Techniques de peinture à l’huile

Dans cet article je vais vous montrer les trois principales techniques de la peinture à l’huile.
J’ai réuni ces trois techniques dans le même cours vidéo, que vous pourrez voir à la fin de cet article.

C’est un cours vidéo « Techniques de peinture à l’huile » très complet.

Dans ce cours je vais vous montrer :

Comment peindre à l’huile au couteau,
comment peindre à l’huile avec une brosse en soies de porc et comment réaliser un glacis avec des pinceaux synthétiques.

Techniques de peinture à l'huile

Mais avant de regarder ce cours vidéo je vous propose quand même de lire cet article dans lequel je vais vous donner des informations complémentaires sur les techniques de peinture à l’huile et du matériel pour la peinture à l’huile. 

Les trois principales techniques de peinture à l’huile

Comment peindre au couteau.

Il fait savoir qu’il existe trois types de couteaux.

Couteaux à palette. Ce type de couteau est destiné principalement à nettoyer la palette et à mélanger les couleurs sur la palette.

Couteaux à palette.
Couteaux à palettes

Couteaux à peindre et à palette avec lequel vous pouvez également nettoyer votre palette

Couteaux à peindre. Techniques de peinture à l'huile
Couteaux à peindre et à palette

Et couteau à peindre. Avec cette forme de couteau il est difficile de nettoyer la palette.

Couteau à peindre. Techniques de peinture à l'huile
Couteau à peindre

Il existe beaucoup de formes de couteaux à palette et de couteaux à peindre. Pour distinguer à quel type correspond tel ou tel couteau regardez à cet endroit.

Techniques de peinture à l'huile
couteau à peindre

Si la lame de couteau qui la surmonte, ne se trouve pas sur la même ligne que son poignet, c’est le couteau à peindre.

couteau à palette

 Si la lame est sur la même ligne que le poignet, c’est le couteau à palette.

Mes couteaux préférés ont cette forme.

Mes couteaux

Avec les couteaux de cette forme vous pouvez peindre, nettoyer la palette et corriger la peinture sur votre toile. Donc comme cela vous n’avez pas besoin d’avoir beaucoup de couteaux.

Les brosses en soies de porc

Ce sont des pinceaux de base pour la peinture à l’huile.

Ce sont des pinceaux très résistants qui permettent de travailler avec de gros coups de pinceau, et avec de la peinture pâteuse.
Les pinceaux comme cela sont indispensables si vous travaillez dans la technique impressionniste.  

Les pinceaux en soies de porc peuvent être ronds, plats, ou langue de chat. C’est à vous de choisir la forme qui vous convient le mieux.

pinceau rond
pinceaux plats
pinceau langue de chat

Je veux juste vous donner un conseil. Travaillez le plus possible avec les grands pinceaux. Passez aux pinceaux plus petits uniquement quand vous ne pouvez plus travailler avec les grands.

Les pinceaux synthétiques.

Ces pinceaux s’utilisent principalement pour travailler à précision et pour réaliser des glacis. Les pinceaux synthétiques sont beaucoup plus doux que les pinceaux en soies de porc.

pinceaux rond. techniques de peinture à l'huile
pinceaux ronds synthétiques
Pinceaux langue de chat synthétiques.
pinceaux langue de chat synthétiques
pinceaux plats synthétiques. Techniques de peinture à l'huile
pinceaux plats synthétiques

Donc ils conviennent très bien pour peindre les petits détails et pour peindre avec les glacis sur une couche de peinture déjà dure.

Vous pouvez également faire tout à fait la même chose avec des pinceaux en poils de martre ou en putois sibérien. Mais malgré que ce soit des pinceaux très agréables à travailler ils s’usent beaucoup plus vite que les pinceaux synthétiques.  

Quelle médium choisir

Comme médium  je vous conseille d’utiliser le médium à trois composants : essence de térébenthine, huile de lin, vernis de Dammar. La recette exacte de ce médium vous pouvez la trouver dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile ». Si vous réalisez une peinture à l’huile en plusieurs couches je vous conseille d’utiliser l’essence de térébenthine pour la sous couche ou pour l’imprimatura, pour la deuxième couche du médium dans la proportion classique et pour les glacis finaux vous pouvez augmenter un peu dans votre médium le pourcentage de vernis de Dammar et de l’huile de lin. 

Quelques conseils concernent les techniques de la peinture à l’huile

Maintenant je vais vous donner quelques conseils par rapport au processus du travail.

Première étape. Quand vous commencez votre peinture faite tout d’abord attention aux couleurs et aux valeurs de gris. L’ébauche nous sert à mettre de bonnes couleurs et bonnes valeurs sur notre toile.

Travaillez avec des coups de pinceaux droits, comme si c’était des facettes, comme si vous étiez un sculpteur qui taille un bloc de marbre. Faites une sorte de mosaïque des couleurs. Lâchez vous, n’avez pas peur de faire une erreur. Vous allez ajuster la forme des objets après.

Essayez le plus vite possible de couvrir complètement votre toile avec la peinture. Ne commencez pas ajuster la forme et surtout ne pas travailler sur les détails avant que votre toile ne soit complétement couverte avec les couleurs, avant de finir l’ébauche.

Deuxième étape consiste à commencer à ajuster la forme en travaillant toujours avec des pinceaux les plus grands possible. A cette étape continuez à travailler avec les « facettes » mais peut-être un peu plus petites. 

Avant de réaliser le glacis laisser sécher votre peinture suffisamment pour que la couche inferieure soit dure. Travaillez avec les glacis sur une couche sèche et surtout pas sur une couche demi-sèche.

Il n’y a rien de pire que de travailler sur une couche de peinture demi-sèche.  Cela peut provoquer l’apparition d’embus – les endroits mats et les craquelures de la couche supérieure.

C’est le fameux principe de la peinture à l’huile « gras sur maigre ». C’est pour cela que dans les couches inférieures on utilise des médiums qui sèchent vite ou relativement vite et dans les couches supérieures on utilise des médiums plus « gras » qui sèchent moins vite.
En fait vous pouvez même utiliser partout le même médium, il faut juste attendre que chaque couche soit complétement dure avant de continuer de travailler, et cela peut prendre du temps.

Troisième étape. Les glacis. Le glacis c’est une couche de peinture très transparente à travers laquelle on peut voir les couleurs et les valeurs de la couche inférieure.
Les glacis s’utilisent pour enrichir la peinture, généraliser, unifier le tableau, ajuster la forme, rajouter des couleurs, des ombres et de la lumière, rajouter plus de la profondeur.

Pour les glacis utilisez les couleurs pures, ne mélanger plus que deux couleurs pour le glacis final. Dans les ombres je vous déconseille de rajouter la couleur blanche. La couleur blanche rend la peinture plus opaque.

Mais quand même il existe des glacis clairs où l’on rajoute de la couleur blanche, pour ce type de glacis utilisez plutôt du Blanc de Zinc qui est beaucoup moins opaque que le Blanc de Titane.

Maintenant je vous invite de regarder le cours vidéo « Les techniques de la peinture à l’huile » qui vient de ma chaîne YouTube, dans laquelle vous verrez tout le processus de réalisation de la peinture à l’huile par l’utilisation de chaque technique.

Techniques de peinture à l’huile

Merci d’avoir lu cet article ! N’hésitez pas à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et me poser des questions. Je ferai tout mon mieux pour vous aider.

A bientôt ! 🙂

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Imprimatura. Technique de peinture.

L’Imprimatura (ou imprimature) est une technique assez ancienne qui fut utilisée souvent à l’époque de Moyen Age et à l’époque de la Renaissance pour préparer le support pour les fresques, pour la détrempe, pour le dessin et plus tard pour la peinture à l’huile.

Léonard de Vince. Dessin. Exemple Imprimatura
Ce dessin de Léonard de Vinci nous montre l’utilisation de l’imprimatura pour préparer la fond pour le dessin

A cette époque la couche d’Imprimatura pouvait être assez épaisse car elle servait d’enduit coloré pour les fresques ou pour la tempera sur le support bois.

Giotto. Imprimatura. Exemple
Sur cette fresque de Giotto on voit clairement l’enduit coloré du mur. Ici l’artiste utilise l’imprimatura dans la gamme des couleurs chaudes ( Ocre, Terre ) qui est contrastée au fond bleu de la fresque.

L’Imprimatura qu’on utilise maintenant et qui d’ailleurs était utilisée à l’époque de Renaissance, à l’époque Baroque pour la peinture à l’huile, c’est une couche de peinture très fine et souvent très transparente qui sert à couvrir le support avec une couleur ou un mélange de quelques couleurs et comme cela elle donne la tonalité, l’ambiance des couleurs du futur tableau.

Portrait Rembrandt. L'example d'utilisation Imprimatura
Dans ce portrait de Rembrandt on voit clairement la sous-couche colorée de l’imprimatira qui donne à cette toile la profondeur et l’ambiance chaude des couleurs de la Terre.

Dans cet article je vais vous montrer comment faire l’Imprimatura

On parlera des avantages de cette technique, notamment comment vaincre la peur de la toile blanche en utilisant l’Imprimatura. 

Comment choisir les couleurs pour réaliser l’Imprimatura

Quel pinceau et quel médium choisir

Et à la fin de cet article nous allons regarder une vidéo de démonstration ” Imprimatura”.

Mais avant de regarder la vidéo je vous conseille de lire cet article, car ici je donne quelques informations pratiques que vous ne trouverez pas dans la vidéo.

La technique Imprimatura que je vais vous montrer peut être utilisée dans la peinture à l’huile mais également dans la peinture acrylique ou la tempera PVA. Malgré que je fasse la démonstration avec la peinture à l’huile, le principe est tout à fait le même pour les autres techniques.

Juste quand vous travailler en acrylique ou en détrempe PVA diluez suffisamment votre peinture à partir du début, car la peinture acrylique et la tempera PVA sèchent très vite. Donc on est obligé de travailler vite pour pouvoir essuyer la surface de notre tableau pour rendre notre Imprimatura uniforme avant que la couche de peinture ne soit sèche.          

Le principe d’Imprimatura est très simple et très efficace. Et je conseille souvent cette technique surtout à mes élèves qui débutent dans la peinture à l’huile ou dans la peinture acrylique.

Les avantages de la technique Imprimatura

1. L’Imprimatura permet de se débarrasser de la « peur de la toile blanche »

Fameuse peur de la toile blanche ! J’ai vu des élèves qui restaient bloqués devant la toile blanche vierge sans pouvoir oser de commencer à peindre. Comme s’ils avaient peur de salir cette propreté de toile. Et là c’est l’Imprimatura qui vous aidera énormément. 

Dès qu’on sait répondre à la question quelle est tonalité générale et quelle est la gamme des couleurs de notre tableau (on a plus de couleurs froides ou de couleurs chaudes, quelles sont les couleurs principales de notre future peinture), on peut choisir la couleur ou les couleurs pour l’Imprimatura et commencer à mettre cette couche de peinture. Il est beaucoup plus facile de commencer le tableau par l’Imprimatura et comme cela dépasser la peur de la toile blanche. Car comme cela vous faite déjà de la peinture sans faire la peinture.

Votre toile n’est plus vierge. Vous avez déjà réfléchi sur la gamme des couleurs de votre tableau. Vous avez déjà mis les couleurs sur votre toile et vous avez déjà obtenus une jolie sous-couche de votre future œuvre. Il ne vous reste plus qu’à commencer.  

2. L’Imprimatura prépare l’ambiance et la tonalité colorique de votre tableau. L’Imprimatura nous sert de sous-couche transparente de même valeur qui donne l’unité, la profondeur ou bien qui révèle les contrastes de notre tableau.

Par exemple vous voulez peindre un paysage avec beaucoup de verdure. Quelle Imprimatura choisir ? Et bien cela dépend de ce que vous voulez souligner ou transmettre dans votre toile.

Si vous voulez montrer beaucoup de lumière de soleil, l’air, choisissez l’Imprimatura à la base des couleurs jaune et ocre

Mais vous pouvez aussi choisir un autre chemin. Pour montrer, par exemple, les couleurs éclatantes de la verdure vous pouvez choisir pour l’Imprimatura des couleurs contrastées ou des couleurs opposée dans le cercle chromatique aux couleurs de la verdure.  Vous pouvez faire l’Imprimatura avec les couleurs rouge foncées ( Alizarine, Laque de garance, Rouge de cadmium foncé, peut-être en mélange avec le Caput mortuum foncé). Cela fera ressortir les couleurs vertes et donnera de la profondeur aux ombres.

Maintenant imaginons que vous travaillez sur une nature morte. Quelle Imprimatura choisir ?

Ici également tout dépend de la tonalité et de la gamme des couleurs de votre nature morte. Si vous voulez montrer la profondeur dans votre nature morte, si dans votre nature morte règnent les couleurs chaudes vous pouvez choisir pour l’Imprimatura le mélange de la Terre de Sienne avec l’Ocre dorée ou de l’Ocre claire avec le Jaune de cadmium moyen, de la Terre d’ombre brulée ou de Mars brun avec l’Ocre dorée, Rouge anglais avec la Terre de Sienne, Le Jaune de cadmium pur, etc.

Mais si dans votre nature morte les couleurs froides sont en majorités ou bien au contraire vous voulez faire ressortir les couleurs chaudes en jouant sur les contrastes des couleurs et sur les couleurs opposées du cercle chromatique, pour l’Imprimatura vous pouvez utiliser les couleurs froides. Par exemple le bleu d’Outremer ou le bleu de cobalt en mélange avec l’Alizarine ou avec le Laque de garance ou même avec un peu de la Sépia pour casser la vivacité des couleurs. Ce sont juste des exemples car c’est à vous de choisir des couleurs et la valeur d’Imprimatura selon la gamme des couleurs de votre tableau.

Donc comment faire l’Imprimatura ?

C’est très simple. Prenez suffisamment de couleur sur votre pinceau, diluez le pigment avec un peu de médium et mettez la peinture sur votre toile en frottant avec votre pinceau. Vous verrez, peut- être vous aurez besoin de ragouter plus de me médium ou plus de couleurs. Vous pouvez également de rajouter plusieurs couleurs et les mélanger directement sur votre toile. Travaillez librement, mettez suffisamment de couleur sur votre toile.

Juste il faut se rappeler que la couche d’Imprimatura doit rester fine et transparente.

Dès que vous avez fini de mettre la peinture sur la toile, prenez un morceau de Sopalin et essuyez votre toile pour enlever le reste de la peinture et pour rendre la couche d’imprimatura uniforme.

Imprimatura
Imprimatura dans la gamme des couleurs chaudes

Les pinceaux et le médium

Pour faire l’Imprimatura utilisez toujours de grands pinceaux en soies de porc (brosse).

Comme médium je vous conseille d’utiliser un médium à base d’essence de térébenthine, l’huile de lin et de vernis de dammar dans la proportion classique (Ce médium est très facile à fabriquer, vous pouvez la recette de ce médium dans mon article “Matériel pour peindre à l’huile“). Ou bien vous pouvez utiliser tout simplement  l’essence de térébenthine. 

J’ai encore un conseil à vous donner. N’utilisez pas dans l’Imprimatura les couleurs mélangées avec la couleur blanche. Il faut savoir que l’Imprimatura réalisée avec les couleurs blanches existe. Il y a des artistes qui utilisent les pigments blancs en les mélangeant avec la sépia ou le noir pour obtenir l’Imprimatura grise.

Mais le problème c’est que tous les pigments blancs, même le blanc de zinc sont plus au moins opaques. Et ils rendent opaque les mélanges avec les autres couleurs. En conséquence ils vont rendre votre sous-couche plus au moins opaque.

A mon avis il vaut mieux avoir la sous-couche transparente. Et plus c’est très facile à faire car la couleur de notre toile est déjà blanche. Et comme la couche d’Imprimatura reste assez fine nous avons le même effet comme dans l’aquarelle quand on travaille avec les glacis. On voit à travers la couche supérieure les couleurs de la couche inférieure.

Donc pour obtenir la couleur grise on peut tout simplement mélanger la sépia avec le bleu d’outremer, bleu de cobalt ou bleu de Prusse (j’éviterais également le pigment noir dans la sous-couche). Car cette couche d’Imprimatura sera très transparente, on verra à travers la couleur blanche de notre toile. Et comme cela on va obtenir la couleur grise d’Imprimatura.

Comme on rend la couche de l’imprimatura très fine et transparente et en plus on l’essuie avec le sopalin ou avec un torchon, on peut ne pas attendre le séchage ce cette couche. On peut commencer à esquisser le dessin et peindre sans attendre que la couche de l’imprimatura soit sèche. Bien sûr, cela marche uniquement pour la peinture à l’huile. La peinture acrylique sèche très vite, donc la couche sera sèche en tous les cas.

Si vous faites l’imprimatura pour ensuite réaliser un dessin au pastel ou au crayon, il fait attendre que la couche colorée soit sèche si non vous risquez d’abîmer votre feuille.

Maintenant je vous invite de regarder une petite démonstration vidéo qui vient de ma chaine YouTube “Comment faire l’Imprimatura”   

Merci d’avoir lu cet article. Cela me fera très plaisir si vous me laissez des commentaires. Si vous avez des questions n’hésitez pas à me les poser. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Cercle chromatique

Dans cet article nous parlerons du cercle chromatique et comment l’utiliser dans la peinture pour rendre votre tableau harmonieux.

Il existe énormément de bouquins et d’articles qui parlent du cercle chromatique, mais ici je veux aller à l’essentiel. Ce qu’il faut savoir sur le cercle chromatique pour l’utiliser dans la peinture.

Je trouve que le cercle chromatique le plus utile pour un artiste peintre c’est le cercle de Johanne Itten (l’ancêtre des cercles chromatique que l’on peut trouver maintenant dans toutes les boutiques pour les artistes peintres.)

« La simplicité c’est du génie » et le cercle d’Itten reste le plus simple et le plus pratique. Dans ce cercle chromatique les 12 couleurs font un cercle de façon que les paires de couleurs contrastées se trouvent du côté opposé du cercle.

Cercle chromatique d'Itten
Cercle chromatique d’Itten

Les couleurs primaires du cercle chromatique

Dans le centre du cercle Itten a mis le triangle de trois couleurs Rouge, Bleu, Jaune. Ce sont des couleurs primaires. Les couleurs de bases pour toutes les autres couleurs du cercle chromatique.

Cercle chromatique. Couleurs primaires.
Cercle chromatique. Couleurs primaires.

Les couleurs secondaires du cercle chromatique

Le triangle des couleurs primaires est enfermé dans l’hexagone ou on voit encore trois couleurs. Ce sont les couleurs secondaires Orange, Violet, Vert qu’on peut obtenir en mélangeant les couleurs primaires (Rouge, Bleu, Jaune).

Rouge et Bleu donne Violet,
Rouge et Jaune donne Orange,
Jaune et Bleu donne Vert.

Couleurs secondaires du cercle chromatique
Couleurs secondaires du cercle chromatique

Les couleurs tertiaires du cercle chromatique

Ensuite sur le cercle chromatique on peut voir les couleurs tertiaires. Ce sont les couleurs obtenues par le mélange d’une couleur primaire et une couleur secondaire.

Rouge et Orange donne Rouge orangé (dans les pigments équivalents approximatif du Rouge de cadmium claire)

Rouge et Violet donne Pourpre  (proche d’alizarine, mais un peu plus chaud)

Jaune et Orange donne Jaune orangé (dans la peinture équivalant approximatif du Jaune de cadmium foncé)

Jaune et Vert donne Vert chaud

Bleu et Vert donne Bleu turquoise ou Cobalt Bleu-Vert dans les pigments

Bleu et Violet donne Indigo

Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.
Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.

Je vous parle de toutes ces couleurs du cercle chromatique par ce qu’il faut les connaitre. Mais franchement c’est de la théorie pure. Si à chaque fois que vous mélangez les couleurs vous allez les mélanger en consultant tout le temps le cercle chromatique vous n’arriverez jamais à obtenir les mélange naturels, instinctifs. Ce qu’il nous faut pour la peinture.

Une des règles du mélange des couleurs dit que pour obtenir le mélange juste et pur il faut essayer de ne pas mélanger les couleurs sur votre palette durant plus de 5 à 7 secondes. Sinon vous risquez de perdre la pureté de l’impression et de vous tromper avec le mélange.

En fait avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger les couleurs automatiquement. Et bien sûr sans consulter le cercle chromatique.

Maintenant on est arrivé à la chose la plus importante pour l’artiste peintre dans le cercle chromatique. Soyez attentifs et concentrés c’est hyper important à retenir et à utiliser.

Les couleurs opposées du cercle chromatique.

Vous me direz «  les couleurs opposées du cercle chromatique, c’est très simple, tout le monde les connaît ». Oui, tout le monde les connaît mais aujourd’hui nous allons voir à quoi elles servent réellement dans la peinture. Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires se trouvent du côté opposés du cercle chromatique.

Donc les couleurs opposées du cercle chromatique.

Rouge est complémentaire du Vert
Jaune est complémentaire du Violet
Orange est complémentaire du Bleu
Jaune orangé est complémentaire de l’Indigo
Vert chaud est complémentaire du Pourpre
Bleu turquoise est complémentaire du Rouge orangé

Et bien sûr toutes les nuances de ces couleurs se contrastent entre elles.

Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.
Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.

Quand on regarde le cercle chromatique on peut le diviser en deux parties. La partie chaude et la partie froide.  C’est très important  aussi.

Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique
Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique

Donc comment utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique et la température des couleurs dans la peinture.

Une des choses primordiales dans la peinture ce sont les contrastes entre les couleurs chaudes et couleurs froides. Je répète sans cesse que la peinture se construit sur les contrastes des couleurs.

Si l’ombre est froide la lumière est chaude et si la lumière est chaude l’ombre est froide.

C’est la règle incontournable de la peinture.

La deuxième règle incontournable de la peinture dit que si l’on travaille avec telle ou telle couleur, juste à côte on verra la couleur opposée de cette couleur.

Je vais expliquer plus précisément. Si par exemple vous peignez les arbres éclairés par le soleil. Imaginons que dans la lumière vous utilisez le vert chaud et le jaune, donc dans l’ombre vous verrez le violet ou les nuances de bleu et le rouge qui sont les couleurs opposées du vert et du jaune.

Vous direz comment est-ce possible, les arbres sont verts ! Non. C’est dans notre esprit que les arbres sont verts. C’est le cliché, c’est peut-être dans l’école maternelle la maitresse nous a dit que les arbres étaient verts.

Regardez les peintures de tous petits infants qui ne savent pas encore que les arbres sont verts, là les arbres et les herbes peuvent être rouges, jaunes, oranges. Et ils ont raison ! Ils n’ont pas encore appris les clichés.

Pourquoi je vous dis tout cela ? Pour vous montrer que quand vous peignez vous devez faire confiance à vos yeux. Je ne dis pas qu’il n’y a pas du tout de couleur verte dans les arbres et les herbes, mais ce sont plutôt des nuances riches du vert, vert-jaune, vert-orange, brun-rouge, bleu-vert etc.

Comment voir la vraie couleur ?

Il existe une technique pour voir la vraie couleur. Et je vous conseille fortement de l’utiliser au moins au début, avant que ça devienne automatique.

Si vous voulez voir la vraie couleur de l’objet, ou par exemple de l’ombre porté d’un objet ou la couleur de sa lumière, ne regardez pas directement cet endroit, régaterez à côté et comme ça vous verrez la vrai couleur de façon indirecte.

Par exemple si vous voulez voir la couleur de l’ombre de l’objet, regardez sa lumière. Et très probablement si vous regardez comme ça vous verrez dans l’ombre les couleurs opposées du cercle chromatique des couleurs de la lumière.

Au début quand vous faites cela vous pouvez consulter les couleurs opposées du cercle chromatique, pour soutenir votre impression. Mais très vite vous commencerez à faire cela intuitivement, sans consulter le cercle chromatique.   

Observons quelques exemples concrets.

Regardez ce tableau de Claude Monet. 

Claude Monet
Claude Monet

Ici on voit très bien comment l’artiste utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. La couleur du ciel est jaune et orange. Donc sur la ligne d’horizon, dans les ombres sur la terre et sur les meules de foin on voit les couleurs bleues et violets. On voit également dans la lumière sur la terre sur la neige les reflets des couleurs du ciel. La lumière sur la terre a les reflets rouges (roses) et jaunes. Ce qui est les couleurs opposées du bleu et du violet que l’on voit dans les ombres.

Claude Monet
Claude Monet

Dans ce tableau de Monet on voit le même principe. Les ombres sur les meules sont violettes et bleues – les couleurs opposées des couleurs de la lumière des meules l’ocre jaune, la terre de Sienne, le jaune et l’ocre rouge et  orange. La lumière sur les arbres sur le dernier plan est jaune ou jaune- vert et dans les ombres on voit du bleu, du violet et un peu de rouge (rouge- violet). Donc on voit bien comment Monet utilise cette règle de la peinture. La lumière est chaude et les ombres sont froides, les couleurs des ombres sont opposées aux couleurs de la lumière.

Igor Grabar
Igor Grabar

Sur ce tableau de Grabar on voit également comment l’artiste –peintre utilise le principe de température des couleurs. Sur les fleurs dans la lumière on trouve les couleurs jaunes et rouges, la lumière est chaude car ces fleurs sont éclairées par le soleil. D’habitude la lumière du soleil est chaude. Et dans les ombres on voit le bleu et le violet qui sont l’opposées des couleurs de la lumière du rouge et du jaune. Les ombres sont froides. Car d’habitude quand le ciel n’est pas couvet de nuages il jette ses reflets sur les ombres.

Igor Grabar
Igor Grabar

Je veux attirer votre attention sur ce paysage de Grabar. Ici on voit les nuances de la couleur vert dans les parties éclairées des arbres, des herbes sur les rives et dans les reflets des arbres dans le lac. Et dans les ombres des arbres on voit les couleurs rouges (qui correspondent à l’alizarine), les couleurs violètes et les bleues. Ce sont des couleurs opposées des couleurs de la lumière des arbres et des rives.

Je vais vous donner encore quelques informations sur le cercle chromatique.

Les couleurs analogiques

Les couleurs analogiques. Ce sont des couleurs qui se trouvent à côté dans le cercle chromatique, les couleurs adjacentes.

Les couleurs analogiques du cercle chromatique
Les couleurs analogiques

Les couleurs complémentaires adjacentes

Les couleurs complémentaires adjacentes. Ce sont des couleurs complémentaires à une ou plusieurs couleurs analogiques.

Les couleurs complémentaires adjacentes du cercle chromatique
Les couleurs complémentaires adjacentes

C’est assez utile à savoir pour trouver les couleurs complémentaires pour les couleurs nuancées. Mais je veux vous assurer qu’avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger des couleurs et trouver les couleurs opposées (complémentaires) automatiquement, presque sans réfléchir.

Merci d’avoir lu cet article. J’espère qu’il a été intéressant pour vous. Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article. S’il est intéressent et utile pour vous. 

A bientôt ! 🙂  

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Comment peindre les roses à l’huile.

Dans cet article nous allons voir comment peindre les roses à l’huile dans le style impressionniste.

Je vous donnerai des conseils qui vous aiderons à réussir n’importe quel sujet en peinture à l’huile.

On regardera le tutoriel vidéo qui explique notamment comment peindre les roses à l’huile.

On parlera de la technique et des petits secrets pour réussir votre peinture à l’huile.

Comment peindre les roses à l'huile
Comment peindre les roses à l’huile

En fait ce tutoriel vidéo « Comment peindre les roses à l’huile » est assez complet, je voudrais juste avant que vous commenciez de le regarder vous rappeler quelques règles de base et parler de la technique « alla prima » que j’ai utilisé pour peindre les roses à l’huile.

Donc parlons d’abord de la technique « alla prima ».

Peindre à l’huile dans la technique “alla prima” cela veut dire que vous allez peindre directement sur une couche de peinture fraiche sans séchage. Cette technique de peinture s’utilise beaucoup pour peindre des études. Pour peindre dans cette technique il y a deux solutions.

Soit vous travaillez directement dans la couche fraiche pour modifier les formes et les couleurs directement dans cette couche. Soit vous faites tout le travail dans une journée ou bien vous ralentissez le séchage de la couche de peinture en utilisant le medium pour retravaillez votre tableau le lendemain. Quel medium choisir ? Vous pouvez le lire dans mon article « Matériel pour la peinture à l’huile ».

Soit vous travaillez une journée et ensuite vous laissez votre peinture sécher complètement pour retravailler après sur une couche de peinture déjà sèche.

Gras sur maigre

Dans la peinture à l’huile il existe une règle incontournable « gras sur maigre », cela veut dire que la couche supérieure doit être légèrement plus grasse que la couche inférieure. En fait ce n’est pas tout à fait vrai…. Vous pouvez facilement travailler « maigre sur gras », par exemple avec les glacis finals, mais en ce cas-là vous devrez être sûr que la couche inférieure de la peinture est déjà complétement sèche (ou plutôt dure). En fait quand on utilise le mot séchage pour la peinture à l’huile, ce n’est pas tout à fait un bon terme. La peinture à l’huile ne sèche pas, elle durcit. Ce processus chimique s’appelle la polymérisation.

Donc imaginons que l’on met la couche supérieure de la peinture à l’huile sur une couche de peinture qui n’est pas complètement dure. La couche supérieure durcira plus vite que la couche inférieure, ce qui peut provoquer des craquelures de la couche supérieure. Mais aussi la peinture de la couche inférieure restera instable longtemps ce qui peut influencer les couleurs de la couche supérieure. Les couleurs peuvent devenir ternes, fades, parfois avec des taches mates, avec le temps les couleurs peuvent noircir.

Quelle toile choisir pour peindre les roses à l’huile ?

Dans mon tutoriel vidéo « Comment peindre les roses à l’huile » je travaille sur une toile en lin, mais qui a été déjà couverte de peinture. Pour cette démonstration j’ai utilisé ma vieille étude qui n’a pas été finie.

Pour peindre à l’huile vous avez quatre solutions :

Utiliser une toile enduite avec un apprêt blanc,

Une toile avec un apprêt transparent,

Une toile déjà peinte (par exemple comme dans mon cas si vous avez une étude pas finie ou la peinture que vous ne voulez pas garder)

Ou une toile colorée ( ” imprimatura ” ). Je conseille souvent cette méthode aux peintres débutants pour réduire la “peur de la toile blanche”.

Si vous choisissez cette méthode, pour préparer votre toile il suffit juste de choisir la couleur pour colorer votre toile, appliquer cette couleur diluée avec l’essence de térébenthine et ensuite passer d’un morceau de Sopalin pour faire repartir la couleur sur la toile et rendre la couche uniforme. Pour cette couche vous pouvez choisir la couleur rouge (ocre rouge par exemple), l’ocre, la terre de sienne, le bleu foncé, la terre d’ombre brulée, le gris (mélange du noire et de l’essence de térébenthine uniquement) ou sépia. Pour faire ” imprimature ” je vous conseille de ne pas mélanger les couleurs avec le blanc pour la première couche. Une couleur blanche est trop opaque pour cette couche qui est très jolie dans sa transparence. Cette technique fut souvent utilisée par les grands maîtres de l’epoque de Renaissance.

Comment peindre les roses à l'huile. Technique imprimatura. Léonard de Vinci
Léonard de Vinci. “Imprimatura”

Comment faire un dessin préparatif pour peindre les roses à l’huile

Pour faire le dessin préparatif pour votre nature morte vous pouvez utiliser la peinture à l’huile diluée avec l’essence de térébenthine. Si vous dessinez comme moi dans ce tutoriel “Comment peindre les roses à l’huile” sur la toile avec une couche de peinture dure, vous pouvez utiliser des couleurs contrastées à cette couche de peinture. Si vous dessinez sur un apprêt blanc je vous conseille d’utiliser l’ocre, la terre d’ombre brulée, la sépia, le bleu d’outremer ou bleu de cobalt. Vous pouvez également dessiner avec le fusain à dessiner, mais en ce cas-là n’oubliez pas de fixer votre dessin avec un vernis avant de commencer à peindre.

Comment peindre les roses à l’huile

Maintenant quelques conseils comment peindre les roses à l’huile.

Peignez les roses principalement avec les coups de pinceau droits. C’est la technique qui convient le plus pour peindre ces fleurs.

Quand vous travaillez sur un bouquet de fleurs n’oubliez pas de peindre d’abord le volume général du bouquet et après le volume de chaque fleur !

Comment rendre l’objet volumineux vous pouvez le lire dans mon article Comment dessiner en volume.

Regardez souvent la nature et votre dessin en plissant les yeux. C’est uniquement comme cela que l’on peut voir clairement les valeurs de gris.

Quand vous travaillez sur votre peinture n’ayez pas peur des contrastes. Il n’a pas de lumière sans ombre et il n’y a pas d’ombre sans lumière. Si vous voulez rendre la lumière plus claire, dans la plupart des cas il vous faut d’abord rendre l’ombre plus foncée.

Mais faites attention, l’ombre n’est jamais noire. Sa couleur est très souvent opposée à la couleur de la lumière. Par exemple si dans la lumière on voit des couleurs rouge et jaunes, dans l’ombre on verra les couleurs bleues et vertes (pas toujours les couleurs vives ).

Il y a encore une règle incontournable pour toutes les techniques de peinture. Si la lumière est chaude, l’ombre est froide, si la lumière est froide, l’ombre est chaude.  Pour voir la vraie couleur de l’objet, regardez cet objet de côté comme si vous aviez glissé avec votre regard sur cet objet en regardant en même temps un objet ou une surface qui est à côté. Essayez également voir tout le bouquet ou la nature morte en entier, même si vous travaillez sur un détail.

Par quoi commencer à peindre les roses à l’huile

Commencez à peindre les roses à l’huile par les grandes formes pour aller après vers les petits détails. Quand vous travaillez dans la technique « alla prima » essayez de couvrir toute la surface votre toile avec les couleurs le plus vite possible. Et uniquement après cela commencez à travailler sur les objets et sur les détails.

Comment mélanger les couleurs à l’huile

Et encore un conseil, essayez de mélanger vos couleurs directement sur la toile. Bien sûr vous pouvez toujours mélanger les couleurs sur la palette, et c’est qu’il faut faire ! Mais sur la palette on voit les couleurs par rapport aux couleurs de la palette, et quand on rajoute progressivement les couleurs pour les mélanger directement sur la toile, on voit les couleurs par rapport aux couleurs de notre toile, ce qui est beaucoup plus juste. Cela n’empêche pas bien sûr que vous allez faire une grande partie de vos mélanges quand même sur la palette.

Et encore une chose…., quand vous mélangez vos couleurs sur la palette ne faites pas cela trop longtemps avant d’appliquer les couleurs sur la toile, je dirai pas plus que 10 secondes, sinon vous risquez de perdre la vivacité de votre impression.

Pour peindre les roses à l’huile vous avez besoin de :

1.Une toile en lin ou en coton 30×40 cm environ

2.Les pinceaux plats (grands) ou lange de chat et les pinceaux ronds en soie de porc. Les pinceaux ronds synthétiques.

3.Une palette

4.Un récipient pour le médium.

5.Un medium. La recette du medium ainsi que les conseils comment choisir du matériel pour la peinture à l’huile vous pouvez lire dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile »

6.Un Sopalin ou un torchon pour essuyer les pinceaux

7.Un couteau

8.Les couleurs de la peinture à l’huile ( 6 couleurs de base minimum) Ou plutôt regardez dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile » la liste des couleurs conseillées.

9.Le chevalet ou le chevalet boîte.

Maintenant passons à notre tutoriel vidéo !  Et après avoir regardé ce tutoriel « Comment peindre les roses à l’huile » je vous propose de me dire dans les commentaires ce que vous pensez de ce tutoriel, et bien sûr mettre en pratique les conseils.

Comment peindre les roses à l’huile. Tutoriel.

A bientôt ! 🙂

Comment peindre les roses à l'huile
Comment peindre les roses à l’huile
Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Aquarelle White Night

Aujourd’hui comme promis je publie les caractéristiques des couleurs de la marque d’aquarelle White Night.

Ici vous voyez la boîte d’aquarelle et le nuancier des couleurs d’aquarelle White Night. (Célèbres nuits blanches de Saint-Pétersbourg).

 aquarelle White Night.
La boîte d’aquarelle White Night

A mon avis l’aquarelle White Night c’est une des meilleures marques d’aquarelle au monde. C’est l’aquarelle que j’utilise personnellement. J’utilise la boîte d’aquarelle de 24 couleurs en godets. Mais dans cet article je vais vous montrer le nuancier de la boîte d’aquarelle de 36 couleurs. Les pigments de cette marque sont de très bonne qualité. Les couleurs sont fines et concentrées. La plupart des couleurs sont exceptionnellement résistantes à la lumière. Je n’ai pas pour but ici de faire la pub pour cette marque d’aquarelle, mais franchement c’est l’aquarelle que je préfère à toutes les autres !

aquarelle White Night
Ma dernière aquarelle faite avec les couleurs de l’aquarelle White Night pour mon tutoriel Comment peindre une rose à l’aquarelle.

Donc dans la boîte de 36 couleurs de la marque d’aquarelle White Night on trouve les couleurs suivantes :

aquarelle White Night
Nuancier des couleurs d’ aquarelle White Night

Les numéros des couleurs correspondent aux numéros sur le nuancier.

  1. Blanc
  2.  Jaune de cadmium citron
  3. Jaune de Cadmium moyen
  4. Hansa jaune
  5. Ocre jaune
  6. Ocre d’or
  7. Orange foncé ( Orange de cadmium foncé )
  8. Rouge de Titien
  9. Rouge de Cadmium
  10. Rouge de Rubis
  11. Rouge de carmin
  12. Alizarine ou Laque de garance rouge clair
  13. Rouge anglais
  14. Violet quinacridone
  15. Rose quinacridone
  16. Violet
  17. Bleu Outremer
  18. Bleu de Cobalt
  19. Bleu d’azur
  20. Bleu indanthène
  21. Bleu turquoise
  22. Bleu Céruléum
  23. Indigo
  24. Vert jaune ( Vert de Cobalt)
  25. Vert émeraude naturelle
  26. Vert ( Vert de Cobalt foncé )
  27.  Vert olive
  28. Vert Oxyde de Chrome
  29. Terre de Sienne naturelle
  30. Terre de Sienne brûlée
  31. Terre d’ombre
  32. Terre d’ombre brûlée
  33. Brun de Mars
  34. Sépia
  35. Noir neutre
  36. Gris de Payne

Faites attention, les caractéristiques (opacité, intensité, transparence)  des couleurs appartiennent aux couleurs de ce fabricant !  Chez les autres fabricants les mêmes couleurs peuvent avoir des caractéristiques légèrement différents et mêmes les couleurs qui portent les mêmes appellations peuvent avoir des teintes un peu différentes.  

Les couleurs d’aquarelle White Night

1 .Blanc

Je déconseille d’utiliser cette couleur pour la peinture en aquarelle. Blanc dans l’aquarelle, c’est la couleur du papier ! Dans les techniques mixtes vous pouvez toujours utiliser le blanc de gouache. Pour garder les endroits qui doivent rester blancs dans votre peinture d’aquarelle, comme par exemple les tâches de lumière, vous pouvez utiliser le liquide de masquage.

2 .Jaune de cadmium citron

Couleur opaque. Je ne vous conseille pas de l’utiliser dans les glacis car elle est très mal absorbée par le papier et trop couvrante. En mélange avec le noir elle donne de jolies nuances du vert chaud.

3 .Jaune de Cadmium moyen

Bonne couleur opaque, surtout pour les premières couches de peinture et dans le fondu et en mélange avec d’autres couleurs opaques.

4 .Hansa jaune

Jolie couleur semi-opaque. Très jolie pure et en mélange avec toutes les couleurs.

5 .Ocre jaune

Belle couleur semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

6. Ocre d’or

C’est une couleur semi-opaque. Elle est assez puissante et dans les mélanges je vous conseille de faire attention à la proportion de cette couleur.

7. Orange foncé. (Orange de cadmium)

Couleur assez opaque. Elle se mélange bien avec tous les couleurs opaques.

8. Rouge de Titien

Couleur chaude, opaque et puissante.

9. Rouge de Cadmium

Couleur opaque qui se mélange très bien avec la majorité des couleurs, surtout avec les couleurs opaques. 

10. Rouge de Rubis

Belle couleur transparente. Assez froide. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

11.Rouge de carmin

Couleur transparente, très froide. Cette belle couleur se mélange bien avec toutes les couleurs.

12.Alizarine

Très belle couleur transparente. Se mélange avec toutes les couleurs. Chez ce fabricant dans les boîtiers aquarelle de 36 couleurs, Alizarine est parfois remplacée par Le Laque de garance rouge clair qui la remplace bien car il a presque les mêmes caractéristiques.

13. Rouge anglais

Jolie couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs opaques.

14. Violet quinacridone

Belle couleur transparente. Très jolie en mélange avec les rouges et dans les fondus.

15. Rose quinacridone

Couleur transparente et assez puissante. Dans les mélanges et les fondus elle a tendance de dominer les autres couleurs.

16. Violet

Couleur transparente et puissante. Comme la Rose quinacridone,  elle a aussi la tendance de dominer les autres couleurs.

17. Bleu Outremer

Très belle couleur transparente. Se mélange avec toutes les couleurs.

18. Bleu de Cobalt

Jolie couleur transparente. Très douce. Très jolie pure dans les glacis. Se mélange avec toutes les couleurs.

19. Bleu d’azur

Couleur assez transparente et puissante. Jolie en mélange avec les jaunes, les ocres et les verts et les bleus.

20. Bleu indanthène

Belle couleurs transparente. Dans les mélanges rends les autres couleurs froides plus profondes.

21. Bleu turquoise

Couleur transparente. Jolie en mélange avec les verts et les bleus.

22. Bleu Céruléum

Couleur opaque et granulée. Il peut être utilisé pur ou en petit pourcentage dans les mélanges.

23. Indigo

Couleur transparente. En mélange avec les verts froids et les bleus rends les couleurs plus profondes.

24. Vert jaune ( Vert de Cobalt)

Jolie couleur semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

25. Vert émeraude naturelle

Couleur transparente et très puissante. Dans les mélanges domine les autres couleurs.

26. Vert ( Vert de Cobalt foncé )

Très belle couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs, très jolie dans les fondus.

27. Vert olive

Jolie couleur semi-opaque ou plutôt opaque. Très jolie pur. Se mélange bien avec les couleurs opaques.

28. Vert Oxyde de Chrome

Couleur très opaque. Peut-être trop couvrante. Se mélange avec les couleurs opaques et semi-opaques.

29. Terre de Sienne naturelle

Très jolie couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

30. Terre de Sienne brûlée

Belle couleur opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs

31. Terre d’ombre

Très jolie couleur opaque. Se mélange bien avec les Terres, les verts et les ocres

32. Terre d’ombre brûlée

Très belle couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

33. Brun de mars

Jolie couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

34. Sépia

Belle couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

35. Noir neutr

Couleur semi-opaque. Donne de jolies nuances de vert chaud en mélange avec les jaunes.

36. Gris de Payne

Couleur semi-opaque ou plutôt opaque.

Un conseil…

En conclusion je veux vous donner un conseil. Je répète ce conseil à chaque fois que je parle du mélange des couleurs. Si vous respectez les règles de mélange des couleurs vous pouvez facilement faire de jolis mélanges. Et plus que vous pratiquez l’aquarelle, plus c’est facile.

Dans mon article Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle vous pouvez l’information sur le mélange des couleurs qui convient pour toutes les marques d’aquarelle et voir les exemples pratique du mélange des couleurs.

Donc les règles principales du mélange des couleurs d’aquarelle qui marchent bien sûr pour l’aquarelle White Night, mais encore pour toutes les autres marques d’aquarelle.

1. Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques.

2. Si vous travaillez avec les glacis, prenez toujours en considération les couleurs de la couche inférieures de votre peinture, car elles vont influencer les couleurs de la couche supérieure. Si dans chaque couche vous mélangez trop de couleurs, cela peut rendre votre peinture boueuse et fatiguée.

3. Utilisez principalement les couleurs mono-pigmentaires. Si vous utilisez les couleurs bi-pigmentaires, ne mélangez-les pas avec plus qu’une couleur ou utilisez- les sans mélange.

Et encore un petit secret ! J’ai remarqué que la peinture et plus jolie et moins fatiguée, si l’on travaille dans les glacis au début avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides. Si les couleurs chaudes (elles sont souvent opaques ou semi-opaques, donc plus couvrantes) sont posées par-dessus les couleurs froides (les bleus par exemples qui sont souvent transparentes), cela peut rendre la peinture lourde et fatiguée. Alors que si l’on met les couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes, on obtient la peinture plus légère et pure.   

Les aquarelles de mes élèves réalisées avec l’aquarelle White Night.

Nature morte réalisée avec l' aquarelle White Night
Nathalie Deniskina. Nature morte campagnarde. Aquarelle.
Portrait réalisé avec l' aquarelle White Night
Anne Nicol. Portrait du fils. Aquarelle.
Tatiana Viazgitcheva. Paysage réalisé avec l' aquarelle White Night
Tatiana Viazgitcheva. Paysage avec le lac. Aquarelle.
Une rose réalisée avec l'aquarelle White Night
Oxana Poltavtseva. Une rose. Aquarelle.

On ne voit pas souvent les boîtes d’aquarelle White Night dans les boutiques pour les artistes, mais on trouve cette aquarelle chez Amazon.

Boîte de 36 couleurs

Boîte de 24 couleurs

et chez Géant des beaux-arts.

Merci d’avoir lu cet article, j’espère qu’il était utile pour vous. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Chers lecteurs  : Tous mes liens vers Amazon sont des liens affiliés me permettant de toucher entre 4 et 6% du montant de ce que vous achetez, sans évidemment que cela augmente le prix final que vous allez payer.  Ces commissions permettent à ce blog de générer une partie du chiffre d’affaires qui me permet de vous offrir autant de contenu gratuitement, donc merci si vous passez par mes liens pour acheter ces produits ! Et je ne recommanderais jamais un produit que je n’estime pas sincèrement être un produit de qualité et que je ne recommanderais pas à ma mère. J’ai une réputation à entretenir, et j’ai à cœur de vous apporter le maximum de valeur !  

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle

Dans cet article on va voir comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

En fait il y a beaucoup de tutoriels qui parlent du mélange des couleurs. Mais en réalité il est très difficile de l’apprendre avec même les meilleurs tutoriels. Il est impossible d’expliquer et montrer des millions des teintes et des nuances des couleurs qu’on peut obtenir. Le mélange des couleurs se fait automatiquement et selon votre expérience. Donc dans cet article je partagerai avec vous les méthodes comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

Qu’est-ce qu’il faut savoir à propos des couleurs d’aquarelle

Les pigments d’aquarelle sont les pigments qui s’utilisent pour toutes les autres techniques de peinture. Bien sûr qu’il y a les pigments qui appartiennent uniquement à telle ou telle technique. Il y a les pigments de la peinture à l’huile que l’on ne trouve pas dans l’aquarelle puis qu’ils sont trop opaques. Mais en général ce sont les mêmes pigments.

Souvent on appelle l’aquarelle la peinture à l’eau. Mais en pratique l’eau ne sert que de diluant pour l’aquarelle. Les couleurs d’aquarelle sont fabriquées à partir de pigments et  de gomme arabique, de glycérine, du miel ou du sucre, de la dextrine de pomme de terre (pour certains pigments).

Comment réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle

Une chose qui est très importante à comprendre pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle c’est que Les couleurs d’aquarelles sont des couleurs transparentes. Toutes ! Dans beaucoup de tutoriels on peut trouver l’information que les couleurs d’aquarelle peuvent être transparentes et opaques, semi-opaques. Oui et non. Tout est relatif. Si l’on compare les couleurs d’aquarelle avec les couleurs d’huile, les couleurs d’aquarelles sont transparentes.

Cela veut dire si on met une couche de peinture d’aquarelle et après que l’on met une couche supérieure de peinture aquarelle ( en la diluant bien quand même avec de l’eau ) on pourra voir la couche inférieure à travers la couche supérieure.  En plus les couleurs de la couche inférieure vont influencer les couleurs de la couche supérieure.

Mais parmi les couleurs d’aquarelle il y a les couleurs qui sont plus transparentes que les autres.

Donc les couleurs d’aquarelle transparentes sont : Bleu outremer, Bleu de Cobalte, Bleu de Prusse, Rouge Vermillon, Carmin, Rouge Rubis, Vert émeraude, Alizarine, Laque de Garance etc… ( mais faites attention, les couleurs peuvent avoir les caractéristiques différentes en fonction de la marque choisie). Ce sont les pigments qui se diluent plus facilement, font des mélanges assez uniformes et s’absorbent bien par le papier. Cela explique leur transparence car la transparence est tout simplement la capacité de la couleur laisse passer la lumière reflétée d’un feuille de papier blanc.

Les couleurs plus opaques sont : Jaune de Cadmium, Jaune de Cadmium Citron, Vert oxyde de Chrome, Terre de Sienne, Terre de Sienne brûlée, Terre d’Ombre, Rouge anglais, Sépia ( faites attentions à la marque ! ) Ce sont les couleurs plus épaisses qui laissent passer moins facilement la lumière. Elles ne s’absorbent pas aussi facilement que les couleurs transparentes par une feuille de papier. Souvent elles sont assez granulées.

Comment mélanger les couleurs transparentes et opaques.

Quand on mélange uniquement les couleurs transparentes on obtient évidement les mélanges transparents.

Si l’on mélange la couleur transparente avec la couleur opaque, la couleur obtenue après le sèchement peut devenir assez fade. Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas du tout mélanger les couleurs transparentes avec les couleurs opaques. Il faut juste réspecter la règle qui nous dit qu’il ne faut pas mélanger plus que 2 couleurs ensemble dans les mélanges des couleurs opaques et les couleurs transparentes avec les couleurs opaques.

Et si l’on veut mélanger les couleurs opaques avec les couleurs opaques on obtient une couleur uniforme mais moins saturée que dans les mélanges des couleurs transparentes.  

Je voudrais quand même vous faire remarquer que la transparence des couleurs dépend souvent de la marque et de la méthode de fabrication. Donc faites toujours attention à cela et faites des essais des nouveaux couleurs avant de les utiliser dans votre peinture. Les appellations des couleurs peuvent changer en fonction de la marque. Donc faites des essais. 

Conseil important pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle

Le conseille que je peux vous donner, minimalisez l’utilisation de couleurs composées. Utilisez plutôt dans vos mélanges les couleurs pures (mono pigmentaires). Cela fera des mélanges beaucoup plus propres sans risque d’obtenir des mélanges boueux. Mais même quand vous mélangez les couleurs pures, faites toujours attention à la couche inférieure, aux couleurs de la couche inférieure. Si vous avez déjà utilisé plusieurs couleurs pour la couche inférieure, essayez de minimaliser les mélanges de la couche supérieure.

Dans ma boite d’aquarelle la majorité des couleurs, ce sont les couleurs mono- pigmentaires.

la nuancier.
le nuancier de ma boîte d’aquarelle

Donc trois règles pour bien mélanger les couleurs à l’aquarelle.

1.Ne mélangez jamais plus de 3 couleurs ensemble !

Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs opaques et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs transparentes.

Cela vous aidera à garder la pureté de vos mélanges.

Comme dans l’aquarelle on utilise beaucoup de glacis, les couleurs de la couche inférieure influencent les couleurs de la couche supérieure et si dans chaque couche vous mélangez beaucoup de couleurs cela peut rendre votre peinture boueuse.

Il vaut mieux même de ne pas mélanger plus que 2 couleurs si vous compter après mettre encore quelques couches de peinture. Encore mieux utiliser pour la première couche la couleur pure.

2. Travaillez d’abord avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides.

Il vaut mieux couvrir les couleurs chaudes comme par exemple l’Ocre, la Terre ou le jaune de Cadmium par les couleurs froides comme le bleu de Cobalt ou le bleu Outremer, Carmin, Alizarine et ne pas faire le contraire. Les couleurs chaudes sont les couleurs qui sont généralement plus opaques. Et les couleurs froides sont souvent transparentes. C’est donc mieux de mettre dans la couche supérieure plutôt les couleurs transparentes.

3. Diluez bien les couleurs avec de l’eau.

Et faites attention, travaillez sur une couche de peinture complétement sèche ou très humide pour faire les fondus par exemple. Evitez de peindre sur une couche demi-sèche. L’eau de la couche supérieure va déchirer la peinture de la couche inferieure si elle n’a pas encore assez sèche ou bien assez humide pour que la couleur de la couche supérieure puisse s’intégrer dans la couche inferieure.

Regardons les caractéristiques des couleurs et pourquoi il y des couleurs qui sont plus utilisées que d’autres.

Jaune de Cadmium Citron

C’est une couleur très opaque. Si vous la mélangez avec le Jaune de Cadmium Moyen ou le Noir (pour obtenir la couleur Verte) elle donnera de jolis mélanges.

Mais à part cela c’est une couleur trop opaque pour être utilisée dans les couches finales car elle va couvrir complétement les autres couches de peinture et va dominer les autres couleurs.

Pour la première couche je vous conseille de l’utiliser uniquement en petit pourcentage et en mélange avec le Jaune de Cadmium Moyen.

Jaune de Cadmium Moyen

C’est une couleur assez opaque mais elle donne de jolis mélanges.

J’utilise souvent cette couleur pure ou en mélanges avec l’Ocre (couleur opaque) ou le Rouge de Cadmium (couleur opaque) dans la première couche de ma peinture.

Cette couleur donne de jolis mélanges avec presque toutes les autres couleurs, mais évitez de la mélanger avec plus d’une couleur.

Comment mélanger les couleurs. Une pomme. Première couche de la peinture
Par exemple pour peindre cette pomme j’ai choisi la technique du glacis. Pour faire la première couche de peinture j’ai mélangé le jaune de Cadmium citron et le jaune de Cadmium moyen et, pendant que la couche de peinture était encore humide, j’ai rajouté un peu de Rouge de Cadmium clair dans le fondu.

Ocre claire.

Chez certains fabricants cette couleur peut être remplacée par la Laque jaune, qui a les mêmes caractéristiques (peut-être un peu plus transparente).

C’est une bonne couleur. Elle donne de beaux mélanges, surtout avec les couleurs de Terre, Sépia, Verts, jaune de Cadmium Moyen.

N’hésitez pas à mélanger cette couleur avec les autres couleurs, mais pas plus que deux couleurs dans un même mélange.

Ocre jaune

Couleur assez vive, un peu plus transparente que l’Ocre claire (cela dépend de la marque).

Chez certains fabricants cette couleur est remplacée par le Jaune de Naples (c’est une couleur composée et opaque). J’ai aussi remarqué que chez les fabricants differants l’ocre jaune peut avoir les teintes légèrement differantes.

L’Ocre Jaune donne de beaux mélanges avec :

le Jaune de Cadmium Moyen

l’Ocre claire

l’Orange de Cadmium

Le vert de Cobalt

La Terre brulée, la terre d’Ombre

Et avec d’autres couleurs opaques dans les mélanges de deux couleurs.

Comment mélanger les couleurs à l'aquarelle. deuxième couche de peinture.
Dans la deuxième couche de la peinture sur la pomme j’ai rajouté un peu d’ocre jaune et le Rouge de Cadmium. Pour faire la première couche de peinture sur le fond j’ai mis l’ocre jaune, l’ocre d’or et le jaune de Cadmium moyen. Je les ai mises pures sur le papier et les ai laissées se mélanger directement sur la feuille dans le fondu.

Orange de Cadmium

C’est une couleur opaque. Elle fait de jolis mélanges avec :

le Jaune de Cadmium

Le Rouge de Cadmium

Le Vert de Cobalt

Et toutes les couleurs de la Terre

Quand je vous dis que cette couleur se mélange avec telle ou telle couleur, cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas la mélanger avec les autres couleurs.

Il faut juste respecter la règle de ne pas mélanger plus de deux couleurs pour les couleurs opaques et plus de trois couleurs pour les couleurs transparentes.

Ocre d’Or.

C’est une jolie couleur assez opaque.

Elle se mélange bien avec :

Le Jaune de Cadmium

Le Rouge Anglais

Le Rouge de Cadmium

Le Vert de Cobalt

Le Vert Emeraude

Le Bleu de Cobalt, le Bleu Outremer

Les couleurs de la Terre… etc…

En fait l’Ocre d’Or fait de jolis mélanges avec presque toutes les couleurs. Il faut juste bien mesurer les proportions des couleurs dans le mélange. Mais cela vous arriverez vite à le gérer après seulement quelques essais !

Terre de Sienne.

Belle couleur assez opaque qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.

En mélange avec le Bleu Outremer et le Bleu d’Azur, elle donne des nuances riches de Gris.

Quand je vous parle d’opacité des couleurs, c’est uniquement parce que les couleurs les plus opaques se mélangent mieux avec les couleurs opaques.

Le mélange d’une couleur opaque avec une couleur transparente peut devenir assez fade après séchage.

Mais cela ne veut pas dire qu’il ne faille pas du tout les mélanger !

Il faut encore une fois juste respecter la règle de mélange : pas plus que deux couleurs pour une couche !

Terre d’Ombre

Cette belle couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs.

Elle assez opaque comme toutes les couleurs de Terre et d’Ocre.

Faites attention ! Quand je dis « couleur opaque » cela veut dire que cette couleur est opaque par rapport aux couleurs transparentes de cette même marque.

Je veux vous rappeler que toutes les couleurs d’aquarelle sont transparentes.

Cela veut dire qu’au travers de la couche supérieure de la peinture on verra les couleurs de la couche supérieure.

La couche de peinture doit être toujours transparente !

9. Rouge Anglais

C’est une couleur assez opaque, mais elle donne de beaux mélanges avec les autres couleurs opaques.

L’opacité d’une couleur dépend aussi de la marque.

Les différents fabricants n’utilisent pas les mêmes compositions des couleurs, même si le pigment reste le même.

Donc l’intensité, l’opacité et la concentration d’une couleur dépend beaucoup de la marque.

Alors si vous avez acheté une nouvelle boîte d’aquarelle d’un fabricant différent de celle que vous aviez avant, faites un nuancier des couleurs pour comprendre leurs caractéristiques.

Rouge de Cadmium

C’est une couleur assez opaque et très forte comme la plupart des couleurs de Cadmium.

Cette couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs, surtout avec les couleurs opaques.

Quand vous mélangez des couleurs ne restez pas coincés sur la théorie !

J’adore la théorie, car je trouve que la théorie est une base forte pour la pratique et c’est pour cela que je sépare toujours les articles de mon blog entre deux parties, une théorique et une autre pratique.

Mais ici, c’est peut-être la première fois que je vous dis :

La théorie ne sert pratiquement à rien ! Mélangez les couleurs comme vous le sentez !

Respectez juste les deux règles :

Les couches doivent être toujours transparentes et ne mélangez pas plus que deux – trois couleurs.

Travaillez le plus possible avec les couleurs pures sans mélange si vous faites des glacis !

Priviligez les couleurs mono-pigmentaires.

Pomme Trosième couche de peinture. Comment melanger les couleurs à l'aquarelle.
Pour faire la troisième couche de peinture sur la pomme j’ai rajouté dans la partie éclairée un peu de vert de cobalt et un peu d’ocre jaune ( j’ai mis chaque couleur pure, sans mélange, car j’avais déjà deux couleurs mélangées dans la première couche de ma peinture) Et dans la partie d’ombre j’ai rajouté l’Alizarine.

Rouge de Carmin

Voilà bien la première couleur transparente de la liste.

C’est une couleur pure qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.

Les couleurs transparentes.

Les couleurs transparentes sont les couleurs qui se diluent très bien dans l’eau.

Elles sont bien absorbées par la feuille de papier et elles laissent facilement passer la lumière réfléchie du papier blanc.

Les couleurs opaques.

Les couleurs opaques ne sont pas bien absorbées pas bien par le papier et forment donc une couche de peinture qui reste plus à la surface du papier.

Elles sont plus granulées et épaisses, et souvent moins saturées.

Alizarine

Alizarine ! La reine des couleurs ! Ce n’est pas par hasard si les peintres l’appellent  « le sang de la peinture » !

On ne peut pas imaginer la peinture sans cette magnifique couleur.

C’est une couleur transparente qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs

En la mélangeant avec le Bleu d’Outremer vous pouvez obtenir une très belle couleur Violette foncée.

Laque de Garance rouge claire

C’est une très jolie couleur. Elle a pratiquement les mêmes caractéristiques que l’Alizarine et peut la remplacer dans votre palette.

Bleu d’Azur

C’est une couleur très puissante, assez transparente qui donne de jolis mélanges.

 l donne de jolies nuances de Vert en mélange avec le Jaune de Cadmium citron et le jaune de cadmium moyen.

Mais faites attention, si vous mélangez cette couleur avec plus que deux couleurs, le mélange deviendra lourd et parfois boueux.

Ne mélangez pas cette couleur avec plus qu’une autre couleur dans une couche de peinture si vous avez prévu de faire encors quelques couches.

Bleu de Cobalt

Couleur assez transparente et douce. Elle est très jolie pure, sans mélange, en glacis, et en mélange avec les autres couleurs elle donne des jolies nuances de Gris, Vert ou Bleu.

Bleu Outremer

Couleur magnifique ! Très transparente et assez puissante. Elle se mélange avec toutes les autres couleurs.

Violet

C’est une couleur assez transparente et assez puissante.

Mais faites attentions, cette couleur a la tendance à dominer les autres couleurs.

Cette couleur s’utilise rarement pure parce que trop puissante.

Je n’utilise pas beaucoup cette couleur, je préfère la composer moi-même en utilisant toute la gamme des Bleus et Rouges.

Vert de Cobalt

C’est une couleur semi-opaque. Elle est très jolie en mélanges avec pratiquement toutes les autres couleurs.

Elle faut surtout de beaux mélanges avec :

Le Jaune de Cadmium

les Ocres

Le Bleus

Et parfois avec les Terres

En mélangeant cette couleur avec les Rouges vous pourrez obtenir des nuances de Brun.

Vert Oxyde de Chrome

C’est une couleur très opaque. Il y a encore cinquante ans vous ne trouviez pas cette couleur parmi les couleurs d’aquarelle.

C’est la couleur qui appartenait uniquement à la palette de coloris de la  peinture à l’huile, car elle était considérée comme trop opaque pour l’aquarelle.

C’est une couleur jolie pure et en mélanges avec les couleurs opaques. Je vous conseille de l’utiliser vers la fin de  votre peinture, dans les couches finales.

Vert émeraude

C’est une couleur transparente et puissante. Elle est toujours absorbée par le papier et est difficile à enlever avec l’éponge. Cette couleur est rarement utilisée pure à cause de sa puissance, mais elle fait de jolis mélanges avec toutes les couleurs.

Terre verte

C’est une couleur assez opaque comme toutes les Terres. Elle fait de jolis mélanges avec :

Les Terres

Les Jaunes

Les Ocres

Les Verts

Terre de Sienne brulée

C’est une couleur de Terre donc elle est assez opaque, et je dirais plutôt semi-opaque. Cette couleur se mélange bien avec toutes les autres couleurs mais il faut en surveiller la proportion.

Avec les Jaunes, les mélanges peuvent devenir boueux.

Pomme. La couche finale. Comment mélanger les couleurs à l'aquarelle.
Voici la couche finale de ma peinture. Sur la pomme j’ai rajouté un peu de bleu de Cobalt et de la terre d’Ombre. Pour faire l’ombre réfléchie sur la pomme j’ai rajouté un peu de jaune de Cadmium moyen. Pour peindre une feuille de papier j’ai mis les couleurs chaudes ( ocre, jaune, rouge en les ayant bien diluées avec de l’eau) et je les ai laissées se mélanger sur la feuille. Ensuite pour faire les ombres portées j’ai utilisé le bleu de Cobalt et le Bleu outremer en les mélangeant soit avec un peu d’alizarine, soit avec un peu de Terre de Sienne. Et pour faire l’endroit très foncé sous la pomme j’ai mélangé le bleu outremer avec la Sépia.
Pour peindre la texture du bois j’ai utilisé la terre de Sienne et la Terre d’Ombre brulée. Et ensuite j’ai rajouté encore une couche de peinture pour faire les ombres. Pour prendre les ombres j’ai utilisé le Bleu de Cobalt, Le bleu Outremer et un peu de Terre d’Ombre brulée.

Sépia

Bonne couleur semi-opaque. Elle se mélange très bien avec toutes les autres couleurs de Terre et les Verts.

Avec les Bleus elle fait de jolies nuances de Gris.

Terre d’ombre brulée

Bonne couleur semi-opaque qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs. Juste avec le jaunes il faut bien mesurer la proportion pour ne pas obtenir une couleur boueuse et trop opaque.

Noir (Noir de fumée, Noir d’ivoire, Noir de Mars)

C’est la couleur qui n’est pas obligatoire. Vous pouvez facilement la composer vous-même en mélangeant par exemple le Vert, le Rouge et le Bleu.

Mais je garde cette couleur dans ma boîte d’aquarelle car, en cas de mélanges avec les jaunes, elle donne de très jolies et riches nuances de Vert.

Blanc

Parlons un peu de la couleur qui est absente de la palette de l’aquarelliste ! C’est la couleur blanche.

Dans l’aquarelle, comme c’est la peinture qui est transparente, le blanc c’est aussi la couleur du papier. Il y a des techniques d’aquarelle (plutôt des techniques mixtes) où vous pouvez quand même utiliser le blanc mais ce sera du blanc de gouache. Chez beaucoup de fabricants vous pouvez trouver cette couleur dans les boîtes d’aquarelles de 36 couleurs.

Si vous trouvez le blanc dans votre boîte d’aquarelle, ne l’utilisez pas, s’il vous plaît.  Vous risqueriez d’abîmer votre peinture !

Donc pour apprendre à mélanger les couleursà l’aquarelle il faut juste se souvenir de ces 5 règles :

1.Ne pas mélanger plus de trois couleurs (et seulement deux pour les couleurs opaques).

2. Toutes les couches de peinture doivent être transparentes.

3. En mettant la couche supérieure de la peinture prendre en considération les couleurs de la couche inférieure.
Si vous avez déjà fait plusieurs couches de peinture, essayez de travailler par-dessus avec une couleur unique et plutôt transparente pour éviter que votre peinture devienne boueuse et « fatiguée ».

4. N’utilisez pas beaucoup de couleurs. Pour réaliser une aquarelle il vous suffit d’avoir 12 couleurs (principalement les couleurs primaires Rouge, Bleu et Jaune).

5. Travaillez de préférence avec les couleurs mono-pigmentaires.    

Les 12 couleurs que je vous conseille d’avoir dans votre boîte de peinture en aquarelle.

  1. Jaune de Cadmium Moyen (opaque et semi-opaque)
  2. Ocre Claire ou Ocre Jaune (opaque et semi-opaque)
  3. Ocre d’Or ou Terre de Sienne (opaque et semi-opaque)
  4. Orange de Cadmium (opaque)
  5. Rouge de Cadmium (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  6. Rouge de Carmin ou Rouge de Rubis (transparente)
  7. Alizarine (transparente)
  8. Bleu d’Outremer (transparente)
  9. Bleu de Cobalt (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  10. Bleu d’Azur (transparente)
  11. Terre d’Ombre brulée (opaque et semi-opaque)
  12. Sépia (opaque et semi-opaque)

Les 17 couleurs supplémentaires que vous pouvez avoir et qui vous a :

  1. Jaune de Cadmium foncé (opaque et semi-opaque)
  2. Jaune de Cadmium claire (opaque et semi-opaque)
  3. Laque de Garance (transparente)
  4. Violet de Cobalt, Violet de Cobalt foncé (transparentes mais bi-pigmentaires)
  5. Terre d’Ombre naturelle (opaque et semi-opaque)
  6. Terre de Sienne brulée (opaque et semi-opaque)
  7. Vert Emeraude (transparente mais bi-pigmentaire)
  8. Vert de Cadmium clair et Terre Verte (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  9. Brun Van Dyck (semi-opaque)
  10. Noir (peut être transparent ou opaque, cela dépend de la marque)
  11. Violet quinacridone ( transparent )
  12. Rouge Anglais (opaque)
  13. Indigo (transparent ou semi-opaque)
  14. Bleu de Céruléum (assez opaque, je ne conseillerais pas cette couleur pour un débutant)
  15. Jaune de Naples (opaque)
  16. Bleu indanthène. (transparente ou semi-opaque )
  17. Bleu de Prusse (transparente )

Faites attention ! Les couleurs et leurs caractéristiques décrites dans cet article n’appartiennent pas à une marque d’aquarelle particulière. Comme je ne sais pas quelle marque d’aquarelle vous urtilisez je vous ai donné des caractéristiques des couleurs que vous pouvez trouver presque chez tous les fabricants.

Dans un de mes prochains articles je vous donnerai le nuancier et les caractéristiques des couleurs de la marque White Night ( les fameuses Nuits Blanches de St Pétersbourg ) que j’utilise moi-même.

Maintenant je vous invite à regarder la vidéo que je viens de publier sur ma chaîne YouTube “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”. Dans cette vidéo vous pourrez trouver des exemples pratiques du mélange des couleurs, couleur par couleur.

Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle

Je vous propose également de faire quelques exercices sur le mélange des couleurs. Vous pouvez commencer par mélanger les couleurs librement comme vous l’avez vu dans cette vidéo pour pouvoir sentir leurs textures et leurs capacités et ensuite je vous propose de faire les exercices de mon article Mélange des couleurs à l’aquarelle. Exercices. pour apprendre à gérer les couleurs et les appliquer sur le papier.

Je vous mets également les liens des articles qui pourraient vous intéresser. “Comment peindre une nature morte à l’aquarelle”, “Comment peindre la mer en aquarelle”

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, posez-les dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider !

Merci et à bientôt ! 🙂

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage

Dans cet article nous allons découvrir comment dessiner l’eau dans le paysage et comment  construire les reflets des objets dans l’eau.
Dans la première partie de l’article je parlerai de la construction des reflets, ce sera une partie purement théorique. Et dans la deuxième partie, la partie pratique, nous dessinerons ensemble un paysage avec de l’eau.

Donc observons des règles de la construction des reflets qui sont indispensables, à mon avis,  pour dessiner l’eau dans un paysage.

Soyez patient, cette partie ne sera pas longue.

Pourquoi voit-on des reflets dans l’eau?  Parce que les rayons de lumière se reflètent  sur la surface faisant miroir sous les angles qui sont égaux aux angles de leur incidence. 

L’angle d’incidence est égal à l’angle de réflexion.

Plus la lumière est vive et la surface est lisse et polie, plus le rayon réfléchi sera clair.

L’image réfléchie de chaque point de l’objet se trouve sur la suite de la perpendiculaire tracée de ce point vers la surface miroir.

On dirait que l’image réfléchie se trouve à la même distance derrière la surface du miroir que le point qui (qu’il) reflète. Le reflet de l’objet dans le miroir plat est égal à l’objet même et est soumis aux mêmes règles de la perspective.

dessiner l'eau et ses reflets

Les reflets des lignes verticales sont verticaux, ceux des lignes horizontales sont horizontaux, les lignes réfléchies ont des directions parallèles aux directions des lignes des objets et les points de fuite sont communs. On peut  observer cela sur ce dessin. 
Quand on dessine les bâtiments, on peut souvent voir dans leurs reflets les côtés,  que l’on ne voit pas de notre point de vue de référence. Car ils peuvent être cachés derrière des autres objets. Regardez le dessin suivant, ici on voit dans le reflet la voûte de l’arc du pont, que l’on ne voit pas quand on regarde le pont lui-même.

Comment dessiner l’eau avec les reflets de forme complexe

Si l’on doit construire le reflet de forme complexe, alors il nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau. nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau.

Sur ce dessin, pour construire le reflet du pont, on doit tracer quelques points de repères sur l’arc (points 5, 7, 8, 9.. )

Comment dessiner l'eau et ses reflets

Comme les points 5 et 9 se trouvent sur la surface d’eau, leurs reflets se trouvent dans les mêmes endroits. Les points 7 et 8 sont projetés sur la surface d’eau ( c’est comme cela que l’on a obtenu les points 0 et 8’.) Ensuite les lignes verticales de projection sont tracées vers le bas. Maintenant nous devons reporter la distance d-d’  sur la ligne verticale de projection pour obtenir le point . De même façon on reporte la distance 7-0 pour  obtenir le point et la distance 8-8’, pour obtenir le point .

Ensuite on peut relier les points réfléchis que l’on a obtenu, et construire comme cela le reflet de l’arc du pont. De même façon on peut construire les personnages sur le quai.

Observez encore ce dessin. Ici on voit que les arbres et les personnages se trouvent à des distances différentes de l’eau.

comment dessiner l'eau dans un paysage

Donc pour construire le reflet du personnage qui se trouve à une certaine distance du bord de l’eau (7-7.1) on doit tirer une ligne verticale du point 7.1 vers le bas et tracer sur cette ligne le point 7.2 où se trouverait la surface de l’eau si elle continuait au-dessous vers le fond du quai. Pour trouver la taille du quai dans la profondeur passons la ligne auxiliaire du point P au point 6 ( le bord du quai ) à travers le point 7.1.

Du point 6 dessinons un perpendiculaire jusqu’à la surface d’eau et le point d’intersection 6.1 relions avec le point P. Au point d’intersection de la ligne 6.1 – P avec une ligne verticale tirée du point 7.1 ( le point où l’on a mis notre personnage ) on trouvera le point 7.2.

Ensuite on reporte la distance 7.2 – 7.1 du point 7.2 vers le bas pour obtenir le point 7.3. Le point 7.3 serait le reflet du point 7.2 si les points 7.1 et 7.2 étaient au bord du quai. Maintenant reportons du point 7.3 la distance 7-7.1 qui est égal à la taille du personnage vers le bas et comme cela trouvons le point 7.0. La taille du reflet.

Petit exercice

Pour mieux comprendre comment dessiner l’eau et les reflets dans l’eau des objets situés des hauteurs différentes, je vous conseille de mettre un miroir sur la table et à côté de lui une pile de livres.

Comme cela vous pourrez observer comment les livres qui se trouvent sur la hauteur différente par rapport au miroir (qui le) reflètent. En tenant le crayon sous des angles différents par rapport à la surface, vous  pourrez observer ses reflets. Comme sur le premier dessin.

C’est une théorie. En réalité quand on doit dessiner l’eau, elle est rarement aussi lisse que le miroir. Souvent on peut voir les petites vaguelettes qui troublent la surface d’eau. 

Donc les contours des objets réfléchis sont moins nets que ceux des objets. La surface de l’eau ne reflète pas tous les rayons du soleil sous les mêmes angles, donc les objets clairs y apparaissent un peu plus foncés. Les bords est les détails des reflets sont moins bien déterminés que ceux des objets. Quand on travaille sur un paysage avec de l’eau, par exemple une rivière, on doit dessiner les objets qui se trouvent sur les bords en 3D- en volume. Mais pour les reflets on doit prendre en considération la surface d’eau, donc le volume des objets doit être subordonné à la surface d’eau.

Maintenant passons à la partie pratique dans laquelle nous allons voir :

Comment dessiner l’eau dans le paysage concret.

Je vais vous montrer comment dessiner l’eau en prenant pour exemple mon dessin que j’ai réalisé d’après une de mes photos prise en Thaïlande. Pour apprendre à dessiner l’eau il est bien souhaitable de dessiner d’après nature.

Si vous n’avez pas de possibilité de dessiner de suite d’après nature vous pouvez commencer par dessiner l’eau d’après une photo. Mais je vous conseille quand même de dessiner l’eau d’après nature dès que cela vous sera possible. La nature est le meilleur des professeurs ! Quand on dessine en plein air on voit beaucoup plus de nuances que quand on dessine d’après une photo.

Alors commençons comme d’habitude par trouver la ligne d’horizon et placer des objets sur notre feuille de parier.

comment commencer à dessiner un paysage

Quand vous dessinez un paysage il faut tout le temps se souvenir des règles de la perspective. Les règles de la perspective linéaire et aérienne vous pouvez trouver dans les articles suivants : “La perspective“, “Comment dessiner un paysage en perspective” et “La perspective aérienne“.

Pour placer correctement les objets sur une feuille de papier et faire une bonne composition, je vous conseille également de consulter mes articles “Comment dessiner correctement” dans lequel je parle de la méthode de comparaison, qui est utilisée par tous les artistes peintres professionnels, et “Composition dans la peinture” qui montre plusieurs formes de compositions sur l’exemple des tableaux des grands artistes peintres.

Dans cette vidéo vous pouvez voir la première étape du dessin.

Dans cette vidéo je montre comment commencer à dessiner un paysage.
Faites attention, je commence à dessiner selon mon impression, comme je le sens. Cela me sert de point d’appui. Et après cela je commence à comparer, corriger et mesurer les proportions.

Après avoir placé la ligne d’horizon et les maisons j’hachure légèrement de grandes masses d’arbres et les reflets dans l’eau. Je vois conseille de commencer à  travailler en tonalité le plus vite possible. Notre œil ne perçoit pas la forme avec les contours, mais avec les volumes. Donc pour arriver à transmettre ce que l’on voit devant nous il fait commencer par dessiner en volume le plus vite possible.

dessiner l'eau dans le paysage. Etape 2. On dessine en tonalité.
A cette étape je rajoute des ombres. Je vais affiner mon dessin après. Le fait de commencer à dessiner en tonalité le plus vite possible m’aide à capter mieux la forme.

Ensuite on dessine les maisons et les arbres en volume, en pleine force de leur tonalité. Quand vous dessinez un détail n’oubliez pas voir l’ensemble des objets du paysage pour ne pas perdre l’unité de votre tableau.

comment dessiner un paysage avec de l'eau
Je dessine d’abord les cabanes et les arbres pour avoir le point de référence au niveau de la tonalité et de la forme pour dessiner les reflets dans l’eau après.

Après cela on peut commencer à dessiner l’eau. Faites attention comment je dessineles reflets des arbres et des cabanes dans l’eau en les hachurant en vertical. Le fait de les hachurer comme cela donne un effet supplémentaire de reflet.

Comment dessiner des reflets dans l'eau
Faites attention, après avoir hachurer en vertical, je dessine par-dessus les lignes horizontales pour souligner la surface de l’eau.

Ensuite je continue de dessiner avec la gomme. Pour montrer le mouvement de l’eau je gomme en horizontal les parties éclairées de l’eau où il y a les vagues. Cela m’aide à montrer la surface horizontale de l’eau.

Maintenant dessinons les vagues. Pour cela dessinons uniquement les ombres sans toucher la lumière sur les vagues.

comment dessiner les vagues

Il y a une règle de la peinture et du dessin. Si l’on dessine l’ombre, on généralise la lumière et au contraire si l’on dessine la lumière, on généralise l’ombre. Cela veut dire, que si vous détaliez plus les ombres dans votre tableau, vous devez détailler beaucoup moins les parties éclairées pour que votre tableau reste uni. Dans chaque tableau vous devez choisir ce que vous allez dessiner, les ombres ou la lumière.

Pour donner l’effet de transparence des vagues vous pouvez faire la jonction entre la lumière et l’ombre de la vague un peu plus foncée, mais pas trop, pour ne pas rendre cet endroit aigu. Chaque vague a sa forme, son volume. Ne dessinez pas les contours, suivez la forme des vagues avec les hachures.

Au final pour souligner encore plus la surface d’eau hachurez légèrement en horizontal la partie de l’eau avec les reflets des arbres et des maisons.

Pour apprendre à dessiner l’eau il est très utile au début de copier quelque dessins de grands artistes peintres. Cela aide à apprendre la technique.

Ce sont les dessins que j’ai trouvé intéressants et utils à étudier.

Ivan Aïvazovski
Ivan Konstantinovitch Aïvazovski
Dans ce paysage on peut observer comment le peintre dessine les vagues. Ici on voit que l’artiste dessine les reflets dans l’eau et après il gomme la lumière sur les vagues.
Rembrandt. L'eau-forte
Rembrandt
Dans cette eau-forte de Rembrandt on voit comment peintre dessine les reflets dans l’eau. Faites attention, après avoir dessiné les reflets, le peintre hachure en horizontal la surface de l’eau.
Alexeï Savrassov
Alexeï Kondratievitch Savrassov
Ici on peut étudier comment l’artiste dessine les reflets des arbres dans l’eau et dans la glace.

Merci d’avoir lu cet article! Maintenant je vous proprse de faire quelques exercices. Pour appliquer les connaissences aquises dans cet article je vous invite à dessiner l’eau dans un paysage et faire une copie du dessin du peintre qui vous inspire.

Si vous avez des questions, posez-les moi dans les commentaires. Je vous propose également de m’envoyer vos dessins si vous voulez que je les corrige ou donne mon avis. Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

La perspective aérienne

La perspective aérienne

Dans mes articles précédents je vous avez beaucoup parlé de la perspective linéaire.  Aujourd’hui  parlons un peu de la perspective aérienne.

L’artiste peintre a besoin de connaître les règles de la perspective aérienne pour pouvoir représenter correctement la profondeur de l’espace de son tableau.

Quand on compare visuellement les objets qui sont placés à côté de nous et à distance, on voit qu’au fur et à mesure que l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, ses ombres et sa lumière perdent leur contraste. Les contours deviennent moins clairs et précis. Les volumes s’aplatissent. Les couleurs deviennent plus claires.

Dans la peinture de l’époque  du Classicisme il était d’usage de repartir le paysage en plans ayant des teintes différentes. Selon cette règle, le premier plan devait avoir principalement les couleurs brunes, le deuxième plan – les couleurs vertes et le dernier plan les couleurs bleus.

Cette règle a du sens, car dans la perspective aérienne la couleur de l’air compte aussi.

Et oui, l’air a de la couleur aussi. C’est la couleur bleu claire. Donc, plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, plus la couche d’air entre nous et l’objet est épaisse. Et comme l’air a la couleur bleu claire, on voit les couleurs de l’objet  plus froides et plus claires. C’est le bleu d’air qui influence les couleurs de l’objet. En plus l’air n’est pas complètement transparent. On peut voir parfois les mouvements de l’air les jours de canicule.

Valeurs de gris dans la perspective.

Néanmoins, la représentation de la perspective aérienne est basée sur la différence des valeurs de gris, la différence entre les ombres et la lumière plus contrastées au premier plan et moins contrastées et plus flous au second plan.  Sur un tableau on peut représenter beaucoup de plans et chaque plan plus éloigné vers la ligne d’horizon sera plus clair et plus froid, au niveau des couleurs.

Par exemple si vous dessinez une allée d’arbres, chaque arbre qui s’éloigne vers la ligne d’horizon sera plus clair,  moins contrasté, moins volumétrique et plus froid que l’arbre précédent, plus proche de nous.

Quand vous travaillez d’après nature,  pour voir la différence de clair-obscur, essayez de regarder des objets ou, ce qui est mieux, le paysage en entier, en plissant les yeux. Comme cela vous verrez clairement la différence entre la lumière et l’ombre et pourrez facilement comparer l’intensité des plans.

En plein air il faut aussi prendre en considération des couleurs réfléchies sur les objets. Par exemple, quand il fait beau, on voit la couleur bleu du ciel dans les ombres portées des objets, le soleil jette sa lumière chaude sur les arbres verts, cette lumière colore les feuilles qui sont à la base vertes en couleurs jaunes, ocres et rouges.

Maintenant je vous propose de faire quelques exercices. Dessinez ou peignez une allée d’arbres et le champ avec la route.

Comme par exemple dans cette peinture  d’ Ivan Chichkine où on peut voir les couleurs et les teintes plus intenses au premier plan et beaucoup plus claires vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Ivan Chichkine
Ivan Chichkine

Faites attention ! Le ciel, lui aussi, perd de son intensité et change sa couleur vers la ligne d’horizon. Cette peinture peut également nous servir d’exemple d’utilisation de trois plans de couleurs dans la perspective aérienne. Sauf que le peintre a fait le premier plan vert, deuxième – brun et dernier plan – bleu, alors que dans la peinture classique le premier plan est brun, deuxième est vert et le dernier plan est bleu.

Ou par exemple comme dans cette peinture de Claude Monet.

Ici on peut voir clairement la différence entre les arbres du premier plan et les arbres de deuxième et arrière-plan.

Les arbres qui sont très foncés et contrastés au premier plan perdent leur volume et leur contraste au fur et à mesure qu’ils s’éloignent vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Claude Monet
Claude Monet Les peupliers

Merci d’avoir lu cet article !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Comment construire un carrelage en perspective.

Comment construire un carrelage en perspective.

Cet article est la suite de l’article précédent de mon blog Comment dessiner un carré aléatoire en perspective. Ici on apprendra comment construire un carrelage en perspective dans une position frontale et aléatoire.

Commençons par étudier:

Comment construire un carrelage en perspective dans la position frontale .

D’abord traçons la ligne d’horizon, sur laquelle nous dessinerons le point de fuite central P. La distance jusqu’au spectateur, ou le point de vue, division cette distance par trois pour que la construction soit plus facile.

Comment construire un carrelage en perspective frontale

Ensuite traçons les points qui indiquent la largeur des carrés de carrelage sur le bas de notre tableau.

Maintenant on peut relier les points 1,2 et 3 avec le point de fuite central P. De cette manière nous obtiendrons les directions des côtés des carrés de carrelage qui vont dans la profondeur du tableau. Pour déterminer la profondeur de chaque carré en perspective, divisons la largeur de chaque carré ( en bas du tableau ) en trois.

Après avoir relié tous ces points avec le point D1:3, trouvons les points 1°,2°,3°,4° sur la direction 1 – P. Ces points nous indiquent la profondeur nécessaire pour  construire un carrelage en perspective. Il ne nous reste plus qu’à dessiner les lignes horizontales en passant par ces points et comme cela finir construire un carrelage en perspective frontale.

Comment dessiner un carrelage, placé sous un angle de 45° en perspective.

Si on a besoin de construire un carrelage en perspective, placé sous un angle de 45° par rapport à la surface du tableau, on doit tout simplement tracer les diagonales pour chaque carré et reproduire la même construction que pour  le carrelage dans la position frontale. Comme on peut voir sur ce dessin.

Comment construire un carrelage en perspective sous angle 45

La seule différence est que les points en bas du tableau n’indiqueront pas les côtés, mais leurs  diagonales.

Dans l’article précédent  je vous ai parlé du principe de la grille en perspective. Pour illustrer ce principe,regardons :

Comment construire un carrelage en perspective dans une position aléatoire.

Pour construire un carrelage en perspective oblique, je vous donnerai la méthode qui est très simple.

Commençons, comme d’habitude par dessiner la ligne d’horizon sur laquelle nous tracerons deux points de fuite F1 et F2. En bas du tableau nous dessinerons les points qui indiquent la largeur des carrés 1, 2, 3, 4, etc.

Comment construire un carrelage en perspective oblique

De ces points nous tirerons les lignes droites vers le point de fuite  F1 ( 1 – F1, 2 – F1, 3 – F1, 4 – F1 ). Et ensuite nous relierons les mêmes points avec le point de fuite F2  ( 1 – F2, 2 – F2, 3 – F2, 4 – F2 ).

Voilà, vous  savez  comment construire un carrelage en perspective et pouvez utiliser ces connaissances pour appliquer le principe de grille en perspective lorsque vous dessinez les paysages, l’architecture en perspective et les intérieurs.

Observons maintenant quelques exemple de l’histoire de l’art où les artistes ont représenté dans leurs tableaux le carrelage ou les carreaux de parquet.

Sur la fresque de Raphaël  “L’École d’Athènes” , placée au début de cet article, on peut étudier comment construire un carrelage en perspective frontale.

Cette aquarelle de Fiodor Ivanovitch Tolstoï  représente le parquet en mosaïque dans la position frontale aussi.

Fiodor Ivanovitch Tolstoï. Comment construire un carrelage en perspective frontale
Fiodor Ivanovitch Tolstoï

Sur cette peinture de  Mikhailov , on peut voir comment le peintre construit les mosaïques de parquet placés sous un angle de 45° par rapport à la surface du tableau.

Mikhailov
Grégoire Mikhailov

Et à la fin regardons encore une fois la peinture de Nicolaï Gay  où on peut étudier comment l’artiste construit le carrelage dans la position oblique.

Nicolaï Gay. Comment construire un carrelage en perspective oblique
Nicolaï Gay. Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis à Peterhof

Maintenant je vous propose de dessiner le carrelage ou la mosaïque de parquet pour appliquer ce qu’on a appris dans cet article. Pour vous entraîner, je vous propose également de dessiner les planches de parquet, comme, par exemple sur ce tableau d’Ilia Répine

Ilia Répine.
Ilia Répine  Visiteur inattendu

Et bien sûr, Je vous invite à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  

Comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

Comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

Et pourquoi il faut savoir comment dessiner un carré aléatoire en perspective pour apprendre la peinture, notamment le paysage. 

Les études approfondies de la perspective aident au artiste peintre à apprendre à dessiner d’après nature. Car l’artiste dessine ou peinte la nature d’après ses observations et ses connaissances acquises. La capacité à dessiner un carré aléatoire en perspective est importante lorsque vous représentez des carrelages ou des carreaux de parquet.

Comme par exemple, dans ce tableau de Nicolaï Gay.

Dessiner un carré aléatoire en perspective. Gay.
Nicolaï Gay. Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis à Peterhof

La capacité à construire le carrelage en perspective à une grande importance lorsque vous dessiner un paysage. Par exemple quand vous dessinez les vagues ou les nuages. Le principe de la représentation et identique à celle des carreaux de parquet ou des carrelages. C’est  le principe de la grille en perspective.

Malgré que les contours des nuages soient variables, le type de leurs formes, a la même hauteur et dans les mêmes conditions météorologiques, est homogène.

C’est pour cela que l’on doit les dessiner plus petites vers la ligne d’horizon. Et les parties supérieures des nuages peuvent se cacher partiellement derrière les nuages qui sont plus proches du spectateur. Il faut se rappeler que les parties basses des nuages se trouvent à la même hauteur.

Dans ce paysage d’ Isaac Levitan on voit la réduction progressive des vagues au fur et à mesure qu’elles s’éloignent vers la ligne d’horizon et dans la profondeur du tableau. Étudiez aussi la peinture d’Isaac Levitan “Le lac” que vous avez vu au déduit d’article. Dans ce paysage vous pouvez voir la diminution progressive des nuages vers la ligne d’horizon. 

Dessiner un carré aléatoire en perspective. Levitan
Isaac Levitan. Le vent frais. La Volga.

Donc étudions maintenant comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

D’abord on choisit le point de fuite central P et un côté du carré A E. Ensuite nous devons relier les points  A et E avec le point de fuite centrale P et continuer de tirer ces lignes jusqu’au bas du tableau, cela veut dire jusqu’aux points A1 et E1. Comme la distance entre le tableau et le point de vue et trop grande, on va la réduire de quatre fois (Z:4), pour que cela soit plus pratique à construire. Alors la distance A P on doit la diviser par quatre aussi. Comme cela on obtient la distance P-a.

dessiner un carré aléatoire en perspective
Comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

Du point a tirons une ligne parallèle au segment A E, jusqu’à son point d’intersection avec la ligne d’horizon. Comme cela on obtiendra le point F2:4. Maintenant  trouvons  le point e. C’est le point d’intersection des lignes E-P et a- F2:4.  Le point F2:4 relions les avec le point Z:4. Ensuite construisons un angle droit avec le point Z:4, en construisant son deuxième côté jusqu’à la ligne d’horizon.

De cette manière on trouvera le point F1:4. Dans la partie basse du tableau, le segment A1 – E1 est représenté par la projection de la taille réelle du carré. Il faut reporter cette distance A1 – E1 sur la ligne d’horizon du point F2:4 dans la direction du point de fuite central P.

La construction restera correcte même si l’on ne reportera pas la distance entière, mais sa moitié. Comme sur notre dessin où on reporte la moitié du segment A1 – E1 et comme cela on obtient le segment n1- F2:4. Du point n1 tirons la perpendiculaire jusqu’au point d’intersection avec la ligne F2:4 – Z:4 et ainsi nous trouverons le point n. Le segment n- F2:4 est égal à la moitié de la taille réelle d’un côté de carré.

Maintenant  relions les points a et e avec le point F1:4 et nous trouverons ainsi les directions des autres côtés du carré en perspective ( ce et ab ).

Pour obtenir les directions de ces côtés de carré, nous reporterons la taille de segment n-F2:4 du point de fuite F1:4 dans la direction du point  Z:4. De cette façon nous aurons trouvé la dimension F1:4 -m.

Maintenant on doit projeter le point m sur la ligne d’horizon pour obtenir le point m1.  La dimension F1:4-m1, c’est la taille de la moitié  de la projection du côté A B de carré. Maintenant on peut facilement trouver la taille de la projection du côté A B en entier, ayant reporté deux fois la distance F1:4-m du point A1 jusqu’au point B1 ( A1-B1) dans la partie basse du tableau.

Relions le point B1 avec le point de fuite central P et trouvons le point b. Ce sera le point d’intersection des lignes B1-P et a-F2:4. Ayant relié le point b avec le point F2:4 on obtiendra le point c au point d’intersection avec la ligne e-F1:4. Voilà on a trouvé le carré abce. Maintenant il ne nous reste que tirer une ligne parallèle à la ligne a-F1:4 du point A jusqu’au point d’intersection avec la ligne B1-P pour trouver  le point B. De la même manière trouvons le point C et comme cela nous pourrons finir à dessiner un carré aléatoire en perspective.

Je vous donnerai ici encore une  astuce, beaucoup plus simple, pour dessiner un carré aléatoire en perspective.

comment dessiner un carré aléatoire en perspective  une astuce simple.

Pour commencer traçons la ligne d’horizon et les points de fuite F1 et F2.

Ensuite choisissons la place du point A et tirons les lignes droites du point A aux points F1 et F2  ( A – F1, A – F2 ). Sur la ligne A – F1 traçons le point B et relions le point B avec le point de fuite F2 ( B – F2 ).

Après cela traçons le point E sur la ligne A – F2 et relions le point  E avec le point de fuite F1 ( E – F1 ). Finissons la construction de ce carré par trouver le point C. Le point C sera le point d’intersection de la ligne E – F1 avec la ligne B – F2.

La différence entre deux méthodes.

La différence entre ces deux méthodes est que la première méthode est utilisée plutôt par les architectes ( cela ne signifie pas que les peintres ne doivent pas la connaître ) pour placer le carré avec les proportions et les dimensions exactes et précises dans l’espace du tableau.

Donc si l’on regarde de nouveau le premier schéma, ici le deuxième carré abce, c’est la projection du premier carré ABCE. C’est pour cela qu’ils n’ont pas les mêmes points de fuite.

Le problème de la deuxième méthode est que l’ on ne peut pas mesurer la taille exacte des côtés de carré de cette manière et on est obligé de les tracer à l’œil. Ce qui n’est pas grave en soit quand vous dessinez d’après nature et quand vous pouvez en plus utiliser la méthode de comparaison pour vérifier votre dessin.

Bravo! Si vous êtes arrivé jusqu’ici, cela veut dire que vous avez eu la patience pour lire cet article qui est assez complexe jusqu’au bout.

Et vous avez bien raison!

Car il n’y a pas de choses le plus important pour l’artiste peintre que de vouloir comprendre pourquoi le monde qui nous entoure est organisé de cette façon, pourquoi on voit  tel ou tel objet de cette manière, aller jusqu’au bout pour comprendre l’origine des choses et vouloir apprendre.

Maintenant je vous propose de faire un exercice. Dessinez un paysage avec les vagues ou avec beaucoup de nuages en appliquant le principe de grille en perspective.

Cela ne veut pas dire que vous deviez absolument construire le carrelage pour dessiner les nuages. Vous pouvez facilement utiliser la méthode de comparaison pour dessiner d’après nature.  Mais comme vous avez déjà acquis les connaissances  dans cet article, vous auriez plus de facilité à dessiner, sachant comment cela se construit.

Je vous invite également à me laisser un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Lisez la suite de cet article dans mon article suivant Comment construire un carrelage en perspective, ou je vais parler plus du principe de la grille en perspective.

Partager l'article :
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •  
  •