Comment peindre une rose à l’aquarelle.

Aujourd’hui je vais vous raconter comment peindre une rose à l’aquarelle.

C’est tellement beau les fleurs d’été, nous avons souvent envie de les peindre ou de les dessiner. Mais souvent cela nous paraît difficile. Quand on réalise un bouquet de fleurs ou une fleur, on rencontre souvent quelques problèmes. Comment  faire de façon pour que notre fleur ou notre bouquet soit en volume ?
Comment faire pour que notre fleur soit « vivante » ? Comment faire pour sentir l’odeur de cette fleur ? Quelles couleurs choisir pour peindre une rose ou une autre fleure ?

La première chose qu’il faut savoir, la fleur c’est une forme comme les autres, donc pour peindre une fleur il faut respecter les mêmes règles qui nous aident à dessiner et peindre en volume. La méthode simple comment rendre n’importe quel objet volumineux vous pouvez la trouver dans mon article « Comment dessiner en volume ». Quand on dessine ou peint une fleur, dans notre cas c’est une rose, on doit comprendre qu’il a le volume de la rose en entier et le volume de chaque pétale ou de chaque feuille. Et d’abord on doit s’occuper du volume de la fleur en entier et après du volume des pétales.

Pour voir le volume il est très utile de regarder votre peinture et votre sujet, dans notre cas le rose, en plissant les yeux. C’est vraiment une très bonne technique pour voir les volumes et les valeurs du gris qui sont souvent négligées par les débutants. Je vous conseille fortement d’utiliser cette technique ! Le dessin est la base de la peinture ! Faites toujours attention aux valeurs de gris quand vous peignez !

Maintenant nous allons voir comment peindre une rose à l’aquarelle étape par étape.

Cette fois-ci pour peindre une rose j’ai décidé d’utiliser le liquide de masquage pour protéger les endroits que je veux garder en blanc pour le moment. En plus pour peindre une rose je veux utiliser les fondus et en ce cas-là le liquide de masquage aide énormément. Car quand on fait les fondus il est très difficile de garder les endroits blancs. Donc je commence par mettre le liquide de masquage sur les endroits que je veux laisser blancs dans mon aquarelle.

 Liquide de masquage

Quelle couleur utiliser pour la première couche de peinture ?

Ensuite je mets la première couche de peinture. Pour la première couche je choisie souvent le jaune de cadmium moyen. C’est une couleur opaque ou semi-opaque ( dépend de la marque d’aquarelle, dans mon cas, c’est l’aquarelle White Night 36 couleurs en godets). Le jaune de cadmium moyen me convient très bien pour la première couche car c’est une couleur que nous apercevons partout dans la nature. Dans la terre, dans le ciel, dans l’eau, dans les feuilles des arbres etc.

Première couche de peinture pour prindre une rose

La première couche me sert aussi pour dégraisser ma feuille de papier aquarelle.

Quelle technique utiliser pour peindre une rose ?

Cette fois-ci pour peindre une rose j’utilise les deux techniques le plus utilisées en aquarelle. Les fondus et les glacis.

Après avoir appliqué la première couche, je commence à peindre une rose en rajoutant les couleurs pendant que la première couche reste encore très humide pour faire les fondus. Rappelez-vous que pour réaliser les fondus on travaille uniquement sur une couche très humide avec le pinceau bien rempli de couleur et d’eau pour faire les fondus sur les surface assez grandes et avec le pinceau presque égoutté, mais toujours avec beaucoup de couleur, si vous voulez faire les détails et être plus précis.        

Comment peindre une rose. Fondus

Rappelez-vous que la peinture aquarelle perd environ 30% de son intensité après le séchage. Donc surtout pour faire les fondus prenez toujours beaucoup de couleur sur votre pinceau et toujours la couleur est un peu plus intensive que ce comment vous la voyez dans la nature.  

Ensuite je commence à travailler avec les glacis pour tracer les pétales.

Peindre une rose. Les pétales

Faites attention, quand je travaille avec les glacis, à travers la couche supérieure on peut toujours voir les couleurs de la couche inférieure. Donc pour réussir les glacis faites toujours attention pour que la peinture de la couche supérieure soit transparente. Pour faire la couche supérieure dans les glacis utilisez de préférence les couleurs transparentes ( alizarine, bleu outremer, violet quinacridone etc. )

Et s’il vous plaît, ne mélanger pas plus que deux – trois couleurs ! Rappelez-vous que à travers la couche supérieure on doit voir les couleurs de la couche inférieure et cela fait déjà les couleurs supplémentaires dans notre mélange. Sur le mélange des couleurs en aquarelle vous pouver lire mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle“.

Pour peindre une rose, notamment les pétales j’utilise les fondus dans les glacis. Cela veut dire que pour faire les pétales dans la couche supérieure du glacis je fait les fondus. Par exemple je mes l’alizarine et pendant que la couleur reste humide je rajoute un peu de bleu d’outremer ou d’ocre jaune pour fair les fondus à l’intérieur du glacis.

Peindre une rose. Fond

Pour commencer à travailler sur le fond et sur les feuilles je ragoute encore le jaune de cadmium moyen sur le fond.

Comment peindre une rose. Les feuilles

Et pendant que la couche de jaune de cadmium moyen reste humide je commence à appliquer les couleurs vertes pour tracer les feuilles.

Comment peindre une rose. Les fondus du fond

En même temps je mets les couleurs sur le fond. J’essaie faire le maximum dans cette première couche de fondus. Mais si la couche sèche trop vite et que vous n’arrivez pas à finir votre fondu, ne vous inquiétez pas et n’essayez pas de travailler sur une couche demi-sèche. Laissez sécher complètement votre peinture, appliquer de nouveau l’eau, peut-être avec un peu de couleur de base et continuez à travailler sur les fondus.

Comme vous pouvez voir sur cette image, comme je n’ai pas eu le temps pour finir le fondu du fond, j’ai laissé sécher et appliqué de nouveau la couleur de base pour continuer tranquillement mes fondus.

Peindre une rose à l'aquarelle
Comme vous pouvez voir sur cette image, comme je n’ai pas eu le temps pour finir le fondu du fond, j’ai laissé sécher et appliqué de nouveau la couleur de base pour continuer tranquillement mes fondus.

Les couleurs foncées du fond m’aident aussi à ajuster les contours et la forme de la rose.

Après avoir fini le fond je continue à mettre en forme les pétales. Pour peindre les pétales j’utilise tout à fait la même technique que pour le fond. Juste pour être plus précise dans mon travail je peins sur la couche humide avec le pinceau bien égoutté. Ce qui me permet de faire les coup de pinceau et de fondus plus précis.

Comment peindre une rose. Fondus des pétales.

Pour peindre les feuilles j’utilise les fondus pour la première couche et les glacis pour deuxième couche. Pour la deuxième couche j’utilise souvent les couleurs froides. Mais pas toujours, des fois je suis obligée d’utiliser les couleurs chaudes pour la deuxième couche. Alors en ce cas-là j’essaie d’utiliser les couleurs pures ou le minimum de mélange. Et je tâche toujours garder la transparence de la couche d’aquarelle.

Comment peindre une rose. Les feuilles

Ensuite j’enlève le liquide de masquage. Faites attention pour enlever cette espace de colle complètement. Et bien sûr avant d’enlever le liquide de masquage assurez vous que votre peinture soit complétement sèche.

Après avoir enlevé le liquide de masquage il nous faut adoucir les contours. Le problème du liquide de masquage c’est que les endroits couverts réstent trop blancs et ne s’integrent pas naturellement dans la peinture. Ce qui ne se passe pas quand on garde tout simplement les endroits clairs de notre aquarelle en les contournant, sans utiliser la liquide de masquage.

Peindre une rose à l'aquarelle

C’est pour cela que quand on travaille avec les glacis, je ne conseille pas d’utiliser le liquide de masquage, tout simpleumente faire attention pour ne pas couvrir avec la couleur foncée les endroits qui doivent rester clairs. Mais c’est beaucoup plus difficile à faire quand on travaille avec les fondus. C’est pour cela que dans cette peinture ou on fait beaucoup de fondus j’ai choisi d’utiliser le liquide de masquage.

Donc après avoir enlevé la liquide du masquage on doit intégrer les endroits couverts par le liquide de masquage dans notre peinture. Pour faire cela il faut absolument adoucir les contours et mettre un peu de couleurs sur les endroits blancs. Pour apprendre comment adoucir les contours et comment corriger les petits erreurs dans l’aquarelle je vous propose de consulter la partie 2 de mon tutoriel video “Comment peindre une rose à l’aquarelle”. La partie 1 et la partie 2, tous les deux cours vidéo vous pouvez les trouver à la fin de cet article.

Pour apprendre à peindre une rode à l’aquarelle je vous conseille de regarder ces videos, ou vous trouverez l’information supplémentaire. Et plus les cours vidéo sont très visuels, là vous pouvez voir tout le processus de travaille en détail.

Peindre une rose. Les pétales

Donc après avoir intégré les endroits couverts par le liquide de masquage je commence à retravailler les pétales.

Ici je veux attirer votre attention sur le fait que je ne travaille pas sur chaque pétale. Je rends les pétales plus contrastés et plus détaillés uniquement au centre de la rose et à l’endroit ou l’ombre et la lumière se rencontrent.

Comme cela je montre le premier plan de ma rose et en même temps j’essaie de montrer un espace de l’odeur de la rose ou le mouvement d’air. Pour faire cela je laisse les contours de la rose et de ces pétales assez flous.

Les ombres sur les feuille de la rose

Pour peindre une rose j’ai choisi une journée très ensoleillée. Pour montrer le soleil et la lumière je rends ma peinture très contrastée dans les endroits où je peut me permettre de le faire, par exemple sur les feuilles et sur le fond.

Donc si vous voulez montrer le soleil, n’ayez pas peur de rendre les ombres foncées ! Et bien sûr rappelez- vous toujours une règle, si la lumière et chaude, l’ombre est froide et si la lumière est froide, l’ombre est chaude ! Ce principe vous pouvez le voir clairement sur les feuilles ou la lumière est chaude car c’est une lumière de soleil et les ombres sont froides, car on voit toujours les reflets du ciel bleu dans les ombres.

Je fais la même chose sur le fond. Le fond est froid dans son profondeur, ce qui met en valeur les couleurs douces de la rose et rend même les ombres de la rose qui sont assez froides, relativement chaudes si on les compare avec le fond.

Dans la nature tout est relatif. On aperçoit les couleurs l’une par rapport aux autres. Par exemple si on va mettre la même rose avec tout à fait les mêmes couleurs sur le font chaud, la rose nous paraitra beaucoup plus froide que si l’on la mise sur le fond froid.

Mais même dans le fond froid il y a les endroits plus chaud, comme la terre au premier plan. En je profite de cet endroit pour mettre les ombre froides en diagonale et comme cela souligner la profondeur du fond.

Les ombres sur le fond de la rose

Maintenait je vous invite à regarder la première et la deuxième partie de mon cour vidéo. Je vous propose également d’essayer de peindre une rose en utilisant la technique que je montre dans ces vidéos comme cela vous appliquerez de suite les connaissances acquises dans cet article.

Je vous invite également à vous abonner sur ma chaîne YouTube pour être averti de tous mes nouveaux tutoriels.

Partie 1 de mon cours vidéo “Comment peindre une rose à l’aquarelle”
Partie 2 de mon cours vidéo “Comment peindre une rose à l’aquarelle”

Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me poser touts vos questions dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider !

Ici je mets les liens sur les articles qui pourraient être utiles pour vous “Comment peindre une nature morte à l’aquarelle”, “Comment peindre la mer à l’aquarelle”, Aquarelle White Night, Exercice. Mélange des couleurs, Matériel pour débuter en aquarelle.

A bientôt ! 🙂

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Mes Chers lecteurs,

Cela fait déjà quelques mois que vous suivez mon blog ! Merci beaucoup, cela me fait chaut au cœur ! Vous êtes nombreux à me laisser des commentaires gentils, à suivre mes cours vidéos et à lire mes articles.

Sachez que je fais de tout mon mieux pour vous donner des cours de grande valeur pour vous aider à apprendre la peinture et le dessin.

Maintenant j’ai besoin de votre aide pour améliorer encore plus la qualité de mon blog. Je vous propose de répondre à ce sondage qui me permettra de comprendre comment je pourrais vous aider d’avantage dans vos créations artistiques.

Merci beaucoup d’avoir pris le temps pour répondre à mes questions !

Je ferais de tout mon mieux pour que vous soyez satisfaits de la qualité de mes cours !

A bientôt ! 🙂

Amicalement

Elena

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Aquarelle White Night

Aujourd’hui comme promis je publie les caractéristiques des couleurs de la marque d’aquarelle White Night.

Ici vous voyez la boîte d’aquarelle et le nuancier des couleurs d’aquarelle White Night. (Célèbres nuits blanches de Saint-Pétersbourg).

 aquarelle White Night.
La boîte d’aquarelle White Night

A mon avis l’aquarelle White Night c’est une des meilleures marques d’aquarelle au monde. C’est l’aquarelle que j’utilise personnellement. J’utilise la boîte d’aquarelle de 24 couleurs en godets. Mais dans cet article je vais vous montrer le nuancier de la boîte d’aquarelle de 36 couleurs. Les pigments de cette marque sont de très bonne qualité. Les couleurs sont fines et concentrées. La plupart des couleurs sont exceptionnellement résistantes à la lumière. Je n’ai pas pour but ici de faire la pub pour cette marque d’aquarelle, mais franchement c’est l’aquarelle que je préfère à toutes les autres !

aquarelle White Night
Ma dernière aquarelle faite avec les couleurs de l’aquarelle White Night pour mon tutoriel Comment peindre une rose à l’aquarelle.

Donc dans la boîte de 36 couleurs de la marque d’aquarelle White Night on trouve les couleurs suivantes :

aquarelle White Night
Nuancier des couleurs d’ aquarelle White Night

Les numéros des couleurs correspondent aux numéros sur le nuancier.

  1. Blanc
  2.  Jaune de cadmium citron
  3. Jaune de Cadmium moyen
  4. Hansa jaune
  5. Ocre jaune
  6. Ocre d’or
  7. Orange foncé ( Orange de cadmium foncé )
  8. Rouge de Titien
  9. Rouge de Cadmium
  10. Rouge de Rubis
  11. Rouge de carmin
  12. Alizarine ou Laque de garance rouge clair
  13. Rouge anglais
  14. Violet quinacridone
  15. Rose quinacridone
  16. Violet
  17. Bleu Outremer
  18. Bleu de Cobalt
  19. Bleu d’azur
  20. Bleu indanthène
  21. Bleu turquoise
  22. Bleu Céruléum
  23. Indigo
  24. Vert jaune ( Vert de Cobalt)
  25. Vert émeraude naturelle
  26. Vert ( Vert de Cobalt foncé )
  27.  Vert olive
  28. Vert Oxyde de Chrome
  29. Terre de Sienne naturelle
  30. Terre de Sienne brûlée
  31. Terre d’ombre
  32. Terre d’ombre brûlée
  33. Brun de Mars
  34. Sépia
  35. Noir neutre
  36. Gris de Payne

Faites attention, les caractéristiques (opacité, intensité, transparence)  des couleurs appartiennent aux couleurs de ce fabricant !  Chez les autres fabricants les mêmes couleurs peuvent avoir des caractéristiques légèrement différents et mêmes les couleurs qui portent les mêmes appellations peuvent avoir des teintes un peu différentes.  

Les couleurs d’aquarelle White Night

1 .Blanc

Je déconseille d’utiliser cette couleur pour la peinture en aquarelle. Blanc dans l’aquarelle, c’est la couleur du papier ! Dans les techniques mixtes vous pouvez toujours utiliser le blanc de gouache. Pour garder les endroits qui doivent rester blancs dans votre peinture d’aquarelle, comme par exemple les tâches de lumière, vous pouvez utiliser le liquide de masquage.

2 .Jaune de cadmium citron

Couleur opaque. Je ne vous conseille pas de l’utiliser dans les glacis car elle est très mal absorbée par le papier et trop couvrante. En mélange avec le noir elle donne de jolies nuances du vert chaud.

3 .Jaune de Cadmium moyen

Bonne couleur opaque, surtout pour les premières couches de peinture et dans le fondu et en mélange avec d’autres couleurs opaques.

4 .Hansa jaune

Jolie couleur semi-opaque. Très jolie pure et en mélange avec toutes les couleurs.

5 .Ocre jaune

Belle couleur semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

6. Ocre d’or

C’est une couleur semi-opaque. Elle est assez puissante et dans les mélanges je vous conseille de faire attention à la proportion de cette couleur.

7. Orange foncé. (Orange de cadmium)

Couleur assez opaque. Elle se mélange bien avec tous les couleurs opaques.

8. Rouge de Titien

Couleur chaude, opaque et puissante.

9. Rouge de Cadmium

Couleur opaque qui se mélange très bien avec la majorité des couleurs, surtout avec les couleurs opaques. 

10. Rouge de Rubis

Belle couleur transparente. Assez froide. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

11.Rouge de carmin

Couleur transparente, très froide. Cette belle couleur se mélange bien avec toutes les couleurs.

12.Alizarine

Très belle couleur transparente. Se mélange avec toutes les couleurs. Chez ce fabricant dans les boîtiers aquarelle de 36 couleurs, Alizarine est parfois remplacée par Le Laque de garance rouge clair qui la remplace bien car il a presque les mêmes caractéristiques.

13. Rouge anglais

Jolie couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs opaques.

14. Violet quinacridone

Belle couleur transparente. Très jolie en mélange avec les rouges et dans les fondus.

15. Rose quinacridone

Couleur transparente et assez puissante. Dans les mélanges et les fondus elle a tendance de dominer les autres couleurs.

16. Violet

Couleur transparente et puissante. Comme la Rose quinacridone,  elle a aussi la tendance de dominer les autres couleurs.

17. Bleu Outremer

Très belle couleur transparente. Se mélange avec toutes les couleurs.

18. Bleu de Cobalt

Jolie couleur transparente. Très douce. Très jolie pure dans les glacis. Se mélange avec toutes les couleurs.

19. Bleu d’azur

Couleur assez transparente et puissante. Jolie en mélange avec les jaunes, les ocres et les verts et les bleus.

20. Bleu indanthène

Belle couleurs transparente. Dans les mélanges rends les autres couleurs froides plus profondes.

21. Bleu turquoise

Couleur transparente. Jolie en mélange avec les verts et les bleus.

22. Bleu Céruléum

Couleur opaque et granulée. Il peut être utilisé pur ou en petit pourcentage dans les mélanges.

23. Indigo

Couleur transparente. En mélange avec les verts froids et les bleus rends les couleurs plus profondes.

24. Vert jaune ( Vert de Cobalt)

Jolie couleur semi-opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs.

25. Vert émeraude naturelle

Couleur transparente et très puissante. Dans les mélanges domine les autres couleurs.

26. Vert ( Vert de Cobalt foncé )

Très belle couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs, très jolie dans les fondus.

27. Vert olive

Jolie couleur semi-opaque ou plutôt opaque. Très jolie pur. Se mélange bien avec les couleurs opaques.

28. Vert Oxyde de Chrome

Couleur très opaque. Peut-être trop couvrante. Se mélange avec les couleurs opaques et semi-opaques.

29. Terre de Sienne naturelle

Très jolie couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

30. Terre de Sienne brûlée

Belle couleur opaque. Se mélange bien avec toutes les couleurs

31. Terre d’ombre

Très jolie couleur opaque. Se mélange bien avec les Terres, les verts et les ocres

32. Terre d’ombre brûlée

Très belle couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

33. Brun de mars

Jolie couleur semi-opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

34. Sépia

Belle couleur opaque. Se mélange avec toutes les couleurs.

35. Noir neutr

Couleur semi-opaque. Donne de jolies nuances de vert chaud en mélange avec les jaunes.

36. Gris de Payne

Couleur semi-opaque ou plutôt opaque.

Un conseil…

En conclusion je veux vous donner un conseil. Je répète ce conseil à chaque fois que je parle du mélange des couleurs. Si vous respectez les règles de mélange des couleurs vous pouvez facilement faire de jolis mélanges. Et plus que vous pratiquez l’aquarelle, plus c’est facile.

Dans mon article Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle vous pouvez l’information sur le mélange des couleurs qui convient pour toutes les marques d’aquarelle et voir les exemples pratique du mélange des couleurs.

Donc les règles principales du mélange des couleurs d’aquarelle qui marchent bien sûr pour l’aquarelle White Night, mais encore pour toutes les autres marques d’aquarelle.

1. Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques.

2. Si vous travaillez avec les glacis, prenez toujours en considération les couleurs de la couche inférieures de votre peinture, car elles vont influencer les couleurs de la couche supérieure. Si dans chaque couche vous mélangez trop de couleurs, cela peut rendre votre peinture boueuse et fatiguée.

3. Utilisez principalement les couleurs mono-pigmentaires. Si vous utilisez les couleurs bi-pigmentaires, ne mélangez-les pas avec plus qu’une couleur ou utilisez- les sans mélange.

Et encore un petit secret ! J’ai remarqué que la peinture et plus jolie et moins fatiguée, si l’on travaille dans les glacis au début avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides. Si les couleurs chaudes (elles sont souvent opaques ou semi-opaques, donc plus couvrantes) sont posées par-dessus les couleurs froides (les bleus par exemples qui sont souvent transparentes), cela peut rendre la peinture lourde et fatiguée. Alors que si l’on met les couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes, on obtient la peinture plus légère et pure.   

Les aquarelles de mes élèves réalisées avec l’aquarelle White Night.

Nature morte réalisée avec l' aquarelle White Night
Nathalie Deniskina. Nature morte campagnarde. Aquarelle.
Portrait réalisé avec l' aquarelle White Night
Anne Nicol. Portrait du fils. Aquarelle.
Tatiana Viazgitcheva. Paysage réalisé avec l' aquarelle White Night
Tatiana Viazgitcheva. Paysage avec le lac. Aquarelle.
Une rose réalisée avec l'aquarelle White Night
Oxana Poltavtseva. Une rose. Aquarelle.

On ne voit pas souvent les boîtes d’aquarelle White Night dans les boutiques pour les artistes, mais on trouve cette aquarelle chez Amazon.

Boîte de 36 couleurs

Boîte de 24 couleurs

et chez Géant des beaux-arts.

Merci d’avoir lu cet article, j’espère qu’il était utile pour vous. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Chers lecteurs  : Tous mes liens vers Amazon sont des liens affiliés me permettant de toucher entre 4 et 6% du montant de ce que vous achetez, sans évidemment que cela augmente le prix final que vous allez payer.  Ces commissions permettent à ce blog de générer une partie du chiffre d’affaires qui me permet de vous offrir autant de contenu gratuitement, donc merci si vous passez par mes liens pour acheter ces produits ! Et je ne recommanderais jamais un produit que je n’estime pas sincèrement être un produit de qualité et que je ne recommanderais pas à ma mère. J’ai une réputation à entretenir, et j’ai à cœur de vous apporter le maximum de valeur !  

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Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle

Dans cet article on va voir comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

En fait il y a beaucoup de tutoriels qui parlent du mélange des couleurs. Mais en réalité il est très difficile de l’apprendre avec même les meilleurs tutoriels. Il est impossible d’expliquer et montrer des millions des teintes et des nuances des couleurs qu’on peut obtenir. Le mélange des couleurs se fait automatiquement et selon votre expérience. Donc dans cet article je partagerai avec vous les méthodes comment mélanger les couleurs à l’aquarelle.

Qu’est-ce qu’il faut savoir à propos des couleurs d’aquarelle

Les pigments d’aquarelle sont les pigments qui s’utilisent pour toutes les autres techniques de peinture. Bien sûr qu’il y a les pigments qui appartiennent uniquement à telle ou telle technique. Il y a les pigments de la peinture à l’huile que l’on ne trouve pas dans l’aquarelle puis qu’ils sont trop opaques. Mais en général ce sont les mêmes pigments.

Souvent on appelle l’aquarelle la peinture à l’eau. Mais en pratique l’eau ne sert que de diluant pour l’aquarelle. Les couleurs d’aquarelle sont fabriquées à partir de pigments et  de gomme arabique, de glycérine, du miel ou du sucre, de la dextrine de pomme de terre (pour certains pigments).

Comment réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle

Une chose qui est très importante à comprendre pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle c’est que Les couleurs d’aquarelles sont des couleurs transparentes. Toutes ! Dans beaucoup de tutoriels on peut trouver l’information que les couleurs d’aquarelle peuvent être transparentes et opaques, semi-opaques. Oui et non. Tout est relatif. Si l’on compare les couleurs d’aquarelle avec les couleurs d’huile, les couleurs d’aquarelles sont transparentes.

Cela veut dire si on met une couche de peinture d’aquarelle et après que l’on met une couche supérieure de peinture aquarelle ( en la diluant bien quand même avec de l’eau ) on pourra voir la couche inférieure à travers la couche supérieure.  En plus les couleurs de la couche inférieure vont influencer les couleurs de la couche supérieure.

Mais parmi les couleurs d’aquarelle il y a les couleurs qui sont plus transparentes que les autres.

Donc les couleurs d’aquarelle transparentes sont : Bleu outremer, Bleu de Cobalte, Bleu de Prusse, Rouge Vermillon, Carmin, Rouge Rubis, Vert émeraude, Alizarine, Laque de Garance etc… ( mais faites attention, les couleurs peuvent avoir les caractéristiques différentes en fonction de la marque choisie). Ce sont les pigments qui se diluent plus facilement, font des mélanges assez uniformes et s’absorbent bien par le papier. Cela explique leur transparence car la transparence est tout simplement la capacité de la couleur laisse passer la lumière reflétée d’un feuille de papier blanc.

Les couleurs plus opaques sont : Jaune de Cadmium, Jaune de Cadmium Citron, Vert oxyde de Chrome, Terre de Sienne, Terre de Sienne brûlée, Terre d’Ombre, Rouge anglais, Sépia ( faites attentions à la marque ! ) Ce sont les couleurs plus épaisses qui laissent passer moins facilement la lumière. Elles ne s’absorbent pas aussi facilement que les couleurs transparentes par une feuille de papier. Souvent elles sont assez granulées.

Comment mélanger les couleurs transparentes et opaques.

Quand on mélange uniquement les couleurs transparentes on obtient évidement les mélanges transparents.

Si l’on mélange la couleur transparente avec la couleur opaque, la couleur obtenue après le sèchement peut devenir assez fade. Cela ne veut pas dire qu’il ne faut pas du tout mélanger les couleurs transparentes avec les couleurs opaques. Il faut juste réspecter la règle qui nous dit qu’il ne faut pas mélanger plus que 2 couleurs ensemble dans les mélanges des couleurs opaques et les couleurs transparentes avec les couleurs opaques.

Et si l’on veut mélanger les couleurs opaques avec les couleurs opaques on obtient une couleur uniforme mais moins saturée que dans les mélanges des couleurs transparentes.  

Je voudrais quand même vous faire remarquer que la transparence des couleurs dépend souvent de la marque et de la méthode de fabrication. Donc faites toujours attention à cela et faites des essais des nouveaux couleurs avant de les utiliser dans votre peinture. Les appellations des couleurs peuvent changer en fonction de la marque. Donc faites des essais. 

Conseil important pour réussir à mélanger les couleurs à l’aquarelle

Le conseille que je peux vous donner, minimalisez l’utilisation de couleurs composées. Utilisez plutôt dans vos mélanges les couleurs pures (mono pigmentaires). Cela fera des mélanges beaucoup plus propres sans risque d’obtenir des mélanges boueux. Mais même quand vous mélangez les couleurs pures, faites toujours attention à la couche inférieure, aux couleurs de la couche inférieure. Si vous avez déjà utilisé plusieurs couleurs pour la couche inférieure, essayez de minimaliser les mélanges de la couche supérieure.

Dans ma boite d’aquarelle la majorité des couleurs, ce sont les couleurs mono- pigmentaires.

la nuancier.
le nuancier de ma boîte d’aquarelle

Donc trois règles pour bien mélanger les couleurs à l’aquarelle.

1.Ne mélangez jamais plus de 3 couleurs ensemble !

Ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs opaques et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs transparentes.

Cela vous aidera à garder la pureté de vos mélanges.

Comme dans l’aquarelle on utilise beaucoup de glacis, les couleurs de la couche inférieure influencent les couleurs de la couche supérieure et si dans chaque couche vous mélangez beaucoup de couleurs cela peut rendre votre peinture boueuse.

Il vaut mieux même de ne pas mélanger plus que 2 couleurs si vous compter après mettre encore quelques couches de peinture. Encore mieux utiliser pour la première couche la couleur pure.

2. Travaillez d’abord avec les couleurs chaudes et ensuite avec les couleurs froides.

Il vaut mieux couvrir les couleurs chaudes comme par exemple l’Ocre, la Terre ou le jaune de Cadmium par les couleurs froides comme le bleu de Cobalt ou le bleu Outremer, Carmin, Alizarine et ne pas faire le contraire. Les couleurs chaudes sont les couleurs qui sont généralement plus opaques. Et les couleurs froides sont souvent transparentes. C’est donc mieux de mettre dans la couche supérieure plutôt les couleurs transparentes.

3. Diluez bien les couleurs avec de l’eau.

Et faites attention, travaillez sur une couche de peinture complétement sèche ou très humide pour faire les fondus par exemple. Evitez de peindre sur une couche demi-sèche. L’eau de la couche supérieure va déchirer la peinture de la couche inferieure si elle n’a pas encore assez sèche ou bien assez humide pour que la couleur de la couche supérieure puisse s’intégrer dans la couche inferieure.

Regardons les caractéristiques des couleurs et pourquoi il y des couleurs qui sont plus utilisées que d’autres.

Jaune de Cadmium Citron

C’est une couleur très opaque. Si vous la mélangez avec le Jaune de Cadmium Moyen ou le Noir (pour obtenir la couleur Verte) elle donnera de jolis mélanges.

Mais à part cela c’est une couleur trop opaque pour être utilisée dans les couches finales car elle va couvrir complétement les autres couches de peinture et va dominer les autres couleurs.

Pour la première couche je vous conseille de l’utiliser uniquement en petit pourcentage et en mélange avec le Jaune de Cadmium Moyen.

Jaune de Cadmium Moyen

C’est une couleur assez opaque mais elle donne de jolis mélanges.

J’utilise souvent cette couleur pure ou en mélanges avec l’Ocre (couleur opaque) ou le Rouge de Cadmium (couleur opaque) dans la première couche de ma peinture.

Cette couleur donne de jolis mélanges avec presque toutes les autres couleurs, mais évitez de la mélanger avec plus d’une couleur.

Comment mélanger les couleurs. Une pomme. Première couche de la peinture
Par exemple pour peindre cette pomme j’ai choisi la technique du glacis. Pour faire la première couche de peinture j’ai mélangé le jaune de Cadmium citron et le jaune de Cadmium moyen et, pendant que la couche de peinture était encore humide, j’ai rajouté un peu de Rouge de Cadmium clair dans le fondu.

Ocre claire.

Chez certains fabricants cette couleur peut être remplacée par la Laque jaune, qui a les mêmes caractéristiques (peut-être un peu plus transparente).

C’est une bonne couleur. Elle donne de beaux mélanges, surtout avec les couleurs de Terre, Sépia, Verts, jaune de Cadmium Moyen.

N’hésitez pas à mélanger cette couleur avec les autres couleurs, mais pas plus que deux couleurs dans un même mélange.

Ocre jaune

Couleur assez vive, un peu plus transparente que l’Ocre claire (cela dépend de la marque).

Chez certains fabricants cette couleur est remplacée par le Jaune de Naples (c’est une couleur composée et opaque). J’ai aussi remarqué que chez les fabricants differants l’ocre jaune peut avoir les teintes légèrement differantes.

L’Ocre Jaune donne de beaux mélanges avec :

le Jaune de Cadmium Moyen

l’Ocre claire

l’Orange de Cadmium

Le vert de Cobalt

La Terre brulée, la terre d’Ombre

Et avec d’autres couleurs opaques dans les mélanges de deux couleurs.

Comment mélanger les couleurs à l'aquarelle. deuxième couche de peinture.
Dans la deuxième couche de la peinture sur la pomme j’ai rajouté un peu d’ocre jaune et le Rouge de Cadmium. Pour faire la première couche de peinture sur le fond j’ai mis l’ocre jaune, l’ocre d’or et le jaune de Cadmium moyen. Je les ai mises pures sur le papier et les ai laissées se mélanger directement sur la feuille dans le fondu.

Orange de Cadmium

C’est une couleur opaque. Elle fait de jolis mélanges avec :

le Jaune de Cadmium

Le Rouge de Cadmium

Le Vert de Cobalt

Et toutes les couleurs de la Terre

Quand je vous dis que cette couleur se mélange avec telle ou telle couleur, cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas la mélanger avec les autres couleurs.

Il faut juste respecter la règle de ne pas mélanger plus de deux couleurs pour les couleurs opaques et plus de trois couleurs pour les couleurs transparentes.

Ocre d’Or.

C’est une jolie couleur assez opaque.

Elle se mélange bien avec :

Le Jaune de Cadmium

Le Rouge Anglais

Le Rouge de Cadmium

Le Vert de Cobalt

Le Vert Emeraude

Le Bleu de Cobalt, le Bleu Outremer

Les couleurs de la Terre… etc…

En fait l’Ocre d’Or fait de jolis mélanges avec presque toutes les couleurs. Il faut juste bien mesurer les proportions des couleurs dans le mélange. Mais cela vous arriverez vite à le gérer après seulement quelques essais !

Terre de Sienne.

Belle couleur assez opaque qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.

En mélange avec le Bleu Outremer et le Bleu d’Azur, elle donne des nuances riches de Gris.

Quand je vous parle d’opacité des couleurs, c’est uniquement parce que les couleurs les plus opaques se mélangent mieux avec les couleurs opaques.

Le mélange d’une couleur opaque avec une couleur transparente peut devenir assez fade après séchage.

Mais cela ne veut pas dire qu’il ne faille pas du tout les mélanger !

Il faut encore une fois juste respecter la règle de mélange : pas plus que deux couleurs pour une couche !

Terre d’Ombre

Cette belle couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs.

Elle assez opaque comme toutes les couleurs de Terre et d’Ocre.

Faites attention ! Quand je dis « couleur opaque » cela veut dire que cette couleur est opaque par rapport aux couleurs transparentes de cette même marque.

Je veux vous rappeler que toutes les couleurs d’aquarelle sont transparentes.

Cela veut dire qu’au travers de la couche supérieure de la peinture on verra les couleurs de la couche supérieure.

La couche de peinture doit être toujours transparente !

9. Rouge Anglais

C’est une couleur assez opaque, mais elle donne de beaux mélanges avec les autres couleurs opaques.

L’opacité d’une couleur dépend aussi de la marque.

Les différents fabricants n’utilisent pas les mêmes compositions des couleurs, même si le pigment reste le même.

Donc l’intensité, l’opacité et la concentration d’une couleur dépend beaucoup de la marque.

Alors si vous avez acheté une nouvelle boîte d’aquarelle d’un fabricant différent de celle que vous aviez avant, faites un nuancier des couleurs pour comprendre leurs caractéristiques.

Rouge de Cadmium

C’est une couleur assez opaque et très forte comme la plupart des couleurs de Cadmium.

Cette couleur fait de jolis mélanges avec toutes les autres couleurs, surtout avec les couleurs opaques.

Quand vous mélangez des couleurs ne restez pas coincés sur la théorie !

J’adore la théorie, car je trouve que la théorie est une base forte pour la pratique et c’est pour cela que je sépare toujours les articles de mon blog entre deux parties, une théorique et une autre pratique.

Mais ici, c’est peut-être la première fois que je vous dis :

La théorie ne sert pratiquement à rien ! Mélangez les couleurs comme vous le sentez !

Respectez juste les deux règles :

Les couches doivent être toujours transparentes et ne mélangez pas plus que deux – trois couleurs.

Travaillez le plus possible avec les couleurs pures sans mélange si vous faites des glacis !

Priviligez les couleurs mono-pigmentaires.

Pomme Trosième couche de peinture. Comment melanger les couleurs à l'aquarelle.
Pour faire la troisième couche de peinture sur la pomme j’ai rajouté dans la partie éclairée un peu de vert de cobalt et un peu d’ocre jaune ( j’ai mis chaque couleur pure, sans mélange, car j’avais déjà deux couleurs mélangées dans la première couche de ma peinture) Et dans la partie d’ombre j’ai rajouté l’Alizarine.

Rouge de Carmin

Voilà bien la première couleur transparente de la liste.

C’est une couleur pure qui se mélange très bien avec toutes les autres couleurs.

Les couleurs transparentes.

Les couleurs transparentes sont les couleurs qui se diluent très bien dans l’eau.

Elles sont bien absorbées par la feuille de papier et elles laissent facilement passer la lumière réfléchie du papier blanc.

Les couleurs opaques.

Les couleurs opaques ne sont pas bien absorbées pas bien par le papier et forment donc une couche de peinture qui reste plus à la surface du papier.

Elles sont plus granulées et épaisses, et souvent moins saturées.

Alizarine

Alizarine ! La reine des couleurs ! Ce n’est pas par hasard si les peintres l’appellent  « le sang de la peinture » !

On ne peut pas imaginer la peinture sans cette magnifique couleur.

C’est une couleur transparente qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs

En la mélangeant avec le Bleu d’Outremer vous pouvez obtenir une très belle couleur Violette foncée.

Laque de Garance rouge claire

C’est une très jolie couleur. Elle a pratiquement les mêmes caractéristiques que l’Alizarine et peut la remplacer dans votre palette.

Bleu d’Azur

C’est une couleur très puissante, assez transparente qui donne de jolis mélanges.

 l donne de jolies nuances de Vert en mélange avec le Jaune de Cadmium citron et le jaune de cadmium moyen.

Mais faites attention, si vous mélangez cette couleur avec plus que deux couleurs, le mélange deviendra lourd et parfois boueux.

Ne mélangez pas cette couleur avec plus qu’une autre couleur dans une couche de peinture si vous avez prévu de faire encors quelques couches.

Bleu de Cobalt

Couleur assez transparente et douce. Elle est très jolie pure, sans mélange, en glacis, et en mélange avec les autres couleurs elle donne des jolies nuances de Gris, Vert ou Bleu.

Bleu Outremer

Couleur magnifique ! Très transparente et assez puissante. Elle se mélange avec toutes les autres couleurs.

Violet

C’est une couleur assez transparente et assez puissante.

Mais faites attentions, cette couleur a la tendance à dominer les autres couleurs.

Cette couleur s’utilise rarement pure parce que trop puissante.

Je n’utilise pas beaucoup cette couleur, je préfère la composer moi-même en utilisant toute la gamme des Bleus et Rouges.

Vert de Cobalt

C’est une couleur semi-opaque. Elle est très jolie en mélanges avec pratiquement toutes les autres couleurs.

Elle faut surtout de beaux mélanges avec :

Le Jaune de Cadmium

les Ocres

Le Bleus

Et parfois avec les Terres

En mélangeant cette couleur avec les Rouges vous pourrez obtenir des nuances de Brun.

Vert Oxyde de Chrome

C’est une couleur très opaque. Il y a encore cinquante ans vous ne trouviez pas cette couleur parmi les couleurs d’aquarelle.

C’est la couleur qui appartenait uniquement à la palette de coloris de la  peinture à l’huile, car elle était considérée comme trop opaque pour l’aquarelle.

C’est une couleur jolie pure et en mélanges avec les couleurs opaques. Je vous conseille de l’utiliser vers la fin de  votre peinture, dans les couches finales.

Vert émeraude

C’est une couleur transparente et puissante. Elle est toujours absorbée par le papier et est difficile à enlever avec l’éponge. Cette couleur est rarement utilisée pure à cause de sa puissance, mais elle fait de jolis mélanges avec toutes les couleurs.

Terre verte

C’est une couleur assez opaque comme toutes les Terres. Elle fait de jolis mélanges avec :

Les Terres

Les Jaunes

Les Ocres

Les Verts

Terre de Sienne brulée

C’est une couleur de Terre donc elle est assez opaque, et je dirais plutôt semi-opaque. Cette couleur se mélange bien avec toutes les autres couleurs mais il faut en surveiller la proportion.

Avec les Jaunes, les mélanges peuvent devenir boueux.

Pomme. La couche finale. Comment mélanger les couleurs à l'aquarelle.
Voici la couche finale de ma peinture. Sur la pomme j’ai rajouté un peu de bleu de Cobalt et de la terre d’Ombre. Pour faire l’ombre réfléchie sur la pomme j’ai rajouté un peu de jaune de Cadmium moyen. Pour peindre une feuille de papier j’ai mis les couleurs chaudes ( ocre, jaune, rouge en les ayant bien diluées avec de l’eau) et je les ai laissées se mélanger sur la feuille. Ensuite pour faire les ombres portées j’ai utilisé le bleu de Cobalt et le Bleu outremer en les mélangeant soit avec un peu d’alizarine, soit avec un peu de Terre de Sienne. Et pour faire l’endroit très foncé sous la pomme j’ai mélangé le bleu outremer avec la Sépia.
Pour peindre la texture du bois j’ai utilisé la terre de Sienne et la Terre d’Ombre brulée. Et ensuite j’ai rajouté encore une couche de peinture pour faire les ombres. Pour prendre les ombres j’ai utilisé le Bleu de Cobalt, Le bleu Outremer et un peu de Terre d’Ombre brulée.

Sépia

Bonne couleur semi-opaque. Elle se mélange très bien avec toutes les autres couleurs de Terre et les Verts.

Avec les Bleus elle fait de jolies nuances de Gris.

Terre d’ombre brulée

Bonne couleur semi-opaque qui fait de beaux mélanges avec toutes les autres couleurs. Juste avec le jaunes il faut bien mesurer la proportion pour ne pas obtenir une couleur boueuse et trop opaque.

Noir (Noir de fumée, Noir d’ivoire, Noir de Mars)

C’est la couleur qui n’est pas obligatoire. Vous pouvez facilement la composer vous-même en mélangeant par exemple le Vert, le Rouge et le Bleu.

Mais je garde cette couleur dans ma boîte d’aquarelle car, en cas de mélanges avec les jaunes, elle donne de très jolies et riches nuances de Vert.

Blanc

Parlons un peu de la couleur qui est absente de la palette de l’aquarelliste ! C’est la couleur blanche.

Dans l’aquarelle, comme c’est la peinture qui est transparente, le blanc c’est aussi la couleur du papier. Il y a des techniques d’aquarelle (plutôt des techniques mixtes) où vous pouvez quand même utiliser le blanc mais ce sera du blanc de gouache. Chez beaucoup de fabricants vous pouvez trouver cette couleur dans les boîtes d’aquarelles de 36 couleurs.

Si vous trouvez le blanc dans votre boîte d’aquarelle, ne l’utilisez pas, s’il vous plaît.  Vous risqueriez d’abîmer votre peinture !

Donc pour apprendre à mélanger les couleursà l’aquarelle il faut juste se souvenir de ces 5 règles :

1.Ne pas mélanger plus de trois couleurs (et seulement deux pour les couleurs opaques).

2. Toutes les couches de peinture doivent être transparentes.

3. En mettant la couche supérieure de la peinture prendre en considération les couleurs de la couche inférieure.
Si vous avez déjà fait plusieurs couches de peinture, essayez de travailler par-dessus avec une couleur unique et plutôt transparente pour éviter que votre peinture devienne boueuse et « fatiguée ».

4. N’utilisez pas beaucoup de couleurs. Pour réaliser une aquarelle il vous suffit d’avoir 12 couleurs (principalement les couleurs primaires Rouge, Bleu et Jaune).

5. Travaillez de préférence avec les couleurs mono-pigmentaires.    

Les 12 couleurs que je vous conseille d’avoir dans votre boîte de peinture en aquarelle.

  1. Jaune de Cadmium Moyen (opaque et semi-opaque)
  2. Ocre Claire ou Ocre Jaune (opaque et semi-opaque)
  3. Ocre d’Or ou Terre de Sienne (opaque et semi-opaque)
  4. Orange de Cadmium (opaque)
  5. Rouge de Cadmium (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  6. Rouge de Carmin ou Rouge de Rubis (transparente)
  7. Alizarine (transparente)
  8. Bleu d’Outremer (transparente)
  9. Bleu de Cobalt (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  10. Bleu d’Azur (transparente)
  11. Terre d’Ombre brulée (opaque et semi-opaque)
  12. Sépia (opaque et semi-opaque)

Les 17 couleurs supplémentaires que vous pouvez avoir et qui vous a :

  1. Jaune de Cadmium foncé (opaque et semi-opaque)
  2. Jaune de Cadmium claire (opaque et semi-opaque)
  3. Laque de Garance (transparente)
  4. Violet de Cobalt, Violet de Cobalt foncé (transparentes mais bi-pigmentaires)
  5. Terre d’Ombre naturelle (opaque et semi-opaque)
  6. Terre de Sienne brulée (opaque et semi-opaque)
  7. Vert Emeraude (transparente mais bi-pigmentaire)
  8. Vert de Cadmium clair et Terre Verte (opaque et semi-opaque : dépend de la marque)
  9. Brun Van Dyck (semi-opaque)
  10. Noir (peut être transparent ou opaque, cela dépend de la marque)
  11. Violet quinacridone ( transparent )
  12. Rouge Anglais (opaque)
  13. Indigo (transparent ou semi-opaque)
  14. Bleu de Céruléum (assez opaque, je ne conseillerais pas cette couleur pour un débutant)
  15. Jaune de Naples (opaque)
  16. Bleu indanthène. (transparente ou semi-opaque )
  17. Bleu de Prusse (transparente )

Faites attention ! Les couleurs et leurs caractéristiques décrites dans cet article n’appartiennent pas à une marque d’aquarelle particulière. Comme je ne sais pas quelle marque d’aquarelle vous urtilisez je vous ai donné des caractéristiques des couleurs que vous pouvez trouver presque chez tous les fabricants.

Dans un de mes prochains articles je vous donnerai le nuancier et les caractéristiques des couleurs de la marque White Night ( les fameuses Nuits Blanches de St Pétersbourg ) que j’utilise moi-même.

Maintenant je vous invite à regarder la vidéo que je viens de publier sur ma chaîne YouTube “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”. Dans cette vidéo vous pourrez trouver des exemples pratiques du mélange des couleurs, couleur par couleur.

Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle

Je vous propose également de faire quelques exercices sur le mélange des couleurs. Vous pouvez commencer par mélanger les couleurs librement comme vous l’avez vu dans cette vidéo pour pouvoir sentir leurs textures et leurs capacités et ensuite je vous propose de faire les exercices de mon article Mélange des couleurs à l’aquarelle. Exercices. pour apprendre à gérer les couleurs et les appliquer sur le papier.

Je vous mets également les liens des articles qui pourraient vous intéresser. “Comment peindre une nature morte à l’aquarelle”, “Comment peindre la mer en aquarelle”

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, posez-les dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider !

Merci et à bientôt ! 🙂

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Comment dessiner un cheval

Dans cet article je vais vous parler de comment dessiner un cheval. C’est un sujet très complexe. Dessiner un cheval est souvent plus difficile qu’une personne. Même les artistes peintres professionnels évitent souvent de dessiner un cheval dans la perspective et dans les positions difficiles. Et c’est dommage. Le cheval est un animal magnifique !

Si vous lisez cet article, cela signifie que vous avez déjà lu le premier article de mon tutoriel “Apprendre à dessiner un cheval” dans lequel je parle de l’anatomie du cheval, des proportions, des allures, des positions et des mouvements et beaucoup d’autres informations importantes à connaitre pour apprendre à dessiner un cheval correctement. Si vous ne l’avez pas lu je vous conseille fortement de le lire pour que ce tutoriel soit le plus complet, le plus compréhensible et plus utile pour vous.

Comme j’aborde un sujet très complexe, j’ai été obligé de séparer mon tutoriel en trois articles.

1. Apprendre à dessiner un cheval (Anatomie du cheval) Article précédent.

2. Comment dessiner un cheval. Toutes les méthodes pour réussir votre dessin.( l’article que vous lisez actuellement).

3. Comment dessiner un cheval étape par étape dans lequel je vais réaliser devant vous le dessin d’un cheval pour vous montrer le processus du travail étape par étape. ( cet article sera publié prochainement ).   

Donc article 2.

Comment dessiner un cheval.

Dans cet article je vous donnerai les méthodes pour dessiner un cheval.

Je sais que souvent on a tellement envie de passer directement à la pratique et éviter la théorie qui nous parait longue, inintéressante et peu utile. Mais je vous assure que, pour apprendre à dessiner un cheval correctement on ne peut pas s’en passer. Donc je vous conseille de lire cet article “Comment dessiner un cheval” avant de passer à l’article 3 de ce tutoriel “Comment dessiner un cheval étape par étape” qui est très pratique.

Pour comprendre comment dessiner un cheval, il faut que l’on parle de plusieurs étapes d’apprentissage.

1. Pour apprendre à dessiner un cheval il est très souhaitable de commencer par faire des croquis rapides d’après nature pour apprendre à capter le mouvement du cheval.

2. S’il y a la possibilité de dessiner à partir du modelage d’un cheval ou de sculptures équestres. (Cela aide à étudier tranquillement chaque volume et chaque détail). Vous pouvez bien sûr faire quelques dessins d’après des photos. Mais dans ce cas il vous fait choisir une photo sur laquelle vous voyez clairement tous les volumes et où il n’a pas de déformations visuelles des formes. Moi je suis plutôt partisane de dessiner à partir de sculptures, car sur les sculptures on voit toutes les formes en volume et on ne risque pas de faire une faute à cause du fait qu’on ne voit pas toutes les formes correctement et en volume.

Comment dessiner un cheval. Dessin d'après une modelage du cheval de Peter Clodt.
Dessin d’après un modelage du cheval de Peter Clodt.

Bien sûr, si vous n’avez pas de cette possibilité, commencez par étudier de bonnes photos de chevaux. Vous pouvez également faire quelque copies de dessins ou de peintures équestres des grands artistes peintres.

Mais ici faites très attention, dans chaque époque existaient des canons définissant comment dessiner un cheval. Et oui…, tout comme pour dessiner un corps humain ou un visage il existe de nombreux canons. Je vous conseille de prendre pour copier les dessins et les peintures de Rubens, Géricault, Delacroix, Leonard de Vinci, Serov, Samokich, les sculptures, même en photo, Evgueni Lanceray, Peter Clodt. Bien sûr ils ne sont pas seuls à bien dessiner des chevaux, mais c’est juste que pour moi, en vous conseillant de copier des peintures de ces peintres je suis sûre que vous allez copier les dessins qui sont très corrects et qui ne sont pas énormément influencés par les canons et la mode qui existaient à leur époque. 

3. Et la troisième étape. Essayons de dessiner un cheval d’après nature. Cela ne sera pas déjà un croquis rapide, mais le vrai dessin en détails. D’un premier regard il semble que ce soit  impossible. Comment dessiner un cheval s’il bouge tout le temps ?! Mais il y a une technique pour cela aussi. C’est pour cela que je vous ai conseillé tout d’abord de commencer par dessiner des croquis rapides. Comme cela vous allez vous préparer aux dessins plus longs en durées.

Donc comment dessiner un cheval d’après nature.   

Pour faire des croquis il vous suffit d’avoir un bloc note, un crayon H2 – H5et une gomme.

Admettons que vous ayez commencé à dessiner un cheval qui se promène dans le pré. Vous avez commencé votre dessin, mais le cheval ne vous attend pas, il se déplace.
Quoi faire !? Vous laissez tout simplement votre croquis inachevé, ( mais vous le gardez ! ) et vous passez à un autre croquis. Le cheval bouge et change de position encore, vous passez à un autre croquis sans avoir fini le croquis précédant. Et vous surveillez, dès que le cheval a pris la position d’un de vos croquis vous y revenez pour le finir.

Croquis. Comment dessiner un cheval.
Croquis. Cheval avec son attelage.

En fait, un cheval au pâturage n’a pas beaucoup de positions différentes et à un moment ou un autre il va revenir dans la position dont vous avez besoin. Peut-être que ce ne sera pas à 100% la position que vous avez dessiné, mais elle en sera très proche. Et notre but quand on fait des croquis, ce n’est pas dessiner précisément chaque forme, mais de capter le mouvement, le caractère d’un cheval concret et sa silhouette.

Comment dessiner un cheval. Croquis rapides.
Croquis rapides faits d’après nature

Mais avant de commencer à dessiner d’après nature je vous conseille fortement d’étudier l’anatomie d’un cheval, ses proportions ( vous pouvez le trouver dans mon article “Apprendre à dessiner un cheval”) et types en fonction de la race. Cela aide énormément ! Croyez-moi !

Cela aide surtout quand on veut passer à l’étape suivante, le dessin d’un cheval d’après nature. Ce n’est pas déjà un croquis ! Sur ce dessin on peut travailler plusieurs heures.  

Quand on dessine une personne, on utilise des méthodes qui nous aident à construire notre dessin, notamment on utilise la méthode de comparaison, on mesure des proportions, on détermine une ligne centrale auxiliaire qui nous aide à capter le mouvement. Tout à fait pareil quand on veut dessiner un cheval.

La ligne centrale auxiliaire du cheval

La ligne centrale auxiliaire, on peut la voir quand on essaie de dessiner un cheval de face, dans la position ¾ et vue de l’arrière. Sur ce dessin vous pouvez voir la ligne centrale auxiliaire en plusieurs positions. Pour apprendre à capter la ligne centrale qui détermine la position et le mouvement d’un cheval, vous pouvez vous entrainer en regardant et en dessinant d’après des photos de chevaux dans différentes positions. Il est très utile également d’apprendre à capter le mouvement en utilisant les schémas simples comme celui-ci.

Comment dessiner un cheval. La ligne centrale
La ligne centrale auxiliaire.

Et bien sûr quand vous dessinez un cheval, n’oubliez pas d’utiliser les règles de la perspective et la méthode de comparaison. Et fait je vous conseille comme d’habitude de commencer à dessiner le cheval selon votre impression sans corriger et mesurer des proportions et ensuite d’utiliser la méthode de comparaison pour vérifier et peut-être corriger votre première impression. La première impression est souvent la bonne. En plus elle sert de point de départ pour notre dessin. Et bien sûr avant de dessiner n’oubliez pas de tracer la place de votre dessin sur la feuille de papier. C’est très important. C’est tellement dommage quand on voit de beaux dessins, mais qui sont très mal placés sur une feuille. La composition est la base de la peinture et dessin !

Donc après avoir dessiné des croquis, passons au dessin du cheval plus détaillé et donc plus long en temps.

Pourquoi il est important de réaliser ces dessins ?

Quand on dessine des croquis on étude le mouvement et le caractère du cheval, alors que dans le dessin de longue haleine on étudie la construction du corps du cheval et ses détails. Donc notre tâche devient plus difficile. A par le mouvement on doit maintenant travailler précisément sur chaque détail. Je vous rappelle qu’il est très souhaitable de consulter l’anatomie du cheval avant de commencer à dessiner. Même je vous conseille de prendre le temps pour dessiner la construction anatomique du cheval. Quand on dessine on mémorise mieux, comme cela vous aurez plus de facilité pour appliquer vos connaissances d’anatomie à la pratique.

Donc revenons à notre dessin.

Les points d’appuis visuels pour dessiner un cheval de profil.

Comment dessiner un cheval. Etape 1.
Comment dessiner un cheval. Première étape. Ici après avoir trouvé la place de notre dessin sur une feuille, on commence à construire la forme générale du cheval par les grandes masses. Faites attention, on commence à dessiner avec les lignes droites en construisant les formes avec les facettes. Comme pour tous les autres dessins on va des grandes formes vers les plus petites. Et bien sur pour bien placer les masses on utilise la méthode de comparaison.

Quand on dessine un cheval de profil pour commencer le dessin on doit trouver les points d’appuis visuels pour déterminer la construction générale du cheval. Pour le dessin en profil pour les points d’appui on peut prendre la nuque, l’œil, le nez, la ganache, le garrot, l’épaule et le bras, le coude, le genou, le sabot, la croupe, le pointe de la hanche, le jarret et le boulet.

En construisant votre dessin selon ces points d’appuis vous pourrez facilement vérifier les proportions générales du cheval et les déclinaisons des axes principaux des formes générales.

Comment dessiner un cheval. Etape 2.
Comment dessiner un cheval. Deuxième étape. Ici on voit que les formes deviennent plus arrondies. Sur ce dessin on travaille plus sur les détails, on precise les formes, on travaille sur les ombres et la lumière pour rendre notre cheval vivant.

Maintenant nous parlerons de l’ordre du dessin.

On commence toujours à dessiner un cheval par les grandes masses et volumes en utilisant aussi, comme d’ailleurs dans n’importe quel dessin les formes simples géométriques. On va toujours des grandes formes vers les plus petites et ensuite vers les détails. Quand vous dessinez faites attention à ce que le relief principal des muscles se concentre principalement sur la ceinture scapulaire et la ceinture pelvienne. La particularité de la construction du corps du cheval en comparaison avec celle du corps humain, facilite la représentation d’un cheval de profil et au contraire rend plus compliqué le dessin d’un cheval de face.

Sur ce dessin vous pouvez voir la géométrie des formes principales d’un cheval dessiné de face.

Comment dessiner un cheval. la géométrie des formes du cheval.
La géométrie des formes du cheval.

Quand vous dessinez un cheval dans une position difficile, en perspective, le schéma géométrique du corps d’un cheval est très utile pour la compréhension de la construction volumno-spatiale du corps en perspective. Ce schéma géométrique n’est pas une étape du dessin. Au cours du dessin elle doit être tracée avec les lignes auxiliaires légères, faciles à effacer après.     

Sur le dessin suivant vous pouvez voir des muscles du cheval dessinés dans la même position de face.

Les muscles du cheval. Comment dessiner un cheval
Les muscles du cheval.

Ce dessin nous montre la dernière étape de construction d’un cheval.

Comment dessiner un cheval. Etape finale

Le plus difficile est de dessiner un cheval en galop de face. Avec les jambes tendues vers le spectateur. Pour apprendre à dessiner un cheval en galop de face il faut mettre assez de temps pour étudier et  dessiner les jambes dans les positions différentes. Essayons de dessiner un crayon en perspective avec la mine orientée vers nous (cela veut dire de face ). Je vous assure, c’est très difficile.

Une jambe du cheval a une construction beaucoup plus complexe, qu’un crayon. Donc quand vous dessinez les jambes du cheval en perspective, essayez de comprendre la déformation optique des formes en vous accrochant avec le regard du relief du genou, du paturon et du boulet.

Comment dessiner un cheval.  Les jambes du cheval.
Les jambes du cheval.

Pour apprendre la construction des jambes du cheval en perspective je vous conseille de dessiner à partir de sculptures ou s’il n’y a pas de cette possibilité, dessinez- les d’après des photos. Mais bien que trouver une photo à dessiner soit très facile, à part cela je vous conseille quand même de trouver la possibilité de dessiner des sculptures, par exemple dans les musées.

Eclairage.

Pour réussir à dessiner un cheval il est très important de choisir son éclairage, la place de la source de lumière. Si la source de lumière se trouve derrière ou devant le cheval la lumière glisse sur les formes en faisant ressortir les volumes et les reliefs des muscles. Il est très intéressant d’utiliser la position du cheval en contre – jour et au contraire de face. En ce cas-là les volumes seront plus aplatis mais en revanche on verra plus le jeu des couleurs sur le poil.

Quand vous dessinez un cheval faites attention à la brillance du poil. La brillance peut faire ressortir encore plus les volumes et le relief des muscles. Ce dessin nous montre par exemple comment la brillance du poil peut faire ressortir les reliefs essentiels des muscles.

Comment dessiner un cheval. La brillance du poil.
La brillance du poil du cheval

Faites attention parce que la brillance du poil dépend beaucoup de l’éclairage, de l’état général du cheval et de la saison. Par exemple en hiver quand le poil est plus long la brillance du poil s’aperçoit moins, mais en revanche on aperçoit mieux la localisation des couleurs de la robe du cheval. Je vous conseille d’étudier les couleurs de différentes robes des chevaux. Mais souvenez-vous, la couleur de la robe est toujours soumise aux volumes et à la forme générale du cheval.

Parlons maintenant comment dessiner un cheval et ses détails.

1.La tête d’un cheval et les détails.

La tête du cheval
La tête du cheval

La tête du cheval est une des parties les plus difficiles à dessiner. Car elle a une forme complexe et beaucoup de petits détails. En plus, c’est comme dans un portrait d’une personne en dessinant la tête du cheval on doit transmettre le caractère, le tempérament, l’attitude personnelle, l’état d’esprit, les sentiments….  Tout à fait comme chez une personne.

Le crâne du cheval
Le crâne du cheval

Quand on étudie la tête d’un cheval on ne voit pas beaucoup de relief musculaire, alors que le crâne s’aperçoit clairement. Je vous conseille d’étudier la construction du crâne du cheval, cela vous donnera la base pour construire la tête du cheval. Faites attention également au placement des yeux, des oreilles, de la forme de l’arcade zygomatique et du nez.

Les oreilles, le nez et l'oeil du cheval. Comment dessiner un cheval
Les oreilles, le nez et l’oeil du cheval

Pour bien placer les détails utilisez la même méthode et l’ordre du travail que pour dessiner un visage en utilisant les lignes auxiliaires. Cette méthode et tout le processus du travail vous pouvez les voir dans mon article Comment dessiner un visage.

2. La tête et le cou du cheval.

Le cou est une des parties les plus souples et mobiles du cheval.

Pour exprimer l’état du cheval, si le cheval est calme ou inquiet, etc., il faut toujours dessiner la tête avec le cou. Si le cheval est inquiet le cou est levé, s’il est calme le cou avec la tête sont baissés. Sur ce dessin on peut voir la tête du cheval dans différentes perspectives et dans des états différents.

La tête du cheval. Comment dessiner un cheval
La tête du cheval

Sur ce dessin le cou et la tête du cheval sont en position libre et assemblé. Ici on voit bien comment change la forme des muscles dans ces positions.

La tête et le cou du cheval. Comment dessiner un cheval
La tête et le cou du cheval

Ces deux dessins peuvent nous servir pour faire un exercice. Essayons de copier ces dessins, pas pour copier la technique, mais pour comprendre la perspective, le fonctionnement des muscles, étudier les facettes des formes et les lignes centrales.

Pour exprimer les sentiments du cheval il faut faire très attention au nez, aux yeux et aux oreilles.

Quand le cheval court, les narines deviennent plus grandes et leur forme plus ronde, la silhouette de la tête au niveau du nez change.

La poitrine et la ceinture scapulaire du cheval.

Comment dessiner un cheval

On peut voir la scapula au niveau de la bosse d’épaule. L’humérus est caché par les grands muscles. Au niveau de la partie inférieure de la ceinture scapulaire on peut voir les veines. Surtout on voit bien les veines quand le cheval a chaud, quand il court ou après des exercices physiques. De profil on peut voir le relief des muscles de la poitrine. Si l’on regarde la poitrine de face, elle aura une construction de la forme complexe car c’est ici que les muscles du cou, les muscles de la poitrine font «  un nœud ».                                                  

 La croupe du cheval.

Pour dessiner cette partie du cheval on doit faire attention aux trois points d’appui visuels. Ce sont la pointe de la hanche et l’extrémité de la croupe au niveau des os du bassin et de la 6-ème vertèbre lombaire, le grasset et la tubérosité ischiatique. Sur ce dessin la brillance du poil détermine les endroits les plus volumiques de la croupe.

Les jambes antérieures du cheval.

En dessinant les jambes on voit que les os du squelette s’aperçoivent mieux que dans les autres parties du cheval. Ici on voit aussi très bien les muscles et les tendons.

Pour dessiner la forme des jambes antérieures il est très important de faire attention aux points d’appuis :

  1. La partie qui s’appelle le genou, mais en réalité, si l’on compare avec le bras humain c’est la partie qui correspond au poignet.  La surface supérieure du genou est un peu aplatie et la surface arrière est plus arrondie.
  2. Le boulet.
  3. Le sabot qui d’un premier regard n’est pas difficile au niveau de sa forme mais pose parfois des problèmes. Faites toujours attention à sa position par rapport à la jambe et à son angle.   
Les jambes anterieurs

Les jambes sont une des parties des plus difficiles du dessin. Quand on dessine les jambes on doit faire attention au relief des muscles et des tendons, étudier à quel os correspond telle ou telle protubérance. Ici la connaissance d’anatomie est indispensable.

Faites attention sur les jambes on peut voir toujours un réseau de veines qui ressortent bien en relief dans le sens transversal par rapport aux muscles. Je vous conseille de jeter un coup d’œil sur l’anatomie du cheval pour étudier les muscles et les tendons qui font le relief des jambes. ( Notamment le tendon fléchisseur superficiel du doigt ( perforé), le tendon perforant, le tendon extenseur du doigt). 

Vous n’êtes pas obligé de mémoriser leurs noms, sauf si cela vous aide à mémoriser aussi leurs formes et leurs fonctionnements ( ce qui est mon cas ), mais étudier leurs formes et comment le relief change en fonction du mouvement du cheval. Si le cheval a les fanons, ce qui est souvent le cas des chevaux de races d’attelage ou de n’importe quel cheval au pâturage d’hiver ( les fanons servent d’une sorte de protection pour les jambes du cheval, donc il poussent vite quand le cheval vit dans les prés en hiver ). Donc les fanons ne doivent pas vous perturber durant la construction de la forme de la jambe. Je vous conseille de toujours dessiner les jambes sans fanon et de les dessiner après pour rajouter de l’identité de votre cheval. 

Les jambes postérieures du cheval.

Les points d’appui pour l’artiste pour les jambes postérieures sont :

  1. Le jarret. L’angle de jarret peut être plus ou moins différent, plus aigus ou plus obtus. Cela dépend de la race et de l’extérieur du cheval concret.
  2. Le boulet et le sabot peuvent être un peu différents de ceux des jambes antérieures. L’angle du sabot par rapport à la surface horizontale peut être plus obtus que celui des sabots des jambes postérieures. La fonction des jambes antérieures – appui, accrochage, la fonction des jambes postérieures – répulsion.
les jambes postérieures du cheval
Les jambes postérieures du cheval.

Comment dessiner un cheval en mouvement.

Les mouvements du cheval sont principalement concentrés sur le cou, la queue et les jambes.

Le cou c’est la partie la plus mobile et la plus souple. La position du cou et de la tête du cheval reflètent son état général. La silhouette du cou peut être très différente même avec le même mouvement. Par exemple dans la position « assemblé » la silhouette dépend de la race, du type du cheval, de son extérieur, de la façon de cavalier à assemblé le cheval.

Les mouvement du cou du cheval. Comment dessiner un cheval.
Les mouvement du cou du cheval.

Les mouvements de la queue sont très variés aussi. Quand le cheval est calme la queue est serrée contre la croupe, mais au moment de l’excitation ou quand le cheval court il monte la queue assez haut, avec une belle flexion chez les certaines races comme le pur-sang arabe et ses croisements. La queue comme le cou montrent l’état général du cheval.

Le caractère des mouvements des jambes est relativement simple. Les jambes bougent en avant, en arrière et très peu de côté. Pour étudier la différence des mouvements du cheval sur les trois allures je vous propose de consulter mon premier article de ce tutoriel “Apprendre à dessiner un cheval”. Notamment les schémas qui montrent les positions du cheval sur les trois allures.

Pour apprendre à dessiner les allures du cheval vous pouvez étudier des photos de chevaux. Mais ce qui est aussi important c’est d’apprendre à sentir et capter l’amplitude et le caractère du mouvement de chaque cheval. Quand on regarde un cheval qui trotte on est capable de capter facilement le caractère du mouvement car c’est un mouvement que est assez répétitif.

Un trotteur
Un trotteur.
Schéma du trot du cheval.
Schéma du trot du cheval.

Mais il est beaucoup plus difficile de capter le caractère du mouvement du cheval qui galope, surtout quand c’est un galop de course. Le mouvement est asymétrique.

Cheval au galop. Comment dessiner un cheval
Cheval au galop

Pour apprendre à dessiner ce mouvement difficile on est obligé d’utiliser des photos, qui nous aident beaucoup car alors on peut voir clairement le mouvement et qui en même temps mous empêche de garder la perception figurative générale du galop. A mon avis il faut éviter de copier des photos qui nous servent pour étudier et comprendre le mouvement. Si l’on copie juste les photos sans sentir le mouvement, l’état du cheval, son caractère, notre dessin peut devenir figé, perdre son âme. Ce serait idéal de réunir l’impression visuelle que l’on a quand on voit un cheval qui galope et le mouvement en détail que l’on voit sur les photos.

Choisissez par exemple des photos où le mouvement reflète le mieux votre impression du cheval, ce que vous voulez transmettre au spectateur comme sentiment. Quand vous dessinez d’après une photo, faites toujours attention au déformations optiques que l’on peut voir sur beaucoup de photos et éviter de copier les contours, dessiner comme si vous l’aviez dessiné d’après nature en utilisant la méthode de comparaison, les connaissance des muscles, les facettes des formes.                     

Troïka. Nikolaï Semionovitch Samokich
Troïka. Nikolaï Semionovitch Samokich
Observez cette peinture. Ici l’artiste transmet le mouvement le plus difficile du cheval le galop de course.
Nikolaï Semionovitch Samokich
Nikolaï Semionovitch Samokich
Sur ce dessin vous pouvez voir comment l’artiste dessine les autres phases du galop.
Troïka. Nikolaï Semionovitch Samokich
Sur ce tableau de Nikolaï Samokich on peut voir encore d’autres phases de galop.
Sur ce schéma comparatif des phases du galop de cheval
Sur ce schéma comparatif vous pouvez voir comment le peintre interprète les phases du galop du cheval. ( Les schémas complèts des phases du galop du cheval, vous pouvez les trouver dans mon premier article de ce tutoriel “Apprendre à dessiner un cheval”).

A la fin de cet article je vous propose de faire un petit exercice. Choisissez une bonne photo du cheval, dessinez le suivant les étapes et les méthodes décrites dans cet article, mais avant de réaliser ce dessin dessinez ce cheval en schéma géométrique et avec ces muscles. Vous verrez, que même si cela vous demande plus de temps au début, ces dessins vous aideront énormément dans le futur pour dessiner un cheval dans n’importe quelle position.

Merci d’avoir lu cet article ! C’est la deuxième article de mon tutoriel Comment dessiner un cheval et je vais bientôt publier l’article “Comment dessiner un cheval étape par étape” dans lequel nous dessinerons ensemble un cheval.

Je vous invite également à m’écrire un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions. Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Apprendre à dessiner un cheval

Avec cet article “Apprendre à dessiner un cheval” je commence une série d’articles ou un tutoriel plutôt : “Comment dessiner un cheval”. Comme j’aborde un sujet qui est hyper complexe et je veux vous donner les connaissances professionnelles pour vous apprendre à dessiner un cheval. N’importe quel cheval dans n’importe quelle position ! Je suis obligée de séparer cet article en trois articles. Dans le premier article “Apprendre à dessiner un cheval” on parlera de l’anatomie du cheval. Cela ne serait ni professionnel ni honnête si j’ignore cette partie.

Pourquoi il est important d’étudier l’anatomie pour apprendre à dessiner un cheval ?

L’anatomie fait la base pour apprendre à dessiner un cheval ainsi que pour le dessin d’un corps humain et d’un portrait. Si vous voulez apprendre à dessiner un cheval, je vous conseille fortement de lire cet article. Dans mon deuxième article de ce tutoriel  “Comment dessiner un cheval” je vous parlerai des particularités du dessin du cheval, des méthodes pour réussir votre dessin, des techniques comment dessiner un cheval, des détails extérieurs du cheval, de ses mouvements. Tout cela nécessite une bonne base anatomique.

Je pourrai choisir le chemin plus facile, et juste vous montrer les étapes du dessin d’un cheval concret sans me plonger dans les explications des mouvements, des allures, de la construction, des méthodes, ce serait  beaucoup plus facile pour moi et vous arriveriez certainement à dessiner un cheval dans la même position. Mais après, si vous voudriez dessiner un autre cheval dans une autre position, cela vous serait beaucoup plus compliqué. Mon but est que vous puissiez apprendre à dessiner un cheval facilement, dessiner n’importe quel cheval dans n’importe quelle position.

Je donne toujours un exemple pour illustrer pourquoi il est très important d’apprendre l’anatomie. Si l’on entre dans une chambre noire pour la première  fois, où on a jamais été avant sans lumière il est très difficile pour nous de s’y orienter, mais si l’on a déjà été dans cette chambre et que l’on sait où se trouvent des objets, on s’oriente plus facilement. Le corps du cheval ou le corps humain sont une chambre noire pour nous. Et pour s’y orienter on a besoin de l’anatomie. C’est pour cela que je vous demande de prendre le temps pour lire attentivement cet article dans lequel on parlera de :

1.l’Anatomie du cheval

2.Les proportions du cheval et comment les appliquer pour dessiner un cheval concret.

3.Les positions et les mouvements courants (le repos en position debout, le repos en position allongé, centre de gravité du cheval en fonction de ses mouvements, le mécanisme des mouvements du cheval,  le cheval qui se cabre, le cheval transportant un attelage, le cheval qui monte et descend la pente avec un attelage lourde, le cheval qui freine ou recule. Comment dessiner tout cela ! )   

4.Les allures du cheval.

Donc commençons par le squelette du cheval.

L’artiste n’est pas obligé de connaitre tous les os du squelette du cheval, mais il est important de comprendre sa construction pour apprendre à dessiner un cheval correctement. C’est pour cela que je vous invite juste à mémoriser sa construction.  Le squelette est la base du corps du cheval.

Sur cette image vous pouvez voir un squelette du cheval.

squelette du cheval
1.La nuque, 2. os occipital, 3. os frontal, 4. os temporal, 5. cavité orbital, 6. os zygomatique, 7. os nasal, 8. maxillaire supérieure, 9. dents insicives, 10. maxillaire inférieure, 10′. angle du maxillaire inférieure, 11. atlas, 12. 7eme vertèbre cervicale, 13. première vertèbre dorsale, 14. 17 eme vertèbre dorsale, 15. première vertèbre lombaire, 16. 6eme vertèbre lombaire, 17. première vertèbre sacrée, 18. 5eme vertèbre sacrée, 19. première vertèbre coccygienne, 20. 16eme vertèbre coccygienne, 21. la première côte, 22. 6eme côte, 23. 18eme côte, 24 et 24 omoplate, 25. scapulum, 26. sternum, 27. humérus, 28. radius, 29. cubitus, 30. olécrâne, 31. carpe, 31′. os sus-carpien, 32. metacarpien rudimentaire externe, 33. metacarpien principal, 34. grang sesamoïde, 35. 1ère phalange ( os du paturon ), 36. 2ème phalange ( os de la couronne ), 37. 3ème phalange ( os du pied ), 38. sternum, 39. la pointe de la hanche, 40. tubérosité ischiatique, 41 et 42 fémur, 43. trochanter, 44. grand trochanter, 45. rotule, 46. tibia, 46′. articulation fémoro-tibiale, 47. péroné, 48. tarse et astragale, 49. calcanéum, 50. métatarsien principal, 51. métatarsien rudimentaire externe, 52.grang sesamoïde, 53. 1ère phalange ( os du paturon), 54. 2ème phalange ( os de la couronne ), 55. 3ème phalange ( os du pied ).

Je vous rappelle la forme plastique du corps du cheval est basée sur la combinaison harmonique de sa construction (squelette) est de son relief fait par les muscles. 

Les muscles du cheval.

Le plus important pour l’artiste qui veut apprendre à dessiner un cheval, est connaitre la musculature superficielle qui se voit facilement sous la peau et le poil. Les muscles sont constitués de fibres musculaires qui s’attachent aux os avec les tendons. Les plus grands muscles sont concentrés dans la ceinture scapulaire est sur la croupe où ils font plus de relief. Ce sont des endroits de concentration de la force musculaire pour faire le mouvement. Les muscles et les tendons des jambes sont plus petits mais très bien visibles.

Il y a beaucoup de ressemblance anatomique entre le corps humain et le cheval. Donc il est utile de comparer les parties de squelette et des muscles du cheval et ceux d’un humain. En fait la seule chose qui est très différente dans la structure du corps humain c’est que le cheval n’a pas de clavicule. C’est pour cela que sa ceinture scapulaire est comme si elle était pliée, par rapport à la ceinture scapulaire humaine.

Si l’on regarde tout l’appareil ostéo-musculaire qui participe au mouvement du cheval, on voit une certaine élasticité de sa construction. Le corps du cheval c’est un système de «  levier », notamment des jambes postérieures qui représentent la force principale répulsive, surtout au galop où lors du transport de poids en attelage.

Sur cette image vous pouvez voir les muscles du cheval.

muscles du cheval
Les muscles du cheval.
1. Les muscles du visage, 2., 2′.masséterl, 3. muscle trapèse dorsal, 4. muscle rhomboïde, 5. muscle splénius, 6 et 6′ dentelé du cou, 7 et 7′ muscle brachio céphalique, 8. muscle sterno-céphalique, 9. 10. muscle grand pectoral, 11. muscle petit pectoral, 12. omo-transversaire, 13 et 13′ muscle deltoïde, 14 et 14′ triceps branchial, 15. biceps branchial, 16 et 16′ grand dorsal, 17. muscle dentelé dorsal, 18. muscle oblique, 18′ aponévrose du muscle oblique, 19. Muscles intercostaux externes, 20. muscle fessier, 21. tenseur de fascia lata, 21′. fascia lata, 22. fessier superficiel, 23, 23′,23” biceps fémoral, 24. muscle demi tendineux, 25, 25′. muscle dorcal, 26. muscle coccygien, 27. muscle extenseur radial du capre, 28. muscle extenseur du doigt, 28′. tendon du muscle exteseur du doigt, 29. muscle extenseur latéral du doigt, 30 et 30′ muscle ulnaire latéral, 31. muscle extenseur oblique du capre, 32. muscle gastrocnémien, 32′. tendon du muscle gastrocnémien, 33. tendon perforant, 34 et 34′ tendon perforé, 35. muscle long extenseur du doigt, 35′. tendon du muscle long extenseur du doigt, 36. muscle exterieur latéral du doigt, 36′. tendon du muscle exterieur latéral du doigt, 37. ligament.

Maintenant  nous parlerons des proportions du cheval.

Dans mes articles précédents je vous avais déjà parlé des proportions du corps humain et des proportions du visage. Il existe aussi plusieurs canons des proportions du cheval. Comme les proportions du corps humain, les proportions du cheval nous aident à trouver la particularité de chaque personne en trouvant la différence entre les canons classiques et notre modèle.

Donc les proportions du cheval donnent la vision générale sur le cheval. Elles sont perçues comme une notion fondamentale qui caractérise l’extérieur harmonieux d’un cheval.

Sur ce dessin vous voyez les proportions du cheval. Il excite plusieurs canons de proportions du cheval. J’ai choisi le canon qui est à mon avis est plus facile à utiliser. 

Apprendre dessiner un cheval. Les proportions du cheval
Les proportions du cheval.
La taille de la tête AB est égale à la distance entre le dos et le ventre DE, à la distance entre le garrot et le point extreme de la scapula VG, à la distance entre le jarret et le grasset PJ et à la distance entre le jarret et le sol JZ.
La taille de 2,5 de tête est égale à la distance entre le garrot et le sol KV, à la distance entre la croupe et le sol LM, à la longeure du corps CG. La longeure de la croupe RC est égale à la distance CP et à la distnce OH.

Ce sont des proportions qui ont été obtenues par les hippologues comme résultat après de des nombreux mesurages des chevaux de selle. Ici la tête du cheval est prise comme module de mesure.

La taille verticale des sabots jusqu’au garrot qui est égale à la taille horizontale du corps du cheval. Donc selon ses proportions on peut inscrire le corps du cheval dans un carré. Ce sont les dimensions qui sont pratiques pour la vérification visuelle des proportions du cheval.

Je précise que les proportions généralisées du cheval je vous les donne à titre subsidiaire. Par exemple si l’on regarde les chevaux de selle, on voit rarement un cheval, dont le corps selon ses dimensions fait un  carré. ( d’ailleurs les pur-sang arabes sont une race où il y a plus de chevaux qui s’inscrivent dans un carré.) Sans parler des trotteurs ou des chevaux de trait qui s’inscrivent plutôt dans un rectangle allongé. L’artiste doit toujours garder cela à l’esprit et introduire les corrections nécessaires lors de son dessin pour capter la ressemblance du cheval concret.

Les proportions de la tête du cheval.

Apprendre à dessiner un cheval. Les proportions de la tête du cheval.
Les proportions de la tête du cheval.
La tête de profil.
AB – la distance entre la nuque et la lèvre supérieure. VG – est égale de la moitié de la distance AB. La largeur du cou ED est égale aussi à la moitié de AB. La dstrance JZ est égale également à la moitié de AB.
La tête de face.
La distance MF entre les les arcades sourcillères est égale à la distance MA, FA, MK, FK. La distance entre les apophyses zygomatiques SN est égale à la distance entre les les coins internes des yeux LP.

Je veux encore vous rappeler que l’artiste qui veut apprendre à dessiner un cheval en utilisant les canons des proportions doit quand même utiliser la méthode de comparaison pour mesurer les proportions réelles qui appartiennent au cheval concret et chercher toujours la différence entre les proportions réelles de son modèle et les proportions classiques.

Les allures du cheval.

Les mouvements du cheval en raison de sa structure sont assez répétitifs du fait de sa colonne vertébrale qui est peu souple dans la zone du dos. Cette certaine rigidité du dos est compensée par une grande taille et une grande motricité des jambes, ainsi qu’une souplesse du cou.

Les jambes antérieures  servent de support pour la masse de son corps et les jambes postérieures sont  la force répulsive principale du cheval. Les jambes postérieures sont une sorte de ressort mobile lui servant à pousser le corps en avant et vers le haut, quand le cheval saute. Quand le cheval bouge il utilise son centre de gravité en le déplaçant au moyen d’un lever ou d’un baisser de la tête et en tirant le cou.

Apprendre à dessiner un cheval. Le centre de gravité du cheval
Centre de gravité du cheval.

Dans l’équitation quand le cheval est monté le centre de gravité du cheval dépend du cavalier, de sa position sur le cheval et du fait si le cheval est rassemblé ou non. Le poids du cavalier déplace le centre de gravité du cheval vers les jambes antérieures ce qui est fatiguant pour le cheval. Quand le cheval est rassemblé par le cavalier, le poids de gravité se déplace vers les jambes postérieures.

Le mécanisme des mouvements du cheval on peut l’illustrer par le ressort qui se compresse et se décompresse. Comme sur ce dessin.

apprendre à dessiner un cheval qui galope
Le mécanisme des mouvements du cheval.

Ce mécanisme a ses particularités chez chaque animal. Ce que l’on peut voir sur ce dessin où l’on compare le mécanisme de mouvement d’un cheval et d’un lapin. Ici on peut voir que la souplesse de la colonne vertébrale d’un lapin est beaucoup plus supérieure de celle d’un cheval.

Les postures et les positions courantes du cheval. Apprendre à dessiner un cheval dans n’importe quelle position.

Le repos en position debout.

Dans cette position le poids du corps du cheval se trouvent sur ces trois jambes.

Observez ce dessin.  Cette position est très typique pour le repos.

Apprendre à dessiner un cheval. Le repos en position debout
Cheval se repose en position debout.

Une des jambes postérieures est légèrement pliée, la pointe de la hanche de ce côté et plus basse, le sabot touche la terre uniquement avec la pince (la paroi de devant). Si la jambe antérieure est dans la position de repos elle est mise légèrement en avant. 

Le repos en position allongée.

Le cheval qui dort
Un poulain alongé.

La position est d’habitude allongée sur les côtes avec les jambes pliées. Mais un cheval qui est très fatigué pu être allongé sur le côté dans la position que l’on peut voir sur ce dessin.

Le cheval se cabre.

Le cheval se cabre. Apprendre à dessiner un cheval
Le cheval se cabre et le cheval rue.

Le cheval peut pointer très haut presque à la verticale ou juste se cabrer un peu.  Les jambes postérieures sont toujours plus au moins pliées et très tendues. Les jambes antérieures du cheval il les utilise pour trouver l’équilibre. Souvent une des jambes antérieures est plus levée que l’autre.

Freinage du cheval

Pour freiner le cheval appuie avec le poids de son corps sur les jambes postérieures en les pliants fortement. Les jambes antérieures au contraire se dressent et prennent une position oblique par rapport au corps du cheval. La tête et le cou s’inclinent en arrière et grâce à ce mouvement le centre de gravité se déplace en arrière par rapport au point d’appui des jambes antérieures et le cheval freine. Donc l’effort principal tombe sur les jambes postérieures.

Le cheval freine. Apprenndre à dessiner un cheval
le cheval freine

Ce mouvement on peut le voir très clairement quand le cheval descend ou quand il s’arrête brusquement après avoir galoper.

Comment apprendre à dessiner un cheval qui tracte un attelage lourd.

Le cheval met beaucoup d’effort pour transporter un attelage lourd. D’habitude ça se fait au pas et s’exprime par une tension musculaire générale. La position du centre de gravité est très importante. L’effort du cheval est destiné à tirer le poids.

Le cheval tracte un attelage. Apprendre à dessiner un cheval
Le cheval tracte un attelage lourd.

Donc l’effort principal tombe aussi sur les jambes postérieures. Les jambes antérieures soutiennent le poids du corps du cheval et aident les jambes postérieures à pousser le corps. Le cheval tire le cou et tout son corps en avant et comme cela il déplace le centre d’équilibre en avant pour faire contrepoids au poids qu’il traine derrière lui.

Comment apprendre à dessiner un cheval qui monte ou descend la pente.

Quand le cheval monte l’attelage lourd dans la pente, à la force résistante qui aide le cheval trainer l’attelage on doit encore rajouter la force d’attraction. La force d’attraction influence aussi le propre poids du cheval qui monte la pente.

C’est pour cela que comme le poids de l’attelage augmente les muscles du cheval, surtout les muscles des jambes postérieures se contractent d’avantage et deviennent encore plus visibles. Dans cette position le cheval avance la tête jusqu’au bout et de cette manière déplace le centre de gravité le plus possible en avant.

Apprendre à dessiner un cheval. Le cheval monte et descend
Le cheval monte et descend

Quand le cheval descend la pente la force d’inertie de l’attelage lourd augmente et le cheval est obligé de freiner l’attelage. Le poids de l’attelage s’appuie par les brancards sur le collier et le cheval avec son propre poids et en s’appuyant sur ses jambes antérieures à l’aide de l’avaloire retient le collier. Et en même temps Il jette la tête en arrière en déplaçant le centre de gravité en arrière pour retenir l’attelage.

Apprendre à dessiner un cheval et ses allures

Le pas du cheval

Le pas c’est une allure qui a quatre temps. Cela veut dire que quand le cheval marche au pas ses jambes se posent par terre en diagonale l’une après l’une autre uniformément en quatre pas. Etudions ce schéma.

Les allures du cheval. Le pas.
Les 6 phases du pas.

Ici on voit six dessins :

  1. Le cheval s’appuie sur les trois jambes et lève sa jambe antérieure droite.
  2. La jambe droite s’appuie déjà sur le sol, la jambe postérieure gauche est levée, la jambe antérieure gauche va se lever.
  3. Le cheval est en train de poser sa jambe postérieure gauche par terre et lève la jambe antérieure gauche.
  4. La jambe postérieure gauche est posée par terre, la jambe antérieure gauche se met en avant.
  5. La jambe postérieure droite est soulevée, la jambe antérieure gauche est posée par terre.
  6.  La jambe postérieure droite se met en avant pour se mettre sur la place que vient de laisser la jambe antérieure droite.     

Le trot du cheval

Le trot c’est une allure à deux temps. Le cheval lève et baisse les jambes en diagonale en deux temps. Sur ce dessin on peut voir les mouvements du cheval au trot.

Les allures du cheval. Le trot
Les 5 phases du trot
  1. La jambe antérieure droite et la jambe postérieure gauche s’appuient sur la terre. C’est le début de la diagonale droite.
  2. Le cheval s’appuie sur la terre avec les mêmes jambes. C’est le milieu de la diagonale droite.
  3. Le cheval s’appuie sur la terre avec les mêmes jambes. C’est la phase finale de la diagonale droite.
  4. Toutes les jambes sont levées.
  5. Le cheval s’appuie sur la terre avec la jambe antérieure gauche et la jambe postérieure droite. C’est le début de la diagonale gauche.

Le galop du cheval

Le trop c’est une allure à trois temps. Les mouvements des membres ne sont pas symétriques comme ceux du trot ou du pas.  Donc le galop peut être sur le pied droit et sur le pied gauche. Il y a le moment au galop où tout le poids du cheval se pose sur une seule jambe.

Sur ces deux dessins on peut voir les quinze mouvements du galop.

Les allures du cheval. Le galop
Les phases 1-8 du galop

1.Le cheval s’appuie sur sa jambe postérieure gauche, les autres pieds sont levés.

2 . Deuxième phase de ce mouvement avec l’appuie sur le même pied.

3 et 4. Le cheval s’appuie sur les deux jambes postérieures et passe à la diagonale gauche.

5.La première phase de la diagonale gauche. 

6.La phase intermédiaire de la diagonale gauche.

 7.et 8. La phase finale de la diagonale gauche.

Les allures du cheval. Le galop 2
Les phases 9-16 du galop

9,10, 11. Le cheval s’appuie sur son pied antérieur droit, tous les autres pieds sont en l’air.

12 . Le cheval passe au mouvement où il se trouve complètement en l’air sans toucher la terre avec les pieds.

13. La première phase de suspension.

14. La phase intermédiaire de suspension.

15.  La phase finale de suspension après laquelle le cheval passe au mouvement comme on peut le voir sur le premier dessin ou sur le dessin 16.  

L’amble du cheval

Les allure du cheval. L'amble.
Les 2 phases de l’amble

L’amble c’est une allure à deux temps comme le trot. En fait l’amble est une variété du trot. Mais le cheval lève et baisse ses jambes de chaque côté en même temps alors que en trot le cheval lève et pose ses jambes en diagonale.

Bravo ! On est arrivé à la fin de cet article “Apprendre à dessiner un cheval” !

J’espère que vous avez aimé cet article malgré qu’il soit assez technique. Mais il vous a donné une bonne base pour passer à l’article suivant “Comment dessiner un cheval” dans lequel on va parler des techniques et des méthodes qui nous aide à apprendre à dessiner le cheval correctement. Et après cela on passera à un autre article “Comment dessiner un cheval étape par étape” où je vais dessiner un cheval devant vous pour vous montrer tout le processus du travail.  Pour apprendre à dessiner un cheval je vous conseille fortement de lire chaque article, sans sauter les étapes. 

Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me laisser un commentaire et bien sûr me poser des questions. Je ferai tout mon mieux pour rendre mes articles intéressants et utiles pour vous. Je suis toujours ravie de vous aider.

A bientôt ! 🙂

P.S. Je vous mes un lien sur l’article qui me paraît interessant qui parle du cheval dans la peinture.

 

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Proportions du visage.

Cet article, dans lequel je vais vous parler des proportions du visage, est la suite de mon article sur les proportions du corps humain.

Pourquoi il est importent de connaître les proportions du visage

Je trouve qu’il est important pour l’artiste de connaître les proportions du visage et les proportions du corps humain car ces connaissances peuvent servir de point d’appui pour le dessin d’un portrait. Bien sûr que tous les visages sont différents, et il y a énormément d’écart entre les proportions du visage classique et les proportions du visage réel du chaque personne.

Malgré cela je trouve quand même utile de vous parler des proportions du visage classique. Car si vous connaissez les proportions du visage classique, cela sera beaucoup plus facile pour vous de voir la différence entre les proportions du visage classique et proportions du visage de votre modèle. De cette manière vous pourriez capter facilement la ressemblance.

Donc commençons à parler des proportions du visage.

Proportions de la tête par rapport au corps humain.

Avec l’âge la tête grandie mais elle devient plus petite proportionnellement au corps humain. La tête de l’embryon de deux mois, fait la moitié de son corps. La tête d’un bébé fait 1/4 de son corps. La tête d’un enfant de 3 ans fait déjà 1/5 de son corps. La tête d’un enfant de 7 ans fait 1/6 de son corps. Alors que la tête d’un adolescent de 14 ans fait 1/7 de son corps.

En ce qui concerne la tête d’un adulte, la règle générale dit que les gens de petite taille ont la tête plus grande par rapport à leur corps que les gens de grande taille. Par exemple chez les personnes de la taille 170 cm la tête fait 1/7,5 de leurs corps. Chez les personnes de la taille 175 cm – 1/7,75 et pour la taille 180 la proportion de la tête est 1/8 du corps.

Proportions du visage. Premier schéma.

Si l’on sépare la taille verticale de la tête en 4 parties égales, la première partie sera la partie de la tête couverte par les cheveux, la deuxième partie sera la taille verticale du front, la troisième partie sera égale à la taille ou la longueur du nez et la quatrième partie sera la distance entre le nez et le bout inferieur du menton.

Proportions du visage.
Ce schéma illustre un exemple des proportions du visage où la partie du front, du nez et de la bouche avec le menton ont la même hauteur. Les lignes verticales montrent que la distance entre les angles intérieurs des yeux, la largeur des yeux, la distance entre les angles extérieurs des yeux et les lignes extérieures qui montrent les limites du visage ont approximativement la même taille ( largeur ). Sur ce schéma on voit le cas où la taille verticale de la lèvre inférieure avec le menton deux fois plus grande que la taille verticale de la lèvre supérieure.

Si l’on tire une ligne centrale verticale qui sépare le visage en deux parties, on verra que la partie gauche et la partie droite du visage ne seront pas absolument identiques. Le visage est asymétrique.

Cette asymétrie apparait dans la forme du nez, dans la position des yeux, mais plus souvent dans la position de la bouche.

Pour voir les proportions du visage on peut séparer aussi le visage en cinq parties verticales. ( Regardez le premier dessin.) Une de ces lignes passera par l’angle intérieur de l’œil et une autre passera par l’angle extérieur de l’œil. Entre les deux lignes verticales intérieures se trouve le nez. Donc on peut dire que la largeur du nez est égale à la distance entre les yeux.

La partie qui se trouve entre l’angle extérieur de l’œil et la ligne extérieure (la première et la sixième ligne ) est la partie latérale du visage. La taille horizontale de l’œil comme la distance deux yeux fait 1/8 environ de la taille verticale de la tête. La bouche se trouve approximativement entre la première et le deuxième tiers de la partie inférieure du visage (quatrième partie du visage).

Proportions du visage. Deuxième schéma.

Il existe encore un schéma des proportions du visage. Pour utiliser ces proportions du visage séparons le visage en trois parties. La partie du front, la partie du nez et la partie de la bouche et du menton ensemble.

Proportions du visage. Schéma 2.
Sur ce schéma des proportions du visage on peut voir que la ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties. Le radius du cercle supérieur fait 1/3 de la taille verticale de la tête et le radius du cercle inférieur fait 1/4 de la taille verticale de la tête. Le cercle supérieur est unilisé pour construir la partie cérvicale de la tête. Le cercle inférieur est utilisé pour construir la partie faciale de la tête.

La ligne horizontale qui passe à travers les pupilles sépare la tête en deux parties approximativement égales.

Effectivement toutes les proportions du visage sont approximatives. En dessinant le portrait l’artiste trouve les caractéristiques personnalisées de chaque modèle et utilise les proportions du visage classique juste pour trouver la différence entre ses proportions et les proportions du visage de son modèle. Comment dessiner le portrait vous pouver le découvrir dans mon article “Comment dessiner un visage”.

Proportions du cou

Comme la taille du cou dans l’anatomie artistique on prend la distance entre le menton et la fosse jugulaire. La taille du cou d’un adulte fait ½ de la taille du visage avec le front. Le cou d’un bébé ne fait que 1/50 de la taille de son corps alors que le cou d’un adulte fait 1/151/16 de la taille de son corps. D’ici on peut tirer la conclusion que quand un enfant grandit son cou devient plus grand en soit mais aussi plus grand proportionnellement.

La circonférence du cou est égale à deux circonférences du poignet et la moitié de la circonférence de la taille au niveau de la ceinture. La forme du cou est cylindrique et s’agrandi légèrement vers le bas. 

Merci d’avoir lu cet article. Pour compléter les informations de cet article je vous propose de lire mes articles Les os du crâne. Les proportions du corps humain et L’anatomie artistique du torse humain qui font la partie de mes articles consacrés à l’anatomie artistique. 

Je serais très contente si vous me laissez le commentaire. Et n’hésitez pas de me poser des questions. Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂  

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Anatomie artistique du corps humain.

Anatomie artistique du corps humain. Partie 1

Anatomie artistique du torse humain.

Il existe trois piliers qui nous aident à dessiner correctement le corps humain.

Premier pilier c’est l’anatomie plastique ou l’anatomie artistique.

Deuxième pilier ce sont des proportions et l’ordre du travail sur le dessin du corps humain.

Troisième pilier c’est la construction du corps humain et le mouvement.

Dans cet article je vais vous parler du premier pilier, de l’anatomie artistique ou l’anatomie plastique du torse. 

Pourquoi j’insiste sur le fait qu’il soit très souhaitable pour l’artiste peintre ou le sculpteur de connaitre l’anatomie artistique et savoir dessiner les nues ? Même si l’artiste n’envisage pas de dessiner des nus, mais uniquement des personnages habillés, pour comprendre comment fonction le corps qui se trouve sous les habits il faut connaitre la construction du corps humain. Pour dessiner le modèle habillé on doit le savoir dessiner déshabillé.

L’artiste doit toujours aller jusqu’au bout des choses. Quand on sait ce que l’on dessine, on sent la forme en volume, par exemple on comprend en regardant le visage de face quel sera son profil. L’artiste ne doit pas copier les contours de la forme, qu’il voit, mais dessiner la forme en volume, connaitre par cœur et sentir cette forme et ses volumes ! 

C’est pour cela qu’à l’époque de la Renaissance c’était les artistes qui pratiquaient des dissections et qui étudiaient parfois plus l’anatomie surtout l’anatomie artistique, même que les médecins. Vous connaissez bien sûr la fameuse anatomie de Léonard de Vinci. Ce grand artiste s’intéressait énormément à l’anatomie artistique et à l’anatomie générale du corps humain ainsi qu’à celle des animaux.

Léonrd de Vinci n’était pas le seul des artistes qui étudiaient profondément l’anatomie, avant et après Léonard de Vinci on trouve les études anatomiques dans l’héritage des Verrocchio, Michel-Ange, Raphaël, Rembrandt et chez encore beaucoup de grands artistes. Sans parler encore des artistes de la Grèce et de la Rome antique !

Donc nous parlerons, nous aussi, de l’anatomie artistique. Notamment dans cet article je veux vous parler de l’anatomie du torse humain qui vous aidera à dessiner correctement le corps humain.

Je n’insiste pas sur le faite qu’il faille absolument connaitre par cœur tous les os et les muscles, mais il est très utile de les visualiser pour se donner une image complète du corps humain.  

 Les principes généraux de la construction du squelette du torse humain dans l’anatomie artistique.

Dans cet article on parlera uniquement des muscles et des os qui se voient facilement sous la peau et qui sont importants pour comprendre la forme et les mouvements du torse.

La colonne vertébrale.    

La partie porteuse principale du torse est la colonne vertébrale. La colonne vertébrale se sépare en cinq parties :

1. Septe vertèbres cervicales

2. 12 vertèbres dorsales ou thoraciques

3. 5 vertèbres lombaires

4. 5 vertèbres soudées de sacrum

5. 4 vertèbres soudées de coccyx (rarement 5 vertèbres.)

La colonne vertébrale. Anatomie artistique
La colonne vertébrale. Vue de face et de côté droite.
1. vertèbres cervicales, 2. vertèbres dorsales, 3. vertèbres lombaires, 4. sacrum, 5. coccyx.

La partie cervicale se joint avec le crâne. La partie thoracique s’attachent les côtes qui forment le volume de la poitrine. La partie pelvienne (sacrum et coccyx) se jointe avec les os iliaque.

La colonne vertébrale n’est pas droite, elle est courbée et rassemble un peu à la forme de la lettre S. Les courbes de la partie cervicale et de la partie lombaire concaves en arrière s’appellent lordoses. Les courbes de la partie thoracique et de la partie pelvienne concaves en avant s’appellent cyphoses.

La colonne vertébrale fait 2/5 environ de la taille totale du corps humain. Chaque vertèbre a le corps vertébral, l’arc vertébral, l’apophyse épineuse qu’on peut palper facilement sous la peau, deux apophyses transverses et deux apophyses articulaires. Par exemple l’apophyse épineuse de la septième vertèbre cervicale C7 se voit très bien sous la peau et peut nous servir de pont d’appui pour le dessin de la ceinture scapulaire.  

Les apophyses épineuses nous permettent de voir la forme de la colonne vertébrale, car elles se voient clairement sous la peau. Les corps des vertèbres s’agrandissent progressivement du haut vers le bas, de la tête vers le sacrum. Seul Atlas, la première vertèbre n’a pas de corps, au lieu du corps il a l’arc ventral. Les vertèbres du sacrum sont soudées et forment l’os massif rétréci vers le bas. Le sacrum sert de support à la colonne vertébrale.

Quand vous étudiez et dessinez un modèle vivant faites attention à la ligne sur laquelle se trouvent les apophyses épineuses de la colonne vertébrale. Cela vous donnera de suite une base pour capter correctement la position du corps et son mouvement.

Anatomie artistique. Squelette de profil. Os du squelette du torse humain.
Squelette de profil.
1. Atlas, 2. axis (deuxième vertèbre cervicale)C2,
3. septième vertèbre cervicale C7, 4. scapula ou omoplate, 5. humérus, 6. Côte K10, 7. os iliaque, 8. sacrum, 9. coccyx, 10. os hyoïde, 11. clavicule, 12. sternum, 13. côtes, 14. crête iliaque, 15. grand trochanter, 16. fémur.

La ceinture scapulaire

La forme du squelette de la ceinture scapulaire se détermine par la construction et la position de trois os : la clavicule, la scapula (omoplate), le sternum et l’extrémité supérieure de l’humérus (tête humérale).

La forme de la clavicule rappelle la lettre S. Cette forme de la clavicule ressort bien et détermine la forme de la ceinture scapulaire. Le sternum a une forme allongée, sa partie supérieure se joint avec les clavicules, et au milieu – avec las côtes.

Anatomie artistique. Squelette de face. Os du squelette du torse humain.
Squelette du torse de face.
1. septième vertèbre cervicale , 2. clavicule, 3. acromion de la scapula 4. processus coracoïde de la scapula 5. humérus, 6. côtes, 7. crête iliaque, 8. grand trochanter, 9. manubrium du sternum, 10. deuxièm côte K2 , 11. corps du sternum, 12. processus xiphoïde du sternum, 13. douzième côte K12,
14. quatorzième vertèbre (L4), 15. sacrum, 16. fémur.

La scapula est l’os plat qui se trouve derrière de la cage thoracique. La scapula ou l’omoplate a la forme de triangle. Dans sa partie supérieure se trouve l’épine et son acromion. L’acromion s’articule avec la clavicule. Cette épine horizontale se voit facilement de côté du dos. Sur la partie extérieure de l’omoplate se trouve la cavité glénoïde qui, avec la tête humérale forme l’articulation scapulo-humérale.

La cage thoracique ou thorax est composée des 12 vertèbres thoraciques, du sternum et 12 paires de côtes.

Le sternum est composé du corps du sternum, du manubrium et du processus xiphoïde. Entre le manubrium et le corps du sternum se trouve l’angle sternal. Parfois l’angle sternal ressort fortement, parfois il est assez lisse. A l’endroit ou le manubrium s’articule avec le corps du sternum se trouve la deuxième côte qu’on peut palper facilement sous la peau. Sur le bord supérieur du sternum se trouve l’incisure jugulaire. L’incisure jugulaire avec les muscles sterno-cléido-mastoïdiens la fosse jugulaire. On peut la voir clairement sous la peau. Chaque côte est composée de l’os recourbé plat et du cartilage.

La position de la fosse jugulaire est très importante pour nous. Car c’est la fosse jugulaire nous aidera à trouver le centre de gravité ( centre de masse ) du corps pour positionner correctement notre modèle dans l’espace. 

Les côtes.

Les sept côtes qui s’articulent avec la colonne vertébrale et avec le sternum s’appellent les vraies côtes. Les cinq côtes qui s’articulent uniquement avec la colonne vertébrale s’appellent les fausses côtes.

Les trois des fausses côtes (K8,9,10) s’attachent avec leurs cartilages aux côtes supérieures. 11 et 12 côtes s’articule uniquement à la colonne vertébrale et s’appellent les côtes flottantes. La cage thoracique a la forme d’un tonneau, légèrement aplatie, parfois plutôt cylindrique, parfois plus conique.

Anatomie artistique. Squelette du torse de dos. Os du squelette du torse humain.
Squelette du torse de dos.
1. Atlas, 2. septième vertèbre cervicale, 3. épine de la scapula, 4. humérus, 5. côte K12, 6. crête iliaque, 7. grand trochanter, 8. axis ( deuxième vertèbre cervicale), 9. côte K1, 10. côte K8, 11, côte K11, 12. sacrum, 13. coccyx, 14. tubérosité ischiatique, 15. fémur.

La forme de la cage thoracique peut être différente chez les différentes personnes. Elle peut être relativement courte et large ou longue et étroite. La forme de la cage thoracique dépend aussi de l’âge. Chez les bébés elle peut rassembler au cône tronqué et sa taille sagittale peut être égale à sa taille transversale.

Les muscles du torse dans l’anatomie artistique.

Maintenant nous parleront en peu des muscles du torse humain dans l’anatomie artistique. Les muscles avec les os font le volume et la forme du torse. Le contour et la forme des muscles ne sont pas constants. Avec les mouvements les muscles changent un peu leurs formes. Il y a les muscles qui deviennent plus courts et larges et en même temps plus volumétriques. Les autres muscles en se dilatant ou se décontractant perdent la clarté de leurs contours et s’aperçoivent moins bien.

Les muscles de la cage thoracique dans l’anatomie artistique

Anatomie artistique. Muscles du torse humain de face
Muscles du torse humain de face
1. muscle biceps brachial, 2. triceps brachial, 3. muscle coracobrachial, 4. muscle grand rond, 5. muscle grand dorsal, 6. muscle grand pectoral, 7. muscle grand dentelé, 8. muscle oblique externe, 9. muscle droit de l’abdomen, 10. ligne blanche, 11. muscle pyramidal de l’abdomen , 12. muscle moyen glutéal ou muscle moyen fessier, 13. muscle tenseur du fascia lata, 14. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 15. muscle trapèze, 16. deltoïde, 17. sillon deltoïde-thoracique, 18. ligament inguinal, 19. muscle couturier ou muscle sartorius, 20. muscle pectiné, 21. muscle long addicteur.

Donc sur la surface de la cage thoracique se trouve le muscle grand pectoral. Ce muscle large et puissant est très important pour la plastique de la ceinture scapulaire. C’est un muscle triangulaire qui prend le début de la moitié antérieure de la clavicule, du sternum, des 5 côtes (2-6) et de l’aponévrose du muscle grand droit. Il se termine à l’humérus ou plutôt sur la crête qui descend vers le bas de la tête de l’humérus.

En ce qui concerne les fibres de ce muscle, les fibres claviculaires vont vers le bas et l’extérieur, les fibres sternales vont en horizontal vers l’extérieur et les fibres abdominales vont vers le haut et l’extérieur. Le muscle grand pectoral contribue à l’adduction et à la rotation de l’humérus. On peut voit très facilement le muscle grand pectoral sous la peau, donc il est très important pour les artistes qui veulent dessiner les nus.

Sous le muscle grand pectoral se trouve le muscle petit pectoral qui prend le début des côtes 2, 3, 4, 5, et se termine au processus coracoïde de scapula. Quand on regarde le corps humain, on ne peut pas voir ce muscle. Mais on l’étudie car sa fonction est de bouger la scapula en avant et vers le bas. Et on peut voir le muscle grand pectoral se soulever quand le petit pectoral se contacte.

Sur la surface latérale du thorax au niveau de l’aisselle se trouve le muscle grand dentelé. Ce muscle bouge le scapula en avant. Ce muscle on peut bien le voir quand le bras est levé.

Muscles du torse humain de profil dans l'anatomie artistique
Muscles du torse humain de profil
1. muscle trapèze, 2. deltoïde, 3. triceps brachial, 4. muscle brachial, 5. biceps brachial, 6. muscle grand dentelé, 7. muscle grand dorsal, 8. triangle lombaire, 9. muscle moyen glutéal, 10. muscle grand fessier, 11. muscle omo-hyoïdien, 12. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 13. muscle sterno-hyoïdien, 14. muscle grand pectoral, 15. muscle oblique externe, 16. muscle droit de l’abdomen, 17.aponévrose, 18. muscle couturier ou muscle sartorius, 19. muscle tenseur du fascia lata.

Les muscles du ventre

Maintenant regardons les muscles du ventre dans l’anatomie artistique. Les plus grands muscles du ventre sont le muscle droit de l’abdomen et le muscle transverse d’abdomen.

Le muscle droit de l’abdomen est un muscle pair. Les deux parties du muscle sont séparées par la ligne tendineuse verticale et quatre lignes tendineuses horizontales. On peut voir facilement ce muscle avec ces lignes tendineuses sous la peau. Le muscle droit de l’abdomen descend avec l’expiration le thorax et plie la colonne vertébrale.

Sur la ligne tendineuse (ligne blanche) se trouve le nombril qui en même temps de trouve d’habitude au niveau de la quatrième côte lombaire. En bas à la ligne blanche s’attache le muscle pyramidal, il se termine sur le pubis. La ligne blanche du ventre est formée par toutes les aponévroses de tous les muscles de la paroi abdominale antérieure.

De chaque côté du muscle droit de l’abdomen se trouve le muscle oblique externe de l’abdomen. Au-dessous de ce muscle se trouve le muscle oblique interne et le muscle transversal.

On s’arrêtera uniquement sur le muscle oblique externe car c’est le seul des muscles qui se voit facilement sous la peau. Le muscle oblique externe a son origine à la surface latérale du thorax. Notamment des 8 côtes inférieures de la cage thoracique. Les fibres musculaires se dirigent vers le bas et à l’intérieur et la plupart des fibres se terminent en passant à l’aponévrose qui forme à son tour la ligne blanche. Le bout inférieur de cette aponévrose forme le ligament inguinal.  Pour les caractéristiques plastiques de la surface latérale du thorax il est important que ce muscle avec ses 5 insertions (fibres) charnues supérieures commence entre les insertions charnues (dentelures) du muscle dentelé antérieur et avec ses 3 insertions (fibres) charnues inférieures il commence entre les insertions charnues du muscle grand dorsal.

L’importance de ce muscle pour l’anatomie plastique du torse est énorme. On peut voir sous la peau la direction de ces fibres et l’endroit où ils passent à l’aponévrose. Dans l’endroit où il se fixe sur la crête iliaque le muscle oblique externe forme le rebord et dépasse un peu la crête iliaque donc dans cet endroit on peut voirla rainure qui passe au-dessous de la crête iliaque.  

La paroi abdominale postérieure est  formée par le muscle grand dorsal, le muscle grand rond, le muscle long dorsal et le muscle sousscapulaire.

Les muscles du dos dans l’anatomie artistique

Anatomie artistique. Muscles du dos du tors humain
Muscles du dos du tors humain.
1. muscle sterno-cléido-mastoïdien, 2. muscle trapèze, 3. deltoïde, 4. muscle infra-épineux, 5. muscle grand rond, 6. muscle rhomboïde, 7. muscle grand dorsal, 8. muscle oblique externe, 9. muscle moyen glutéal, 10. muscle tenseur du fascia lata, 11. muscle grand fessier, 12. muscle petit rond.

Parlerons maintenant des muscles du dos dans l’anatomie artistique. Les muscles les plus importants pour nous, c’est-à-dire des muscles qui se voient facilement sous la peau et qui font la forme du dos sont :

Le muscle trapèze. Les deux parties de ce muscle, la partie gauche et la partie droite, ensemble à la forme du trapèze. Le muscle trapèze a l’origine de l’os occipitale du crâne et des apophyses épineuses vertèbres cervicales. Les fibres supérieures du muscle trapèze se dirigent vers le bas et à l’extérieure où ils se terminent sur le bord postérieur de la clavicule. Les fibres de la partie centrale du muscle trapèze se placent horizontalement et se terminent sur l’extrémité de l’épine du scapula et sur l’acromion. Ces fibres de la partie inferieure vont vers le haut et en dehors et se terminent sur l’épine du scapula. L’action de ce muscle est assez complexe.

La partie supérieure haussée de la ceinture scapulaire, la partie centrale rapproche la scapula de la colonne vertébrale, la partie inférieure abaisse la ceinture scapulaire. Toutes les fibres du muscle trapèze participent à l’extension de la tête et de la partie cervicale et la partie dorsale de la colonne vertébrale.

Le muscle grand dorsal. Ce muscle commence des apophyses épineuses de 5 vertèbres inférieures de la partie dorsale de la colonne vertébrale, du sacrum et de la partie arrière de la crête iliaque et de 4 côtes inférieures. Ses fibres sortent au-dessous du muscle trapèze et se dirigent horizontalement en dehors. Ces fibres couvrent l’angle inférieur du scapula. Les fibres de la partie moyenne du muscle se dirigent vers le haut et en dehors. Les fibres de la partie inférieure se dirigent vers le haut et juste un peu en dehors.

Le muscle grand dorsal se termine sur le tubercule mineur de l’humérus. Son action est la rotation interne, extension et addiction du bras. A travers l’humérus le grand muscle dorsal bouge la ceinture scapulaire vers le bas et en arrière. Le muscle grand dorsal est très importent dans la structure plastique du corps. On peut voir clairement ce muscle au moment où le modèle lève et baisse le bras le long de son corps.

Le muscle trapèze et le muscle grand dorsal sont deux muscles superficiels du dos. Au-dessous du muscle trapèze se trouve le muscle rhomboïde qui commence au niveau des apophyses épineuses de deux vertèbres cervicales inférieures et des apophyses épineuses de 4 vertèbres inférieures de la partie dorsale. Ce muscle rapproche la scapula de la colonne vertébrale. On parle de ce muscle uniquement parce que grâce à lui le muscle trapèze devient plus volumique entre le scapula et la colonne vertébrale.

Le muscle longe dorsal. Ce grand muscle a une structure complexe. Il monte tout le long de la colonne vertébrale jusqu’au crâne. Il prend son origine sur le sacrum, la crête iliaque et de l’aponévrose. Il se subdivise en trois parties – les trois muscles qui ont ses endroits d’origine et de terminaison sur la colonne vertébrale. Le muscle longe dorsal se trouve au-dessous du muscle trapèze et du muscle rhomboïde du dos mais il est très importent pour comprendre les mouvements du corps, car il est contribué à déplier le corps et l’incliner latéralement.

Dans la partie lombaire du corps ce muscle se trouve sur la surface, juste au-dessous du muscle grand dorsal. Dans cette partie on peut déterminer la position du muscle longe dorsal car sa forme se voit facilement même sous le muscle grand dorsal.

Pour terminer notre étude de l’anatomie du torse nous parlerons un peu des muscles du scapula.

Les muscles du scapula dans l’anatomie artistique

Sur la surface de scapula se trouvent plusieurs muscles qui font sa forme. Les plus importants pour nous sont le muscle supra-épineux, le muscle infra-épineux, le muscle grand rond et la muscle petit rond.

Le muscle infra-épineux occupe la majeure partie de la fosse infra-épineuse (au-dessous de l’épine de scapula) où il commence, ainsi que de son aponévrose et il se termine sur le tubercule majore d’humérus.  Son action est de tourner l’humérus en dehors.

Le muscle petit rond commence au bord latéral du scapula et se termine sur le tubercule majore d’humérus. Ce muscle contribue à tourner l’humérus en dehors, comme le muscle infra-épineux.

Le muscle grand rond se voit clairement sous la peau. Il commence de l’angle inférieure de la surface antérieure du scapula, il se dirige vers le haut et en dehors et se termine sur le tubercule mineur ( pour être plus précis, sur la crête tubercule mineur) de l’humérus. Son action est la rotation interne et addiction de l’humérus.

Le muscle supra-épineux se trouveau-dessus de l’épine du scapula, mais il n’a pas de grande importance pour nous car il n’influence pas la forme du scapula.   

J’espère que cet article vous a plu et qu’il vous a été utile.

Dans les prochains articles nous continuerons d’étudier l’anatomie artistique et passerons de la théorie à la pratique – nous commencerons par appliquer nos connaissances d’anatomie artistique pour dessiner le corps humain.

Je vous conseille également de lire mon article Les os du crâne  qui est déstiné à vous aider à dessiner la portrait . 

Et bien sûr je serai très contente si vous me laissez un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !  

A bientôt 🙂

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Les proportions du corps humain

Dans cet article je vais vous parler des proportions du corps humain et du visage.

La doctrine qui parle des proportions du corps humain fait un chapitre spécial dans l’anatomie plastique ou l’anatomie artistique. Depuis des siècles les artistes cherchaient des proportions idéales du corps humain. Pendant ces recherches les artistes ont développé beaucoup de canons, des règles de construction du corps humain. Il existe environs 100 canons de proportions du corps humain. Mais même cette grande quantité de canons nous dit que s’il existe autant de canons ils ne peuvent avoir qu’une valeur indicative pour l’artiste.

Réellement on peut observer beaucoup de déviations des canons classiques. A la base de chaque canon est le module, c’est-à-dire une unité de mesure pour qui on prend une partie du corps humain.

Les modules pour mesurer les proportions du corps humain

En tant que module il était utilisé les parties du corps humain suivantes : La taille de la tête, la taille de la partie crânienne de la tête, la taille du doigt majeur ( médius ), le taille de la main, la longueur de la colonne vertébrale etc. Tous les canons sont le résultat des recherches des proportions du corps humain qui correspondent le plus au consente esthétique du corps humain harmonieusement développée. Cependant ses notions sont assez conditionnelles et variables.

Donc dans l’art classique le canon des proportions du corps humain ne peut servir que pour l’orientation approximative et en tant que les données moyennes qui doivent être ajustées au cas par cas.

Dans l’antiquité si les artistes voulaient transmettre la grâce, ils rendaient le cou et les membres plus longs et fins et au contraire s’ils voulaient montrer la force brute ils rendaient les membres, le cou, les épaules, la tête, plus larges et massifs. Ainsi donc les proportions des sculptures antiques ne reproduisent pas les vraies proportions du corps humain. Observez ces sculptures.

Dans ces sculptures on voit une idéalisation et une typification des formes réelles du corps humain. Ce n’est pas pour rien que l’on considère ces sculptures comme une synthèse des observations du corps humain.

Les proportions du corps humain dépendent de nombreux facteurs . Au premier lieu, l’âge et le sexe. Il est d’usage de distinguer trois formes basiques de la constitution ( morphologie ) humaine : Le corps long et étroit, large et court et le type entre deux premiers. Ces trois types de morphologies portent les noms : Dolichomorphe, Brahimorphe et Mésomorphe.

Les trois types de constitutions du corps humain

La constitution Dolichomorphe se caractérise par des épaules et un  bassin assez étroits, et des membres longes.

La constitution Brahimorphe se distingue par le corps assez large et long et les membres courts.

Et enfin la constitution Mésomorphe est intermédiaire entre deux constitutions précédentes.

Dans cette liste on peut voir la longueur moyenne des membres d’un homme par rapport à la longueur totale du corps en pourcentage.

Les proportions des constitutions différentes du corps humain Longueur du torse Largeur des épaules Largeur du bassin Longueur de la jambe Longueur du bras
Dolichomorphe 29,5 21,5 16,0 55,0 46,5
Brahimorphe 31,0 23,0 16,5 53,0 44,5
Mésomorphe 33,5 24,5 17,5 51,0 42,5

Les proportions du corps féminin sont différentes par rapport aux proportions masculines. La différence principale est que le bassin féminin est plus large proportionnellement que celui d’un homme et les épaules sont plus étroites proportionnellement que les épaules d’un homme.

Dans l’anatomie plastique il est d’usage de prendre comme la taille d’un homme 168 – 180 cm. Pour une femme 12 cm moins.

Maintenant passons aux proportions du corps humain…

La tête fait 1/7- 1/8 de la taille totale du corps humain.

La longueur de la main fait 1/10 de la taille totale du corps humain.

La taille de la partie crânienne de la tête fait aussi 1/10 de la taille totale du corps humain.

Dans l’anatomie plastique le corps humain se sépare en deux parties, la partie haute et la partie basse, le centre du corps se trouve au niveau du pubis.

Les proportions du corps humain. De face.

Proportions du corps humain. De face.
Dans ce dessin la partie crânienne de la tête était prise pour module

De face la partie haute se sépare en cinq parties.

1. Du point le plus haut de la tête ( suture sagittale ) jusqu’à la base du nez.

2. De la base du nez jusqu’au bord supérieur du sternum.

3. Du bord supérieur du sternum jusqu’au bord inferieur du sternum.

4. Du bord inferieur du sternum jusqu’au nombril.

5. Du nombril jusqu’au pubis.

Chacun de ces segments fait 1/4 environ de la colonne vertébrale. La taille de chaque segment est égale approximativement aussi à la taille du visage, la taille de la partie crânienne de la tête et la taille de la main.

La partie basse du corps humain peut être séparée en deux parties. La ligne centrale entre deux parties passe au niveau de l’articulation du genou. La partie supérieure de la partie basse du corps est égale à la longueur de la hanche et aussi fait 1/4 de la taille totale du corps humain

Le quart inferieur du corps est égal à la taille du tibia avec la hauteur de pied. La hauteur du pied est égale approximativement à la taille du nez et la largueur du pied est égale à la taille de l’avant-bras. La taille du pied entre la cheville et le grand orteil est égale à la longueur de la main. La longueur de la main est égale à la taille du visage et 1/4 de la taille de la colonne vertébrale.  

Les proportions du corps humain. Le dos.   

Proportions du corps humain. Le dos.
Dans ce dessin comme dans le dessin précédent la partie crânienne de la tête était prise pour module. Vous pouvez prendre également comme module la tête en entier comme dans l’explication suivant….

Du côté du dos la partie haute (supérieure) du corps humain est plus longue que celle du côté poitrine. On peut partager cette partie en quatre segments, mais cette fois-ci on prend comme module la taille de la tête en entier, alors que pour la partie haute du côté de la poitrine on prend comme module la taille de la partie crânienne de la tête. Donc les parties :

1. La première partie la taille de la tête même où, comme de côté du dos on ne voit pas de visage et notamment le menton pour déterminer exactement où le point inferieur de la tête se trouve on peut dire que la première partie se termine au milieu du bord supérieur du muscle trapèze.

2. La deuxième partie commence au début au bord supérieure du muscle trapèze et se termine au niveau de l’angle inferieur de l’omoplate qui à son tour se trouve au niveau du processus épineux de la septième vertèbre thoracique.

3. La troisième partie commence au niveau de l’angle inferieur de l’omoplate et se termine au bord supérieur du fessier.

4. La quatrième partie commence au bord supérieur du fessier et se termine au bord inferieur du fessier.

Si la partie haute du corps humain (si l’on regarde de côté du dos) est égale de la taille de quatre têtes, la partie basse est plus petite. Elle est égale à 3 ¼ – 3 ¾ de la taille de la tête. Donc la taille du corps humain fait un peu moins que 8 tailles de la tête.

La hauteur totale du corps humain est égale approximativement à la largeur des bras tendus.

Les proportions du corps humain. L’homme de Vitruve.

Le soi-disant « Carré des Anciens » se représente l’image d’un homme avec les bras tendus inséré dans un carré.

Proportions du corps humain. Carré des Anciens

Le corps humain avec les bras soulevés et tendus et les jambes écartées peut être inséré dans le cercle. Dans le centre de ce cercle se trouve le nombril. La distance entre le nombril et les doigts des mains et des orteils fait le radius du cercle. 

Les proportions du corps humain. Cercle.

Ce qui représente le fameux dessin de Léonard de Vinci « L’Homme de Vitruve » .  

Les proportions du corps humain. l'homme de vitruve.

Les proportions transversales du corps humain.

En ce qui consterne des dimensions transversales du corps humain, dans l’anatomie plastique on trouve les données suivantes :

La taille de ta tête ( hauteur ) s’empile deux fois dans la largeur des épaule d’un homme. La distance entre les tétons est égale approximativement à la hauteur de la tête. La distance entre les grands trochanters fait un et demi de la taille verticale de la tête. La même distance dans le corps d’une femme est égale à 1et1/3 de la taille verticale de la tête.

Dans le corps d’un homme de la constitution Mésomorphe la largeur des épaules fait 23% par rapport à la taille verticale totale du corps. La largeur du bassin fait 16,5% par rapport à la taille verticale totale du corps. Pour les femmes de même constitution la largeur des épaules fait 21,8% et la largeur du bassin 17,8% de la taille totale du corps. La largeur totale de la cage thoracique est égale approximativement à un et demi de la taille verticale de la tête.

Les proportions des membres.

Quand le bras est baissé, le doigt majeur de la main va jusqu’au milieu de la hanche ou un peu plus bas. Si le bras est levé, le coude se trouve au niveau du point supérieur de la tête. La taille du bras, si on compte à partir de l’aisselle jusqu’au doigt majeur de la main, fait la taille verticale de trois têtes ou la taille de la colonne vertébrale. La taille de la main fait environ ¼ de la taille totale du bras si on compte à partir du processus coracoïde de l’omoplate.

Le bras est plus long que l’avant-bras. La longueur de l’avant-bras est égale à la longueur du pied. La largeur de la main est égale approximativement à la taille du doigt majeur de la main. La taille du doigt majeur fait environ la moitié de la taille de la main.

La taille de l’avant-bras est égale à la distance entre le téton et le nombril. La taille de la main est égale à la distance entre le nombril et le milieu du ligament inguinal. La longueur du tibia aussi fait la distance entre le téton et le milieu du ligament inguinal. Alors que la taille de la hanche fait la distance entre le téton et le milieu du ligament inguinal opposé.

La taille de la hanche fait ¼ de la taille totale du corps humain et est égale à la taille du tibia avec la hauteur de pied.

La longueur de la clavicule est égale à la hauteur de l’omoplate et en même temps égale à la distance entre les deux omoplates.

Si l’on prend la circonférence du poignet et qu’on la multiplie par deux, on obtient la circonférence approximative du cou. La circonférence du poing est égale à la longueur du pied.

Les proportions du visage

Approximativement on peut partager le visage en trois parties : le front, le nez et les lèvres avec le menton.

La partie de la tête visible de face qui se trouve sous les cheveux peut être assez différente, mais si on considère cette partie égale à la taille du front ou la taille du nez, alors les pupilles des yeux vont partager le visage en deux parties égales : la partie supérieure et la partie inférieure du visage. La partie basse du visage peut être séparée à son tour en deux parties. Pour la frontière entre ces parties on peut prendre la bouche.

La ligne verticale auxiliaire sépare le visage en deux parties aussi. On peut voir qu’il n’y a pas de symétrie entre ces deux parties. On peut toujours voir la petite différence de la position des ailes du nez, des sourcils, et des coins de la bouche.

Approximativement on peut considérer la largeur du nez au niveau de ses ailes égale à la distance entre les coins intérieurs des yeux et la largeur de l’œil.

Sur les proportions du visage vous pouvez également consulter mon article “Proportions du visage” où je décris ce théme plus profondément.

Pour completer et approfondir ces informations je vous invite à lire mon article ” Les os du crâne”.

Et aussi mes articles “Comment dessiner un visage” et “Comment dessiner des yeux “ qui vous aiderons à mettre en pratique les connaissances que vous avez acquises.

Effectivement toutes ces données ne sont pas ni absolues, ni 100% exactes. Ce n’est qu’un schéma approximatif. En réalité on voit toujours les variances. Quand vous dessinez vous pouvez vous appuyez sur ces proportions, mais pour capter le caractère, la ressemblance, la personnalité de votre modèle il faut toujours mesurer les proportions réelles, typiques pour votre modèle. Pour cela je vous conseille d’utiliser la méthode de comparaison qui est décrite dans mon article « Comment dessiner correctement ».

Les proportions du corps humain dépendent beaucoup de l’âge. Par exemple la tête d’un bébé fait ¼ de son corps. La tête d’un enfant de cinq ans fait 1/6 de son corps. La tête d’un enfant de 15 ans – 1/7 de son corps. La tête d’un adulte – 1/7 – 1/8 de son corps.  

A la fin de cet article je veux vous rappeler que toutes ces proportions « idéales » ne portent que sur une information indicative. Bien sûr que l’artiste doit connaitre ces canons de proportions. Les connaitre pour en dessinant capter mieux la différence que l’on voit dans la nature des proportions « idéales ». C’est cela qui fait la ressemblance.  La meilleure chose que je peux vous conseiller en tant qu’exercice, c’est de dessiner d’après nature (faute de nature, d’après une photo, mais il est toujours préférable de travailler d’après nature. La nature est le meilleur des professeurs ! )  et d’analyser ce qui est différent dans votre modèle des proportions idéales. Comme cela vous apprendrez vite à capter la ressemblance et le caractère de votre modèle.    

Merci d’avoir lu cet article ! Je serai très contente si vous me laissez un commentaire. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser !

Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Comment peindre la mer en aquarelle

Dans cet article nous allons voir comment peindre la mer en aquarelle.

D’habitude je commence mes articles par la théorie mais aujourd’hui nous passerons directement à la pratique. Je vais peindre la mer devant vous d’après nature en plein-air.

Je vais vous montrer partie par partie comment peindre la mer en aquarelle et après cela vous pourrez regarder une vidéo qui vient de ma chaine YouTube. Comment peindre la mer en aquarelle.

Comment preparer une feuille de papier pour peindre la mer.

Commençons par préparer notre feuille de papier pour peindre la mer. Après avoir collé une feuille de papier sur une planchette à dessiner je vous conseille de dégraisser cette feuille avec de l’eau. Vous pouvez appliquer de l’eau à l’aide d’une éponge de mer ou d’un gros pinceau en poil d’écureuil (petit-gris).

Première couche de peinture

Pourquoi est-ce que je vous conseille de passer de l’eau sur une feuille avant de commencer à peindre à l’aquarelle ? Quand on touche une feuille de papier on laisse inévitablement un peu de gras sur notre feuille. Si l’on ne dégraisse pas la feuille, lorsque l’on est en train de peindre on risque d’avoir les endroits où les couleurs ne se mettent très bien sur la feuille et comme cela on risque d’abimer notre peinture. Pour mettre l’eau sur une feuille j’utilise toujours le pinceau écureuil ou l’éponge de mer comme ils sont très doux et n’abîment pas la surface du papier aquarelle.

Par quoi commencer peindre la mer

Au début vous avez le choix. Vous pouvez tout simplement dégraisser votre feuille, et attendre pour que votre feuille sèche complètement et ensuite commencer à peindre sur la surface complétement sèche ou bien rajouter dans l’eau un tout petit peu de couleur de base ( comme cadmium jaune, par exemple) et commencer à peindre directement sur le papier humide.

Peindre sur le papier humide ou sec ?

Dans l’aquarelle il y a une règle. On peut peindre sur le papier sec ou humide, mais on ne doit pas travailler sur le papier demi-sec. Si vous peignez sur une feuille de papier demi-sec vous risquez que la couleur que vous mettez par-dessus déchire une couche de peinture inferieure. ( Il y a les cas exceptionnelles où vous pouvez utiliser exprès cet effet de déchirure pour peindre l’écume sur les vagues par exemple. Mais on parlera de cette technique plus tard. 🙂 .

Si vous métrisez déjà bien la technique d’aquarelle vous pouvez contourner un peu cette règle en travaillant avec des pinceaux presque secs, mais cela ne marche pas toujours. Donc au début il vaut mieux tout simplement suivre cette règle.

Dans cette aquarelle j’ai choisi la deuxième variante pour peindre la mer.

J’ai mis la première couche de peinture en rajoutant un peu de cadmium jaune. Comme j’ai travaillé en plein-air au bord de la mer où l’air est très humide la peinture met assez longtemps pour sécher, donc j’ai choisi de travailler sur du papier humide. Par contre j’ai laissé non couvert les endroits où il y avait les reflets forts du soleil. Pourquoi l’ai-je fait on verra plus tard.

Première couche d'aquarelle

Normalement je couvre toute la surface de la feuille de papier avec un peu de couleur, y compris les taches de lumière, car même les taches de lumière très claires ont sa couleur. Dans la nature il n’existe pas la couleur purement blanche et noir, elles sont toujours composées des autres couleurs.

Par quoi commencer à peindre la mer

Sur le papier humide je rajoute les autres couleurs qui se fondent et se mélanges facilement sur la couche de peinture humide. Je trace de suite les nuages et la couleur du ciel plus foncée en haut qui s’éclaircie et devient plus chaude en descendant vers la ligne d’horizon. Pour marquer les parties claires des nuages, je les essuie avec un pinceau bien égoutté.

Comment peindre le ciel dans un paysage
Comment peindre le ciel

Après je rends les ombres des nuages plus foncées. Faites attention je change toujours les couleurs. La couleur des nuages est différente de celle du ciel de la mer, même si c’est toujours la couleur bleue.

Comment peindre le ciel avec les nuages

Ensuite je trace la ligne d’horizon et commence peindre la mer. Faites attention je travaille toujours sur une feuille de papier humide.

Comment commencer à peindre la mer

Si vous avez choisi de travailler sur une feuille de papier humide mais durant votre travail la couche de peinture sèche trop vite. Je vous conseille donc de la laisser sécher complètement, ensuite de mettre encore une couche d’eau sur votre feuille et enfin après cela continuer à travailler.

Il y a encore une règle à appliquer quand vous travaillez sur un paysage. Commencez toujours par peindre par le ciel et évitez de peindre le ciel après la terre pour ne pas emmener les couleurs de la terre dans le ciel. Les couleurs du ciel doivent rester très claires et très propres. (Cette règle touche plutôt des paysages avec la terre, quand on peint la mer on peut emmener dans le ciel les couleurs de la mer mais il faut quand même surveiller à ce que les couleurs restent propres.)

Donc on continue à peindre la mer en aquarelle.

Regardons quels mélanges de couleurs on peut utiliser pour peindre la mer.

Peindre les reflet sur la mer

La mer, même si elle nous parait bleue n’a pas qu’une seule couleur. Dans la mer on voit toujours beaucoup de nuances de bleu. Je précise dans la peinture que je suis en train de réaliser. En fait la mer peut être grise ( le gris comme couleur n’existe pas non plus, il est toujours composé d’autres couleurs. ), verte, ocre etc. Dons revenons à notre peinture.

Peindre la mer avec ses reflets

Je commence à peindre la mer avec un mélange de bleu outremer et bleu de cobalt et puis je continue vers le bas avec le bleu de cobalt et le bleu de céruléum et un peu d’ocre jaune.

Comment peindre la mer en aquarelle première couche

Ensuite je continue avec un mélange de bleu outremer, d’alizarine cramoisie et de violet d’outremer. Dans les endroits où il y a les reflets de soleil et où j’ai gardé le papier vierge je passe avec le pinceau bien égoutté mais avec juste un peu de couleur, ce qui ne me permet pas de couvrir complétement la surface blanche de papier, mais je juste laisse un peu de couleur sur les grainages inférieures du papier aquarelle torchon. Cela donne l’effet de brillance des reflets du soleil sur l’eau.

Comment peindre la mer. la première couche

Maintenant je commence à mélanger les couleurs pour le sable. Je mélange l’ocre avec un peu de violet d’outremer.

Peindre la mer. Les ombres
Peindre la mer
La mer avec ses reflets

Un conseil….

Evitez de mélanger trop de couleurs pour trouver le teint de l’endroit que vous peignez. Ne mélangez pas plus que trois, rarement quatre couleurs. Sinon votre mélange risque de perdre de sa pureté. En plus, il faut toujours prendre en considération que les couleurs d’aquarelle sont transparentes et quand vous peignez avec les glacis à travers la couche supérieure vous pouvez voir la couche inférieure.

Donc si vous travaillez par-dessus une couche où il y avait déjà un mélange de quelques couleurs essayez de travailler avec les couleurs pures au maximum avec le minimum de mélanges. Si non vous risquez d’obtenir au final une couleur boueuse.

Un exercice simple de mélange des couleurs que vous pourrez trouver dans mon article “Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices.”

Comment commencer à peindre la mer
Comment peindre la mer. On rajoute la deuxième couche de peinture
Comment peindre la mer

Donc après avoir fini la première couche de peinture je mets la deuxième couche sur la mer. Cette fois-ci je ne couvre pas complétement toute la surface de la mer, mais je laisse les endroits plus clairs non couverts.

comment peindre l'écume

Pour faire l’écume sur la vague au premier plan je passe avec le pinceau bien humide et ensuite sur le même endroit avec le pinceau très bien égoutté.

L'écume sur la vague

Comme cela j’enlève une couche de couleur dans cet endroit et tant que la feuille de papier reste humide dans cet endroit je rajoute de la couleur violet-ocre dans l’ombre de l’écume ( l’écume, malgré qu’elle nous paraisse blanche à sa forme, comme n’importe quel objet, donc comme tous les objets elle a son ombre, pénombre, son reflet et sa lumière.)

Peindre les vagues en aquarelle
Peindre le sable
On continue à peindre le sable

Après cela je mets quelques taches foncées sur le sable qui représentent le jeté de la mer.  Après je reviens vers la mer pour la rendre plus foncée. Comme cela les reflets brillants du soleil seront encore plus clairs et visibles. Il n’y a pas de lumière sans ombre. Si vous voulez rendre la lumière claire, faites l’ombre plus foncée. On voit tout en comparaison.

Ensuite je détaille le sable avec les ombres bleu outremer – ocre- alizarine cramoisie. Après cela je mets encore une couche de peinture sur le ciel pour le rendre plus foncé et faire ressortir les contours clairs des nuages.

Dès que j’ai fini de peindre la mer, le ciel et la terre je mets les petits bateaux. Et je continue à détailler la mer avec la couleur très pure (car je travaille déjà par- dessus les deux couches de peinture.)

Maintenant il ne me reste qu’à affiner le premier plan et enlever encore en peu la couche de peinture autour des bateaux pour souligner encore plus la différence de tonalité entre le reflet éblouissant du soleil sur l’eau et le bateau qui se trouve en contre-jour et sur le font du reflet brillant de soleil qui parait presque noir. 

Comment peindre la mer en aquarelle

Merci d’avoir lu cet article. A la fin je vous propose de regarder une vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle” qui montre le travail sur cette aquarelle étape par étape. Cette vidéo vient de ma chaîne Youtube. J’envisage de publier réguliérement sur cette chaîne des tutos et des vidéos avec les astuces et les exercices.

Comme exercice je vous conseille de peindre la mer d’après une photo ou encore mieux d’après nature. Et n’hésitez pas à me poser des questions dans les commentaires. Vous pouvez également m’envoyer vos peintures si vous voulez que je les analyse et vous donne des conseils pratiques.

Comment peindre la mer en aquarelle

Je vous conseille également de lire mon article “Comment peindre à l’aquarelle une nature morte” où vous trouverez beaucoup de conseils pratiques qui peuvent vous aider à peindre en aquarelle. L’article “Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage” qui vous aidra à apprendre à dessiner l’eau. L’information sur le materiel de l’aquarelle vous la trouverez dans mon article “Débuter en aquarelle” Et les régles de la perspective aérienne vous pouver les trouver dans l’article “La perspective aérienne“.

Merci et à bientôt ! 🙂

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