre portée – C’est l’ombre projetée par l’objet.

Cette ombre,  elle aussi,  n’est pas uniforme. Ici on voit au centre la lumière réfléchie – C’est maintenant l’objet qui influence son ombre portée.

Donc c’est la lumière réfléchie à l’objet.  La lumière réfléchie de l’ombre portée de l’objet est toujours entourée par la surface plus sombre. Mais l’endroit le plus foncé de l’ombre portée se trouve toujours sous l’objet et a souvent une forme de triangle.

dessiner en volume tonneau

C’est bien ce triangle le plus foncé de l’ombre portée qui nous permet de positionner notre objet sur la surface. Il nous aide à éviter l’impression que l’objet flotte au-dessus de la surface et montrer le poids de l’objet.

Plus la source de lumière est proche de l’objet, plus les ombres sont contrastées.  

Comment dessiner en volume un objet rectangulaire.

Pour étudier comment dessiner en volume un objet rectangulaire, regardons comment le clair-obscur  se situe sur un cube.

Ici, sur les facettes du cube, on peut voir un effet  semblable à celui qu’on a pu observer dans l’ombre portée de l’objet. Au centre de la surface ombragée du cube on voit la lumière réfléchie par la feuille de papier blanc.

On voit aussi qu’à la frontière entre deux surfaces du cube l’ombre est beaucoup plus foncée. Mais la lumière du côté éclairé du cube est, au contraire, beaucoup plus lumineuse à la frontière des surfaces. C’est cela qui fait ce qu’on appelle un terminateur.

dessiner en volume cube

Donc quand on dessine un cube on fait les bords de ses surfaces ombragées plus foncées que le centre de ces surfaces ombragés et on dessine les bords de la surface éclairée plus clairs que le centre de la surface éclairée.

Regardez la ligne très foncée qu’on peut voir dans l’ombre portée sous le cube, elle sert à la même chose que le triangle sous le tonneau. Comme cela on peut mettre l’objet sur la surface.

Observez maintenant comment ces règles de volume que l’on a étudiées s’appliquent  sur une forme plus complexe telle qu’une boule et une cube.

C’est un haut relief qui a réuni les formes arrondies et polygonales. On voit ici les mêmes principes d’emplacement du clair-obscur et de la lumière que sur les formes simples.

dessiner en volume haut relief

Maintenant étudions l’influence des reflets colorés sur les objets. C’est important pour apprendre à dessiner en volume de prendre en considération la couleur du reflet même si vous dessinez au crayon, car chaque couleur a sa propre tonalité et sa valeur.

Cela se voit clairement comment la couleur du livre posé à côté d’une boule blanche, influence la couleur de l’ombre réfléchie de la boule.

dessiner en volume boule

dessiner en volume boule Vous voyez que si l’on met à côté de la boule un livre rouge, l’ombre réfléchie de la boule prend la couleur rouge,  si l’on met un livre bleu, l’ombre réfléchie de la boule devient bleue aussi.

Ce principe marche pour tous les objets de n’importe quelle couleur. Juste à noter que sur une boule blanche qui reflète très fort la lumière, cela se voit plus facilement.

Pour dessiner en volume ensemble des objets correctement, n’oubliez pas encore une règle.

Si l’on dessine plusieurs objets en même temps, par exemple une nature morte ou un bouquet de fleurs, on doit avant tout  faire attention au volume de la nature morte ou du bouquet de fleurs en entier. Et pour cela déjà dessiner le volume  de chaque objet  ou chaque fleur.

Maintenant je vous propose faire quelques exercices pour appliquer les règles que l’on vient d’étudier. Je vous recommande en tant qu’exercice de dessiner au crayon les œufs posés sur une feuille blanche. Je vous donne comme exemples de cet exercice les dessins faits par mes élèves de première année.

dessiner en volume œufs

dessiner en volume

 

Je vous propose aussi de lire mes articles  Comment apprendre à dessiner tous les jours, Comment choisir un crayon et Comment dessiner correctement.

Et n’oubliez pas de me laisser un commentaire ou posez une question dans les commentaires. Je serai toujours ravie de vous aider !

Pour découvrir comment construire les ombres portées des objets, je vous invite de lire mon article Comment dessiner les ombres. 

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