Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle

Souvent j’entends que l’aquarelle est une technique difficile car on ne peut pas corriger les erreurs. Ce préjugé peut bloquer la création et l’envie de travailler dans cette belle technique. Donc dans cet article je vais vous montrer comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.

Cinq techniques simples pour rattraper les erreurs à l’aquarelle.

  1. Laver complétement votre feuille de papier sous l’eau courante
  2. Enlever les couleurs avec une éponge de mer
  3. Recouvrir avec la couche supérieure de peinture
  4. Enlever les couleurs à l’aide d’un pinceau
  5. Gratter le papier avec le Cutter.

1. Laver la feuille de papier.

La première astuce, laver la feuille de papier sous l’eau courante est utile uniquement si vous voulez effacer complètement la peinture du papier et si votre papier aquarelle est de très bonne qualité. Je vous conseille d’utiliser plutôt la deuxième technique et enlever les couleurs à l’aide de l’éponge de mer.

2. Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle avec l’éponge de mer.

Rattraper les erreurs à l’aquarelle avec l’éponge de mer est une technique très simple. Il suffit juste de mouiller bien l’endroit d’où vous voulez enlever des couleurs avec l’éponge et ensuite enlever les couleurs avec l’éponge égouttée. Je vous conseille d’utiliser l’éponge de mer, car cette éponge n’abîme pas beaucoup la surface de papier aquarelle par rapport aux autres éponges. Cette technique vous pouvez voir dans les parties 1 et 2 de mon tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.

3. Comment corriger les erreurs avec la couche supérieure de peinture.

Si dans votre peinture il y a les endroits où la couche de peinture n’était pas bien mise. Par exemple, il y a de petites coulures, le lavis n’est pas suffisamment uniforme, les gouttes d’eau ont déchirées la surface de fondu dans la couche demi-sèche etc …. 

Si vous avez encore de la marge au niveau de la tonalité et des valeurs de gris, vous pouvez tout simplement recouvrir cette couche de peinture avec une couche supérieure.

Juste faites attention, malgré le fait que les couleurs de la couche supérieure doivent être plus au moins opaques pour recouvrir la couche inferieure, il ne faut pas oublier qu’avec les glacis on travaille quand même dans la transparence et votre couche supérieure ne doit pas être trop lourde et avoir trop de mélanges de couleurs.

Comment faire cela, vous pouvez le voir dans la partie 2 de mon tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle, que j’ai mis en bas de cet article.

4.  Comment rattraper les erreurs à l’aide d’un pinceau.    

C’est la technique que j’utilise le plus. Pour rattraper les erreurs à l’aquarelle avec un pinceau j’utilise principalement les pinceaux au poil de petit gris, de putois Sibérien ou de martre. Parfois vous pouvez utiliser le pinceau synthétique mais ce pinceau absorbe très peu l’eau, donc il est utile pour enlever la couleur, mais pour après retirer de la surface de papier vous aurez besoin d’un pinceau qui absorbe bien de l’eau, comme le pinceau en petit gris ou en putois Sibérien.

Donc pour enlever la couleur de la surface de papier il faut mouiller avec le pinceau l’endroit que vous voulez corriger et ensuite retirer les couleurs avec un pinceau bien égoutté. Cette technique est efficace pour corriger les petits détails, les coulures, les contours, la tache de lumière. Comment corriger avec le pinceau vous pouvez le voir dans les parties 1 et 2 de mon tutoriel.

5. Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle avec un cutter.

 Pour enlever les couleurs avec le cutter on doit gratter la surface de papier avec sa lame. Cette technique peut être utilisée sur les petites surfaces, par exemple si vous avez oublié de réserver une place pour la tache de lumière. Faites attention, avec le cutter vous enlever les couleurs définitivement et vous ne pourrez pas retravailler les endroits corrigés car le cutteur abîme la surface de papier. Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle avec le cutter vous pouvez le voir dans la partie 1 de mon tutoriel.   

Maintenant je vous propose de regarder les 2 parties de mon tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.

Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle. Partie 1
Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle. Partie 2

Je vous invite également à lire mes articles “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle“, “Comment peindre les vagues à l’aquarelle” et “Comment peindre une nature morte”.

Merci d’avoir lu cet article. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires.

A bientôt 🙂

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Exposition de peinture

Mes chers lecteurs !

Durant le temps de la Covid-19 on a du mal à se déplacer, à visiter des curiosités  comme avant, à aller au théâtre, aux concerts, dans les musées. Aujourd’hui je vous propose de visiter mon exposition qui a lieu au Donjon de Bazoges-en-Pareds  85390 en Vendée en France, du 2 au 27 septembre 2020 .

Cela me ferais toujours très plaisir si vous aviez le temps pour la visiter en vrai, il n’y a rien qui peut se comparer avec une visite réelle . Mais si vous êtes trop loin de ce site médiéval en Vendée, je vous invite quand même à la visiter…., visiter virtuellement.

C’est pour cela que j’ai fait une petite vidéo de mon exposition pour vous. Chacune de vos visites m’est précieuse, cela me donne envie de continuer ce que je fais, peindre et enseigner la peinture et le dessin.

On va visiter l’exposition ensemble ! 🙂 Bonne visite !     

Exposition de peinture au Donjon de Bazoges-en-Pareds, Vendée, France

Ici je vous présente quelques photos des tableaux exposés dans cette exposition.

Exposition de peinture. Deux solitudes. 95x75 Huile sur toile
Deux solitudes. 95×75 Huile sur toile
Exposition de peinture au Donjon de Bazoges-en-Pareds, France
Exposition de peinture au Donjon de Bazoges-en-Pareds

Dans cette exposition j’ai présenté mes trois séries de tableaux. Quatre tableaux de la série “Parie, La Seine”, réalisés en huile. Huit tableaux de la série “La Seine” en pastel qui me servent aussi comme esquisses pour réaliser la série “Parie, La Seine” en peinture à l’huile. Et les petites aquarelles, qui font partie de ma série des croquis de voyage au Sud de la France.

Après avoir regardé la vidéo qui vient de ma chaîne Youtube je vous invite à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de cette exposition. Votre avie est très importent pour moi.

Si vous avez des questions ou vous avez besoin de mon aide dans vos réalisations artistiques, n’hésitez pas à m’écrire. Je suis toujours contente de vous aider.

A bientôt ! 🙂

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Comment peindre les vagues à l’aquarelle

Dans cet article vous allez découvrir comment peindre les vagues à l’aquarelle. Je vais vous montrer tout le prossesus de travail sur exemple de mon étude aquarelle que j’ai réalisé en plein air d’après nature.

Dans cet article nous parlerons:

Quel est le prossesus et l’ordre du travail.

1. Comment peindre le ciel. Quelle technique utiliser et quelles couleurs utiliser pour peindre le ciel.

2. Comment peindre les vagues à l’aquarelle.

3. Comment peindre l’écume sur les vagues. Les nuances des techniques, les couleurs à utiliser pour peindre la mer, quelle est la structure des vagues.

3. Comment peindre les oiseaux volants.

4. Comment corriger les erreurs à l’aquarelle.

5. Et a la fin on regardera le tutoriel vidéo “Comment peindre les vagues à l’aquarelle” pour voir tout le prossesus de travail.

Comment peindre les vagues à l’aquarelle.

Je commence souvent mes aquarelles par mouiller ma feuille de papier en rajoutant dans l’eau un peu de couleur jaune. Jaune de cadmium moyen.
C’est une couleur opaque mais pure, sans mélange, elle convient très bien pour la première couche de peinture. J’ai remarqué qu’il y avait moins de risque de rendre la peinture boueuse si l’on travaille avec les couleurs froide par-dessus les couleurs chaudes dans les glacis. Donc pour la première couche je choisis très souvent la couleur chaude, l’Ocre jaune ou encore plus souvent le Jaune de Cadmium moyen.

Comment peindre le ciel à l’aquarelle

Peindre les vagues à l'aquarelle. Première couche

J’ai mis un peu de jaune de cadmium moyen sur ma feuille et de suite je commence à travailler avec le lavis sur le ciel. Je fais un dégradé de haut en bas. Je commence par les couleurs assez foncées et je vais vers les couleurs plus claires vers la ligne d’horizon. Le ciel est en général rarement « bleu ». Il peut être vert, jaune, rose, rouge, violet, et bleu aussi.
La règle générale, pour peindre le ciel à l’aquarelle il faut allez toujours de haut en bas en commençant par les couleurs plus froides et foncées en haut et les couleurs plus chaudes et claires vers le bas, vers la ligne d’horizon.
Cet effet d’optique s’explique par l’épaisseur de l’atmosphère de la terre qui a la couleur plutôt chaude.  

Tout sur le mélange des couleurs à l’aquarelle aquarelle vous pouvez le trouver dans mon article Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

Pour peindre le ciel je fais souvent le lavis sur le papier bien mouillé pour laisser fondre les couleurs de dégradé.

dégradé du ciel

Pour peindre le ciel j’ai utilisé les couleurs bleues : bleu d’outremer, bleu indanthène (presque 100 % la même tonalité que le bleu de Prusse, bleu de cobalt, bleu d’outremer et un peu de gris de Payne (pour casser la vivacité des bleus).
Et les couleurs plus chaudes : le jaune de cadmium moyen, la laque de garance ( dans ma boîte de peinture il a remplacé l’alizarine, mais comme ce sont des couleurs très proches au niveau de la tonalité et les caractéristiques ( les deux sont transparentes), quand on travaille, on ne voit pas de différance.)

Pour peindre cet étude aquarelle j’ai utilisé l’aquarelle White Night, 36 couleurs en godets.

Technique simple pour peindre les nuages à l’aquarelle

Ensuite je commence à peindre les nuages. Je profite que le papier soit toujours très mouillé et j’enlève la couleur dans les endroits où je veux placer les nuages avec un pinceau. Je vous conseille d’enlever la couleur du papier mouillé avec le pinceau en petit gris.
Ce pinceau récupère et retient plus d’eau et de couleurs que le pinceau synthétique ou le pinceau en putois de Sibérie.

Comment peindre les nuages à l'aquarelle

Faites attention, je travaille uniquement sur le papier très mouillé. Donc pour réaliser les nuages il faut commencer à travailler de suite après avoir fait le lavis du ciel. Sinon on risque d’avoir l’effet que l’eau appliquée sur la couche de peinture demi-sèche va “déchirer” les couleurs de la couche inférieure.
D’ailleurs on peut utiliser cette capacité de la peinture d’aquarelle de « déchirer » la couche inférieure pour faire les taches de lumière sur l’eau par exemple, les embruns ou l’écume sur les vagues. Comment faire cela on le verra plus tard dans cet article.        

Comment peindre les nuages

Comment peindre la mer avec les vagues à l’aquarelle

Maintenant je commence à peindre la mer.
Quand je travaille en plein air j’utilise rarement le liquide de masquage, je réserve tout simplement les endroits que je veux laisser clairs. Je vous rappelle que dans l’aquarelle classique le pigment blanc ne s’utilise pas.

Le blanc, c’est la couleur de papier. Il existe les techniques ou vous pouvez utiliser la gouache blanche, mais alors ce sont les techniques mixtes. On parlera de ces techniques plus tard. Pour l’instant pour apprendre l’aquarelle classique je vous conseille de ne pas utiliser le blanc.

Comment peindre les vagues à l'aquarelle

Je travaille toujours dans le mouillé vers la ligne d’horizon. Cela me permet de montrer l’air, l’humidité et la profondeur.

Peindre le vagues à l'aquarelle. Couleurs de la mer

Pour peindre la mer j’utilise les couleurs bleues : bleu de cobalt, bleu de Prusse (ou bleu d’indanthène ), bleu d’outremer, bleu d’azur. Pour casser la vivacité des bleus je raujoute le gris de Payne. J’utilise aussi le jaune de cadmium moyen, la laque de garance, le violet quinacridone, l’ocre jaune.  

Comment peindre les vagues à l’aquarelle

Pour peindre les vagues à l’aquarelle il fait comprendre la structure des vagues et apprendre à peindre l’écume sur les vagues. Commençons par apprendre à peindre l’écume. C’est assez simple.

Comment peindre l’écume sur les vagues

Au début de mon travail j’ai réservé quelques endroits blancs où j’estimais placer l’écume.

Comment peindre l'écume sur les vagues

Maintenant je laisse ma feuille sécher un peu pour obtenir cette fameuse couche demi-sèche, je prends assez d’eau sur mon pinceau et je mets de l’eau sur les endroits où je veux placer l’écume.
Les gouttes d’eau vont déchirer le pigment sur la couche inférieure et on va obtenir l’effet d’écume.

Téchnique commet peindre l'écume sur les vagues

Faites attention, ne laissez pas trop sécher votre feuille, si non la couche de peinture ne sera pas “déchirée” par l’eau appliquée.

Comment peindre les vagues à l’aquarelle sur une couche de peinture sèche.

Comment corriger les erreurs à l’aquarelle.

Maintenant je veux faire la vague avec l’écume au premier plan. Tout au début de mon travail je n’ai pas laissé assez de place réservée au blanc pour l’écume et en plus la couche de peinture est déjà sèche. Mais ce n’est pas grave, cela me donne la possibilité de vous montrer comment corriger les erreurs à l’aquarelle.

Il ne faut jamais avoir peur de faire des erreurs ! Tous les artistes peintres, même les plus professionnels font des erreurs. Les erreurs font partie de travail du peintre. Si vous craignez de faire une erreur, une mauvaise manipulation, ne pas mélanger de bonnes couleurs, il sera très difficile d’avancer.
La crainte de faire une faute va vous bloquer. Sachez que l’on peut corriger presque toutes les erreurs à l’aquarelle. Les différentes façons de corriger des erreurs à l’aquarelle vous pouvez les trouver dans mon Tutoriel vidéo Comment rattraper les erreurs à l’aquarelle.
Et maintenant on va parler d’un cas concret.

Comment faire un rouleau d’écume sur une vague si le papier est déjà sec.

Comment peindre les vagues à l'aquarelle et corriger les erreurs

On va tout simplement mouiller bien l’endroit où on va faire l’écume. Et ensuite on va enlever la couleur de cet endroit pour obtenir la couleur du papier blanc. Après cela il ne nous reste qu’à mettre encore de l’eau sur cet endroit déjà clair pour obtenir l’effet d’écume. Comment faire cela techniquement on verra cela à la fin de ce cours dans le tutoriel vidéo.

Comment corriger les erreurs

Ensuite je vais rajouter un peu de volume dans mes vagues. Pour cela je fais des ombres sur l’écume.
Malgré que l’écume soit “blanche” pour faire son volume on a besoin de montrer des ombres. En fait la couleur blanche n’existe pas dans la nature, comme d’ailleurs la couleur noire.
Dans les endroits qui nous paraissent blancs il y a plein de couleurs claires…. Jaunes, roses, bleus…. Et pour montrer que c’est un endroit très clair il faut rendre les ombres très foncées…. Et oui, on voit les couleurs et les valeurs du gris en comparaison.

Il n’y a pas de lumière sans ombre ! Donc pour montrer que l’écume est blanche je fais les ombres assez foncées et la mer autour de l’écume plus foncée aussi. Comment montrer le volume d’un objet vous pouvez le lire dans mon article Comment dessiner en volume.

Comment peindre les vagues à l'aquarelle. Les ombres sur les vagues.
Comment peindre les vagues à l'aquarelle. Le volume des vagues.

Ensuite je rends le premier plan plus foncé. Comme cela je montre la profondeur en utilisant les régles de la perspective aérienne. Plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon plus il devient clair et froid. Plus l’objet s’approche de nous, plus il devient foncé et chaud.

Premier plan du tableau

Maintenant je commence à peindre l’endroit où je veux montrer le rouleau de la vague sans écume. Pour montrer la transparence de l’eau dans cet endroit on peut rendre le bord et la base du rouleau de la vague plus foncés et le centre du rouleau, plus clair.

Comment peindre les vagues à l'aquarelle et rendre les vagues transparentes
Transparence des vagues

Pour comprendre la construction d’une vague je vous propose d’observer ce tableau d’Ivan Aïvazovski. Ici on voit bien la transparence de la vague. Tout en haut de la partie transparente de la vague on voit le contour foncé et en bas l’ombre assez foncée, ce qui faire ressortir la partie claire au centre de la vague et comme cela montrer sa transparence.

Transparence des vagues surl l'exemple du tableau d'Aïvazovski
Ivan Konstantinovich Aïvazivski

Revenons à notre aquarelle.
Pour souligner les vagues et montrer le ressac je fais les coups de pinceau en suivant la forme et la direction de la vague. J’essaie toujours mettre les coups de pinceau en suivant la forme de l’objet, cela m’aide à faire ressortir le volume et la profondeur d’avantage.

Peindre les vagues à l'aquarelle. Les coups de pinceau

Sur l’image suivante vous voyez que je rends la mer autour de l’écume en peu plus foncée avec les coups de pinceau horizontaux qui m’aide à faire ressortir la couleur claire de l’écume et montrer la surface de la mer.

Le dernier plan du tableau

Ensuite je souligne les vagues au premier plan.

Comment peindre les vagues à l'aquarelle

Et je place un petit voilier très proche de la ligne d’horizon pour encore plus montrer la profondeur.

Un petit voilier pour montrer la perspective

Mais il y a encore d’autres moyens pour montrer la profondeur. Je vais dessiner quelques oiseaux.

Comment montrer la profondeur avec les oiseaux

Les oiseaux

Donc je place quelques oiseaux de tailles et de tonalités différentes. Plus un oiseau est proche de nous plus il est grand et foncé, plus un oiseau s’éloigne vers la ligne d’horizon plus il est clair et petit. Comme cela on utilise les règles de la perspective linéaire et de la perspective aérienne pour montrer la profondeur. Et bien sûr plus un oiseau est proche de nous plus qu’il est détaillé.

Premier plan et dernier plan. Comment montrer à l'aide des oiseaux

Et au final je vais unifier un peu mon étude.
Il arrive de temps en temps que l’artiste travaille énormément sur le tableau, il s’applique beaucoup pour réaliser de jolis détails et à la fin il comprend que malgré que les détails soient très jolis et bien faits, ils sautent trop aux yeux et empêchent le spectateur voir le tableau en entier. Donc c’est le moment pour unifier le tableau et se débarrasser des détails qui sont excessifs ou mal placés.

C’est le moment le plus difficile dans le travail d’artiste. Savoir unifier le tableau !

Comment peindre les vagues à l'aquarelle et unifier le tableau

Donc dans mon cas, j’ai décidé de me débarrasser des petites pierres au premier plan. En même temps je rends le premier plan plus foncé.
Premièrement j’ai enlevé un peu la couche de peinture au premier plan et comme cela presque effacé les petites pierres. Et ensuite je mets le glacis transparent mais assez foncé. Cela m’aide aussi à faire ressortir le premier plan.

Comment peindre les vagues à l'aquarelle. Derniers coups de pinceau

Voilà le résultat

Comment peindre les vagues à l'aquarelle. Le tableau est términé

A la fin de cet article je vous invite à regarder mon tutoriel “Comment peindre le vagues à l’aquarelle” qui vient de ma chaîne Youtube. Je vous propose également à vous abonner sur ma chaîne Youtube pour être averti de tous mes nouveaux tutoriels vidéo.

Comment peindre les vagues à l’aquarelle. Le tutoriel.

Je vous conseille aussi de lire mon article Comment peindre la mer en aquarelle.

Merci d’avoir lu cet article. Cela me fera très plaisir si vous me laissez des commentaires. Ils m’aident énormément à améliorer la qualité de mes articles. Si vous avez des questions n’hésitez pas à me les poser. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt 🙂

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Comment peindre une rose à l’aquarelle.

Aujourd’hui je vais vous raconter comment peindre une rose à l’aquarelle.

C’est tellement beau les fleurs d’été, nous avons souvent envie de les peindre ou de les dessiner. Mais souvent cela nous paraît difficile. Quand on réalise un bouquet de fleurs ou une fleur, on rencontre souvent quelques problèmes. Comment  faire de façon pour que notre fleur ou notre bouquet soit en volume ?
Comment faire pour que notre fleur soit « vivante » ? Comment faire pour sentir l’odeur de cette fleur ? Quelles couleurs choisir pour peindre une rose ou une autre fleure ?

La première chose qu’il faut savoir, la fleur c’est une forme comme les autres, donc pour peindre une fleur il faut respecter les mêmes règles qui nous aident à dessiner et peindre en volume. La méthode simple comment rendre n’importe quel objet volumineux vous pouvez la trouver dans mon article « Comment dessiner en volume ». Quand on dessine ou peint une fleur, dans notre cas c’est une rose, on doit comprendre qu’il a le volume de la rose en entier et le volume de chaque pétale ou de chaque feuille. Et d’abord on doit s’occuper du volume de la fleur en entier et après du volume des pétales.

Pour voir le volume il est très utile de regarder votre peinture et votre sujet, dans notre cas le rose, en plissant les yeux. C’est vraiment une très bonne technique pour voir les volumes et les valeurs du gris qui sont souvent négligées par les débutants. Je vous conseille fortement d’utiliser cette technique ! Le dessin est la base de la peinture ! Faites toujours attention aux valeurs de gris quand vous peignez !

Maintenant nous allons voir comment peindre une rose à l’aquarelle étape par étape.

Cette fois-ci pour peindre une rose j’ai décidé d’utiliser le liquide de masquage pour protéger les endroits que je veux garder en blanc pour le moment. En plus pour peindre une rose je veux utiliser les fondus et en ce cas-là le liquide de masquage aide énormément. Car quand on fait les fondus il est très difficile de garder les endroits blancs. Donc je commence par mettre le liquide de masquage sur les endroits que je veux laisser blancs dans mon aquarelle.

 Liquide de masquage

Quelle couleur utiliser pour la première couche de peinture ?

Ensuite je mets la première couche de peinture. Pour la première couche je choisie souvent le jaune de cadmium moyen. C’est une couleur opaque ou semi-opaque ( dépend de la marque d’aquarelle, dans mon cas, c’est l’aquarelle White Night 36 couleurs en godets). Le jaune de cadmium moyen me convient très bien pour la première couche car c’est une couleur que nous apercevons partout dans la nature. Dans la terre, dans le ciel, dans l’eau, dans les feuilles des arbres etc.

Première couche de peinture pour prindre une rose

La première couche me sert aussi pour dégraisser ma feuille de papier aquarelle.

Quelle technique utiliser pour peindre une rose ?

Cette fois-ci pour peindre une rose j’utilise les deux techniques le plus utilisées en aquarelle. Les fondus et les glacis.

Après avoir appliqué la première couche, je commence à peindre une rose en rajoutant les couleurs pendant que la première couche reste encore très humide pour faire les fondus. Rappelez-vous que pour réaliser les fondus on travaille uniquement sur une couche très humide avec le pinceau bien rempli de couleur et d’eau pour faire les fondus sur les surface assez grandes et avec le pinceau presque égoutté, mais toujours avec beaucoup de couleur, si vous voulez faire les détails et être plus précis.        

Comment peindre une rose. Fondus

Rappelez-vous que la peinture aquarelle perd environ 30% de son intensité après le séchage. Donc surtout pour faire les fondus prenez toujours beaucoup de couleur sur votre pinceau et toujours la couleur est un peu plus intensive que ce comment vous la voyez dans la nature.  

Ensuite je commence à travailler avec les glacis pour tracer les pétales.

Peindre une rose. Les pétales

Faites attention, quand je travaille avec les glacis, à travers la couche supérieure on peut toujours voir les couleurs de la couche inférieure. Donc pour réussir les glacis faites toujours attention pour que la peinture de la couche supérieure soit transparente. Pour faire la couche supérieure dans les glacis utilisez de préférence les couleurs transparentes ( alizarine, bleu outremer, violet quinacridone etc. )

Et s’il vous plaît, ne mélanger pas plus que deux – trois couleurs ! Rappelez-vous que à travers la couche supérieure on doit voir les couleurs de la couche inférieure et cela fait déjà les couleurs supplémentaires dans notre mélange. Sur le mélange des couleurs en aquarelle vous pouver lire mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle“.

Pour peindre une rose, notamment les pétales j’utilise les fondus dans les glacis. Cela veut dire que pour faire les pétales dans la couche supérieure du glacis je fait les fondus. Par exemple je mes l’alizarine et pendant que la couleur reste humide je rajoute un peu de bleu d’outremer ou d’ocre jaune pour fair les fondus à l’intérieur du glacis.

Peindre une rose. Fond

Pour commencer à travailler sur le fond et sur les feuilles je ragoute encore le jaune de cadmium moyen sur le fond.

Comment peindre une rose. Les feuilles

Et pendant que la couche de jaune de cadmium moyen reste humide je commence à appliquer les couleurs vertes pour tracer les feuilles.

Comment peindre une rose. Les fondus du fond

En même temps je mets les couleurs sur le fond. J’essaie faire le maximum dans cette première couche de fondus. Mais si la couche sèche trop vite et que vous n’arrivez pas à finir votre fondu, ne vous inquiétez pas et n’essayez pas de travailler sur une couche demi-sèche. Laissez sécher complètement votre peinture, appliquer de nouveau l’eau, peut-être avec un peu de couleur de base et continuez à travailler sur les fondus.

Comme vous pouvez voir sur cette image, comme je n’ai pas eu le temps pour finir le fondu du fond, j’ai laissé sécher et appliqué de nouveau la couleur de base pour continuer tranquillement mes fondus.

Peindre une rose à l'aquarelle
Comme vous pouvez voir sur cette image, comme je n’ai pas eu le temps pour finir le fondu du fond, j’ai laissé sécher et appliqué de nouveau la couleur de base pour continuer tranquillement mes fondus.

Les couleurs foncées du fond m’aident aussi à ajuster les contours et la forme de la rose.

Après avoir fini le fond je continue à mettre en forme les pétales. Pour peindre les pétales j’utilise tout à fait la même technique que pour le fond. Juste pour être plus précise dans mon travail je peins sur la couche humide avec le pinceau bien égoutté. Ce qui me permet de faire les coup de pinceau et de fondus plus précis.

Comment peindre une rose. Fondus des pétales.

Pour peindre les feuilles j’utilise les fondus pour la première couche et les glacis pour deuxième couche. Pour la deuxième couche j’utilise souvent les couleurs froides. Mais pas toujours, des fois je suis obligée d’utiliser les couleurs chaudes pour la deuxième couche. Alors en ce cas-là j’essaie d’utiliser les couleurs pures ou le minimum de mélange. Et je tâche toujours garder la transparence de la couche d’aquarelle.

Comment peindre une rose. Les feuilles

Ensuite j’enlève le liquide de masquage. Faites attention pour enlever cette espace de colle complètement. Et bien sûr avant d’enlever le liquide de masquage assurez vous que votre peinture soit complétement sèche.

Après avoir enlevé le liquide de masquage il nous faut adoucir les contours. Le problème du liquide de masquage c’est que les endroits couverts réstent trop blancs et ne s’integrent pas naturellement dans la peinture. Ce qui ne se passe pas quand on garde tout simplement les endroits clairs de notre aquarelle en les contournant, sans utiliser la liquide de masquage.

Peindre une rose à l'aquarelle

C’est pour cela que quand on travaille avec les glacis, je ne conseille pas d’utiliser le liquide de masquage, tout simpleumente faire attention pour ne pas couvrir avec la couleur foncée les endroits qui doivent rester clairs. Mais c’est beaucoup plus difficile à faire quand on travaille avec les fondus. C’est pour cela que dans cette peinture ou on fait beaucoup de fondus j’ai choisi d’utiliser le liquide de masquage.

Donc après avoir enlevé la liquide du masquage on doit intégrer les endroits couverts par le liquide de masquage dans notre peinture. Pour faire cela il faut absolument adoucir les contours et mettre un peu de couleurs sur les endroits blancs. Pour apprendre comment adoucir les contours et comment corriger les petits erreurs dans l’aquarelle je vous propose de consulter la partie 2 de mon tutoriel video “Comment peindre une rose à l’aquarelle”. La partie 1 et la partie 2, tous les deux cours vidéo vous pouvez les trouver à la fin de cet article.

Pour apprendre à peindre une rode à l’aquarelle je vous conseille de regarder ces videos, ou vous trouverez l’information supplémentaire. Et plus les cours vidéo sont très visuels, là vous pouvez voir tout le processus de travaille en détail.

Peindre une rose. Les pétales

Donc après avoir intégré les endroits couverts par le liquide de masquage je commence à retravailler les pétales.

Ici je veux attirer votre attention sur le fait que je ne travaille pas sur chaque pétale. Je rends les pétales plus contrastés et plus détaillés uniquement au centre de la rose et à l’endroit ou l’ombre et la lumière se rencontrent.

Comme cela je montre le premier plan de ma rose et en même temps j’essaie de montrer un espace de l’odeur de la rose ou le mouvement d’air. Pour faire cela je laisse les contours de la rose et de ces pétales assez flous.

Les ombres sur les feuille de la rose

Pour peindre une rose j’ai choisi une journée très ensoleillée. Pour montrer le soleil et la lumière je rends ma peinture très contrastée dans les endroits où je peut me permettre de le faire, par exemple sur les feuilles et sur le fond.

Donc si vous voulez montrer le soleil, n’ayez pas peur de rendre les ombres foncées ! Et bien sûr rappelez- vous toujours une règle, si la lumière et chaude, l’ombre est froide et si la lumière est froide, l’ombre est chaude ! Ce principe vous pouvez le voir clairement sur les feuilles ou la lumière est chaude car c’est une lumière de soleil et les ombres sont froides, car on voit toujours les reflets du ciel bleu dans les ombres.

Je fais la même chose sur le fond. Le fond est froid dans son profondeur, ce qui met en valeur les couleurs douces de la rose et rend même les ombres de la rose qui sont assez froides, relativement chaudes si on les compare avec le fond.

Dans la nature tout est relatif. On aperçoit les couleurs l’une par rapport aux autres. Par exemple si on va mettre la même rose avec tout à fait les mêmes couleurs sur le font chaud, la rose nous paraitra beaucoup plus froide que si l’on la mise sur le fond froid.

Mais même dans le fond froid il y a les endroits plus chaud, comme la terre au premier plan. En je profite de cet endroit pour mettre les ombre froides en diagonale et comme cela souligner la profondeur du fond.

Les ombres sur le fond de la rose

Maintenait je vous invite à regarder la première et la deuxième partie de mon cour vidéo. Je vous propose également d’essayer de peindre une rose en utilisant la technique que je montre dans ces vidéos comme cela vous appliquerez de suite les connaissances acquises dans cet article.

Je vous invite également à vous abonner sur ma chaîne YouTube pour être averti de tous mes nouveaux tutoriels.

Partie 1 de mon cours vidéo “Comment peindre une rose à l’aquarelle”
Partie 2 de mon cours vidéo “Comment peindre une rose à l’aquarelle”

Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me poser touts vos questions dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider !

Ici je mets les liens sur les articles qui pourraient être utiles pour vous “Comment peindre une nature morte à l’aquarelle”, “Comment peindre la mer à l’aquarelle”, Aquarelle White Night, Exercice. Mélange des couleurs, Matériel pour débuter en aquarelle.

A bientôt ! 🙂

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Mes Chers lecteurs,

Cela fait déjà quelques mois que vous suivez mon blog ! Merci beaucoup, cela me fait chaut au cœur ! Vous êtes nombreux à me laisser des commentaires gentils, à suivre mes cours vidéos et à lire mes articles.

Sachez que je fais de tout mon mieux pour vous donner des cours de grande valeur pour vous aider à apprendre la peinture et le dessin.

Maintenant j’ai besoin de votre aide pour améliorer encore plus la qualité de mon blog. Je vous propose de répondre à ce sondage qui me permettra de comprendre comment je pourrais vous aider d’avantage dans vos créations artistiques.

Merci beaucoup d’avoir pris le temps pour répondre à mes questions !

Je ferais de tout mon mieux pour que vous soyez satisfaits de la qualité de mes cours !

A bientôt ! 🙂

Amicalement

Elena

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Aquarelle White Night

Aujourd’hui comme promis je publie les caractéristiques des couleurs de la marque d’aquarelle White Night.

Ici vous voyez la boîte d’aquarelle et le nuancier des couleurs d’aquarelle White Night. (Célèbres nuits blanches de Saint-Pétersbourg).

 aquarelle White Night.
La boîte d’aquarelle White Night

A mon avis l’aquarelle White Night c’est une des meilleures marques d’aquarelle au monde. C’est l’aquarelle que j’utilise personnellement. J’utilise la boîte d’aquarelle de 24 couleurs en godets. Mais dans cet article je vais vous montrer le nuancier de la boîte d’aquarelle de 36 couleurs. Les pigments de cette marque sont de très bonne qualité. Les couleurs sont fines et concentrées. La plupart des couleurs sont exceptionnellement résistantes à la lumière. Je n’ai pas pour but ici de faire la pub pour cette marque d’aquarelle, mais franchement c’est l’aquarelle que je préfère à toutes les autres !

aquarelle White Night
Ma dernière aquarelle faite avec les couleurs de l’aquarelle White Night pour mon tutoriel Comment peindre une rose à l’aquarelle.

Donc dans la boîte de 36 couleurs de la marque d’aquarelle White Night on trouve les couleurs suivantes :

aquarelle White Night
Nuancier des couleurs d’ aquarelle White Night

Les numéros des couleurs correspondent aux numéros sur le nuancier.

  1. Blanc
  2.  Jaune de cadmium citron
  3. Jaune de Cadmium moyen
  4. Hansa jaune
  5. Ocre jaune
  6. Ocre d’or
  7. Orange foncé ( Orange de cadmium foncé )
  8. Rouge de Titien
  9. Rouge de Cadmium
  10. Rouge de Rubis
  11. Rouge de carmin
  12. Alizarine ou Laque de garance rouge clair
  13. Rouge anglais
  14. Violet quinacridone
  15. Rose quinacridone
  16. Violet
  17. Bleu Outremer
  18. Bleu de Cobalt
  19. Bleu d’azur
  20. Bleu indanthène
  21. Bleu turquoise
  22. Bleu Céruléum
  23. Indigo
  24. Vert jaune ( Vert de Cobalt)
  25. Vert émeraude naturelle
  26. Vert ( Vert de Cobalt foncé )
  27.  Vert olive
  28. Vert Oxyde de Chrome
  29. Terre de Sienne naturelle
  30. Terre de Sienne brûlée
  31. Terre d’ombre
  32. Terre d’ombre brûlée
  33. Brun de Mars
  34. Sépia
  35. Noir neutre
  36. Gris de Payne

Faites attention, les caractéristiques (opacité, intensité, transparence)  des couleurs appartiennent aux couleurs de ce fabricant !  Chez les autres fabricants les mêmes couleurs peuvent avoir des caractéristiques légèrement différents et mêmes les couleurs qui portent les mêmes appellations peuvent avoir des teintes un peu différentes.  

Les couleurs d’aquarelle White Night

1 .Blanc

Je déconseille d’utiliser cette couleur pour la peinture en aquarelle. Blanc dans l’aquarelle, c’est la couleur du papier ! Dans les techniques mixtes vous pouvez toujours utiliser le blanc de gouache. Pour garder les endroits qui doivent rester blancs dans votre peinture d’aquarelle, comme par exemple les tâches de lumière, vous pouvez utiliser le liquide de masquage.

2 .Jaune de cadmium citron

Couleur opaque. Je ne vous conseille pas de l’utiliser dans les glacis car elle est très mal absorbée par le papier et trop couvrante. En mélange avec le noir elle donne de jolies nuances du vert chaud.

3 .Jaune de Cadmium moyen

Bonne couleur opaque, surtout pour les premières couches de peinture et dans le fondu et en mélange avec d’autres couleurs opaques.

4 .Hansa jaune

Jolie couleur semi-opaque. Très jolie pure et en mélange avec toutes les couleurs.

5 .Ocre jaune

Belle couleur semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

6. Ocre d’or

C’est une couleur semi-opaque. Elle est assez puissante et dans les mélanges je vous conseille de faire attention à la proportion de cette couleur.

7. Orange foncé. (Orange de cadmium)

Couleur assez opaque. Elle se mélange bien avec tous les couleurs opaques.

8. Rouge de Titien

Couleur chaude, opaque et puissante.

9. Rouge de Cadmium

Couleur opaque qui se mélange très bien avec la majorité des couleurs, surtout avec les couleurs opaques. 

10. Rouge de Rubis

Belle couleur transparente. Assez froide. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

11.Rouge de carmin

Couleur transparente, très froide. Cette belle couleur se mélange bien avec toutes les couleurs.

12.Alizarine

Très belle couleur transparente. Se mélange avec toutes les couleurs. Chez ce fabricant dans les boîtiers aquarelle de 36 couleurs, Alizarine est parfois remplacée par Le Laque de garance rouge clair qui la remplace bien car il a presque les mêmes caractéristiques.

13. Rouge anglais

Jolie couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs opaques.

14. Violet quinacridone

Belle couleur transparente. Très jolie en mélange avec les rouges et dans les fondus.

15. Rose quinacridone

Couleur transparente et assez puissante. Dans les mélanges et les fondus elle a tendance de dominer les autres couleurs.

16. Violet

Couleur transparente et puissante. Comme la Rose quinacridone,  elle a aussi la tendance de dominer les autres couleurs.

17. Bleu Outremer

Très belle couleur transparente. Se mélange avec toutes les couleurs.

18. Bleu de Cobalt

Jolie couleur transparente. Très douce. Très jolie pure dans les glacis. Se mélange avec toutes les couleurs.

19. Bleu d’azur

Couleur assez transparente et puissante. Jolie en mélange avec les jaunes, les ocres et les verts et les bleus.

20. Bleu indanthène

Belle couleurs transparente. Dans les mélanges rends les autres couleurs froides plus profondes.

21. Bleu turquoise

Couleur transparente. Jolie en mélange avec les verts et les bleus.

22. Bleu Céruléum

Couleur opaque et granulée. Il peut être utilisé pur ou en petit pourcentage dans les mélanges.

23. Indigo

Couleur transparente. En mélange avec les verts froids et les bleus rends les couleurs plus profondes.

24. Vert jaune ( Vert de Cobalt)

Jolie couleur semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

25. Vert émeraude naturelle

Couleur transparente et très puissante. Dans les mélanges domine les autres couleurs.

26. Vert ( Vert de Cobalt foncé )

Très belle couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs, très jolie dans les fondus.

27. Vert olive

Jolie couleur semi-opaque ou plutôt opaque. Très jolie pur. Se mélange bien avec les couleurs opaques.

28. Vert Oxyde de Chrome

Couleur très opaque. Peut-être trop couvrante. Se mélange avec les couleurs opaques et semi-opaques.

29. Terre de Sienne naturelle

Très jolie couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

30. Terre de Sienne brûlée

Belle couleur opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs

31. Terre d’ombre

Très jolie couleur opaque. Se mélange bien avec les Terres, les verts et les ocres

32. Terre d’ombre brûlée

Très belle couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

33. Brun de mars

Jolie couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

34. Sépia

Belle couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

35. Noir neutr

Couleur semi-opaque. Donne de jolies nuances de vert chaud en mélange avec les jaunes.

36. Gris de Payne

Couleur semi-opaque ou plutôt opaque.

Un conseil…

En conclusion je veux vous donner un conseil. Je répète ce conseil à chaque fois que je parle du mélange des couleurs. Si vous respectez les règles de mélange des couleurs vous pouvez facilement faire de jolis mélanges. Et plus que vous pratiquez l’aquarelle, plus c’est facile.

Dans mon article Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle vous pouvez l’information sur le mélange des couleurs qui convient pour toutes les marques d’aquarelle et voir les exemples pratique du mélange des couleurs.

Donc les règles principales du mélange des couleurs d’aquarelle qui marchent bien sûr pour l’aquarelle White Night, mais encore pour toutes les autres marques d’aquarelle.

1. Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques.

2. Si vous travaillez avec les glacis, prenez toujours en considération les couleurs de la couche inférieures de votre peinture, car elles vont influencer les couleurs de la couche supérieure. Si dans chaque couche vous mélangez trop de couleurs, cela peut rendre votre peinture boueuse et fatiguée.

3. Utilisez principalement les couleurs mono-pigmentaires. Si vous utilisez les couleurs bi-pigmentaires, ne mélangez-les pas avec plus qu’une couleur ou utilisez- les sans mélange.

Et encore un petit secret ! J’ai remarqué que la peinture et plus jolie et moins fatiguée, si l’on travaille dans les glacis au début avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides. Si les couleurs chaudes (elles sont souvent opaques ou semi-opaques, donc plus couvrantes) sont posées par-dessus les couleurs froides (les bleus par exemples qui sont souvent transparentes), cela peut rendre la peinture lourde et fatiguée. Alors que si l’on met les couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes, on obtient la peinture plus légère et pure.   

Les aquarelles de mes élèves réalisées avec l’aquarelle White Night.

Nature morte réalisée avec l' aquarelle White Night
Nathalie Deniskina. Nature morte campagnarde. Aquarelle.
Portrait réalisé avec l' aquarelle White Night
Anne Nicol. Portrait du fils. Aquarelle.
Tatiana Viazgitcheva. Paysage réalisé avec l' aquarelle White Night
Tatiana Viazgitcheva. Paysage avec le lac. Aquarelle.
Une rose réalisée avec l'aquarelle White Night
Oxana Poltavtseva. Une rose. Aquarelle.

On ne voit pas souvent les boîtes d’aquarelle White Night dans les boutiques pour les artistes, mais on trouve cette aquarelle chez Amazon.

Boîte de 36 couleurs

Boîte de 24 couleurs

et chez Géant des beaux-arts.

Merci d’avoir lu cet article, j’espère qu’il était utile pour vous. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Chers lecteurs  : Tous mes liens vers Amazon sont des liens affiliés me permettant de toucher entre 4 et 6% du montant de ce que vous achetez, sans évidemment que cela augmente le prix final que vous allez payer.  Ces commissions permettent à ce blog de générer une partie du chiffre d’affaires qui me permet de vous offrir autant de contenu gratuitement, donc merci si vous passez par mes liens pour acheter ces produits ! Et je ne recommanderais jamais un produit que je n’estime pas sincèrement être un produit de qualité et que je ne recommanderais pas à ma mère. J’ai une réputation à entretenir, et j’ai à cœur de vous apporter le maximum de valeur !  

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Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle

Dans cet article on va voir comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

En fait il y a beaucoup de tutoriels qui parlent du mélange des couleurs. Mais en réalité il est très difficile de l’apprendre avec même les meilleurs tutoriels. Il est impossible d’expliquer et montrer des millions des teintes et des nuances des couleurs qu’on peut obtenir. Le mélange des couleurs se fait automatiquement et selon votre expérience. Donc dans cet article je partagerai avec vous les méthodes comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

Qu’est-ce qu’il faut savoir à propos des couleurs d’aquarelle

Les pigments d’aquarelle sont les pigments qui s’utilisent pour toutes les autres techniques de peinture. Bien sûr qu’il y a les pigments qui appartiennent uniquement à telle ou telle technique. Il y a les pigments de la peinture à l’huile que l’on ne trouve pas dans l’aquarelle puis qu’ils sont trop opaques. Mais en général ce sont les mêmes pigments.

Souvent on appelle l’aquarelle la peinture à l’eau. Mais en pratique l’eau ne sert que de diluant pour l’aquarelle. Les couleurs d’aquarelle sont fabriquées à partir de pigments et  de gomme arabique, de glycérine, du miel ou du sucre, de la dextrine de pomme de terre (pour certains pigments).

Comment réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle

Une chose qui est très importante à comprendre pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle c’est que Les couleurs d’aquarelles sont des couleurs transparentes. Toutes ! Dans beaucoup de tutoriels on peut trouver l’information que les couleurs d’aquarelle peuvent être transparentes et opaques, semi-opaques. Oui et non. Tout est relatif. Si l’on compare les couleurs d’aquarelle avec les couleurs d’huile, les couleurs d’aquarelles sont transparentes.

Cela veut dire si on met une couche de peinture d’aquarelle et après que l’on met une couche supérieure de peinture aquarelle ( en la diluant bien quand même avec de l’eau ) on pourra voir la couche inférieure à travers la couche supérieure.  En plus les couleurs de la couche inférieure vont influencer les couleurs de la couche supérieure.

Mais parmi les couleurs d’aquarelle il y a les couleurs qui sont plus transparentes que les autres.

Donc les couleurs d’aquarelle transparentes sont : Bleu outremer, Bleu de Cobalte, Bleu de Prusse, Rouge Vermillon, Carmin, Rouge Rubis, Vert émeraude, Alizarine, Laque de Garance etc… ( mais faites attention, les couleurs peuvent avoir les caractéristiques différentes en fonction de la marque choisie). Ce sont les pigments qui se diluent plus facilement, font des mélanges assez uniformes et s’absorbent bien par le papier. Cela explique leur transparence car la transparence est tout simplement la capacité de la couleur laisse passer la lumière reflétée d’un feuille de papier blanc.

Les couleurs plus opaques sont : Jaune de Cadmium, Jaune de Cadmium Citron, Vert oxyde de Chrome, Terre de Sienne, Terre de Sienne brûlée, Terre d’Ombre, Rouge anglais, Sépia ( faites attentions à la marque ! ) Ce sont les couleurs plus épaisses qui laissent passer moins facilement la lumière. Elles ne s’absorbent pas aussi facilement que les couleurs transparentes par une feuille de papier. Souvent elles sont assez granulées.

Comment mélanger les couleurs transparentes et opaques.

Quand on mélange uniquement les couleurs transparentes on obtient évidement les mélanges transparents.

Si l’on mélange la couleur transparente avec la couleur opaque, la couleur obtenue après le sèchement peut devenir assez fade. Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas du tout mélanger les couleurs transparentes avec les couleurs opaques. Il faut juste réspecter la règle qui nous dit qu’il ne faut pas mélanger plus que 2 couleurs ensemble dans les mélanges des couleurs opaques et les couleurs transparentes avec les couleurs opaques.

Et si l’on veut mélanger les couleurs opaques avec les couleurs opaques on obtient une couleur uniforme mais moins saturée que dans les mélanges des couleurs transparentes.  

Je voudrais quand même vous faire remarquer que la transparence des couleurs dépend souvent de la marque et de la méthode de fabrication. Donc faites toujours attention à cela et faites des essais des nouveaux couleurs avant de les utiliser dans votre peinture. Les appellations des couleurs peuvent changer en fonction de la marque. Donc faites des essais. 

Conseil important pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle

Le conseille que je peux vous donner, minimalisez l’utilisation de couleurs composées. Utilisez plutôt dans vos mélanges les couleurs pures (mono pigmentaires). Cela fera des mélanges beaucoup plus propres sans risque d’obtenir des mélanges boueux. Mais même quand vous mélangez les couleurs pures, faites toujours attention à la couche inférieure, aux couleurs de la couche inférieure. Si vous avez déjà utilisé plusieurs couleurs pour la couche inférieure, essayez de minimaliser les mélanges de la couche supérieure.

Dans ma boite d’aquarelle la majorité des couleurs, ce sont les couleurs mono- pigmentaires.

la nuancier.
le nuancier de ma boîte d’aquarelle

Donc trois règles pour bien mélanger les couleurs à l’aquarelle.

1.Ne mélangez jamais plus de 3 couleurs ensemble !

Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs opaques et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs transparentes.

Cela vous aidera à garder la pureté de vos mélanges.

Comme dans l’aquarelle on utilise beaucoup de glacis, les couleurs de la couche inférieure influencent les couleurs de la couche supérieure et si dans chaque couche vous mélangez beaucoup de couleurs cela peut rendre votre peinture boueuse.

Il vaut mieux même de ne pas mélanger plus que 2 couleurs si vous compter après mettre encore quelques couches de peinture. Encore mieux utiliser pour la première couche la couleur pure.

2. Travaillez d’abord avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides.

Il vaut mieux couvrir les couleurs chaudes comme par exemple l’Ocre, la Terre ou le jaune de Cadmium par les couleurs froides comme le bleu de Cobalt ou le bleu Outremer, Carmin, Alizarine et ne pas faire le contraire. Les couleurs chaudes sont les couleurs qui sont généralement plus opaques. Et les couleurs froides sont souvent transparentes. C’est donc mieux de mettre dans la couche supérieure plutôt les couleurs transparentes.

3. Diluez bien les couleurs avec de l’eau.

Et faites attention, travaillez sur une couche de peinture complétement sèche ou très humide pour faire les fondus par exemple. Evitez de peindre sur une couche demi-sèche. L’eau de la couche supérieure va déchirer la peinture de la couche inferieure si elle n’a pas encore assez sèche ou bien assez humide pour que la couleur de la couche supérieure puisse s’intégrer dans la couche inferieure.

Regardons les caractéristiques des couleurs et pourquoi il y des couleurs qui sont plus utilisées que d’autres.

Jaune de Cadmium Citron

C’est une couleur très opaque. Si vous la mélangez avec le Jaune de Cadmium Moyen ou le Noir (pour obtenir la couleur Verte) elle donnera de jolis mélanges.

Mais à part cela c’est une couleur trop opaque pour être utilisée dans les couches finales car elle va couvrir complétement les autres couches de peinture et va dominer les autres couleurs.

Pour la première couche je vous conseille de l’utiliser uniquement en petit pourcentage et en mélange avec le Jaune de Cadmium Moyen.

Jaune de Cadmium Moyen

C’est une couleur assez opaque mais elle donne de jolis mélanges.

J’utilise souvent cette couleur pure ou en mélanges avec l’Ocre (couleur opaque) ou le Rouge de Cadmium (couleur opaque) dans la première couche de ma peinture.

Cette couleur donne de jolis mélanges avec presque toutes les autres couleurs, mais évitez de la mélanger avec plus d’une couleur.

Comment mélanger les couleurs. Une pomme. Première couche de la peinture
Par exemple pour peindre cette pomme j’ai choisi la technique du glacis. Pour faire la première couche de peinture j’ai mélangé le jaune de Cadmium citron et le jaune de Cadmium moyen et, pendant que la couche de peinture était encore humide, j’ai rajouté un peu de Rouge de Cadmium clair dans le fondu.

Ocre claire.

Chez certains fabricants cette couleur peut être remplacée par la Laque jaune, qui a les mêmes caractéristiques (peut-être un peu plus transparente).

C’est une bonne couleur. Elle donne de beaux mélanges, surtout avec les couleurs de Terre, Sépia, Verts, jaune de Cadmium Moyen.

N’hésitez pas à mélanger cette couleur avec les autres couleurs, mais pas plus que deux couleurs dans un même mélange.

Ocre jaune

Couleur assez vive, un peu plus transparente que l’Ocre claire (cela dépend de la marque).

Chez certains fabricants cette couleur est remplacée par le Jaune de Naples (c’est une couleur composée et opaque). J’ai aussi remarqué que chez les fabricants differants l’ocre jaune peut avoir les teintes légèrement differantes.

L’Ocre Jaune donne de beaux mélanges avec :

le Jaune de Cadmium Moyen

l’Ocre claire

l’Orange de Cadmium

Le vert de Cobalt

La Terre brulée, la terre d’Ombre

Et avec d’autres couleurs opaques dans les mélanges de deux couleurs.

Comment mélanger les couleurs à l'aquarelle. deuxième couche de peinture.
Dans la deuxième couche de la peinture sur la pomme j’ai rajouté un peu d’ocre jaune et le Rouge de Cadmium. Pour faire la première couche de peinture sur le fond j’ai mis l’ocre jaune, l’ocre d’or et le jaune de Cadmium moyen. Je les ai mises pures sur le papier et les ai laissées se mélanger directement sur la feuille dans le fondu.

Orange de Cadmium

C’est une couleur opaque. Elle fait de jolis mélanges avec :

le Jaune de Cadmium

Le Rouge de Cadmium

Le Vert de Cobalt

Et toutes les couleurs de la Terre

Quand je vous dis que cette couleur se mélange avec telle ou telle couleur, cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas la mélanger avec les autres couleurs.

Il faut juste respecter la règle de ne pas mélanger plus de deux couleurs pour les couleurs opaques et plus de trois couleurs pour les couleurs transparentes.

Ocre d’Or.

C’est une jolie couleur assez opaque.

Elle se mélange bien avec :

Le Jaune de Cadmium

Le Rouge Anglais

Le Rouge de Cadmium

Le Vert de Cobalt

Le Vert Emeraude

Le Bleu de Cobalt, le Bleu Outremer

Les couleurs de la Terre… etc…

En fait l’Ocre d’Or fait de jolis mélanges avec presque toutes les couleurs. Il faut juste bien mesurer les proportions des couleurs dans le mélange. Mais cela vous arriverez vite à le gérer après seulement quelques essais !

Terre de Sienne.

Belle couleur assez opaque qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.

En mélange avec le Bleu Outremer et le Bleu d’Azur, elle donne des nuances riches de Gris.

Quand je vous parle d’opacité des couleurs, c’est uniquement parce que les couleurs les plus opaques se mélangent mieux avec les couleurs opaques.

Le mélange d’une couleur opaque avec une couleur transparente peut devenir assez fade après séchage.

Mais cela ne veut pas dire qu’il ne faille pas du tout les mélanger !

Il faut encore une fois juste respecter la règle de mélange : pas plus que deux couleurs pour une couche !

Terre d’Ombre

Cette belle couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs.

Elle assez opaque comme toutes les couleurs de Terre et d’Ocre.

Faites attention ! Quand je dis « couleur opaque » cela veut dire que cette couleur est opaque par rapport aux couleurs transparentes de cette même marque.

Je veux vous rappeler que toutes les couleurs d’aquarelle sont transparentes.

Cela veut dire qu’au travers de la couche supérieure de la peinture on verra les couleurs de la couche supérieure.

La couche de peinture doit être toujours transparente !

9. Rouge Anglais

C’est une couleur assez opaque, mais elle donne de beaux mélanges avec les autres couleurs opaques.

L’opacité d’une couleur dépend aussi de la marque.

Les différents fabricants n’utilisent pas les mêmes compositions des couleurs, même si le pigment reste le même.

Donc l’intensité, l’opacité et la concentration d’une couleur dépend beaucoup de la marque.

Alors si vous avez acheté une nouvelle boîte d’aquarelle d’un fabricant différent de celle que vous aviez avant, faites un nuancier des couleurs pour comprendre leurs caractéristiques.

Rouge de Cadmium

C’est une couleur assez opaque et très forte comme la plupart des couleurs de Cadmium.

Cette couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs, surtout avec les couleurs opaques.

Quand vous mélangez des couleurs ne restez pas coincés sur la théorie !

J’adore la théorie, car je trouve que la théorie est une base forte pour la pratique et c’est pour cela que je sépare toujours les articles de mon blog entre deux parties, une théorique et une autre pratique.

Mais ici, c’est peut-être la première fois que je vous dis :

La théorie ne sert pratiquement à rien ! Mélangez les couleurs comme vous le sentez !

Respectez juste les deux règles :

Les couches doivent être toujours transparentes et ne mélangez pas plus que deux – trois couleurs.

Travaillez le plus possible avec les couleurs pures sans mélange si vous faites des glacis !

Priviligez les couleurs mono-pigmentaires.

Pomme Trosième couche de peinture. Comment melanger les couleurs à l'aquarelle.
Pour faire la troisième couche de peinture sur la pomme j’ai rajouté dans la partie éclairée un peu de vert de cobalt et un peu d’ocre jaune ( j’ai mis chaque couleur pure, sans mélange, car j’avais déjà deux couleurs mélangées dans la première couche de ma peinture) Et dans la partie d’ombre j’ai rajouté l’Alizarine.

Rouge de Carmin

Voilà bien la première couleur transparente de la liste.

C’est une couleur pure qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.

Les couleurs transparentes.

Les couleurs transparentes sont les couleurs qui se diluent très bien dans l’eau.

Elles sont bien absorbées par la feuille de papier et elles laissent facilement passer la lumière réfléchie du papier blanc.

Les couleurs opaques.

Les couleurs opaques ne sont pas bien absorbées pas bien par le papier et forment donc une couche de peinture qui reste plus à la surface du papier.

Elles sont plus granulées et épaisses, et souvent moins saturées.

Alizarine

Alizarine ! La reine des couleurs ! Ce n’est pas par hasard si les peintres l’appellent  « le sang de la peinture » !

On ne peut pas imaginer la peinture sans cette magnifique couleur.

C’est une couleur transparente qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs

En la mélangeant avec le Bleu d’Outremer vous pouvez obtenir une très belle couleur Violette foncée.

Laque de Garance rouge claire

C’est une très jolie couleur. Elle a pratiquement les mêmes caractéristiques que l’Alizarine et peut la remplacer dans votre palette.

Bleu d’Azur

C’est une couleur très puissante, assez transparente qui donne de jolis mélanges.

 l donne de jolies nuances de Vert en mélange avec le Jaune de Cadmium citron et le jaune de cadmium moyen.

Mais faites attention, si vous mélangez cette couleur avec plus que deux couleurs, le mélange deviendra lourd et parfois boueux.

Ne mélangez pas cette couleur avec plus qu’une autre couleur dans une couche de peinture si vous avez prévu de faire encors quelques couches.

Bleu de Cobalt

Couleur assez transparente et douce. Elle est très jolie pure, sans mélange, en glacis, et en mélange avec les autres couleurs elle donne des jolies nuances de Gris, Vert ou Bleu.

Bleu Outremer

Couleur magnifique ! Très transparente et assez puissante. Elle se mélange avec toutes les autres couleurs.

Violet

C’est une couleur assez transparente et assez puissante.

Mais faites attentions, cette couleur a la tendance à dominer les autres couleurs.

Cette couleur s’utilise rarement pure parce que trop puissante.

Je n’utilise pas beaucoup cette couleur, je préfère la composer moi-même en utilisant toute la gamme des Bleus et Rouges.

Vert de Cobalt

C’est une couleur semi-opaque. Elle est très jolie en mélanges avec pratiquement toutes les autres couleurs.

Elle faut surtout de beaux mélanges avec :

Le Jaune de Cadmium

les Ocres

Le Bleus

Et parfois avec les Terres

En mélangeant cette couleur avec les Rouges vous pourrez obtenir des nuances de Brun.

Vert Oxyde de Chrome

C’est une couleur très opaque. Il y a encore cinquante ans vous ne trouviez pas cette couleur parmi les couleurs d’aquarelle.

C’est la couleur qui appartenait uniquement à la palette de coloris de la  peinture à l’huile, car elle était considérée comme trop opaque pour l’aquarelle.

C’est une couleur jolie pure et en mélanges avec les couleurs opaques. Je vous conseille de l’utiliser vers la fin de  votre peinture, dans les couches finales.

Vert émeraude

C’est une couleur transparente et puissante. Elle est toujours absorbée par le papier et est difficile à enlever avec l’éponge. Cette couleur est rarement utilisée pure à cause de sa puissance, mais elle fait de jolis mélanges avec toutes les couleurs.

Terre verte

C’est une couleur assez opaque comme toutes les Terres. Elle fait de jolis mélanges avec :

Les Terres

Les Jaunes

Les Ocres

Les Verts

Terre de Sienne brulée

C’est une couleur de Terre donc elle est assez opaque, et je dirais plutôt semi-opaque. Cette couleur se mélange bien avec toutes les autres couleurs mais il faut en surveiller la proportion.

Avec les Jaunes, les mélanges peuvent devenir boueux.

Pomme. La couche finale. Comment mélanger les couleurs à l'aquarelle.
Voici la couche finale de ma peinture. Sur la pomme j’ai rajouté un peu de bleu de Cobalt et de la terre d’Ombre. Pour faire l’ombre réfléchie sur la pomme j’ai rajouté un peu de jaune de Cadmium moyen. Pour peindre une feuille de papier j’ai mis les couleurs chaudes ( ocre, jaune, rouge en les ayant bien diluées avec de l’eau) et je les ai laissées se mélanger sur la feuille. Ensuite pour faire les ombres portées j’ai utilisé le bleu de Cobalt et le Bleu outremer en les mélangeant soit avec un peu d’alizarine, soit avec un peu de Terre de Sienne. Et pour faire l’endroit très foncé sous la pomme j’ai mélangé le bleu outremer avec la Sépia.
Pour peindre la texture du bois j’ai utilisé la terre de Sienne et la Terre d’Ombre brulée. Et ensuite j’ai rajouté encore une couche de peinture pour faire les ombres. Pour prendre les ombres j’ai utilisé le Bleu de Cobalt, Le bleu Outremer et un peu de Terre d’Ombre brulée.

Sépia

Bonne couleur semi-opaque. Elle se mélange très bien avec toutes les autres couleurs de Terre et les Verts.

Avec les Bleus elle fait de jolies nuances de Gris.

Terre d’ombre brulée

Bonne couleur semi-opaque qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs. Juste avec le jaunes il faut bien mesurer la proportion pour ne pas obtenir une couleur boueuse et trop opaque.

Noir (Noir de fumée, Noir d’ivoire, Noir de Mars)

C’est la couleur qui n’est pas obligatoire. Vous pouvez facilement la composer vous-même en mélangeant par exemple le Vert, le Rouge et le Bleu.

Mais je garde cette couleur dans ma boîte d’aquarelle car, en cas de mélanges avec les jaunes, elle donne de très jolies et riches nuances de Vert.

Blanc

Parlons un peu de la couleur qui est absente de la palette de l’aquarelliste ! C’est la couleur blanche.

Dans l’aquarelle, comme c’est la peinture qui est transparente, le blanc c’est aussi la couleur du papier. Il y a des techniques d’aquarelle (plutôt des techniques mixtes) où vous pouvez quand même utiliser le blanc mais ce sera du blanc de gouache. Chez beaucoup de fabricants vous pouvez trouver cette couleur dans les boîtes d’aquarelles de 36 couleurs.

Si vous trouvez le blanc dans votre boîte d’aquarelle, ne l’utilisez pas, s’il vous plaît.  Vous risqueriez d’abîmer votre peinture !

Donc pour apprendre à mélanger les couleursà l’aquarelle il faut juste se souvenir de ces 5 règles :

1.Ne pas mélanger plus de trois couleurs (et seulement deux pour les couleurs opaques).

2. Toutes les couches de peinture doivent être transparentes.

3. En mettant la couche supérieure de la peinture prendre en considération les couleurs de la couche inférieure.
Si vous avez déjà fait plusieurs couches de peinture, essayez de travailler par-dessus avec une couleur unique et plutôt transparente pour éviter que votre peinture devienne boueuse et « fatiguée ».

4. N’utilisez pas beaucoup de couleurs. Pour réaliser une aquarelle il vous suffit d’avoir 12 couleurs (principalement les couleurs primaires Rouge, Bleu et Jaune).

5. Travaillez de préférence avec les couleurs mono-pigmentaires.    

Les 12 couleurs que je vous conseille d’avoir dans votre boîte de peinture en aquarelle.

  1. Jaune de Cadmium Moyen (opaque et semi-opaque)
  2. Ocre Claire ou Ocre Jaune (opaque et semi-opaque)
  3. Ocre d’Or ou Terre de Sienne (opaque et semi-opaque)
  4. Orange de Cadmium (opaque)
  5. Rouge de Cadmium (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  6. Rouge de Carmin ou Rouge de Rubis (transparente)
  7. Alizarine (transparente)
  8. Bleu d’Outremer (transparente)
  9. Bleu de Cobalt (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  10. Bleu d’Azur (transparente)
  11. Terre d’Ombre brulée (opaque et semi-opaque)
  12. Sépia (opaque et semi-opaque)

Les 17 couleurs supplémentaires que vous pouvez avoir et qui vous a :

  1. Jaune de Cadmium foncé (opaque et semi-opaque)
  2. Jaune de Cadmium claire (opaque et semi-opaque)
  3. Laque de Garance (transparente)
  4. Violet de Cobalt, Violet de Cobalt foncé (transparentes mais bi-pigmentaires)
  5. Terre d’Ombre naturelle (opaque et semi-opaque)
  6. Terre de Sienne brulée (opaque et semi-opaque)
  7. Vert Emeraude (transparente mais bi-pigmentaire)
  8. Vert de Cadmium clair et Terre Verte (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  9. Brun Van Dyck (semi-opaque)
  10. Noir (peut être transparent ou opaque, cela dépend de la marque)
  11. Violet quinacridone ( transparent )
  12. Rouge Anglais (opaque)
  13. Indigo (transparent ou semi-opaque)
  14. Bleu de Céruléum (assez opaque, je ne conseillerais pas cette couleur pour un débutant)
  15. Jaune de Naples (opaque)
  16. Bleu indanthène. (transparente ou semi-opaque )
  17. Bleu de Prusse (transparente )

Faites attention ! Les couleurs et leurs caractéristiques décrites dans cet article n’appartiennent pas à une marque d’aquarelle particulière. Comme je ne sais pas quelle marque d’aquarelle vous urtilisez je vous ai donné des caractéristiques des couleurs que vous pouvez trouver presque chez tous les fabricants.

Dans un de mes prochains articles je vous donnerai le nuancier et les caractéristiques des couleurs de la marque White Night ( les fameuses Nuits Blanches de St Pétersbourg ) que j’utilise moi-même.

Maintenant je vous invite à regarder la vidéo que je viens de publier sur ma chaîne YouTube “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”. Dans cette vidéo vous pourrez trouver des exemples pratiques du mélange des couleurs, couleur par couleur.

Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle

Je vous propose également de faire quelques exercices sur le mélange des couleurs. Vous pouvez commencer par mélanger les couleurs librement comme vous l’avez vu dans cette vidéo pour pouvoir sentir leurs textures et leurs capacités et ensuite je vous propose de faire les exercices de mon article Mélange des couleurs à l’aquarelle. Exercices. pour apprendre à gérer les couleurs et les appliquer sur le papier.

Je vous mets également les liens des articles qui pourraient vous intéresser. “Comment peindre une nature morte à l’aquarelle”, “Comment peindre la mer en aquarelle”

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, posez-les dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider !

Merci et à bientôt ! 🙂

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Comment dessiner un cheval

Dans cet article je vais vous parler de comment dessiner un cheval. C’est un sujet très complexe. Dessiner un cheval est souvent plus difficile qu’une personne. Même les artistes peintres professionnels évitent souvent de dessiner un cheval dans la perspective et dans les positions difficiles. Et c’est dommage. Le cheval est un animal magnifique !

Si vous lisez cet article, cela signifie que vous avez déjà lu le premier article de mon tutoriel “Apprendre à dessiner un cheval” dans lequel je parle de l’anatomie du cheval, des proportions, des allures, des positions et des mouvements et beaucoup d’autres informations importantes à connaitre pour apprendre à dessiner un cheval correctement. Si vous ne l’avez pas lu je vous conseille fortement de le lire pour que ce tutoriel soit le plus complet, le plus compréhensible et plus utile pour vous.

Comme j’aborde un sujet très complexe, j’ai été obligé de séparer mon tutoriel en trois articles.

1. Apprendre à dessiner un cheval (Anatomie du cheval) Article précédent.

2. Comment dessiner un cheval. Toutes les méthodes pour réussir votre dessin.( l’article que vous lisez actuellement).

3. Comment dessiner un cheval étape par étape dans lequel je vais réaliser devant vous le dessin d’un cheval pour vous montrer le processus du travail étape par étape. ( cet article sera publié prochainement ).   

Donc article 2.

Comment dessiner un cheval.

Dans cet article je vous donnerai les méthodes pour dessiner un cheval.

Je sais que souvent on a tellement envie de passer directement à la pratique et éviter la théorie qui nous parait longue, inintéressante et peu utile. Mais je vous assure que, pour apprendre à dessiner un cheval correctement on ne peut pas s’en passer. Donc je vous conseille de lire cet article “Comment dessiner un cheval” avant de passer à l’article 3 de ce tutoriel “Comment dessiner un cheval étape par étape” qui est très pratique.

Pour comprendre comment dessiner un cheval, il faut que l’on parle de plusieurs étapes d’apprentissage.

1. Pour apprendre à dessiner un cheval il est très souhaitable de commencer par faire des croquis rapides d’après nature pour apprendre à capter le mouvement du cheval.

2. S’il y a la possibilité de dessiner à partir du modelage d’un cheval ou de sculptures équestres. (Cela aide à étudier tranquillement chaque volume et chaque détail). Vous pouvez bien sûr faire quelques dessins d’après des photos. Mais dans ce cas il vous fait choisir une photo sur laquelle vous voyez clairement tous les volumes et où il n’a pas de déformations visuelles des formes. Moi je suis plutôt partisane de dessiner à partir de sculptures, car sur les sculptures on voit toutes les formes en volume et on ne risque pas de faire une faute à cause du fait qu’on ne voit pas toutes les formes correctement et en volume.

Comment dessiner un cheval. Dessin d'après une modelage du cheval de Peter Clodt.
Dessin d’après un modelage du cheval de Peter Clodt.

Bien sûr, si vous n’avez pas de cette possibilité, commencez par étudier de bonnes photos de chevaux. Vous pouvez également faire quelque copies de dessins ou de peintures équestres des grands artistes peintres.

Mais ici faites très attention, dans chaque époque existaient des canons définissant comment dessiner un cheval. Et oui…, tout comme pour dessiner un corps humain ou un visage il existe de nombreux canons. Je vous conseille de prendre pour copier les dessins et les peintures de Rubens, Géricault, Delacroix, Leonard de Vinci, Serov, Samokich, les sculptures, même en photo, Evgueni Lanceray, Peter Clodt. Bien sûr ils ne sont pas seuls à bien dessiner des chevaux, mais c’est juste que pour moi, en vous conseillant de copier des peintures de ces peintres je suis sûre que vous allez copier les dessins qui sont très corrects et qui ne sont pas énormément influencés par les canons et la mode qui existaient à leur époque. 

3. Et la troisième étape. Essayons de dessiner un cheval d’après nature. Cela ne sera pas déjà un croquis rapide, mais le vrai dessin en détails. D’un premier regard il semble que ce soit  impossible. Comment dessiner un cheval s’il bouge tout le temps ?! Mais il y a une technique pour cela aussi. C’est pour cela que je vous ai conseillé tout d’abord de commencer par dessiner des croquis rapides. Comme cela vous allez vous préparer aux dessins plus longs en durées.

Donc comment dessiner un cheval d’après nature.   

Pour faire des croquis il vous suffit d’avoir un bloc note, un crayon H2 – H5et une gomme.

Admettons que vous ayez commencé à dessiner un cheval qui se promène dans le pré. Vous avez commencé votre dessin, mais le cheval ne vous attend pas, il se déplace.
Quoi faire !? Vous laissez tout simplement votre croquis inachevé, ( mais vous le gardez ! ) et vous passez à un autre croquis. Le cheval bouge et change de position encore, vous passez à un autre croquis sans avoir fini le croquis précédant. Et vous surveillez, dès que le cheval a pris la position d’un de vos croquis vous y revenez pour le finir.

Croquis. Comment dessiner un cheval.
Croquis. Cheval avec son attelage.

En fait, un cheval au pâturage n’a pas beaucoup de positions différentes et à un moment ou un autre il va revenir dans la position dont vous avez besoin. Peut-être que ce ne sera pas à 100% la position que vous avez dessiné, mais elle en sera très proche. Et notre but quand on fait des croquis, ce n’est pas dessiner précisément chaque forme, mais de capter le mouvement, le caractère d’un cheval concret et sa silhouette.

Comment dessiner un cheval. Croquis rapides.
Croquis rapides faits d’après nature

Mais avant de commencer à dessiner d’après nature je vous conseille fortement d’étudier l’anatomie d’un cheval, ses proportions ( vous pouvez le trouver dans mon article “Apprendre à dessiner un cheval”) et types en fonction de la race. Cela aide énormément ! Croyez-moi !

Cela aide surtout quand on veut passer à l’étape suivante, le dessin d’un cheval d’après nature. Ce n’est pas déjà un croquis ! Sur ce dessin on peut travailler plusieurs heures.  

Quand on dessine une personne, on utilise des méthodes qui nous aident à construire notre dessin, notamment on utilise la méthode de comparaison, on mesure des proportions, on détermine une ligne centrale auxiliaire qui nous aide à capter le mouvement. Tout à fait pareil quand on veut dessiner un cheval.

La ligne centrale auxiliaire du cheval

La ligne centrale auxiliaire, on peut la voir quand on essaie de dessiner un cheval de face, dans la position ¾ et vue de l’arrière. Sur ce dessin vous pouvez voir la ligne centrale auxiliaire en plusieurs positions. Pour apprendre à capter la ligne centrale qui détermine la position et le mouvement d’un cheval, vous pouvez vous entrainer en regardant et en dessinant d’après des photos de chevaux dans différentes positions. Il est très utile également d’apprendre à capter le mouvement en utilisant les schémas simples comme celui-ci.

Comment dessiner un cheval. La ligne centrale
La ligne centrale auxiliaire.

Et bien sûr quand vous dessinez un cheval, n’oubliez pas d’utiliser les règles de la perspective et la méthode de comparaison. Et fait je vous conseille comme d’habitude de commencer à dessiner le cheval selon votre impression sans corriger et mesurer des proportions et ensuite d’utiliser la méthode de comparaison pour vérifier et peut-être corriger votre première impression. La première impression est souvent la bonne. En plus elle sert de point de départ pour notre dessin. Et bien sûr avant de dessiner n’oubliez pas de tracer la place de votre dessin sur la feuille de papier. C’est très important. C’est tellement dommage quand on voit de beaux dessins, mais qui sont très mal placés sur une feuille. La composition est la base de la peinture et dessin !

Donc après avoir dessiné des croquis, passons au dessin du cheval plus détaillé et donc plus long en temps.

Pourquoi il est important de réaliser ces dessins ?

Quand on dessine des croquis on étude le mouvement et le caractère du cheval, alors que dans le dessin de longue haleine on étudie la construction du corps du cheval et ses détails. Donc notre tâche devient plus difficile. A par le mouvement on doit maintenant travailler précisément sur chaque détail. Je vous rappelle qu’il est très souhaitable de consulter l’anatomie du cheval avant de commencer à dessiner. Même je vous conseille de prendre le temps pour dessiner la construction anatomique du cheval. Quand on dessine on mémorise mieux, comme cela vous aurez plus de facilité pour appliquer vos connaissances d’anatomie à la pratique.

Donc revenons à notre dessin.

Les points d’appuis visuels pour dessiner un cheval de profil.

Comment dessiner un cheval. Etape 1.
Comment dessiner un cheval. Première étape. Ici après avoir trouvé la place de notre dessin sur une feuille, on commence à construire la forme générale du cheval par les grandes masses. Faites attention, on commence à dessiner avec les lignes droites en construisant les formes avec les facettes. Comme pour tous les autres dessins on va des grandes formes vers les plus petites. Et bien sur pour bien placer les masses on utilise la méthode de comparaison.

Quand on dessine un cheval de profil pour commencer le dessin on doit trouver les points d’appuis visuels pour déterminer la construction générale du cheval. Pour le dessin en profil pour les points d’appui on peut prendre la nuque, l’œil, le nez, la ganache, le garrot, l’épaule et le bras, le coude, le genou, le sabot, la croupe, le pointe de la hanche, le jarret et le boulet.

En construisant votre dessin selon ces points d’appuis vous pourrez facilement vérifier les proportions générales du cheval et les déclinaisons des axes principaux des formes générales.

Comment dessiner un cheval. Etape 2.
Comment dessiner un cheval. Deuxième étape. Ici on voit que les formes deviennent plus arrondies. Sur ce dessin on travaille plus sur les détails, on precise les formes, on travaille sur les ombres et la lumière pour rendre notre cheval vivant.

Maintenant nous parlerons de l’ordre du dessin.

On commence toujours à dessiner un cheval par les grandes masses et volumes en utilisant aussi, comme d’ailleurs dans n’importe quel dessin les formes simples géométriques. On va toujours des grandes formes vers les plus petites et ensuite vers les détails. Quand vous dessinez faites attention à ce que le relief principal des muscles se concentre principalement sur la ceinture scapulaire et la ceinture pelvienne. La particularité de la construction du corps du cheval en comparaison avec celle du corps humain, facilite la représentation d’un cheval de profil et au contraire rend plus compliqué le dessin d’un cheval de face.

Sur ce dessin vous pouvez voir la géométrie des formes principales d’un cheval dessiné de face.

Comment dessiner un cheval. la géométrie des formes du cheval.
La géométrie des formes du cheval.

Quand vous dessinez un cheval dans une position difficile, en perspective, le schéma géométrique du corps d’un cheval est très utile pour la compréhension de la construction volumno-spatiale du corps en perspective. Ce schéma géométrique n’est pas une étape du dessin. Au cours du dessin elle doit être tracée avec les lignes auxiliaires légères, faciles à effacer après.     

Sur le dessin suivant vous pouvez voir des muscles du cheval dessinés dans la même position de face.

Les muscles du cheval. Comment dessiner un cheval
Les muscles du cheval.

Ce dessin nous montre la dernière étape de construction d’un cheval.

Comment dessiner un cheval. Etape finale

Le plus difficile est de dessiner un cheval en galop de face. Avec les jambes tendues vers le spectateur. Pour apprendre à dessiner un cheval en galop de face il faut mettre assez de temps pour étudier et  dessiner les jambes dans les positions différentes. Essayons de dessiner un crayon en perspective avec la mine orientée vers nous (cela veut dire de face ). Je vous assure, c’est très difficile.

Une jambe du cheval a une construction beaucoup plus complexe, qu’un crayon. Donc quand vous dessinez les jambes du cheval en perspective, essayez de comprendre la déformation optique des formes en vous accrochant avec le regard du relief du genou, du paturon et du boulet.

Comment dessiner un cheval.  Les jambes du cheval.
Les jambes du cheval.

Pour apprendre la construction des jambes du cheval en perspective je vous conseille de dessiner à partir de sculptures ou s’il n’y a pas de cette possibilité, dessinez- les d’après des photos. Mais bien que trouver une photo à dessiner soit très facile, à part cela je vous conseille quand même de trouver la possibilité de dessiner des sculptures, par exemple dans les musées.

Eclairage.

Pour réussir à dessiner un cheval il est très important de choisir son éclairage, la place de la source de lumière. Si la source de lumière se trouve derrière ou devant le cheval la lumière glisse sur les formes en faisant ressortir les volumes et les reliefs des muscles. Il est très intéressant d’utiliser la position du cheval en contre – jour et au contraire de face. En ce cas-là les volumes seront plus aplatis mais en revanche on verra plus le jeu des couleurs sur le poil.

Quand vous dessinez un cheval faites attention à la brillance du poil. La brillance peut faire ressortir encore plus les volumes et le relief des muscles. Ce dessin nous montre par exemple comment la brillance du poil peut faire ressortir les reliefs essentiels des muscles.

Comment dessiner un cheval. La brillance du poil.
La brillance du poil du cheval

Faites attention parce que la brillance du poil dépend beaucoup de l’éclairage, de l’état général du cheval et de la saison. Par exemple en hiver quand le poil est plus long la brillance du poil s’aperçoit moins, mais en revanche on aperçoit mieux la localisation des couleurs de la robe du cheval. Je vous conseille d’étudier les couleurs de différentes robes des chevaux. Mais souvenez-vous, la couleur de la robe est toujours soumise aux volumes et à la forme générale du cheval.

Parlons maintenant comment dessiner un cheval et ses détails.

1.La tête d’un cheval et les détails.

La tête du cheval
La tête du cheval

La tête du cheval est une des parties les plus difficiles à dessiner. Car elle a une forme complexe et beaucoup de petits détails. En plus, c’est comme dans un portrait d’une personne en dessinant la tête du cheval on doit transmettre le caractère, le tempérament, l’attitude personnelle, l’état d’esprit, les sentiments….  Tout à fait comme chez une personne.

Le crâne du cheval
Le crâne du cheval

Quand on étudie la tête d’un cheval on ne voit pas beaucoup de relief musculaire, alors que le crâne s’aperçoit clairement. Je vous conseille d’étudier la construction du crâne du cheval, cela vous donnera la base pour construire la tête du cheval. Faites attention également au placement des yeux, des oreilles, de la forme de l’arcade zygomatique et du nez.

Les oreilles, le nez et l'oeil du cheval. Comment dessiner un cheval
Les oreilles, le nez et l’oeil du cheval

Pour bien placer les détails utilisez la même méthode et l’ordre du travail que pour dessiner un visage en utilisant les lignes auxiliaires. Cette méthode et tout le processus du travail vous pouvez les voir dans mon article Comment dessiner un visage.

2. La tête et le cou du cheval.

Le cou est une des parties les plus souples et mobiles du cheval.

Pour exprimer l’état du cheval, si le cheval est calme ou inquiet, etc., il faut toujours dessiner la tête avec le cou. Si le cheval est inquiet le cou est levé, s’il est calme le cou avec la tête sont baissés. Sur ce dessin on peut voir la tête du cheval dans différentes perspectives et dans des états différents.

La tête du cheval. Comment dessiner un cheval
La tête du cheval

Sur ce dessin le cou et la tête du cheval sont en position libre et assemblé. Ici on voit bien comment change la forme des muscles dans ces positions.

La tête et le cou du cheval. Comment dessiner un cheval
La tête et le cou du cheval

Ces deux dessins peuvent nous servir pour faire un exercice. Essayons de copier ces dessins, pas pour copier la technique, mais pour comprendre la perspective, le fonctionnement des muscles, étudier les facettes des formes et les lignes centrales.

Pour exprimer les sentiments du cheval il faut faire très attention au nez, aux yeux et aux oreilles.

Quand le cheval court, les narines deviennent plus grandes et leur forme plus ronde, la silhouette de la tête au niveau du nez change.

La poitrine et la ceinture scapulaire du cheval.

Comment dessiner un cheval

On peut voir la scapula au niveau de la bosse d’épaule. L’humérus est caché par les grands muscles. Au niveau de la partie inférieure de la ceinture scapulaire on peut voir les veines. Surtout on voit bien les veines quand le cheval a chaud, quand il court ou après des exercices physiques. De profil on peut voir le relief des muscles de la poitrine. Si l’on regarde la poitrine de face, elle aura une construction de la forme complexe car c’est ici que les muscles du cou, les muscles de la poitrine font «  un nœud ».                                                  

 La croupe du cheval.

Pour dessiner cette partie du cheval on doit faire attention aux trois points d’appui visuels. Ce sont la pointe de la hanche et l’extrémité de la croupe au niveau des os du bassin et de la 6-ème vertèbre lombaire, le grasset et la tubérosité ischiatique. Sur ce dessin la brillance du poil détermine les endroits les plus volumiques de la croupe.

Les jambes antérieures du cheval.

En dessinant les jambes on voit que les os du squelette s’aperçoivent mieux que dans les autres parties du cheval. Ici on voit aussi très bien les muscles et les tendons.

Pour dessiner la forme des jambes antérieures il est très important de faire attention aux points d’appuis :

  1. La partie qui s’appelle le genou, mais en réalité, si l’on compare avec le bras humain c’est la partie qui correspond au poignet.  La surface supérieure du genou est un peu aplatie et la surface arrière est plus arrondie.
  2. Le boulet.
  3. Le sabot qui d’un premier regard n’est pas difficile au niveau de sa forme mais pose parfois des problèmes. Faites toujours attention à sa position par rapport à la jambe et à son angle.   
Les jambes anterieurs

Les jambes sont une des parties des plus difficiles du dessin. Quand on dessine les jambes on doit faire attention au relief des muscles et des tendons, étudier à quel os correspond telle ou telle protubérance. Ici la connaissance d’anatomie est indispensable.

Faites attention sur les jambes on peut voir toujours un réseau de veines qui ressortent bien en relief dans le sens transversal par rapport aux muscles. Je vous conseille de jeter un coup d’œil sur l’anatomie du cheval pour étudier les muscles et les tendons qui font le relief des jambes. ( Notamment le tendon fléchisseur superficiel du doigt ( perforé), le tendon perforant, le tendon extenseur du doigt). 

Vous n’êtes pas obligé de mémoriser leurs noms, sauf si cela vous aide à mémoriser aussi leurs formes et leurs fonctionnements ( ce qui est mon cas ), mais étudier leurs formes et comment le relief change en fonction du mouvement du cheval. Si le cheval a les fanons, ce qui est souvent le cas des chevaux de races d’attelage ou de n’importe quel cheval au pâturage d’hiver ( les fanons servent d’une sorte de protection pour les jambes du cheval, donc il poussent vite quand le cheval vit dans les prés en hiver ). Donc les fanons ne doivent pas vous perturber durant la construction de la forme de la jambe. Je vous conseille de toujours dessiner les jambes sans fanon et de les dessiner après pour rajouter de l’identité de votre cheval. 

Les jambes postérieures du cheval.

Les points d’appui pour l’artiste pour les jambes postérieures sont :

  1. Le jarret. L’angle de jarret peut être plus ou moins différent, plus aigus ou plus obtus. Cela dépend de la race et de l’extérieur du cheval concret.
  2. Le boulet et le sabot peuvent être un peu différents de ceux des jambes antérieures. L’angle du sabot par rapport à la surface horizontale peut être plus obtus que celui des sabots des jambes postérieures. La fonction des jambes antérieures – appui, accrochage, la fonction des jambes postérieures – répulsion.
les jambes postérieures du cheval
Les jambes postérieures du cheval.

Comment dessiner un cheval en mouvement.

Les mouvements du cheval sont principalement concentrés sur le cou, la queue et les jambes.

Le cou c’est la partie la plus mobile et la plus souple. La position du cou et de la tête du cheval reflètent son état général. La silhouette du cou peut être très différente même avec le même mouvement. Par exemple dans la position « assemblé » la silhouette dépend de la race, du type du cheval, de son extérieur, de la façon de cavalier à assemblé le cheval.

Les mouvement du cou du cheval. Comment dessiner un cheval.
Les mouvement du cou du cheval.

Les mouvements de la queue sont très variés aussi. Quand le cheval est calme la queue est serrée contre la croupe, mais au moment de l’excitation ou quand le cheval court il monte la queue assez haut, avec une belle flexion chez les certaines races comme le pur-sang arabe et ses croisements. La queue comme le cou montrent l’état général du cheval.

Le caractère des mouvements des jambes est relativement simple. Les jambes bougent en avant, en arrière et très peu de côté. Pour étudier la différence des mouvements du cheval sur les trois allures je vous propose de consulter mon premier article de ce tutoriel “Apprendre à dessiner un cheval”. Notamment les schémas qui montrent les positions du cheval sur les trois allures.

Pour apprendre à dessiner les allures du cheval vous pouvez étudier des photos de chevaux. Mais ce qui est aussi important c’est d’apprendre à sentir et capter l’amplitude et le caractère du mouvement de chaque cheval. Quand on regarde un cheval qui trotte on est capable de capter facilement le caractère du mouvement car c’est un mouvement que est assez répétitif.

Un trotteur
Un trotteur.
Schéma du trot du cheval.
Schéma du trot du cheval.

Mais il est beaucoup plus difficile de capter le caractère du mouvement du cheval qui galope, surtout quand c’est un galop de course. Le mouvement est asymétrique.

Cheval au galop. Comment dessiner un cheval
Cheval au galop

Pour apprendre à dessiner ce mouvement difficile on est obligé d’utiliser des photos, qui nous aident beaucoup car alors on peut voir clairement le mouvement et qui en même temps mous empêche de garder la perception figurative générale du galop. A mon avis il faut éviter de copier des photos qui nous servent pour étudier et comprendre le mouvement. Si l’on copie juste les photos sans sentir le mouvement, l’état du cheval, son caractère, notre dessin peut devenir figé, perdre son âme. Ce serait idéal de réunir l’impression visuelle que l’on a quand on voit un cheval qui galope et le mouvement en détail que l’on voit sur les photos.

Choisissez par exemple des photos où le mouvement reflète le mieux votre impression du cheval, ce que vous voulez transmettre au spectateur comme sentiment. Quand vous dessinez d’après une photo, faites toujours attention au déformations optiques que l’on peut voir sur beaucoup de photos et éviter de copier les contours, dessiner comme si vous l’aviez dessiné d’après nature en utilisant la méthode de comparaison, les connaissance des muscles, les facettes des formes.                     

Troïka. Nikolaï Semionovitch Samokich
Troïka. Nikolaï Semionovitch Samokich
Observez cette peinture. Ici l’artiste transmet le mouvement le plus difficile du cheval le galop de course.
Nikolaï Semionovitch Samokich
Nikolaï Semionovitch Samokich
Sur ce dessin vous pouvez voir comment l’artiste dessine les autres phases du galop.
Troïka. Nikolaï Semionovitch Samokich
Sur ce tableau de Nikolaï Samokich on peut voir encore d’autres phases de galop.
Sur ce schéma comparatif des phases du galop de cheval
Sur ce schéma comparatif vous pouvez voir comment le peintre interprète les phases du galop du cheval. ( Les schémas complèts des phases du galop du cheval, vous pouvez les trouver dans mon premier article de ce tutoriel “Apprendre à dessiner un cheval”).

A la fin de cet article je vous propose de faire un petit exercice. Choisissez une bonne photo du cheval, dessinez le suivant les étapes et les méthodes décrites dans cet article, mais avant de réaliser ce dessin dessinez ce cheval en schéma géométrique et avec ces muscles. Vous verrez, que même si cela vous demande plus de temps au début, ces dessins vous aideront énormément dans le futur pour dessiner un cheval dans n’importe quelle position.

Merci d’avoir lu cet article ! C’est la deuxième article de mon tutoriel Comment dessiner un cheval et je vais bientôt publier l’article “Comment dessiner un cheval étape par étape” dans lequel nous dessinerons ensemble un cheval.

Je vous invite également à m’écrire un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions. Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Apprendre à dessiner un cheval

Avec cet article “Apprendre à dessiner un cheval” je commence une série d’articles ou un tutoriel plutôt : “Comment dessiner un cheval”. Comme j’aborde un sujet qui est hyper complexe et je veux vous donner les connaissances professionnelles pour vous apprendre à dessiner un cheval. N’importe quel cheval dans n’importe quelle position ! Je suis obligée de séparer cet article en trois articles. Dans le premier article “Apprendre à dessiner un cheval” on parlera de l’anatomie du cheval. Cela ne serait ni professionnel ni honnête si j’ignore cette partie.

Pourquoi il est important d’étudier l’anatomie pour apprendre à dessiner un cheval ?

L’anatomie fait la base pour apprendre à dessiner un cheval ainsi que pour le dessin d’un corps humain et d’un portrait. Si vous voulez apprendre à dessiner un cheval, je vous conseille fortement de lire cet article. Dans mon deuxième article de ce tutoriel  “Comment dessiner un cheval” je vous parlerai des particularités du dessin du cheval, des méthodes pour réussir votre dessin, des techniques comment dessiner un cheval, des détails extérieurs du cheval, de ses mouvements. Tout cela nécessite une bonne base anatomique.

Je pourrai choisir le chemin plus facile, et juste vous montrer les étapes du dessin d’un cheval concret sans me plonger dans les explications des mouvements, des allures, de la construction, des méthodes, ce serait  beaucoup plus facile pour moi et vous arriveriez certainement à dessiner un cheval dans la même position. Mais après, si vous voudriez dessiner un autre cheval dans une autre position, cela vous serait beaucoup plus compliqué. Mon but est que vous puissiez apprendre à dessiner un cheval facilement, dessiner n’importe quel cheval dans n’importe quelle position.

Je donne toujours un exemple pour illustrer pourquoi il est très important d’apprendre l’anatomie. Si l’on entre dans une chambre noire pour la première  fois, où on a jamais été avant sans lumière il est très difficile pour nous de s’y orienter, mais si l’on a déjà été dans cette chambre et que l’on sait où se trouvent des objets, on s’oriente plus facilement. Le corps du cheval ou le corps humain sont une chambre noire pour nous. Et pour s’y orienter on a besoin de l’anatomie. C’est pour cela que je vous demande de prendre le temps pour lire attentivement cet article dans lequel on parlera de :

1.l’Anatomie du cheval

2.Les proportions du cheval et comment les appliquer pour dessiner un cheval concret.

3.Les positions et les mouvements courants (le repos en position debout, le repos en position allongé, centre de gravité du cheval en fonction de ses mouvements, le mécanisme des mouvements du cheval,  le cheval qui se cabre, le cheval transportant un attelage, le cheval qui monte et descend la pente avec un attelage lourde, le cheval qui freine ou recule. Comment dessiner tout cela ! )   

4.Les allures du cheval.

Donc commençons par le squelette du cheval.

L’artiste n’est pas obligé de connaitre tous les os du squelette du cheval, mais il est important de comprendre sa construction pour apprendre à dessiner un cheval correctement. C’est pour cela que je vous invite juste à mémoriser sa construction.  Le squelette est la base du corps du cheval.

Sur cette image vous pouvez voir un squelette du cheval.

squelette du cheval
1.La nuque, 2. os occipital, 3. os frontal, 4. os temporal, 5. cavité orbital, 6. os zygomatique, 7. os nasal, 8. maxillaire supérieure, 9. dents insicives, 10. maxillaire inférieure, 10′. angle du maxillaire inférieure, 11. atlas, 12. 7eme vertèbre cervicale, 13. première vertèbre dorsale, 14. 17 eme vertèbre dorsale, 15. première vertèbre lombaire, 16. 6eme vertèbre lombaire, 17. première vertèbre sacrée, 18. 5eme vertèbre sacrée, 19. première vertèbre coccygienne, 20. 16eme vertèbre coccygienne, 21. la première côte, 22. 6eme côte, 23. 18eme côte, 24 et 24 omoplate, 25. scapulum, 26. sternum, 27. humérus, 28. radius, 29. cubitus, 30. olécrâne, 31. carpe, 31′. os sus-carpien, 32. metacarpien rudimentaire externe, 33. metacarpien principal, 34. grang sesamoïde, 35. 1ère phalange ( os du paturon ), 36. 2ème phalange ( os de la couronne ), 37. 3ème phalange ( os du pied ), 38. sternum, 39. la pointe de la hanche, 40. tubérosité ischiatique, 41 et 42 fémur, 43. trochanter, 44. grand trochanter, 45. rotule, 46. tibia, 46′. articulation fémoro-tibiale, 47. péroné, 48. tarse et astragale, 49. calcanéum, 50. métatarsien principal, 51. métatarsien rudimentaire externe, 52.grang sesamoïde, 53. 1ère phalange ( os du paturon), 54. 2ème phalange ( os de la couronne ), 55. 3ème phalange ( os du pied ).

Je vous rappelle la forme plastique du corps du cheval est basée sur la combinaison harmonique de sa construction (squelette) est de son relief fait par les muscles. 

Les muscles du cheval.

Le plus important pour l’artiste qui veut apprendre à dessiner un cheval, est connaitre la musculature superficielle qui se voit facilement sous la peau et le poil. Les muscles sont constitués de fibres musculaires qui s’attachent aux os avec les tendons. Les plus grands muscles sont concentrés dans la ceinture scapulaire est sur la croupe où ils font plus de relief. Ce sont des endroits de concentration de la force musculaire pour faire le mouvement. Les muscles et les tendons des jambes sont plus petits mais très bien visibles.

Il y a beaucoup de ressemblance anatomique entre le corps humain et le cheval. Donc il est utile de comparer les parties de squelette et des muscles du cheval et ceux d’un humain. En fait la seule chose qui est très différente dans la structure du corps humain c’est que le cheval n’a pas de clavicule. C’est pour cela que sa ceinture scapulaire est comme si elle était pliée, par rapport à la ceinture scapulaire humaine.

Si l’on regarde tout l’appareil ostéo-musculaire qui participe au mouvement du cheval, on voit une certaine élasticité de sa construction. Le corps du cheval c’est un système de «  levier », notamment des jambes postérieures qui représentent la force principale répulsive, surtout au galop où lors du transport de poids en attelage.

Sur cette image vous pouvez voir les muscles du cheval.

muscles du cheval
Les muscles du cheval.
1. Les muscles du visage, 2., 2′.masséterl, 3. muscle trapèse dorsal, 4. muscle rhomboïde, 5. muscle splénius, 6 et 6′ dentelé du cou, 7 et 7′ muscle brachio céphalique, 8. muscle sterno-céphalique, 9. 10. muscle grand pectoral, 11. muscle petit pectoral, 12. omo-transversaire, 13 et 13′ muscle deltoïde, 14 et 14′ triceps branchial, 15. biceps branchial, 16 et 16′ grand dorsal, 17. muscle dentelé dorsal, 18. muscle oblique, 18′ aponévrose du muscle oblique, 19. Muscles intercostaux externes, 20. muscle fessier, 21. tenseur de fascia lata, 21′. fascia lata, 22. fessier superficiel, 23, 23′,23” biceps fémoral, 24. muscle demi tendineux, 25, 25′. muscle dorcal, 26. muscle coccygien, 27. muscle extenseur radial du capre, 28. muscle extenseur du doigt, 28′. tendon du muscle exteseur du doigt, 29. muscle extenseur latéral du doigt, 30 et 30′ muscle ulnaire latéral, 31. muscle extenseur oblique du capre, 32. muscle gastrocnémien, 32′. tendon du muscle gastrocnémien, 33. tendon perforant, 34 et 34′ tendon perforé, 35. muscle long extenseur du doigt, 35′. tendon du muscle long extenseur du doigt, 36. muscle exterieur latéral du doigt, 36′. tendon du muscle exterieur latéral du doigt, 37. ligament.

Maintenant  nous parlerons des proportions du cheval.

Dans mes articles précédents je vous avais déjà parlé des proportions du corps humain et des proportions du visage. Il existe aussi plusieurs canons des proportions du cheval. Comme les proportions du corps humain, les proportions du cheval nous aident à trouver la particularité de chaque personne en trouvant la différence entre les canons classiques et notre modèle.

Donc les proportions du cheval donnent la vision générale sur le cheval. Elles sont perçues comme une notion fondamentale qui caractérise l’extérieur harmonieux d’un cheval.

Sur ce dessin vous voyez les proportions du cheval. Il excite plusieurs canons de proportions du cheval. J’ai choisi le canon qui est à mon avis est plus facile à utiliser. 

Apprendre dessiner un cheval. Les proportions du cheval
Les proportions du cheval.
La taille de la tête AB est égale à la distance entre le dos et le ventre DE, à la distance entre le garrot et le point extreme de la scapula VG, à la distance entre le jarret et le grasset PJ et à la distance entre le jarret et le sol JZ.
La taille de 2,5 de tête est égale à la distance entre le garrot et le sol KV, à la distance entre la croupe et le sol LM, à la longeure du corps CG. La longeure de la croupe RC est égale à la distance CP et à la distnce OH.

Ce sont des proportions qui ont été obtenues par les hippologues comme résultat après de des nombreux mesurages des chevaux de selle. Ici la tête du cheval est prise comme module de mesure.

La taille verticale des sabots jusqu’au garrot qui est égale à la taille horizontale du corps du cheval. Donc selon ses proportions on peut inscrire le corps du cheval dans un carré. Ce sont les dimensions qui sont pratiques pour la vérification visuelle des proportions du cheval.

Je précise que les proportions généralisées du cheval je vous les donne à titre subsidiaire. Par exemple si l’on regarde les chevaux de selle, on voit rarement un cheval, dont le corps selon ses dimensions fait un  carré. ( d’ailleurs les pur-sang arabes sont une race où il y a plus de chevaux qui s’inscrivent dans un carré.) Sans parler des trotteurs ou des chevaux de trait qui s’inscrivent plutôt dans un rectangle allongé. L’artiste doit toujours garder cela à l’esprit et introduire les corrections nécessaires lors de son dessin pour capter la ressemblance du cheval concret.

Les proportions de la tête du cheval.

Apprendre à dessiner un cheval. Les proportions de la tête du cheval.
Les proportions de la tête du cheval.
La tête de profil.
AB – la distance entre la nuque et la lèvre supérieure. VG – est égale de la moitié de la distance AB. La largeur du cou ED est égale aussi à la moitié de AB. La dstrance JZ est égale également à la moitié de AB.
La tête de face.
La distance MF entre les les arcades sourcillères est égale à la distance MA, FA, MK, FK. La distance entre les apophyses zygomatiques SN est égale à la distance entre les les coins internes des yeux LP.

Je veux encore vous rappeler que l’artiste qui veut apprendre à dessiner un cheval en utilisant les canons des proportions doit quand même utiliser la méthode de comparaison pour mesurer les proportions réelles qui appartiennent au cheval concret et chercher toujours la différence entre les proportions réelles de son modèle et les proportions classiques.

Les allures du cheval.

Les mouvements du cheval en raison de sa structure sont assez répétitifs du fait de sa colonne vertébrale qui est peu souple dans la zone du dos. Cette certaine rigidité du dos est compensée par une grande taille et une grande motricité des jambes, ainsi qu’une souplesse du cou.

Les jambes antérieures  servent de support pour la masse de son corps et les jambes postérieures sont  la force répulsive principale du cheval. Les jambes postérieures sont une sorte de ressort mobile lui servant à pousser le corps en avant et vers le haut, quand le cheval saute. Quand le cheval bouge il utilise son centre de gravité en le déplaçant au moyen d’un lever ou d’un baisser de la tête et en tirant le cou.

Apprendre à dessiner un cheval. Le centre de gravité du cheval
Centre de gravité du cheval.

Dans l’équitation quand le cheval est monté le centre de gravité du cheval dépend du cavalier, de sa position sur le cheval et du fait si le cheval est rassemblé ou non. Le poids du cavalier déplace le centre de gravité du cheval vers les jambes antérieures ce qui est fatiguant pour le cheval. Quand le cheval est rassemblé par le cavalier, le poids de gravité se déplace vers les jambes postérieures.

Le mécanisme des mouvements du cheval on peut l’illustrer par le ressort qui se compresse et se décompresse. Comme sur ce dessin.

apprendre à dessiner un cheval qui galope
Le mécanisme des mouvements du cheval.

Ce mécanisme a ses particularités chez chaque animal. Ce que l’on peut voir sur ce dessin où l’on compare le mécanisme de mouvement d’un cheval et d’un lapin. Ici on peut voir que la souplesse de la colonne vertébrale d’un lapin est beaucoup plus supérieure de celle d’un cheval.

Les postures et les positions courantes du cheval. Apprendre à dessiner un cheval dans n’importe quelle position.

Le repos en position debout.

Dans cette position le poids du corps du cheval se trouvent sur ces trois jambes.

Observez ce dessin.  Cette position est très typique pour le repos.

Apprendre à dessiner un cheval. Le repos en position debout
Cheval se repose en position debout.

Une des jambes postérieures est légèrement pliée, la pointe de la hanche de ce côté et plus basse, le sabot touche la terre uniquement avec la pince (la paroi de devant). Si la jambe antérieure est dans la position de repos elle est mise légèrement en avant. 

Le repos en position allongée.

Le cheval qui dort
Un poulain alongé.

La position est d’habitude allongée sur les côtes avec les jambes pliées. Mais un cheval qui est très fatigué pu être allongé sur le côté dans la position que l’on peut voir sur ce dessin.

Le cheval se cabre.

Le cheval se cabre. Apprendre à dessiner un cheval
Le cheval se cabre et le cheval rue.

Le cheval peut pointer très haut presque à la verticale ou juste se cabrer un peu.  Les jambes postérieures sont toujours plus au moins pliées et très tendues. Les jambes antérieures du cheval il les utilise pour trouver l’équilibre. Souvent une des jambes antérieures est plus levée que l’autre.

Freinage du cheval

Pour freiner le cheval appuie avec le poids de son corps sur les jambes postérieures en les pliants fortement. Les jambes antérieures au contraire se dressent et prennent une position oblique par rapport au corps du cheval. La tête et le cou s’inclinent en arrière et grâce à ce mouvement le centre de gravité se déplace en arrière par rapport au point d’appui des jambes antérieures et le cheval freine. Donc l’effort principal tombe sur les jambes postérieures.

Le cheval freine. Apprenndre à dessiner un cheval
le cheval freine

Ce mouvement on peut le voir très clairement quand le cheval descend ou quand il s’arrête brusquement après avoir galoper.

Comment apprendre à dessiner un cheval qui tracte un attelage lourd.

Le cheval met beaucoup d’effort pour transporter un attelage lourd. D’habitude ça se fait au pas et s’exprime par une tension musculaire générale. La position du centre de gravité est très importante. L’effort du cheval est destiné à tirer le poids.

Le cheval tracte un attelage. Apprendre à dessiner un cheval
Le cheval tracte un attelage lourd.

Donc l’effort principal tombe aussi sur les jambes postérieures. Les jambes antérieures soutiennent le poids du corps du cheval et aident les jambes postérieures à pousser le corps. Le cheval tire le cou et tout son corps en avant et comme cela il déplace le centre d’équilibre en avant pour faire contrepoids au poids qu’il traine derrière lui.

Comment apprendre à dessiner un cheval qui monte ou descend la pente.

Quand le cheval monte l’attelage lourd dans la pente, à la force résistante qui aide le cheval trainer l’attelage on doit encore rajouter la force d’attraction. La force d’attraction influence aussi le propre poids du cheval qui monte la pente.

C’est pour cela que comme le poids de l’attelage augmente les muscles du cheval, surtout les muscles des jambes postérieures se contractent d’avantage et deviennent encore plus visibles. Dans cette position le cheval avance la tête jusqu’au bout et de cette manière déplace le centre de gravité le plus possible en avant.

Apprendre à dessiner un cheval. Le cheval monte et descend
Le cheval monte et descend

Quand le cheval descend la pente la force d’inertie de l’attelage lourd augmente et le cheval est obligé de freiner l’attelage. Le poids de l’attelage s’appuie par les brancards sur le collier et le cheval avec son propre poids et en s’appuyant sur ses jambes antérieures à l’aide de l’avaloire retient le collier. Et en même temps Il jette la tête en arrière en déplaçant le centre de gravité en arrière pour retenir l’attelage.

Apprendre à dessiner un cheval et ses allures

Le pas du cheval

Le pas c’est une allure qui a quatre temps. Cela veut dire que quand le cheval marche au pas ses jambes se posent par terre en diagonale l’une après l’une autre uniformément en quatre pas. Etudions ce schéma.

Les allures du cheval. Le pas.
Les 6 phases du pas.

Ici on voit six dessins :

  1. Le cheval s’appuie sur les trois jambes et lève sa jambe antérieure droite.
  2. La jambe droite s’appuie déjà sur le sol, la jambe postérieure gauche est levée, la jambe antérieure gauche va se lever.
  3. Le cheval est en train de poser sa jambe postérieure gauche par terre et lève la jambe antérieure gauche.
  4. La jambe postérieure gauche est posée par terre, la jambe antérieure gauche se met en avant.
  5. La jambe postérieure droite est soulevée, la jambe antérieure gauche est posée par terre.
  6.  La jambe postérieure droite se met en avant pour se mettre sur la place que vient de laisser la jambe antérieure droite.     

Le trot du cheval

Le trot c’est une allure à deux temps. Le cheval lève et baisse les jambes en diagonale en deux temps. Sur ce dessin on peut voir les mouvements du cheval au trot.

Les allures du cheval. Le trot
Les 5 phases du trot
  1. La jambe antérieure droite et la jambe postérieure gauche s’appuient sur la terre. C’est le début de la diagonale droite.
  2. Le cheval s’appuie sur la terre avec les mêmes jambes. C’est le milieu de la diagonale droite.
  3. Le cheval s’appuie sur la terre avec les mêmes jambes. C’est la phase finale de la diagonale droite.
  4. Toutes les jambes sont levées.
  5. Le cheval s’appuie sur la terre avec la jambe antérieure gauche et la jambe postérieure droite. C’est le début de la diagonale gauche.

Le galop du cheval

Le trop c’est une allure à trois temps. Les mouvements des membres ne sont pas symétriques comme ceux du trot ou du pas.  Donc le galop peut être sur le pied droit et sur le pied gauche. Il y a le moment au galop où tout le poids du cheval se pose sur une seule jambe.

Sur ces deux dessins on peut voir les quinze mouvements du galop.

Les allures du cheval. Le galop
Les phases 1-8 du galop

1.Le cheval s’appuie sur sa jambe postérieure gauche, les autres pieds sont levés.

2 . Deuxième phase de ce mouvement avec l’appuie sur le même pied.

3 et 4. Le cheval s’appuie sur les deux jambes postérieures et passe à la diagonale gauche.

5.La première phase de la diagonale gauche. 

6.La phase intermédiaire de la diagonale gauche.

 7.et 8. La phase finale de la diagonale gauche.

Les allures du cheval. Le galop 2
Les phases 9-16 du galop

9,10, 11. Le cheval s’appuie sur son pied antérieur droit, tous les autres pieds sont en l’air.

12 . Le cheval passe au mouvement où il se trouve complètement en l’air sans toucher la terre avec les pieds.

13. La première phase de suspension.

14. La phase intermédiaire de suspension.

15.  La phase finale de suspension après laquelle le cheval passe au mouvement comme on peut le voir sur le premier dessin ou sur le dessin 16.  

L’amble du cheval

Les allure du cheval. L'amble.
Les 2 phases de l’amble

L’amble c’est une allure à deux temps comme le trot. En fait l’amble est une variété du trot. Mais le cheval lève et baisse ses jambes de chaque côté en même temps alors que en trot le cheval lève et pose ses jambes en diagonale.

Bravo ! On est arrivé à la fin de cet article “Apprendre à dessiner un cheval” !

J’espère que vous avez aimé cet article malgré qu’il soit assez technique. Mais il vous a donné une bonne base pour passer à l’article suivant “Comment dessiner un cheval” dans lequel on va parler des techniques et des méthodes qui nous aide à apprendre à dessiner le cheval correctement. Et après cela on passera à un autre article “Comment dessiner un cheval étape par étape” où je vais dessiner un cheval devant vous pour vous montrer tout le processus du travail.  Pour apprendre à dessiner un cheval je vous conseille fortement de lire chaque article, sans sauter les étapes. 

Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me laisser un commentaire et bien sûr me poser des questions. Je ferai tout mon mieux pour rendre mes articles intéressants et utiles pour vous. Je suis toujours ravie de vous aider.

A bientôt ! 🙂

P.S. Je vous mes un lien sur l’article qui me paraît interessant qui parle du cheval dans la peinture.

 

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Proportions du visage.

Cet article, dans lequel je vais vous parler des proportions du visage, est la suite de mon article sur les proportions du corps humain.

Pourquoi il est importent de connaître les proportions du visage

Je trouve qu’il est important pour l’artiste de connaître les proportions du visage et les proportions du corps humain car ces connaissances peuvent servir de point d’appui pour le dessin d’un portrait. Bien sûr que tous les visages sont différents, et il y a énormément d’écart entre les proportions du visage classique et les proportions du visage réel du chaque personne.

Malgré cela je trouve quand même utile de vous parler des proportions du visage classique. Car si vous connaissez les proportions du visage classique, cela sera beaucoup plus facile pour vous de voir la différence entre les proportions du visage classique et proportions du visage de votre modèle. De cette manière vous pourriez capter facilement la ressemblance.

Donc commençons à parler des proportions du visage.

Proportions de la tête par rapport au corps humain.

Avec l’âge la tête grandie mais elle devient plus petite proportionnellement au corps humain. La tête de l’embryon de deux mois, fait la moitié de son corps. La tête d’un bébé fait 1/4 de son corps. La tête d’un enfant de 3 ans fait déjà 1/5 de son corps. La tête d’un enfant de 7 ans fait 1/6 de son corps. Alors que la tête d’un adolescent de 14 ans fait 1/7 de son corps.

En ce qui concerne la tête d’un adulte, la règle générale dit que les gens de petite taille ont la tête plus grande par rapport à leur corps que les gens de grande taille. Par exemple chez les personnes de la taille 170 cm la tête fait 1/7,5 de leurs corps. Chez les personnes de la taille 175 cm – 1/7,75 et pour la taille 180 la proportion de la tête est 1/8 du corps.

Proportions du visage. Premier schéma.

Si l’on sépare la taille verticale de la tête en 4 parties égales, la première partie sera la partie de la tête couverte par les cheveux, la deuxième partie sera la taille verticale du front, la troisième partie sera égale à la taille ou la longueur du nez et la quatrième partie sera la distance entre le nez et le bout inferieur du menton.

Proportions du visage.
Ce schéma illustre un exemple des proportions du visage où la partie du front, du nez et de la bouche avec le menton ont la même hauteur. Les lignes verticales montrent que la distance entre les angles intérieurs des yeux, la largeur des yeux, la distance entre les angles extérieurs des yeux et les lignes extérieures qui montrent les limites du visage ont approximativement la même taille ( largeur ). Sur ce schéma on voit le cas où la taille verticale de la lèvre inférieure avec le menton deux fois plus grande que la taille verticale de la lèvre supérieure.

Si l’on tire une ligne centrale verticale qui sépare le visage en deux parties, on verra que la partie gauche et la partie droite du visage ne seront pas absolument identiques. Le visage est asymétrique.

Cette asymétrie apparait dans la forme du nez, dans la position des yeux, mais plus souvent dans la position de la bouche.

Pour voir les proportions du visage on peut séparer aussi le visage en cinq parties verticales. ( Regardez le premier dessin.) Une de ces lignes passera par l’angle intérieur de l’œil et une autre passera par l’angle extérieur de l’œil. Entre les deux lignes verticales intérieures se trouve le nez. Donc on peut dire que la largeur du nez est égale à la distance entre les yeux.

La partie qui se trouve entre l’angle extérieur de l’œil et la ligne extérieure (la première et la sixième ligne ) est la partie latérale du visage. La taille horizontale de l’œil comme la distance deux yeux fait 1/8 environ de la taille verticale de la tête. La bouche se trouve approximativement entre la première et le deuxième tiers de la partie inférieure du visage (quatrième partie du visage).

Proportions du visage. Deuxième schéma.

Il existe encore un schéma des proportions du visage. Pour utiliser ces proportions du visage séparons le visage en trois parties. La partie du front, la partie du nez et la partie de la bouche et du menton ensemble.

Proportions du visage. Schéma 2.
Sur ce schéma des proportions du visage on peut voir que la ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties. Le radius du cercle supérieur fait 1/3 de la taille verticale de la tête et le radius du cercle inférieur fait 1/4 de la taille verticale de la tête. Le cercle supérieur est unilisé pour construir la partie cérvicale de la tête. Le cercle inférieur est utilisé pour construir la partie faciale de la tête.

La ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties approximativement égales.

Effectivement toutes les proportions du visage sont approximatives. En dessinant le portrait l’artiste trouve les caractéristiques personnalisées de chaque modèle et utilise les proportions du visage classique juste pour trouver la différence entre ses proportions et les proportions du visage de son modèle. Comment dessiner le portrait vous pouver le découvrir dans mon article “Comment dessiner un visage”.

Proportions du cou

Comme la taille du cou dans l’anatomie artistique on prend la distance entre le menton et la fosse jugulaire. La taille du cou d’un adulte fait ½ de la taille du visage avec le front. Le cou d’un bébé ne fait que 1/50 de la taille de son corps alors que le cou d’un adulte fait 1/151/16 de la taille de son corps. D’ici on peut tirer la conclusion que quand un enfant grandit son cou devient plus grand en soit mais aussi plus grand proportionnellement.

La circonférence du cou est égale à deux circonférences du poignet et la moitié de la circonférence de la taille au niveau de la ceinture. La forme du cou est cylindrique et s’agrandi légèrement vers le bas. 

Merci d’avoir lu cet article. Pour compléter les informations de cet article je vous propose de lire mes articles Les os du crâne. Les proportions du corps humain et L’anatomie artistique du torse humain qui font la partie de mes articles consacrés à l’anatomie artistique. 

Je serais très contente si vous me laissez le commentaire. Et n’hésitez pas de me poser des questions. Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂  

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