Comment dessiner des croquis de portrait

Dans cet article je vais vous montrer comment dessiner des croquis de portrait d’après nature.

comment dessiner des croquis de portrait

C’est tellement agréable de s’installer sur une terrasse de café, prendre une tasse de café et regarder la vie qui se déroule autour de nous.
Mais encore plus agréable de transmettre cette vie sur une feuille de papier, se sentir un peintre impressionniste qui fait des croquis dans un bistro parisien ou dans un café d’Antibes.
Pour faire cet article, moi aussi, je me suis installée sur une terrasse de Menton pour dessiner des croquis de portrait.

 portrait

Pour dessiner des croquis de portrait et tous les autres types d’après nature vous avez juste besoin d’un carnet de croquis, un crayon HB, un crayon 2B ou 3B ou même 4B, une gomme et…. C’est tout ! C’est très accessible comme matériel et en plus vous pouvez l’emporter partout avec vous, si vous voyez un sujet qui vous intéresse, vous avez de suite tout pour dessiner.

Bien sûr pour faire des croquis vous pouvez utiliser des crayons ou des bâtonnets de sanguine, de pierre noire, de sépia, de pastel, de fusain, l’encre de chine et même l’aquarelle, c’est à vous de voir, mais le crayon graffite reste le matériel le plus simple et le plus accessible.

Avant de vous laisser regarder le cours vidéo « Comment dessiner des croquis de portrait » je voudrais juste vous rappeler les étapes importantes d’un dessin de portrait qui marchent pour les croquis de portrait aussi bien que pour les portraits de long terme.

Comment dessiner des croquis portrait, les étapes de réalisation.

1. Donc on commence toujours par la composition générale, par placer notre sujet sur notre feuille avec les grande masses, ici il n’y a pas de surprise, c’est comme cela qu’on commence n’importe quel dessin ou peinture.

2. Ensuite on dessine la forme générale du visage avec les grandes lignes droites. On travaille comme un sculpteur qui taille un bloc de pierre, on dessine les facettes de la forme.

Première étape et Deuxième étape de  croquis

3. Après cela on dessine les lignes auxiliaires horizontales et verticales.
On détermine la position de la tête. Si la tête est penchée de tel ou tel côté, la direction, le mouvement.  Tout cela on le fait pour l’instant à l’œil, selon notre impression et sans prendre de mesures.

les lignes auxiliaires . Etape 3

4. Ensuite on commence à préciser la forme et déjà à mesurer les proportions. Par exemple la largeur du visage par rapport à sa hauteur, le ratio entre la partie faciale et la partie crânienne de la tête.

Vous pouvez trouvez l’information sur les proportions du visage dans mon article Proportions du vusage.

la forme générale du visage Etape 4

5. A l’étape suivante on commence à dessiner les détails en cherchant toujours le raccord proportionnel entre les détails et les parties du visage.

les détails Etape 5

6. Dès qu’on a finalisé la construction de la forme du visage on peut effacer les lignes auxiliaires et commencer à dessiner le portrait avec les lignes et les hachures plus libres et arrondies pour rendre notre portrait vivant.

comment dessiner des croquis de portrait. Etape 6

C’est à cette étape de croquis de portrait qu’on essaie de capter le caractère, les émotions, le regard, le mouvement, en fait capter tout qui fait la ressemblance.

dessiner des croquis de portrait. Etape 6

7. Pour finaliser le portrait on rend la partie de notre portrait qui se trouve au premier plan plus contrastée pour montrer la profondeur et le volume. De cette façon également on peut attirer l’attention de notre spectateur sur les détails les plus importants de notre portrait, par exemple sur la bouche et sur les yeux.

Toutes les étapes de réalisation du portrait vous pouvez trouver dans mon article Comment dessiner un visage.

dessiner des croquis portrait Etape 7

Maintenant je vous laisse regarder tranquillement le cours vidéo qui vient de ma chaîne Youtube et je vous invite de me poser toutes les questions dans les commentaires et me dire ce que vous pensez de ce cours. C’est très important pour que je puisse vous aider d’avantage.          

Comment dessiner des croquis de portrait

A bientôt ! 🙂

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Gommer le dessin avec la Mie de pain.

Dans cet article je vais vous montrer une astuce pour éclaircir votre dessin avec de la mie de pain.

On connaît tous la gomme de mie de pain. C’est une gomme très souple en caoutchouc qui nous permet d’éclaircir les parties de notre dessin sans les effacer complètement. Mais aujourd’hui je vais vous parler de la vraie mie de pain. Par exemple la mie de baguette « tradition » qui nous permet d’éclaircir très bien notre dessin et qui, à mon avis plus d’avantages que la gomme de mie de pain.

pain

En fait nous avons trois solutions pour éclaircir notre dessin :

1.On peut éclaircir avec une gomme dure simple.

gomme. dessin
Gomme dure

La gomme s’utilise plutôt pour effacer complétement le dessin ou la partie du dessin sur papier. Si vous avez besoin d’effacer complétement une partie de votre dessin, par exemple pour corriger le dessin, pour effacer les lignes auxiliaires de construction ou pour dessiner une tâche de lumière, bien sûr, il faut utiliser la gomme dure. Vous pouvez également dessiner avec la gomme dure ou éclaircir votre dessin en hachurant avec les arêtes de votre gomme.

De même façon, en hachurant votre dessin avec la gomme dure vous pouvez faire les dégradés. Mais c’est la technique qui demande beaucoup de précision et de contrôle. Si sur votre dessin il y a déjà plusieurs couches d’hachures ou vous avez dessiné avec les crayons trop tendres comme par exemple les crayons 6b, 7b, 8b, vous aurez du mal à faire les hachures correctes avec la gomme dure. La gomme peut quelque part estomper votre dessin sans pouvoir efface complétement la couche de graphite par un passage des hachures.   

2. On peut éclaircir le dessin avec la gomme de mie de pain.

gomme de mie de pain. dessin
Gomme de mie de pain

On utilise la gomme de mie de pain pour éclaircir une partie de notre dessin. La gomme de mie de pain c’est une pâte caoutchouc assez molle. La gomme de mie de pain est assez souple et peux prendre la forme que l’on veut pour éclaircir même les petites parties de notre dessin.

L’inconvénient de la gomme de pain de mie, c’est que parfois elle laisse des traces « sales » sur le papier. (D’ailleurs on peut éviter cela en la modelant pour trouver un endroit propre sur la gomme).
Et encore avec la gomme de mie de pain il est assez difficile d’éclaircir uniformément toute la surface ou des grandes parties de notre dessin. Mais la gomme de mie de pain nous permet quand même de faire les dégrader et estamper le dessin.

3. On peut éclaircir le dessin avec la mie de pain.

mie de pain. dessin
Mie de pain

L’avantage de mie de pain c’est que l’on peut éclaircir toute la surface et les grandes parties de notre dessin autant que les petites parties.

La mie de pain ne laisse pas de traces « sales » sur notre dessin. Le seul inconvénient c’est que l’on ne peut pas effacer le dessin complétement avec la mie de pain. Mais quelque part cela devient un avantage aussi, car avec la mie de pain on peut éclaircir doucement sans risquer d’en effacer trop.

De toute façon pour effacer complétement votre dessin ou un partie de votre dessin d’une feuille de papier il vaut mieux toujours utiliser la gomme dure.  

Vous pouvez utiliser la mie de pain pour éclaircir toute la surface de votre dessin si par exemple vous l’avez rendue trop foncé ou trop contrasté. Vous pouvez éclaircir la partie de votre dessin pour la même raison. Vous pouvez dessiner avec les petits morceaux de mie de pain par exemple les reflets ou la partie éclairée de l’objet, ou même les plis de la draperie. Vous pouvez facilement faire les dégradés avec la mie de pain. Tous ce qui demande d’être éclairci doucement sans limites trop définies.

Moi-même je n’utilise pratiquement pas la gomme de mie de pain. Pour mes dessin je préfère d’utilise la gomme dure simple et la mie de pain.

Maintenant je vous invite à regarder ce tutoriel vidéo, qui vient de ma chaîne YouTube, dans lequel vous allez voir la démonstration comment éclaircir votre dessin avec la mie de pain.

Tutoriel vidéo

Ici je vous met les liens sur les articles que peuvent être intéressants et utiles pour vous:

Comment dessiner en volume
La perspective
Comment dessiner les ombres
Comment dessiner un visage
Comment dessine des yeux
Comment dessiner un cheval
Apprendre à dessiner un cheval

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, n’hésitez pas me les poser. Egalement si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me contacter, je suis toujours contente de vous aider. Je vous invite à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de mes articles. Votre avis est très importent pour moi !

A bientôt ! 🙂

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Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle

Dans cet article je vais vous montrer comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle, mais aussi comment créer une peinture en couleurs à partir d’une photo noir et blanc.

D’habitude je conseille à mes élèves de travailler d’après nature. La nature est la meilleure des professeurs ! Mais il y a les moments quand pour telle ou telle raison on ne peut pas travailler d’après nature. Alors on travaille d’après une photo. Dans ce cas-là je conseille toujours de ne pas copier cette photo mais plutôt de l’utiliser comme le point de départ pour votre œuvre.

Donc dans cet article vous allez découvrir :

1.Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle. Si vous travaillez dans l’acrylique, la peinture à l’huile et même au pastel, cet article peut-être quand-même intéressant pour vous car la plupart des conseils que je donne peuvent être appliqués pour toutes les techniques de peinture.

2.Comment convertir une photo en noir et blanc en peinture en couleurs.

3.Comment apporter une touche personnelle dans votre peinture.

4.Comment même en travaillant d’après une photo créer une peinture qui vous rassemble.

5.Et à la fin de cet article nous allons regarder un tutoriel vidéo. Dans ce tutoriel vous verrez tout le processus du travail étapes par étapes. 

En fait vous trouverez tous ce que j’ai cité dans le tutoriel vidéo, mais avant de passer au tutoriel en bas de cet article, je vous conseille quand même de lire cet article avant de passer sur la vidéo car ici je vous donnerai quelques informations importantes qui vous aideront d’avantage pour réaliser un paysage enneigé en aquarelle et pouvoir transcrire une photo noir et blanc en peinture en couleurs.  

D’abord je voudrais vous donner la liste du matériel pour réaliser cette aquarelle.

Pour peindre un paysage enneigé en aquarelle nous allons avoir besoin :

1. Une feuille de papier d’aquarelle 250 -300 gr.

Dans la démonstration dans le tutoriel vidéo j’utilise le papier 200 gr en cellulose. C’est du papier bas de gamme. Mais j’utilise souvent dans mes du papier bas de gamme pour montrer toutes les difficultés et comment corriger des erreurs. Bien sûr, sur le papier plus haut gamme il est beaucoup plus facile et agréable de travailler. Donc malgré que j’utilise ce papier dans mes démonstrations, je vous conseille quand même de choisir le papier 250, 300 ou même 400 gr en coton ou coton-cellulose.

2.Un contre-plaqué ou un support en bois pour coller votre feuille de papier.

Je vous conseille de toujours coller votre feuille de papier sur un support dur. Souvent les papiers aquarelle sont vendus dans les blocks collés. Il parait qu’on peut travailler directement sur le block. Oui. C’est possible mais plutôt pour les tous petits formats en travaillant principalement avec les glacis et sans utiliser beaucoup de lavis. Si vous travaillez beaucoup dans le mouillé sur les blocks, la feuille de papier va gondoler quand même et après cela sera assez complique de la détacher des autre feuilles qui peuvent prendre elles aussi l’humidité. Donc si ce n’est pas le cas des croquis de voyage, je vous conseille de coller votre feuille sur le support dur avant de commencer à travailler.

3.Un crayon HB et une gomme pour faire le dessin préparatif.

4.Un pinceau en petit gris ( gros pinceau rond ) et deux pinceaux en martre ou en putois sibérien ( un petit pinceau rond et un pinceau moyen rond )

5.Un Sopalin ou un torchon pour essuyer et égoutter vos pinceaux.

6.Un bocal pour mettre de l’eau

7.Une boite de peinture aquarelle. ( J’utilise l’aquarelle White Night 36 couleurs )

8.Une éponge de mer. Bien sûr pour faire des corrections vous pouvez utiliser n’importe quelle éponge. Mais je vous conseille quand même d’utiliser une éponge de mer pour vos aquarelles. L’éponge de mer n’abîme presque pas la surface de papier aquarelle donc vous pouvez l’utiliser facilement en plusieurs fois sur un même endroit.

Maintenant regardons

Comment adapter une photo en noir et blanc à la peinture multicolore pour peindre un paysage enneigé à l’aquarelle.

Mais en fait ça marche pour toutes les autres techniques de peinture et pour peindre n’importe quel sujet.

Donc, si l’on regarde le cercle chromatique on peut remarquer que chaque couleur de cercle chromatique à sa tonalité et sa valeur. On voit cela clairement quand on convertit le cercle chromatique en image en noir et blanc. 

Cercle chromatique d'Itten
Cercle chromatique d’Itten
Cercle chromatique d'Itten valeurs de gris des couleurs
Cercle chromatique d’Itten valeurs de gris des couleurs.

Comme cela on voit les valeurs de gris de chaque couleur. Maintenant quand on regarde la photo on voit, approximativement bien sûr, à quelle valeur de gris correspond telle ou telle couleur.

photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé
photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé

C’est la théorie, en réalité ce n’est pas si simple, car il faut prendre en considération l’éclairage et les valeurs de gris des couleurs qui changent par rapport à l’éclairage. Mais la bonne nouvelle c’est que les couleurs de l’ombre et de la lumière ne sont pas les mêmes. Pour peindre l’ombre et la lumière on utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. Pour trouver encore plus d’information sur l’utilisation du cercle chromatique je vous invite à lire mon article “Cercle chromatique”.

Je répète toujours une de règles principales de la peinture.

La règle de la température des couleurs.

Si la lumière est chaude l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide. 

Par conséquent on peut deviser le cercle chromatique en deux parties, la partie des couleurs chaudes et la partie des couleurs froides. Ce sont deux parties opposées du cercle.

Donc pour peindre l’ombre et la lumière nous allons utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique. Par exemple si pour peindre l’ombre froide vous utilisez les couleurs bleues et violètes, dans la lumière vous trouverez les couleurs jaunes et oranges, les couleurs opposées du bleu et du violet dans le cercle chromatique.

Pourquoi la partie éclairée de l’objet n’a pas la même couleur que l’ombre de cet objet ? Parce que l’éclairage, la lumière du soleil, du feu, des bougies ou de l’ampoule électrique ont leurs couleurs. Et si la lumière de soleil est chaude, elle va influencer les couleurs de l’objet et les rendre plus chaudes dans la partie éclairée. Et comme de ce fait la partie éclairée de l’objet sera chaude, dans l’ombre on verra les couleurs opposées des couleurs chaudes – les couleurs froides.

Cet effet sera encore plus fort à l’extérieur qu’à l’intérieur car à l’extérieur on verra en plus les reflets bleus du ciel dans les ombres. Je parle des couleurs, mais en réalité cela sera rarement les couleurs vives, ce sera plutôt des nuances des couleurs.

Donc pour adapter la photo noir et blanc en couleurs on va jouer également avec la température et la tonalité des couleurs opposées. Et bien sûr quand vous travaillez d’après une photo, je vous conseille de vous laisser vous emporter par la créativité.

Comment apporter une touche personnel dans votre peinture.

C’est cela la différence entre un artiste-peintre et un photographe. Le photographe n’est pas complétement libre dans sa créativité, il est toujours dépendant du moment, de la scène, du sujet. L’artiste peintre est complétement libre dans sa créativité. Il peut changer le sujet, la composition, rajouter des objets et des personnages.

Donc quand on travaille d’après une photo, la photographie nous sert de point de départ pour notre peinture. Quand vous travaillez d’après une photo je vous conseille toujours d’avoir à l’esprit le résultat final de votre tableau.

Posez vous des questions….
Ou voulez-vous aller ? Quel message voulez-vous transmettre à vos spectateurs ? Quel sentiment ? Quelle histoire voulez-vous raconter à vos spectateurs ?

Pour tout cela il ne faut pas chercher un sujet particulier, vous pouvez passer le message ou évoquer les sentiments à travers des sujets tous simples… un paysage, une fleur, une chaise, un chat, un chien, une tasse etc…  Quand vous travaillez d’après une photo vous êtes libres de changer les couleurs, la composition, de rajouter des personnages, des objets etc. Tout cela fait partie de la création artistique.

Maintenant avant de vous laisser regarder le tutoriel vidéo “Comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle” où vous trouverez les conseils et verrez le processus de réalisation de cette peinture pas à pas je veux vous donner encore quelques conseils pour réussir votre paysage enneigé

1.Dégraissez toujours votre feuille de papier avant de commencer à travailler. Vous pouvez le faire facilement à l’aide de l’éponge de mer.

2.Commencer toujours par peindre le paysage en commençant par le ciel. Le ciel c’est ce qui est le plus propre, le plus transparent dans le paysage. ( Ce conseil marche pour toutes les techniques de peinture ).

3.Commencez votre aquarelle par les endroits les plus clairs pour aller après progressivement vers les teintes plus foncées.

4.Tachez de ne pas mélanger plus que 3 couleurs dans les lavis et plus que 2 couleurs par glacis pour éviter rendre la peinture boueuse.

5.Peignez ou bien sur une couche de peinture bien mouillée ou bien sur une couche complètement sèche. Evitez de travailler sur la couche demi-sèche.

6.Ne passez pas trop de temps à mélanger les couleurs sur votre palette. Quand on mélange les couleurs trop longtemps sur la palette on perd la vivacité de l’impression. Passez plus de temps sur votre peinture ou en regardant le nature ou la photo que en mélangeant les couleurs.

7.Soyez libre, ne soyez pas bloqués par la crainte de faire une erreur ! Les erreurs font la partie de la réalisation du tableau. On peut presque rattraper toutes les erreurs.

8.Avant de commencer votre tableau il vaut mieux avoir déjà une idée du résultat final.

9.Ne cherchez pas faire une peinture parfaite ! On peut trouvez des erreurs même dans les tableaux de Léonard de Vinci. Improvisez ! Le plus important c’est le sentiment éprouvé par les spectateurs qui vont regarder votre œuvre.

Maintenant je vous invite à regarder le tutoriel vidéo ou vous trouverez toutes les informations et les conseils nécessaires pour réaliser votre peinture. Et ensuite à vos pinceaux !  

Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle

 Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et du tutoriel vidéo. Votre avis est très importent pour moi !

A bientôt ! 🙂

                             

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Cercle chromatique

Dans cet article nous parlerons du cercle chromatique et comment l’utiliser dans la peinture pour rendre votre tableau harmonieux.

Il existe énormément de bouquins et d’articles qui parlent du cercle chromatique, mais ici je veux aller à l’essentiel. Ce qu’il faut savoir sur le cercle chromatique pour l’utiliser dans la peinture.

Je trouve que le cercle chromatique le plus utile pour un artiste peintre c’est le cercle de Johanne Itten (l’ancêtre des cercles chromatique que l’on peut trouver maintenant dans toutes les boutiques pour les artistes peintres.)

« La simplicité c’est du génie » et le cercle d’Itten reste le plus simple et le plus pratique. Dans ce cercle chromatique les 12 couleurs font un cercle de façon que les paires de couleurs contrastées se trouvent du côté opposé du cercle.

Cercle chromatique d'Itten
Cercle chromatique d’Itten

Les couleurs primaires du cercle chromatique

Dans le centre du cercle Itten a mis le triangle de trois couleurs Rouge, Bleu, Jaune. Ce sont des couleurs primaires. Les couleurs de bases pour toutes les autres couleurs du cercle chromatique.

Cercle chromatique. Couleurs primaires.
Cercle chromatique. Couleurs primaires.

Les couleurs secondaires du cercle chromatique

Le triangle des couleurs primaires est enfermé dans l’hexagone ou on voit encore trois couleurs. Ce sont les couleurs secondaires Orange, Violet, Vert qu’on peut obtenir en mélangeant les couleurs primaires (Rouge, Bleu, Jaune).

Rouge et Bleu donne Violet,
Rouge et Jaune donne Orange,
Jaune et Bleu donne Vert.

Couleurs secondaires du cercle chromatique
Couleurs secondaires du cercle chromatique

Les couleurs tertiaires du cercle chromatique

Ensuite sur le cercle chromatique on peut voir les couleurs tertiaires. Ce sont les couleurs obtenues par le mélange d’une couleur primaire et une couleur secondaire.

Rouge et Orange donne Rouge orangé (dans les pigments équivalents approximatif du Rouge de cadmium claire)

Rouge et Violet donne Pourpre  (proche d’alizarine, mais un peu plus chaud)

Jaune et Orange donne Jaune orangé (dans la peinture équivalant approximatif du Jaune de cadmium foncé)

Jaune et Vert donne Vert chaud

Bleu et Vert donne Bleu turquoise ou Cobalt Bleu-Vert dans les pigments

Bleu et Violet donne Indigo

Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.
Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.

Je vous parle de toutes ces couleurs du cercle chromatique par ce qu’il faut les connaitre. Mais franchement c’est de la théorie pure. Si à chaque fois que vous mélangez les couleurs vous allez les mélanger en consultant tout le temps le cercle chromatique vous n’arriverez jamais à obtenir les mélange naturels, instinctifs. Ce qu’il nous faut pour la peinture.

Une des règles du mélange des couleurs dit que pour obtenir le mélange juste et pur il faut essayer de ne pas mélanger les couleurs sur votre palette durant plus de 5 à 7 secondes. Sinon vous risquez de perdre la pureté de l’impression et de vous tromper avec le mélange.

En fait avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger les couleurs automatiquement. Et bien sûr sans consulter le cercle chromatique.

Maintenant on est arrivé à la chose la plus importante pour l’artiste peintre dans le cercle chromatique. Soyez attentifs et concentrés c’est hyper important à retenir et à utiliser.

Les couleurs opposées du cercle chromatique.

Vous me direz «  les couleurs opposées du cercle chromatique, c’est très simple, tout le monde les connaît ». Oui, tout le monde les connaît mais aujourd’hui nous allons voir à quoi elles servent réellement dans la peinture. Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires se trouvent du côté opposés du cercle chromatique.

Donc les couleurs opposées du cercle chromatique.

Rouge est complémentaire du Vert
Jaune est complémentaire du Violet
Orange est complémentaire du Bleu
Jaune orangé est complémentaire de l’Indigo
Vert chaud est complémentaire du Pourpre
Bleu turquoise est complémentaire du Rouge orangé

Et bien sûr toutes les nuances de ces couleurs se contrastent entre elles.

Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.
Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.

Quand on regarde le cercle chromatique on peut le diviser en deux parties. La partie chaude et la partie froide.  C’est très important  aussi.

Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique
Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique

Donc comment utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique et la température des couleurs dans la peinture.

Une des choses primordiales dans la peinture ce sont les contrastes entre les couleurs chaudes et couleurs froides. Je répète sans cesse que la peinture se construit sur les contrastes des couleurs.

Si l’ombre est froide la lumière est chaude et si la lumière est chaude l’ombre est froide.

C’est la règle incontournable de la peinture.

La deuxième règle incontournable de la peinture dit que si l’on travaille avec telle ou telle couleur, juste à côte on verra la couleur opposée de cette couleur.

Je vais expliquer plus précisément. Si par exemple vous peignez les arbres éclairés par le soleil. Imaginons que dans la lumière vous utilisez le vert chaud et le jaune, donc dans l’ombre vous verrez le violet ou les nuances de bleu et le rouge qui sont les couleurs opposées du vert et du jaune.

Vous direz comment est-ce possible, les arbres sont verts ! Non. C’est dans notre esprit que les arbres sont verts. C’est le cliché, c’est peut-être dans l’école maternelle la maitresse nous a dit que les arbres étaient verts.

Regardez les peintures de tous petits infants qui ne savent pas encore que les arbres sont verts, là les arbres et les herbes peuvent être rouges, jaunes, oranges. Et ils ont raison ! Ils n’ont pas encore appris les clichés.

Pourquoi je vous dis tout cela ? Pour vous montrer que quand vous peignez vous devez faire confiance à vos yeux. Je ne dis pas qu’il n’y a pas du tout de couleur verte dans les arbres et les herbes, mais ce sont plutôt des nuances riches du vert, vert-jaune, vert-orange, brun-rouge, bleu-vert etc.

Comment voir la vraie couleur ?

Il existe une technique pour voir la vraie couleur. Et je vous conseille fortement de l’utiliser au moins au début, avant que ça devienne automatique.

Si vous voulez voir la vraie couleur de l’objet, ou par exemple de l’ombre porté d’un objet ou la couleur de sa lumière, ne regardez pas directement cet endroit, régaterez à côté et comme ça vous verrez la vrai couleur de façon indirecte.

Par exemple si vous voulez voir la couleur de l’ombre de l’objet, regardez sa lumière. Et très probablement si vous regardez comme ça vous verrez dans l’ombre les couleurs opposées du cercle chromatique des couleurs de la lumière.

Au début quand vous faites cela vous pouvez consulter les couleurs opposées du cercle chromatique, pour soutenir votre impression. Mais très vite vous commencerez à faire cela intuitivement, sans consulter le cercle chromatique.   

Observons quelques exemples concrets.

Regardez ce tableau de Claude Monet. 

Claude Monet
Claude Monet

Ici on voit très bien comment l’artiste utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. La couleur du ciel est jaune et orange. Donc sur la ligne d’horizon, dans les ombres sur la terre et sur les meules de foin on voit les couleurs bleues et violets. On voit également dans la lumière sur la terre sur la neige les reflets des couleurs du ciel. La lumière sur la terre a les reflets rouges (roses) et jaunes. Ce qui est les couleurs opposées du bleu et du violet que l’on voit dans les ombres.

Claude Monet
Claude Monet

Dans ce tableau de Monet on voit le même principe. Les ombres sur les meules sont violettes et bleues – les couleurs opposées des couleurs de la lumière des meules l’ocre jaune, la terre de Sienne, le jaune et l’ocre rouge et  orange. La lumière sur les arbres sur le dernier plan est jaune ou jaune- vert et dans les ombres on voit du bleu, du violet et un peu de rouge (rouge- violet). Donc on voit bien comment Monet utilise cette règle de la peinture. La lumière est chaude et les ombres sont froides, les couleurs des ombres sont opposées aux couleurs de la lumière.

Igor Grabar
Igor Grabar

Sur ce tableau de Grabar on voit également comment l’artiste –peintre utilise le principe de température des couleurs. Sur les fleurs dans la lumière on trouve les couleurs jaunes et rouges, la lumière est chaude car ces fleurs sont éclairées par le soleil. D’habitude la lumière du soleil est chaude. Et dans les ombres on voit le bleu et le violet qui sont l’opposées des couleurs de la lumière du rouge et du jaune. Les ombres sont froides. Car d’habitude quand le ciel n’est pas couvet de nuages il jette ses reflets sur les ombres.

Igor Grabar
Igor Grabar

Je veux attirer votre attention sur ce paysage de Grabar. Ici on voit les nuances de la couleur vert dans les parties éclairées des arbres, des herbes sur les rives et dans les reflets des arbres dans le lac. Et dans les ombres des arbres on voit les couleurs rouges (qui correspondent à l’alizarine), les couleurs violètes et les bleues. Ce sont des couleurs opposées des couleurs de la lumière des arbres et des rives.

Je vais vous donner encore quelques informations sur le cercle chromatique.

Les couleurs analogiques

Les couleurs analogiques. Ce sont des couleurs qui se trouvent à côté dans le cercle chromatique, les couleurs adjacentes.

Les couleurs analogiques du cercle chromatique
Les couleurs analogiques

Les couleurs complémentaires adjacentes

Les couleurs complémentaires adjacentes. Ce sont des couleurs complémentaires à une ou plusieurs couleurs analogiques.

Les couleurs complémentaires adjacentes du cercle chromatique
Les couleurs complémentaires adjacentes

C’est assez utile à savoir pour trouver les couleurs complémentaires pour les couleurs nuancées. Mais je veux vous assurer qu’avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger des couleurs et trouver les couleurs opposées (complémentaires) automatiquement, presque sans réfléchir.

Merci d’avoir lu cet article. J’espère qu’il a été intéressant pour vous. Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article. S’il est intéressent et utile pour vous. 

A bientôt ! 🙂  

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Proportions du visage.

Cet article, dans lequel je vais vous parler des proportions du visage, est la suite de mon article sur les proportions du corps humain.

Pourquoi il est importent de connaître les proportions du visage

Je trouve qu’il est important pour l’artiste de connaître les proportions du visage et les proportions du corps humain car ces connaissances peuvent servir de point d’appui pour le dessin d’un portrait. Bien sûr que tous les visages sont différents, et il y a énormément d’écart entre les proportions du visage classique et les proportions du visage réel du chaque personne.

Malgré cela je trouve quand même utile de vous parler des proportions du visage classique. Car si vous connaissez les proportions du visage classique, cela sera beaucoup plus facile pour vous de voir la différence entre les proportions du visage classique et proportions du visage de votre modèle. De cette manière vous pourriez capter facilement la ressemblance.

Donc commençons à parler des proportions du visage.

Proportions de la tête par rapport au corps humain.

Avec l’âge la tête grandie mais elle devient plus petite proportionnellement au corps humain. La tête de l’embryon de deux mois, fait la moitié de son corps. La tête d’un bébé fait 1/4 de son corps. La tête d’un enfant de 3 ans fait déjà 1/5 de son corps. La tête d’un enfant de 7 ans fait 1/6 de son corps. Alors que la tête d’un adolescent de 14 ans fait 1/7 de son corps.

En ce qui concerne la tête d’un adulte, la règle générale dit que les gens de petite taille ont la tête plus grande par rapport à leur corps que les gens de grande taille. Par exemple chez les personnes de la taille 170 cm la tête fait 1/7,5 de leurs corps. Chez les personnes de la taille 175 cm – 1/7,75 et pour la taille 180 la proportion de la tête est 1/8 du corps.

Proportions du visage. Premier schéma.

Si l’on sépare la taille verticale de la tête en 4 parties égales, la première partie sera la partie de la tête couverte par les cheveux, la deuxième partie sera la taille verticale du front, la troisième partie sera égale à la taille ou la longueur du nez et la quatrième partie sera la distance entre le nez et le bout inferieur du menton.

Proportions du visage.
Ce schéma illustre un exemple des proportions du visage où la partie du front, du nez et de la bouche avec le menton ont la même hauteur. Les lignes verticales montrent que la distance entre les angles intérieurs des yeux, la largeur des yeux, la distance entre les angles extérieurs des yeux et les lignes extérieures qui montrent les limites du visage ont approximativement la même taille ( largeur ). Sur ce schéma on voit le cas où la taille verticale de la lèvre inférieure avec le menton deux fois plus grande que la taille verticale de la lèvre supérieure.

Si l’on tire une ligne centrale verticale qui sépare le visage en deux parties, on verra que la partie gauche et la partie droite du visage ne seront pas absolument identiques. Le visage est asymétrique.

Cette asymétrie apparait dans la forme du nez, dans la position des yeux, mais plus souvent dans la position de la bouche.

Pour voir les proportions du visage on peut séparer aussi le visage en cinq parties verticales. ( Regardez le premier dessin.) Une de ces lignes passera par l’angle intérieur de l’œil et une autre passera par l’angle extérieur de l’œil. Entre les deux lignes verticales intérieures se trouve le nez. Donc on peut dire que la largeur du nez est égale à la distance entre les yeux.

La partie qui se trouve entre l’angle extérieur de l’œil et la ligne extérieure (la première et la sixième ligne ) est la partie latérale du visage. La taille horizontale de l’œil comme la distance deux yeux fait 1/8 environ de la taille verticale de la tête. La bouche se trouve approximativement entre la première et le deuxième tiers de la partie inférieure du visage (quatrième partie du visage).

Proportions du visage. Deuxième schéma.

Il existe encore un schéma des proportions du visage. Pour utiliser ces proportions du visage séparons le visage en trois parties. La partie du front, la partie du nez et la partie de la bouche et du menton ensemble.

Proportions du visage. Schéma 2.
Sur ce schéma des proportions du visage on peut voir que la ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties. Le radius du cercle supérieur fait 1/3 de la taille verticale de la tête et le radius du cercle inférieur fait 1/4 de la taille verticale de la tête. Le cercle supérieur est unilisé pour construir la partie cérvicale de la tête. Le cercle inférieur est utilisé pour construir la partie faciale de la tête.

La ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties approximativement égales.

Effectivement toutes les proportions du visage sont approximatives. En dessinant le portrait l’artiste trouve les caractéristiques personnalisées de chaque modèle et utilise les proportions du visage classique juste pour trouver la différence entre ses proportions et les proportions du visage de son modèle. Comment dessiner le portrait vous pouver le découvrir dans mon article “Comment dessiner un visage”.

Proportions du cou

Comme la taille du cou dans l’anatomie artistique on prend la distance entre le menton et la fosse jugulaire. La taille du cou d’un adulte fait ½ de la taille du visage avec le front. Le cou d’un bébé ne fait que 1/50 de la taille de son corps alors que le cou d’un adulte fait 1/151/16 de la taille de son corps. D’ici on peut tirer la conclusion que quand un enfant grandit son cou devient plus grand en soit mais aussi plus grand proportionnellement.

La circonférence du cou est égale à deux circonférences du poignet et la moitié de la circonférence de la taille au niveau de la ceinture. La forme du cou est cylindrique et s’agrandi légèrement vers le bas. 

Merci d’avoir lu cet article. Pour compléter les informations de cet article je vous propose de lire mes articles Les os du crâne. Les proportions du corps humain et L’anatomie artistique du torse humain qui font la partie de mes articles consacrés à l’anatomie artistique. 

Je serais très contente si vous me laissez le commentaire. Et n’hésitez pas de me poser des questions. Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂  

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Anatomie artistique du corps humain.

Anatomie artistique du corps humain. Partie 1

Anatomie artistique du torse humain.

Il existe trois piliers qui nous aident à dessiner correctement le corps humain.

Premier pilier c’est l’anatomie plastique ou l’anatomie artistique.

Deuxième pilier ce sont des proportions et l’ordre du travail sur le dessin du corps humain.

Troisième pilier c’est la construction du corps humain et le mouvement.

Dans cet article je vais vous parler du premier pilier, de l’anatomie artistique ou l’anatomie plastique du torse. 

Pourquoi j’insiste sur le fait qu’il soit très souhaitable pour l’artiste peintre ou le sculpteur de connaitre l’anatomie artistique et savoir dessiner les nues ? Même si l’artiste n’envisage pas de dessiner des nus, mais uniquement des personnages habillés, pour comprendre comment fonction le corps qui se trouve sous les habits il faut connaitre la construction du corps humain. Pour dessiner le modèle habillé on doit le savoir dessiner déshabillé.

L’artiste doit toujours aller jusqu’au bout des choses. Quand on sait ce que l’on dessine, on sent la forme en volume, par exemple on comprend en regardant le visage de face quel sera son profil. L’artiste ne doit pas copier les contours de la forme, qu’il voit, mais dessiner la forme en volume, connaitre par cœur et sentir cette forme et ses volumes ! 

C’est pour cela qu’à l’époque de la Renaissance c’était les artistes qui pratiquaient des dissections et qui étudiaient parfois plus l’anatomie surtout l’anatomie artistique, même que les médecins. Vous connaissez bien sûr la fameuse anatomie de Léonard de Vinci. Ce grand artiste s’intéressait énormément à l’anatomie artistique et à l’anatomie générale du corps humain ainsi qu’à celle des animaux.

Léonrd de Vinci n’était pas le seul des artistes qui étudiaient profondément l’anatomie, avant et après Léonard de Vinci on trouve les études anatomiques dans l’héritage des Verrocchio, Michel-Ange, Raphaël, Rembrandt et chez encore beaucoup de grands artistes. Sans parler encore des artistes de la Grèce et de la Rome antique !

Donc nous parlerons, nous aussi, de l’anatomie artistique. Notamment dans cet article je veux vous parler de l’anatomie du torse humain qui vous aidera à dessiner correctement le corps humain.

Je n’insiste pas sur le faite qu’il faille absolument connaitre par cœur tous les os et les muscles, mais il est très utile de les visualiser pour se donner une image complète du corps humain.  

 Les principes généraux de la construction du squelette du torse humain dans l’anatomie artistique.

Dans cet article on parlera uniquement des muscles et des os qui se voient facilement sous la peau et qui sont importants pour comprendre la forme et les mouvements du torse.

La colonne vertébrale.    

La partie porteuse principale du torse est la colonne vertébrale. La colonne vertébrale se sépare en cinq parties :

1. Septe vertèbres cervicales

2. 12 vertèbres dorsales ou thoraciques

3. 5 vertèbres lombaires

4. 5 vertèbres soudées de sacrum

5. 4 vertèbres soudées de coccyx (rarement 5 vertèbres.)

La colonne vertébrale. Anatomie artistique
La colonne vertébrale. Vue de face et de côté droite.
1. vertèbres cervicales, 2. vertèbres dorsales, 3. vertèbres lombaires, 4. sacrum, 5. coccyx.

La partie cervicale se joint avec le crâne. La partie thoracique s’attachent les côtes qui forment le volume de la poitrine. La partie pelvienne (sacrum et coccyx) se jointe avec les os iliaque.

La colonne vertébrale n’est pas droite, elle est courbée et rassemble un peu à la forme de la lettre S. Les courbes de la partie cervicale et de la partie lombaire concaves en arrière s’appellent lordoses. Les courbes de la partie thoracique et de la partie pelvienne concaves en avant s’appellent cyphoses.

La colonne vertébrale fait 2/5 environ de la taille totale du corps humain. Chaque vertèbre a le corps vertébral, l’arc vertébral, l’apophyse épineuse qu’on peut palper facilement sous la peau, deux apophyses transverses et deux apophyses articulaires. Par exemple l’apophyse épineuse de la septième vertèbre cervicale C7 se voit très bien sous la peau et peut nous servir de pont d’appui pour le dessin de la ceinture scapulaire.  

Les apophyses épineuses nous permettent de voir la forme de la colonne vertébrale, car elles se voient clairement sous la peau. Les corps des vertèbres s’agrandissent progressivement du haut vers le bas, de la tête vers le sacrum. Seul Atlas, la première vertèbre n’a pas de corps, au lieu du corps il a l’arc ventral. Les vertèbres du sacrum sont soudées et forment l’os massif rétréci vers le bas. Le sacrum sert de support à la colonne vertébrale.

Quand vous étudiez et dessinez un modèle vivant faites attention à la ligne sur laquelle se trouvent les apophyses épineuses de la colonne vertébrale. Cela vous donnera de suite une base pour capter correctement la position du corps et son mouvement.

Anatomie artistique. Squelette de profil. Os du squelette du torse humain.
Squelette de profil.
1. Atlas, 2. axis (deuxième vertèbre cervicale)C2,
3. septième vertèbre cervicale C7, 4. scapula ou omoplate, 5. humérus, 6. Côte K10, 7. os iliaque, 8. sacrum, 9. coccyx, 10. os hyoïde, 11. clavicule, 12. sternum, 13. côtes, 14. crête iliaque, 15. grand trochanter, 16. fémur.

La ceinture scapulaire

La forme du squelette de la ceinture scapulaire se détermine par la construction et la position de trois os : la clavicule, la scapula (omoplate), le sternum et l’extrémité supérieure de l’humérus (tête humérale).

La forme de la clavicule rappelle la lettre S. Cette forme de la clavicule ressort bien et détermine la forme de la ceinture scapulaire. Le sternum a une forme allongée, sa partie supérieure se joint avec les clavicules, et au milieu – avec las côtes.

Anatomie artistique. Squelette de face. Os du squelette du torse humain.
Squelette du torse de face.
1. septième vertèbre cervicale , 2. clavicule, 3. acromion de la scapula 4. processus coracoïde de la scapula 5. humérus, 6. côtes, 7. crête iliaque, 8. grand trochanter, 9. manubrium du sternum, 10. deuxièm côte K2 , 11. corps du sternum, 12. processus xiphoïde du sternum, 13. douzième côte K12,
14. quatorzième vertèbre (L4), 15. sacrum, 16. fémur.

La scapula est l’os plat qui se trouve derrière de la cage thoracique. La scapula ou l’omoplate a la forme de triangle. Dans sa partie supérieure se trouve l’épine et son acromion. L’acromion s’articule avec la clavicule. Cette épine horizontale se voit facilement de côté du dos. Sur la partie extérieure de l’omoplate se trouve la cavité glénoïde qui, avec la tête humérale forme l’articulation scapulo-humérale.

La cage thoracique ou thorax est composée des 12 vertèbres thoraciques, du sternum et 12 paires de côtes.

Le sternum est composé du corps du sternum, du manubrium et du processus xiphoïde. Entre le manubrium et le corps du sternum se trouve l’angle sternal. Parfois l’angle sternal ressort fortement, parfois il est assez lisse. A l’endroit ou le manubrium s’articule avec le corps du sternum se trouve la deuxième côte qu’on peut palper facilement sous la peau. Sur le bord supérieur du sternum se trouve l’incisure jugulaire. L’incisure jugulaire avec les muscles sterno-cléido-mastoïdiens la fosse jugulaire. On peut la voir clairement sous la peau. Chaque côte est composée de l’os recourbé plat et du cartilage.

La position de la fosse jugulaire est très importante pour nous. Car c’est la fosse jugulaire nous aidera à trouver le centre de gravité ( centre de masse ) du corps pour positionner correctement notre modèle dans l’espace. 

Les côtes.

Les sept côtes qui s’articulent avec la colonne vertébrale et avec le sternum s’appellent les vraies côtes. Les cinq côtes qui s’articulent uniquement avec la colonne vertébrale s’appellent les fausses côtes.

Les trois des fausses côtes (K8,9,10) s’attachent avec leurs cartilages aux côtes supérieures. 11 et 12 côtes s’articule uniquement à la colonne vertébrale et s’appellent les côtes flottantes. La cage thoracique a la forme d’un tonneau, légèrement aplatie, parfois plutôt cylindrique, parfois plus conique.

Anatomie artistique. Squelette du torse de dos. Os du squelette du torse humain.
Squelette du torse de dos.
1. Atlas, 2. septième vertèbre cervicale, 3. épine de la scapula, 4. humérus, 5. côte K12, 6. crête iliaque, 7. grand trochanter, 8. axis ( deuxième vertèbre cervicale), 9. côte K1, 10. côte K8, 11, côte K11, 12. sacrum, 13. coccyx, 14. tubérosité ischiatique, 15. fémur.

La forme de la cage thoracique peut être différente chez les différentes personnes. Elle peut être relativement courte et large ou longue et étroite. La forme de la cage thoracique dépend aussi de l’âge. Chez les bébés elle peut rassembler au cône tronqué et sa taille sagittale peut être égale à sa taille transversale.

Les muscles du torse dans l’anatomie artistique.

Maintenant nous parleront en peu des muscles du torse humain dans l’anatomie artistique. Les muscles avec les os font le volume et la forme du torse. Le contour et la forme des muscles ne sont pas constants. Avec les mouvements les muscles changent un peu leurs formes. Il y a les muscles qui deviennent plus courts et larges et en même temps plus volumétriques. Les autres muscles en se dilatant ou se décontractant perdent la clarté de leurs contours et s’aperçoivent moins bien.

Les muscles de la cage thoracique dans l’anatomie artistique

Anatomie artistique. Muscles du torse humain de face
Muscles du torse humain de face
1. muscle biceps brachial, 2. triceps brachial, 3. muscle coracobrachial, 4. muscle grand rond, 5. muscle grand dorsal, 6. muscle grand pectoral, 7. muscle grand dentelé, 8. muscle oblique externe, 9. muscle droit de l’abdomen, 10. ligne blanche, 11. muscle pyramidal de l’abdomen , 12. muscle moyen glutéal ou muscle moyen fessier, 13. muscle tenseur du fascia lata, 14. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 15. muscle trapèze, 16. deltoïde, 17. sillon deltoïde-thoracique, 18. ligament inguinal, 19. muscle couturier ou muscle sartorius, 20. muscle pectiné, 21. muscle long addicteur.

Donc sur la surface de la cage thoracique se trouve le muscle grand pectoral. Ce muscle large et puissant est très important pour la plastique de la ceinture scapulaire. C’est un muscle triangulaire qui prend le début de la moitié antérieure de la clavicule, du sternum, des 5 côtes (2-6) et de l’aponévrose du muscle grand droit. Il se termine à l’humérus ou plutôt sur la crête qui descend vers le bas de la tête de l’humérus.

En ce qui concerne les fibres de ce muscle, les fibres claviculaires vont vers le bas et l’extérieur, les fibres sternales vont en horizontal vers l’extérieur et les fibres abdominales vont vers le haut et l’extérieur. Le muscle grand pectoral contribue à l’adduction et à la rotation de l’humérus. On peut voit très facilement le muscle grand pectoral sous la peau, donc il est très important pour les artistes qui veulent dessiner les nus.

Sous le muscle grand pectoral se trouve le muscle petit pectoral qui prend le début des côtes 2, 3, 4, 5, et se termine au processus coracoïde de scapula. Quand on regarde le corps humain, on ne peut pas voir ce muscle. Mais on l’étudie car sa fonction est de bouger la scapula en avant et vers le bas. Et on peut voir le muscle grand pectoral se soulever quand le petit pectoral se contacte.

Sur la surface latérale du thorax au niveau de l’aisselle se trouve le muscle grand dentelé. Ce muscle bouge le scapula en avant. Ce muscle on peut bien le voir quand le bras est levé.

Muscles du torse humain de profil dans l'anatomie artistique
Muscles du torse humain de profil
1. muscle trapèze, 2. deltoïde, 3. triceps brachial, 4. muscle brachial, 5. biceps brachial, 6. muscle grand dentelé, 7. muscle grand dorsal, 8. triangle lombaire, 9. muscle moyen glutéal, 10. muscle grand fessier, 11. muscle omo-hyoïdien, 12. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 13. muscle sterno-hyoïdien, 14. muscle grand pectoral, 15. muscle oblique externe, 16. muscle droit de l’abdomen, 17.aponévrose, 18. muscle couturier ou muscle sartorius, 19. muscle tenseur du fascia lata.

Les muscles du ventre

Maintenant regardons les muscles du ventre dans l’anatomie artistique. Les plus grands muscles du ventre sont le muscle droit de l’abdomen et le muscle transverse d’abdomen.

Le muscle droit de l’abdomen est un muscle pair. Les deux parties du muscle sont séparées par la ligne tendineuse verticale et quatre lignes tendineuses horizontales. On peut voir facilement ce muscle avec ces lignes tendineuses sous la peau. Le muscle droit de l’abdomen descend avec l’expiration le thorax et plie la colonne vertébrale.

Sur la ligne tendineuse (ligne blanche) se trouve le nombril qui en même temps de trouve d’habitude au niveau de la quatrième côte lombaire. En bas à la ligne blanche s’attache le muscle pyramidal, il se termine sur le pubis. La ligne blanche du ventre est formée par toutes les aponévroses de tous les muscles de la paroi abdominale antérieure.

De chaque côté du muscle droit de l’abdomen se trouve le muscle oblique externe de l’abdomen. Au-dessous de ce muscle se trouve le muscle oblique interne et le muscle transversal.

On s’arrêtera uniquement sur le muscle oblique externe car c’est le seul des muscles qui se voit facilement sous la peau. Le muscle oblique externe a son origine à la surface latérale du thorax. Notamment des 8 côtes inférieures de la cage thoracique. Les fibres musculaires se dirigent vers le bas et à l’intérieur et la plupart des fibres se terminent en passant à l’aponévrose qui forme à son tour la ligne blanche. Le bout inférieur de cette aponévrose forme le ligament inguinal.  Pour les caractéristiques plastiques de la surface latérale du thorax il est important que ce muscle avec ses 5 insertions (fibres) charnues supérieures commence entre les insertions charnues (dentelures) du muscle dentelé antérieur et avec ses 3 insertions (fibres) charnues inférieures il commence entre les insertions charnues du muscle grand dorsal.

L’importance de ce muscle pour l’anatomie plastique du torse est énorme. On peut voir sous la peau la direction de ces fibres et l’endroit où ils passent à l’aponévrose. Dans l’endroit où il se fixe sur la crête iliaque le muscle oblique externe forme le rebord et dépasse un peu la crête iliaque donc dans cet endroit on peut voirla rainure qui passe au-dessous de la crête iliaque.  

La paroi abdominale postérieure est  formée par le muscle grand dorsal, le muscle grand rond, le muscle long dorsal et le muscle sousscapulaire.

Les muscles du dos dans l’anatomie artistique

Anatomie artistique. Muscles du dos du tors humain
Muscles du dos du tors humain.
1. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 2. muscle trapèze, 3. deltoïde, 4. muscle infra-épineux, 5. muscle grand rond, 6. muscle rhomboïde, 7. muscle grand dorsal, 8. muscle oblique externe, 9. muscle moyen glutéal, 10. muscle tenseur du fascia lata, 11. muscle grand fessier, 12. muscle petit rond.

Parlerons maintenant des muscles du dos dans l’anatomie artistique. Les muscles les plus importants pour nous, c’est-à-dire des muscles qui se voient facilement sous la peau et qui font la forme du dos sont :

Le muscle trapèze. Les deux parties de ce muscle, la partie gauche et la partie droite, ensemble à la forme du trapèze. Le muscle trapèze a l’origine de l’os occipitale du crâne et des apophyses épineuses vertèbres cervicales. Les fibres supérieures du muscle trapèze se dirigent vers le bas et à l’extérieure où ils se terminent sur le bord postérieur de la clavicule. Les fibres de la partie centrale du muscle trapèze se placent horizontalement et se terminent sur l’extrémité de l’épine du scapula et sur l’acromion. Ces fibres de la partie inferieure vont vers le haut et en dehors et se terminent sur l’épine du scapula. L’action de ce muscle est assez complexe.

La partie supérieure haussée de la ceinture scapulaire, la partie centrale rapproche la scapula de la colonne vertébrale, la partie inférieure abaisse la ceinture scapulaire. Toutes les fibres du muscle trapèze participent à l’extension de la tête et de la partie cervicale et la partie dorsale de la colonne vertébrale.

Le muscle grand dorsal. Ce muscle commence des apophyses épineuses de 5 vertèbres inférieures de la partie dorsale de la colonne vertébrale, du sacrum et de la partie arrière de la crête iliaque et de 4 côtes inférieures. Ses fibres sortent au-dessous du muscle trapèze et se dirigent horizontalement en dehors. Ces fibres couvrent l’angle inférieur du scapula. Les fibres de la partie moyenne du muscle se dirigent vers le haut et en dehors. Les fibres de la partie inférieure se dirigent vers le haut et juste un peu en dehors.

Le muscle grand dorsal se termine sur le tubercule mineur de l’humérus. Son action est la rotation interne, extension et addiction du bras. A travers l’humérus le grand muscle dorsal bouge la ceinture scapulaire vers le bas et en arrière. Le muscle grand dorsal est très importent dans la structure plastique du corps. On peut voir clairement ce muscle au moment où le modèle lève et baisse le bras le long de son corps.

Le muscle trapèze et le muscle grand dorsal sont deux muscles superficiels du dos. Au-dessous du muscle trapèze se trouve le muscle rhomboïde qui commence au niveau des apophyses épineuses de deux vertèbres cervicales inférieures et des apophyses épineuses de 4 vertèbres inférieures de la partie dorsale. Ce muscle rapproche la scapula de la colonne vertébrale. On parle de ce muscle uniquement parce que grâce à lui le muscle trapèze devient plus volumique entre le scapula et la colonne vertébrale.

Le muscle longe dorsal. Ce grand muscle a une structure complexe. Il monte tout le long de la colonne vertébrale jusqu’au crâne. Il prend son origine sur le sacrum, la crête iliaque et de l’aponévrose. Il se subdivise en trois parties – les trois muscles qui ont ses endroits d’origine et de terminaison sur la colonne vertébrale. Le muscle longe dorsal se trouve au-dessous du muscle trapèze et du muscle rhomboïde du dos mais il est très importent pour comprendre les mouvements du corps, car il est contribué à déplier le corps et l’incliner latéralement.

Dans la partie lombaire du corps ce muscle se trouve sur la surface, juste au-dessous du muscle grand dorsal. Dans cette partie on peut déterminer la position du muscle longe dorsal car sa forme se voit facilement même sous le muscle grand dorsal.

Pour terminer notre étude de l’anatomie du torse nous parlerons un peu des muscles du scapula.

Les muscles du scapula dans l’anatomie artistique

Sur la surface de scapula se trouvent plusieurs muscles qui font sa forme. Les plus importants pour nous sont le muscle supra-épineux, le muscle infra-épineux, le muscle grand rond et la muscle petit rond.

Le muscle infra-épineux occupe la majeure partie de la fosse infra-épineuse (au-dessous de l’épine de scapula) où il commence, ainsi que de son aponévrose et il se termine sur le tubercule majore d’humérus.  Son action est de tourner l’humérus en dehors.

Le muscle petit rond commence au bord latéral du scapula et se termine sur le tubercule majore d’humérus. Ce muscle contribue à tourner l’humérus en dehors, comme le muscle infra-épineux.

Le muscle grand rond se voit clairement sous la peau. Il commence de l’angle inférieure de la surface antérieure du scapula, il se dirige vers le haut et en dehors et se termine sur le tubercule mineur ( pour être plus précis, sur la crête tubercule mineur) de l’humérus. Son action est la rotation interne et addiction de l’humérus.

Le muscle supra-épineux se trouveau-dessus de l’épine du scapula, mais il n’a pas de grande importance pour nous car il n’influence pas la forme du scapula.   

J’espère que cet article vous a plu et qu’il vous a été utile.

Dans les prochains articles nous continuerons d’étudier l’anatomie artistique et passerons de la théorie à la pratique – nous commencerons par appliquer nos connaissances d’anatomie artistique pour dessiner le corps humain.

Je vous conseille également de lire mon article Les os du crâne  qui est déstiné à vous aider à dessiner la portrait . 

Et bien sûr je serai très contente si vous me laissez un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !  

A bientôt 🙂

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Comment peindre la mer en aquarelle

Dans cet article nous allons voir comment peindre la mer en aquarelle.

D’habitude je commence mes articles par la théorie mais aujourd’hui nous passerons directement à la pratique. Je vais peindre la mer devant vous d’après nature en plein-air.

Je vais vous montrer partie par partie comment peindre la mer en aquarelle et après cela vous pourrez regarder une vidéo qui vient de ma chaine YouTube. Comment peindre la mer en aquarelle.

Comment preparer une feuille de papier pour peindre la mer.

Commençons par préparer notre feuille de papier pour peindre la mer. Après avoir collé une feuille de papier sur une planchette à dessiner je vous conseille de dégraisser cette feuille avec de l’eau. Vous pouvez appliquer de l’eau à l’aide d’une éponge de mer ou d’un gros pinceau en poil d’écureuil (petit-gris).

Première couche de peinture

Pourquoi est-ce que je vous conseille de passer de l’eau sur une feuille avant de commencer à peindre à l’aquarelle ? Quand on touche une feuille de papier on laisse inévitablement un peu de gras sur notre feuille. Si l’on ne dégraisse pas la feuille, lorsque l’on est en train de peindre on risque d’avoir les endroits où les couleurs ne se mettent très bien sur la feuille et comme cela on risque d’abimer notre peinture. Pour mettre l’eau sur une feuille j’utilise toujours le pinceau écureuil ou l’éponge de mer comme ils sont très doux et n’abîment pas la surface du papier aquarelle.

Par quoi commencer peindre la mer

Au début vous avez le choix. Vous pouvez tout simplement dégraisser votre feuille, et attendre pour que votre feuille sèche complètement et ensuite commencer à peindre sur la surface complétement sèche ou bien rajouter dans l’eau un tout petit peu de couleur de base ( comme cadmium jaune, par exemple) et commencer à peindre directement sur le papier humide.

Peindre sur le papier humide ou sec ?

Dans l’aquarelle il y a une règle. On peut peindre sur le papier sec ou humide, mais on ne doit pas travailler sur le papier demi-sec. Si vous peignez sur une feuille de papier demi-sec vous risquez que la couleur que vous mettez par-dessus déchire une couche de peinture inferieure. ( Il y a les cas exceptionnelles où vous pouvez utiliser exprès cet effet de déchirure pour peindre l’écume sur les vagues par exemple. Mais on parlera de cette technique plus tard. 🙂 .

Si vous métrisez déjà bien la technique d’aquarelle vous pouvez contourner un peu cette règle en travaillant avec des pinceaux presque secs, mais cela ne marche pas toujours. Donc au début il vaut mieux tout simplement suivre cette règle.

Dans cette aquarelle j’ai choisi la deuxième variante pour peindre la mer.

J’ai mis la première couche de peinture en rajoutant un peu de cadmium jaune. Comme j’ai travaillé en plein-air au bord de la mer où l’air est très humide la peinture met assez longtemps pour sécher, donc j’ai choisi de travailler sur du papier humide. Par contre j’ai laissé non couvert les endroits où il y avait les reflets forts du soleil. Pourquoi l’ai-je fait on verra plus tard.

Première couche d'aquarelle

Normalement je couvre toute la surface de la feuille de papier avec un peu de couleur, y compris les taches de lumière, car même les taches de lumière très claires ont sa couleur. Dans la nature il n’existe pas la couleur purement blanche et noir, elles sont toujours composées des autres couleurs.

Par quoi commencer à peindre la mer

Sur le papier humide je rajoute les autres couleurs qui se fondent et se mélanges facilement sur la couche de peinture humide. Je trace de suite les nuages et la couleur du ciel plus foncée en haut qui s’éclaircie et devient plus chaude en descendant vers la ligne d’horizon. Pour marquer les parties claires des nuages, je les essuie avec un pinceau bien égoutté.

Comment peindre le ciel dans un paysage
Comment peindre le ciel

Après je rends les ombres des nuages plus foncées. Faites attention je change toujours les couleurs. La couleur des nuages est différente de celle du ciel de la mer, même si c’est toujours la couleur bleue.

Comment peindre le ciel avec les nuages

Ensuite je trace la ligne d’horizon et commence peindre la mer. Faites attention je travaille toujours sur une feuille de papier humide.

Comment commencer à peindre la mer

Si vous avez choisi de travailler sur une feuille de papier humide mais durant votre travail la couche de peinture sèche trop vite. Je vous conseille donc de la laisser sécher complètement, ensuite de mettre encore une couche d’eau sur votre feuille et enfin après cela continuer à travailler.

Il y a encore une règle à appliquer quand vous travaillez sur un paysage. Commencez toujours par peindre par le ciel et évitez de peindre le ciel après la terre pour ne pas emmener les couleurs de la terre dans le ciel. Les couleurs du ciel doivent rester très claires et très propres. (Cette règle touche plutôt des paysages avec la terre, quand on peint la mer on peut emmener dans le ciel les couleurs de la mer mais il faut quand même surveiller à ce que les couleurs restent propres.)

Donc on continue à peindre la mer en aquarelle.

Regardons quels mélanges de couleurs on peut utiliser pour peindre la mer.

Peindre les reflet sur la mer

La mer, même si elle nous parait bleue n’a pas qu’une seule couleur. Dans la mer on voit toujours beaucoup de nuances de bleu. Je précise dans la peinture que je suis en train de réaliser. En fait la mer peut être grise ( le gris comme couleur n’existe pas non plus, il est toujours composé d’autres couleurs. ), verte, ocre etc. Dons revenons à notre peinture.

Peindre la mer avec ses reflets

Je commence à peindre la mer avec un mélange de bleu outremer et bleu de cobalt et puis je continue vers le bas avec le bleu de cobalt et le bleu de céruléum et un peu d’ocre jaune.

Comment peindre la mer en aquarelle première couche

Ensuite je continue avec un mélange de bleu outremer, d’alizarine cramoisie et de violet d’outremer. Dans les endroits où il y a les reflets de soleil et où j’ai gardé le papier vierge je passe avec le pinceau bien égoutté mais avec juste un peu de couleur, ce qui ne me permet pas de couvrir complétement la surface blanche de papier, mais je juste laisse un peu de couleur sur les grainages inférieures du papier aquarelle torchon. Cela donne l’effet de brillance des reflets du soleil sur l’eau.

Comment peindre la mer. la première couche

Maintenant je commence à mélanger les couleurs pour le sable. Je mélange l’ocre avec un peu de violet d’outremer.

Peindre la mer. Les ombres
Peindre la mer
La mer avec ses reflets

Un conseil….

Evitez de mélanger trop de couleurs pour trouver le teint de l’endroit que vous peignez. Ne mélangez pas plus que trois, rarement quatre couleurs. Sinon votre mélange risque de perdre de sa pureté. En plus, il faut toujours prendre en considération que les couleurs d’aquarelle sont transparentes et quand vous peignez avec les glacis à travers la couche supérieure vous pouvez voir la couche inférieure.

Donc si vous travaillez par-dessus une couche où il y avait déjà un mélange de quelques couleurs essayez de travailler avec les couleurs pures au maximum avec le minimum de mélanges. Si non vous risquez d’obtenir au final une couleur boueuse. Tout sur le mélange des couleurs vous pouvez trouver dans mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”.

Un exercice simple de mélange des couleurs que vous pourrez trouver dans mon article “Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices.”

Comment commencer à peindre la mer
Comment peindre la mer. On rajoute la deuxième couche de peinture
Comment peindre la mer

Donc après avoir fini la première couche de peinture je mets la deuxième couche sur la mer. Cette fois-ci je ne couvre pas complétement toute la surface de la mer, mais je laisse les endroits plus clairs non couverts.

comment peindre l'écume

Pour faire l’écume sur la vague au premier plan je passe avec le pinceau bien humide et ensuite sur le même endroit avec le pinceau très bien égoutté.

L'écume sur la vague

Comme cela j’enlève une couche de couleur dans cet endroit et tant que la feuille de papier reste humide dans cet endroit je rajoute de la couleur violet-ocre dans l’ombre de l’écume ( l’écume, malgré qu’elle nous paraisse blanche à sa forme, comme n’importe quel objet, donc comme tous les objets elle a son ombre, pénombre, son reflet et sa lumière.) Comment peindre la mer agitée à l’aquarelle vous pouvez voir dans mon article “Comment peindre les vagues à l’aquarelle”.

Peindre les vagues en aquarelle
Peindre le sable
On continue à peindre le sable

Après cela je mets quelques taches foncées sur le sable qui représentent le jeté de la mer.  Après je reviens vers la mer pour la rendre plus foncée. Comme cela les reflets brillants du soleil seront encore plus clairs et visibles. Il n’y a pas de lumière sans ombre. Si vous voulez rendre la lumière claire, faites l’ombre plus foncée. On voit tout en comparaison.

Ensuite je détaille le sable avec les ombres bleu outremer – ocre- alizarine cramoisie. Après cela je mets encore une couche de peinture sur le ciel pour le rendre plus foncé et faire ressortir les contours clairs des nuages.

Dès que j’ai fini de peindre la mer, le ciel et la terre je mets les petits bateaux. Et je continue à détailler la mer avec la couleur très pure (car je travaille déjà par- dessus les deux couches de peinture.)

Maintenant il ne me reste qu’à affiner le premier plan et enlever encore en peu la couche de peinture autour des bateaux pour souligner encore plus la différence de tonalité entre le reflet éblouissant du soleil sur l’eau et le bateau qui se trouve en contre-jour et sur le font du reflet brillant de soleil qui parait presque noir. 

Comment peindre la mer en aquarelle

Merci d’avoir lu cet article. A la fin je vous propose de regarder une vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle” qui montre le travail sur cette aquarelle étape par étape. Cette vidéo vient de ma chaîne Youtube. J’envisage de publier réguliérement sur cette chaîne des tutos et des vidéos avec les astuces et les exercices.

Comme exercice je vous conseille de peindre la mer d’après une photo ou encore mieux d’après nature. Et n’hésitez pas à me poser des questions dans les commentaires. Vous pouvez également m’envoyer vos peintures si vous voulez que je les analyse et vous donne des conseils pratiques.

Comment peindre la mer en aquarelle

Je vous conseille également de lire mon article “Comment rattraper des erreurs à l’aquarelle” , “Comment peindre à l’aquarelle une nature morte” où vous trouverez beaucoup de conseils pratiques qui peuvent vous aider à peindre en aquarelle. L’article “Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage” qui vous aidra à apprendre à dessiner l’eau. L’information sur le materiel de l’aquarelle vous la trouverez dans mon article “Débuter en aquarelle” Et les régles de la perspective aérienne vous pouver les trouver dans l’article “La perspective aérienne“.

Merci et à bientôt ! 🙂

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Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage

Dans cet article nous allons découvrir comment dessiner l’eau dans le paysage et comment  construire les reflets des objets dans l’eau.
Dans la première partie de l’article je parlerai de la construction des reflets, ce sera une partie purement théorique. Et dans la deuxième partie, la partie pratique, nous dessinerons ensemble un paysage avec de l’eau.

Donc observons des règles de la construction des reflets qui sont indispensables, à mon avis,  pour dessiner l’eau dans un paysage.

Soyez patient, cette partie ne sera pas longue.

Pourquoi voit-on des reflets dans l’eau?  Parce que les rayons de lumière se reflètent  sur la surface faisant miroir sous les angles qui sont égaux aux angles de leur incidence. 

L’angle d’incidence est égal à l’angle de réflexion.

Plus la lumière est vive et la surface est lisse et polie, plus le rayon réfléchi sera clair.

L’image réfléchie de chaque point de l’objet se trouve sur la suite de la perpendiculaire tracée de ce point vers la surface miroir.

On dirait que l’image réfléchie se trouve à la même distance derrière la surface du miroir que le point qui (qu’il) reflète. Le reflet de l’objet dans le miroir plat est égal à l’objet même et est soumis aux mêmes règles de la perspective.

dessiner l'eau et ses reflets

Les reflets des lignes verticales sont verticaux, ceux des lignes horizontales sont horizontaux, les lignes réfléchies ont des directions parallèles aux directions des lignes des objets et les points de fuite sont communs. On peut  observer cela sur ce dessin. 
Quand on dessine les bâtiments, on peut souvent voir dans leurs reflets les côtés,  que l’on ne voit pas de notre point de vue de référence. Car ils peuvent être cachés derrière des autres objets. Regardez le dessin suivant, ici on voit dans le reflet la voûte de l’arc du pont, que l’on ne voit pas quand on regarde le pont lui-même.

Comment dessiner l’eau avec les reflets de forme complexe

Si l’on doit construire le reflet de forme complexe, alors il nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau. nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau.

Sur ce dessin, pour construire le reflet du pont, on doit tracer quelques points de repères sur l’arc (points 5, 7, 8, 9.. )

Comment dessiner l'eau et ses reflets

Comme les points 5 et 9 se trouvent sur la surface d’eau, leurs reflets se trouvent dans les mêmes endroits. Les points 7 et 8 sont projetés sur la surface d’eau ( c’est comme cela que l’on a obtenu les points 0 et 8’.) Ensuite les lignes verticales de projection sont tracées vers le bas. Maintenant nous devons reporter la distance d-d’  sur la ligne verticale de projection pour obtenir le point . De même façon on reporte la distance 7-0 pour  obtenir le point et la distance 8-8’, pour obtenir le point .

Ensuite on peut relier les points réfléchis que l’on a obtenu, et construire comme cela le reflet de l’arc du pont. De même façon on peut construire les personnages sur le quai.

Observez encore ce dessin. Ici on voit que les arbres et les personnages se trouvent à des distances différentes de l’eau.

comment dessiner l'eau dans un paysage

Donc pour construire le reflet du personnage qui se trouve à une certaine distance du bord de l’eau (7-7.1) on doit tirer une ligne verticale du point 7.1 vers le bas et tracer sur cette ligne le point 7.2 où se trouverait la surface de l’eau si elle continuait au-dessous vers le fond du quai. Pour trouver la taille du quai dans la profondeur passons la ligne auxiliaire du point P au point 6 ( le bord du quai ) à travers le point 7.1.

Du point 6 dessinons un perpendiculaire jusqu’à la surface d’eau et le point d’intersection 6.1 relions avec le point P. Au point d’intersection de la ligne 6.1 – P avec une ligne verticale tirée du point 7.1 ( le point où l’on a mis notre personnage ) on trouvera le point 7.2.

Ensuite on reporte la distance 7.2 – 7.1 du point 7.2 vers le bas pour obtenir le point 7.3. Le point 7.3 serait le reflet du point 7.2 si les points 7.1 et 7.2 étaient au bord du quai. Maintenant reportons du point 7.3 la distance 7-7.1 qui est égal à la taille du personnage vers le bas et comme cela trouvons le point 7.0. La taille du reflet.

Petit exercice

Pour mieux comprendre comment dessiner l’eau et les reflets dans l’eau des objets situés des hauteurs différentes, je vous conseille de mettre un miroir sur la table et à côté de lui une pile de livres.

Comme cela vous pourrez observer comment les livres qui se trouvent sur la hauteur différente par rapport au miroir (qui le) reflètent. En tenant le crayon sous des angles différents par rapport à la surface, vous  pourrez observer ses reflets. Comme sur le premier dessin.

C’est une théorie. En réalité quand on doit dessiner l’eau, elle est rarement aussi lisse que le miroir. Souvent on peut voir les petites vaguelettes qui troublent la surface d’eau. 

Donc les contours des objets réfléchis sont moins nets que ceux des objets. La surface de l’eau ne reflète pas tous les rayons du soleil sous les mêmes angles, donc les objets clairs y apparaissent un peu plus foncés. Les bords est les détails des reflets sont moins bien déterminés que ceux des objets. Quand on travaille sur un paysage avec de l’eau, par exemple une rivière, on doit dessiner les objets qui se trouvent sur les bords en 3D- en volume. Mais pour les reflets on doit prendre en considération la surface d’eau, donc le volume des objets doit être subordonné à la surface d’eau.

Maintenant passons à la partie pratique dans laquelle nous allons voir :

Comment dessiner l’eau dans le paysage concret.

Je vais vous montrer comment dessiner l’eau en prenant pour exemple mon dessin que j’ai réalisé d’après une de mes photos prise en Thaïlande. Pour apprendre à dessiner l’eau il est bien souhaitable de dessiner d’après nature.

Si vous n’avez pas de possibilité de dessiner de suite d’après nature vous pouvez commencer par dessiner l’eau d’après une photo. Mais je vous conseille quand même de dessiner l’eau d’après nature dès que cela vous sera possible. La nature est le meilleur des professeurs ! Quand on dessine en plein air on voit beaucoup plus de nuances que quand on dessine d’après une photo.

Alors commençons comme d’habitude par trouver la ligne d’horizon et placer des objets sur notre feuille de parier.

comment commencer à dessiner un paysage

Quand vous dessinez un paysage il faut tout le temps se souvenir des règles de la perspective. Les règles de la perspective linéaire et aérienne vous pouvez trouver dans les articles suivants : “La perspective“, “Comment dessiner un paysage en perspective” et “La perspective aérienne“.

Pour placer correctement les objets sur une feuille de papier et faire une bonne composition, je vous conseille également de consulter mes articles “Comment dessiner correctement” dans lequel je parle de la méthode de comparaison, qui est utilisée par tous les artistes peintres professionnels, et “Composition dans la peinture” qui montre plusieurs formes de compositions sur l’exemple des tableaux des grands artistes peintres.

Dans cette vidéo vous pouvez voir la première étape du dessin.

Dans cette vidéo je montre comment commencer à dessiner un paysage.
Faites attention, je commence à dessiner selon mon impression, comme je le sens. Cela me sert de point d’appui. Et après cela je commence à comparer, corriger et mesurer les proportions.

Après avoir placé la ligne d’horizon et les maisons j’hachure légèrement de grandes masses d’arbres et les reflets dans l’eau. Je vois conseille de commencer à  travailler en tonalité le plus vite possible. Notre œil ne perçoit pas la forme avec les contours, mais avec les volumes. Donc pour arriver à transmettre ce que l’on voit devant nous il fait commencer par dessiner en volume le plus vite possible.

dessiner l'eau dans le paysage. Etape 2. On dessine en tonalité.
A cette étape je rajoute des ombres. Je vais affiner mon dessin après. Le fait de commencer à dessiner en tonalité le plus vite possible m’aide à capter mieux la forme.

Ensuite on dessine les maisons et les arbres en volume, en pleine force de leur tonalité. Quand vous dessinez un détail n’oubliez pas voir l’ensemble des objets du paysage pour ne pas perdre l’unité de votre tableau.

comment dessiner un paysage avec de l'eau
Je dessine d’abord les cabanes et les arbres pour avoir le point de référence au niveau de la tonalité et de la forme pour dessiner les reflets dans l’eau après.

Après cela on peut commencer à dessiner l’eau. Faites attention comment je dessineles reflets des arbres et des cabanes dans l’eau en les hachurant en vertical. Le fait de les hachurer comme cela donne un effet supplémentaire de reflet.

Comment dessiner des reflets dans l'eau
Faites attention, après avoir hachurer en vertical, je dessine par-dessus les lignes horizontales pour souligner la surface de l’eau.

Ensuite je continue de dessiner avec la gomme. Pour montrer le mouvement de l’eau je gomme en horizontal les parties éclairées de l’eau où il y a les vagues. Cela m’aide à montrer la surface horizontale de l’eau.

Maintenant dessinons les vagues. Pour cela dessinons uniquement les ombres sans toucher la lumière sur les vagues.

comment dessiner les vagues

Il y a une règle de la peinture et du dessin. Si l’on dessine l’ombre, on généralise la lumière et au contraire si l’on dessine la lumière, on généralise l’ombre. Cela veut dire, que si vous détaliez plus les ombres dans votre tableau, vous devez détailler beaucoup moins les parties éclairées pour que votre tableau reste uni. Dans chaque tableau vous devez choisir ce que vous allez dessiner, les ombres ou la lumière.

Pour donner l’effet de transparence des vagues vous pouvez faire la jonction entre la lumière et l’ombre de la vague un peu plus foncée, mais pas trop, pour ne pas rendre cet endroit aigu. Chaque vague a sa forme, son volume. Ne dessinez pas les contours, suivez la forme des vagues avec les hachures.

Au final pour souligner encore plus la surface d’eau hachurez légèrement en horizontal la partie de l’eau avec les reflets des arbres et des maisons.

Pour apprendre à dessiner l’eau il est très utile au début de copier quelque dessins de grands artistes peintres. Cela aide à apprendre la technique.

Ce sont les dessins que j’ai trouvé intéressants et utils à étudier.

Ivan Aïvazovski
Ivan Konstantinovitch Aïvazovski
Dans ce paysage on peut observer comment le peintre dessine les vagues. Ici on voit que l’artiste dessine les reflets dans l’eau et après il gomme la lumière sur les vagues.
Rembrandt. L'eau-forte
Rembrandt
Dans cette eau-forte de Rembrandt on voit comment peintre dessine les reflets dans l’eau. Faites attention, après avoir dessiné les reflets, le peintre hachure en horizontal la surface de l’eau.
Alexeï Savrassov
Alexeï Kondratievitch Savrassov
Ici on peut étudier comment l’artiste dessine les reflets des arbres dans l’eau et dans la glace.

Merci d’avoir lu cet article! Maintenant je vous proprse de faire quelques exercices. Pour appliquer les connaissences aquises dans cet article je vous invite à dessiner l’eau dans un paysage et faire une copie du dessin du peintre qui vous inspire.

Si vous avez des questions, posez-les moi dans les commentaires. Je vous propose également de m’envoyer vos dessins si vous voulez que je les corrige ou donne mon avis. Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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La perspective aérienne

La perspective aérienne

Dans mes articles précédents je vous avez beaucoup parlé de la perspective linéaire.  Aujourd’hui  parlons un peu de la perspective aérienne.

L’artiste peintre a besoin de connaître les règles de la perspective aérienne pour pouvoir représenter correctement la profondeur de l’espace de son tableau.

Quand on compare visuellement les objets qui sont placés à côté de nous et à distance, on voit qu’au fur et à mesure que l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, ses ombres et sa lumière perdent leur contraste. Les contours deviennent moins clairs et précis. Les volumes s’aplatissent. Les couleurs deviennent plus claires.

Dans la peinture de l’époque  du Classicisme il était d’usage de repartir le paysage en plans ayant des teintes différentes. Selon cette règle, le premier plan devait avoir principalement les couleurs brunes, le deuxième plan – les couleurs vertes et le dernier plan les couleurs bleus.

Cette règle a du sens, car dans la perspective aérienne la couleur de l’air compte aussi.

Et oui, l’air a de la couleur aussi. C’est la couleur bleu claire. Donc, plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, plus la couche d’air entre nous et l’objet est épaisse. Et comme l’air a la couleur bleu claire, on voit les couleurs de l’objet  plus froides et plus claires. C’est le bleu d’air qui influence les couleurs de l’objet. En plus l’air n’est pas complètement transparent. On peut voir parfois les mouvements de l’air les jours de canicule.

Valeurs de gris dans la perspective.

Néanmoins, la représentation de la perspective aérienne est basée sur la différence des valeurs de gris, la différence entre les ombres et la lumière plus contrastées au premier plan et moins contrastées et plus flous au second plan.  Sur un tableau on peut représenter beaucoup de plans et chaque plan plus éloigné vers la ligne d’horizon sera plus clair et plus froid, au niveau des couleurs.

Par exemple si vous dessinez une allée d’arbres, chaque arbre qui s’éloigne vers la ligne d’horizon sera plus clair,  moins contrasté, moins volumétrique et plus froid que l’arbre précédent, plus proche de nous.

Quand vous travaillez d’après nature,  pour voir la différence de clair-obscur, essayez de regarder des objets ou, ce qui est mieux, le paysage en entier, en plissant les yeux. Comme cela vous verrez clairement la différence entre la lumière et l’ombre et pourrez facilement comparer l’intensité des plans.

En plein air il faut aussi prendre en considération des couleurs réfléchies sur les objets. Par exemple, quand il fait beau, on voit la couleur bleu du ciel dans les ombres portées des objets, le soleil jette sa lumière chaude sur les arbres verts, cette lumière colore les feuilles qui sont à la base vertes en couleurs jaunes, ocres et rouges.

Maintenant je vous propose de faire quelques exercices. Dessinez ou peignez une allée d’arbres et le champ avec la route.

Comme par exemple dans cette peinture  d’ Ivan Chichkine où on peut voir les couleurs et les teintes plus intenses au premier plan et beaucoup plus claires vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Ivan Chichkine
Ivan Chichkine

Faites attention ! Le ciel, lui aussi, perd de son intensité et change sa couleur vers la ligne d’horizon. Cette peinture peut également nous servir d’exemple d’utilisation de trois plans de couleurs dans la perspective aérienne. Sauf que le peintre a fait le premier plan vert, deuxième – brun et dernier plan – bleu, alors que dans la peinture classique le premier plan est brun, deuxième est vert et le dernier plan est bleu.

Ou par exemple comme dans cette peinture de Claude Monet.

Ici on peut voir clairement la différence entre les arbres du premier plan et les arbres de deuxième et arrière-plan.

Les arbres qui sont très foncés et contrastés au premier plan perdent leur volume et leur contraste au fur et à mesure qu’ils s’éloignent vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Claude Monet
Claude Monet Les peupliers

Merci d’avoir lu cet article !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Dessin en perspective.

Dessin en perspective. Les éléments verticaux.

Parfois quand on travaille sur un tableau, pour faire un dessin en perspective, on a besoin de déterminer les places des fenêtres ou des colonnes qui se trouvent à la même distance l’une de l’autre. Donc comment faire pour déterminer leurs places et les intervalles entre elles ?

Comme, par exemple, sur ce pastel.

Dessin en perspective. Pastel.
La Seine en hiver. Pastel sec sur papier

Observez ce dessin en perspective ou plutôt un schéma qui représente les perches placées à la même distance l’une de l’autre.

Dessin en perspective. Schéma

Pour déterminer les place des perches, dessinons tout d’abord la première perche AA’ et après tirons les liens de ces points extrêmes au point de fuite P.  Donc avec cette façon de procéder on détermine du même coup la direction des autres perches.

Ensuite dessinons la deuxième perche BB’ à la distance choisie. Maintenant pour déterminer les mêmes distances au fond du tableau, divisions la hauteur de la première perche en deux parties égales. Si l’on relie le point O avec le point P (le point de fuite), on obtiendra deux rectangles égaux AOBO’ et OA’B’O’.

Tirons une diagonale du point A du rectangle supérieur au point C’en passant par le point O’. Le point C’ va déterminer la base de la troisième perche. Il ne nous reste plus qu‘à tirer une ligne verticale du point C’ jusqu’au point d’intersection avec la ligne AP qui détermine la hauteur de la troisième perche CC’.

Pour les autres perches le mode de construction sera analogique.

Voilà dans notre dessin en perspective on a déterminé les places des perches ! Comment faire le dessin en perspective si les points de fuite se trouvent en dehors de la surface de votre tableau, lisez dans mon article “Trois méthodes simples pour dessiner l’architecture en perspective”.

Quand vous travaillez d’après nature en plein air, pour faire un dessin en perspective, vous pouvez aussi utiliser la méthode de comparaison, qui marche toujours bien. Alors n’oubliez pas de mesurer les distances et des propositions comme c’est décrit dans mon article  Comment dessiner correctement, que je vous propose de lire.

Pour appliquer les connaissances acquises dans cet article, je vous conseille de dessiner une allée avec des arbres, une colonnade ou une clôture avec les perches. Quand vous dessinez vous pouvez utiliser la méthode décrite au début de cet article ainsi que la méthode de comparaison, mais après, essayez de vérifier votre dessin en utilisant la première méthode.

Dessin en perspective. Grabar
Igor_Grabar. La neige en septembre.

Ne vous inquiétez pas si les distances ne seront pas exactement les mêmes, dans la nature les lignes parallèles n’existent pas, comme d’ailleurs les distances parfaitement égales. Mais ces imperfections font tout le charme de la nature !

Maintenant je vous invite à me laisser un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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