Comment dessiner des croquis de portrait

Dans cet article je vais vous montrer comment dessiner des croquis de portrait d’après nature.

comment dessiner des croquis de portrait

C’est tellement agréable de s’installer sur une terrasse de café, prendre une tasse de café et regarder la vie qui se déroule autour de nous.
Mais encore plus agréable de transmettre cette vie sur une feuille de papier, se sentir un peintre impressionniste qui fait des croquis dans un bistro parisien ou dans un café d’Antibes.
Pour faire cet article, moi aussi, je me suis installée sur une terrasse de Menton pour dessiner des croquis de portrait.

 portrait

Pour dessiner des croquis de portrait et tous les autres types d’après nature vous avez juste besoin d’un carnet de croquis, un crayon HB, un crayon 2B ou 3B ou même 4B, une gomme et…. C’est tout ! C’est très accessible comme matériel et en plus vous pouvez l’emporter partout avec vous, si vous voyez un sujet qui vous intéresse, vous avez de suite tout pour dessiner.

Bien sûr pour faire des croquis vous pouvez utiliser des crayons ou des bâtonnets de sanguine, de pierre noire, de sépia, de pastel, de fusain, l’encre de chine et même l’aquarelle, c’est à vous de voir, mais le crayon graffite reste le matériel le plus simple et le plus accessible.

Avant de vous laisser regarder le cours vidéo « Comment dessiner des croquis de portrait » je voudrais juste vous rappeler les étapes importantes d’un dessin de portrait qui marchent pour les croquis de portrait aussi bien que pour les portraits de long terme.

Comment dessiner des croquis portrait, les étapes de réalisation.

1. Donc on commence toujours par la composition générale, par placer notre sujet sur notre feuille avec les grande masses, ici il n’y a pas de surprise, c’est comme cela qu’on commence n’importe quel dessin ou peinture.

2. Ensuite on dessine la forme générale du visage avec les grandes lignes droites. On travaille comme un sculpteur qui taille un bloc de pierre, on dessine les facettes de la forme.

Première étape et Deuxième étape de  croquis

3. Après cela on dessine les lignes auxiliaires horizontales et verticales.
On détermine la position de la tête. Si la tête est penchée de tel ou tel côté, la direction, le mouvement.  Tout cela on le fait pour l’instant à l’œil, selon notre impression et sans prendre de mesures.

les lignes auxiliaires . Etape 3

4. Ensuite on commence à préciser la forme et déjà à mesurer les proportions. Par exemple la largeur du visage par rapport à sa hauteur, le ratio entre la partie faciale et la partie crânienne de la tête.

Vous pouvez trouvez l’information sur les proportions du visage dans mon article Proportions du vusage.

la forme générale du visage Etape 4

5. A l’étape suivante on commence à dessiner les détails en cherchant toujours le raccord proportionnel entre les détails et les parties du visage.

les détails Etape 5

6. Dès qu’on a finalisé la construction de la forme du visage on peut effacer les lignes auxiliaires et commencer à dessiner le portrait avec les lignes et les hachures plus libres et arrondies pour rendre notre portrait vivant.

comment dessiner des croquis de portrait. Etape 6

C’est à cette étape de croquis de portrait qu’on essaie de capter le caractère, les émotions, le regard, le mouvement, en fait capter tout qui fait la ressemblance.

dessiner des croquis de portrait. Etape 6

7. Pour finaliser le portrait on rend la partie de notre portrait qui se trouve au premier plan plus contrastée pour montrer la profondeur et le volume. De cette façon également on peut attirer l’attention de notre spectateur sur les détails les plus importants de notre portrait, par exemple sur la bouche et sur les yeux.

Toutes les étapes de réalisation du portrait vous pouvez trouver dans mon article Comment dessiner un visage.

dessiner des croquis portrait Etape 7

Maintenant je vous laisse regarder tranquillement le cours vidéo qui vient de ma chaîne Youtube et je vous invite de me poser toutes les questions dans les commentaires et me dire ce que vous pensez de ce cours. C’est très important pour que je puisse vous aider d’avantage.          

Comment dessiner des croquis de portrait

A bientôt ! 🙂

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Techniques de peinture à l’huile

Dans cet article je vais vous montrer les trois principales techniques de la peinture à l’huile.
J’ai réuni ces trois techniques dans le même cours vidéo, que vous pourrez voir à la fin de cet article.

C’est un cours vidéo « Techniques de peinture à l’huile » très complet.

Dans ce cours je vais vous montrer :

Comment peindre à l’huile au couteau,
comment peindre à l’huile avec une brosse en soies de porc et comment réaliser un glacis avec des pinceaux synthétiques.

Techniques de peinture à l'huile

Mais avant de regarder ce cours vidéo je vous propose quand même de lire cet article dans lequel je vais vous donner des informations complémentaires sur les techniques de peinture à l’huile et du matériel pour la peinture à l’huile. 

Les trois principales techniques de peinture à l’huile

Comment peindre au couteau.

Il fait savoir qu’il existe trois types de couteaux.

Couteaux à palette. Ce type de couteau est destiné principalement à nettoyer la palette et à mélanger les couleurs sur la palette.

Couteaux à palette.
Couteaux à palettes

Couteaux à peindre et à palette avec lequel vous pouvez également nettoyer votre palette

Couteaux à peindre. Techniques de peinture à l'huile
Couteaux à peindre et à palette

Et couteau à peindre. Avec cette forme de couteau il est difficile de nettoyer la palette.

Couteau à peindre. Techniques de peinture à l'huile
Couteau à peindre

Il existe beaucoup de formes de couteaux à palette et de couteaux à peindre. Pour distinguer à quel type correspond tel ou tel couteau regardez à cet endroit.

Techniques de peinture à l'huile
couteau à peindre

Si la lame de couteau qui la surmonte, ne se trouve pas sur la même ligne que son poignet, c’est le couteau à peindre.

couteau à palette

 Si la lame est sur la même ligne que le poignet, c’est le couteau à palette.

Mes couteaux préférés ont cette forme.

Mes couteaux

Avec les couteaux de cette forme vous pouvez peindre, nettoyer la palette et corriger la peinture sur votre toile. Donc comme cela vous n’avez pas besoin d’avoir beaucoup de couteaux.

Les brosses en soies de porc

Ce sont des pinceaux de base pour la peinture à l’huile.

Ce sont des pinceaux très résistants qui permettent de travailler avec de gros coups de pinceau, et avec de la peinture pâteuse.
Les pinceaux comme cela sont indispensables si vous travaillez dans la technique impressionniste.  

Les pinceaux en soies de porc peuvent être ronds, plats, ou langue de chat. C’est à vous de choisir la forme qui vous convient le mieux.

pinceau rond
pinceaux plats
pinceau langue de chat

Je veux juste vous donner un conseil. Travaillez le plus possible avec les grands pinceaux. Passez aux pinceaux plus petits uniquement quand vous ne pouvez plus travailler avec les grands.

Les pinceaux synthétiques.

Ces pinceaux s’utilisent principalement pour travailler à précision et pour réaliser des glacis. Les pinceaux synthétiques sont beaucoup plus doux que les pinceaux en soies de porc.

pinceaux rond. techniques de peinture à l'huile
pinceaux ronds synthétiques
Pinceaux langue de chat synthétiques.
pinceaux langue de chat synthétiques
pinceaux plats synthétiques. Techniques de peinture à l'huile
pinceaux plats synthétiques

Donc ils conviennent très bien pour peindre les petits détails et pour peindre avec les glacis sur une couche de peinture déjà dure.

Vous pouvez également faire tout à fait la même chose avec des pinceaux en poils de martre ou en putois sibérien. Mais malgré que ce soit des pinceaux très agréables à travailler ils s’usent beaucoup plus vite que les pinceaux synthétiques.  

Quelle médium choisir

Comme médium  je vous conseille d’utiliser le médium à trois composants : essence de térébenthine, huile de lin, vernis de Dammar. La recette exacte de ce médium vous pouvez la trouver dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile ». Si vous réalisez une peinture à l’huile en plusieurs couches je vous conseille d’utiliser l’essence de térébenthine pour la sous couche ou pour l’imprimatura, pour la deuxième couche du médium dans la proportion classique et pour les glacis finaux vous pouvez augmenter un peu dans votre médium le pourcentage de vernis de Dammar et de l’huile de lin. 

Quelques conseils concernent les techniques de la peinture à l’huile

Maintenant je vais vous donner quelques conseils par rapport au processus du travail.

Première étape. Quand vous commencez votre peinture faite tout d’abord attention aux couleurs et aux valeurs de gris. L’ébauche nous sert à mettre de bonnes couleurs et bonnes valeurs sur notre toile.

Travaillez avec des coups de pinceaux droits, comme si c’était des facettes, comme si vous étiez un sculpteur qui taille un bloc de marbre. Faites une sorte de mosaïque des couleurs. Lâchez vous, n’avez pas peur de faire une erreur. Vous allez ajuster la forme des objets après.

Essayez le plus vite possible de couvrir complètement votre toile avec la peinture. Ne commencez pas ajuster la forme et surtout ne pas travailler sur les détails avant que votre toile ne soit complétement couverte avec les couleurs, avant de finir l’ébauche.

Deuxième étape consiste à commencer à ajuster la forme en travaillant toujours avec des pinceaux les plus grands possible. A cette étape continuez à travailler avec les « facettes » mais peut-être un peu plus petites. 

Avant de réaliser le glacis laisser sécher votre peinture suffisamment pour que la couche inferieure soit dure. Travaillez avec les glacis sur une couche sèche et surtout pas sur une couche demi-sèche.

Il n’y a rien de pire que de travailler sur une couche de peinture demi-sèche.  Cela peut provoquer l’apparition d’embus – les endroits mats et les craquelures de la couche supérieure.

C’est le fameux principe de la peinture à l’huile « gras sur maigre ». C’est pour cela que dans les couches inférieures on utilise des médiums qui sèchent vite ou relativement vite et dans les couches supérieures on utilise des médiums plus « gras » qui sèchent moins vite.
En fait vous pouvez même utiliser partout le même médium, il faut juste attendre que chaque couche soit complétement dure avant de continuer de travailler, et cela peut prendre du temps.

Troisième étape. Les glacis. Le glacis c’est une couche de peinture très transparente à travers laquelle on peut voir les couleurs et les valeurs de la couche inférieure.
Les glacis s’utilisent pour enrichir la peinture, généraliser, unifier le tableau, ajuster la forme, rajouter des couleurs, des ombres et de la lumière, rajouter plus de la profondeur.

Pour les glacis utilisez les couleurs pures, ne mélanger plus que deux couleurs pour le glacis final. Dans les ombres je vous déconseille de rajouter la couleur blanche. La couleur blanche rend la peinture plus opaque.

Mais quand même il existe des glacis clairs où l’on rajoute de la couleur blanche, pour ce type de glacis utilisez plutôt du Blanc de Zinc qui est beaucoup moins opaque que le Blanc de Titane.

Maintenant je vous invite de regarder le cours vidéo « Les techniques de la peinture à l’huile » qui vient de ma chaîne YouTube, dans laquelle vous verrez tout le processus de réalisation de la peinture à l’huile par l’utilisation de chaque technique.

Techniques de peinture à l’huile

Merci d’avoir lu cet article ! N’hésitez pas à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et me poser des questions. Je ferai tout mon mieux pour vous aider.

A bientôt ! 🙂

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Gommer le dessin avec la Mie de pain.

Dans cet article je vais vous montrer une astuce pour éclaircir votre dessin avec de la mie de pain.

On connaît tous la gomme de mie de pain. C’est une gomme très souple en caoutchouc qui nous permet d’éclaircir les parties de notre dessin sans les effacer complètement. Mais aujourd’hui je vais vous parler de la vraie mie de pain. Par exemple la mie de baguette « tradition » qui nous permet d’éclaircir très bien notre dessin et qui, à mon avis plus d’avantages que la gomme de mie de pain.

pain

En fait nous avons trois solutions pour éclaircir notre dessin :

1.On peut éclaircir avec une gomme dure simple.

gomme. dessin
Gomme dure

La gomme s’utilise plutôt pour effacer complétement le dessin ou la partie du dessin sur papier. Si vous avez besoin d’effacer complétement une partie de votre dessin, par exemple pour corriger le dessin, pour effacer les lignes auxiliaires de construction ou pour dessiner une tâche de lumière, bien sûr, il faut utiliser la gomme dure. Vous pouvez également dessiner avec la gomme dure ou éclaircir votre dessin en hachurant avec les arêtes de votre gomme.

De même façon, en hachurant votre dessin avec la gomme dure vous pouvez faire les dégradés. Mais c’est la technique qui demande beaucoup de précision et de contrôle. Si sur votre dessin il y a déjà plusieurs couches d’hachures ou vous avez dessiné avec les crayons trop tendres comme par exemple les crayons 6b, 7b, 8b, vous aurez du mal à faire les hachures correctes avec la gomme dure. La gomme peut quelque part estomper votre dessin sans pouvoir efface complétement la couche de graphite par un passage des hachures.   

2. On peut éclaircir le dessin avec la gomme de mie de pain.

gomme de mie de pain. dessin
Gomme de mie de pain

On utilise la gomme de mie de pain pour éclaircir une partie de notre dessin. La gomme de mie de pain c’est une pâte caoutchouc assez molle. La gomme de mie de pain est assez souple et peux prendre la forme que l’on veut pour éclaircir même les petites parties de notre dessin.

L’inconvénient de la gomme de pain de mie, c’est que parfois elle laisse des traces « sales » sur le papier. (D’ailleurs on peut éviter cela en la modelant pour trouver un endroit propre sur la gomme).
Et encore avec la gomme de mie de pain il est assez difficile d’éclaircir uniformément toute la surface ou des grandes parties de notre dessin. Mais la gomme de mie de pain nous permet quand même de faire les dégrader et estamper le dessin.

3. On peut éclaircir le dessin avec la mie de pain.

mie de pain. dessin
Mie de pain

L’avantage de mie de pain c’est que l’on peut éclaircir toute la surface et les grandes parties de notre dessin autant que les petites parties.

La mie de pain ne laisse pas de traces « sales » sur notre dessin. Le seul inconvénient c’est que l’on ne peut pas effacer le dessin complétement avec la mie de pain. Mais quelque part cela devient un avantage aussi, car avec la mie de pain on peut éclaircir doucement sans risquer d’en effacer trop.

De toute façon pour effacer complétement votre dessin ou un partie de votre dessin d’une feuille de papier il vaut mieux toujours utiliser la gomme dure.  

Vous pouvez utiliser la mie de pain pour éclaircir toute la surface de votre dessin si par exemple vous l’avez rendue trop foncé ou trop contrasté. Vous pouvez éclaircir la partie de votre dessin pour la même raison. Vous pouvez dessiner avec les petits morceaux de mie de pain par exemple les reflets ou la partie éclairée de l’objet, ou même les plis de la draperie. Vous pouvez facilement faire les dégradés avec la mie de pain. Tous ce qui demande d’être éclairci doucement sans limites trop définies.

Moi-même je n’utilise pratiquement pas la gomme de mie de pain. Pour mes dessin je préfère d’utilise la gomme dure simple et la mie de pain.

Maintenant je vous invite à regarder ce tutoriel vidéo, qui vient de ma chaîne YouTube, dans lequel vous allez voir la démonstration comment éclaircir votre dessin avec la mie de pain.

Tutoriel vidéo

Ici je vous met les liens sur les articles que peuvent être intéressants et utiles pour vous:

Comment dessiner en volume
La perspective
Comment dessiner les ombres
Comment dessiner un visage
Comment dessine des yeux
Comment dessiner un cheval
Apprendre à dessiner un cheval

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, n’hésitez pas me les poser. Egalement si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me contacter, je suis toujours contente de vous aider. Je vous invite à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de mes articles. Votre avis est très importent pour moi !

A bientôt ! 🙂

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Imprimatura. Technique de peinture.

L’Imprimatura (ou imprimature) est une technique assez ancienne qui fut utilisée souvent à l’époque de Moyen Age et à l’époque de la Renaissance pour préparer le support pour les fresques, pour la détrempe, pour le dessin et plus tard pour la peinture à l’huile.

Léonard de Vince. Dessin. Exemple Imprimatura
Ce dessin de Léonard de Vinci nous montre l’utilisation de l’imprimatura pour préparer la fond pour le dessin

A cette époque la couche d’Imprimatura pouvait être assez épaisse car elle servait d’enduit coloré pour les fresques ou pour la tempera sur le support bois.

Giotto. Imprimatura. Exemple
Sur cette fresque de Giotto on voit clairement l’enduit coloré du mur. Ici l’artiste utilise l’imprimatura dans la gamme des couleurs chaudes ( Ocre, Terre ) qui est contrastée au fond bleu de la fresque.

L’Imprimatura qu’on utilise maintenant et qui d’ailleurs était utilisée à l’époque de Renaissance, à l’époque Baroque pour la peinture à l’huile, c’est une couche de peinture très fine et souvent très transparente qui sert à couvrir le support avec une couleur ou un mélange de quelques couleurs et comme cela elle donne la tonalité, l’ambiance des couleurs du futur tableau.

Portrait Rembrandt. L'example d'utilisation Imprimatura
Dans ce portrait de Rembrandt on voit clairement la sous-couche colorée de l’imprimatira qui donne à cette toile la profondeur et l’ambiance chaude des couleurs de la Terre.

Dans cet article je vais vous montrer comment faire l’Imprimatura

On parlera des avantages de cette technique, notamment comment vaincre la peur de la toile blanche en utilisant l’Imprimatura. 

Comment choisir les couleurs pour réaliser l’Imprimatura

Quel pinceau et quel médium choisir

Et à la fin de cet article nous allons regarder une vidéo de démonstration ” Imprimatura”.

Mais avant de regarder la vidéo je vous conseille de lire cet article, car ici je donne quelques informations pratiques que vous ne trouverez pas dans la vidéo.

La technique Imprimatura que je vais vous montrer peut être utilisée dans la peinture à l’huile mais également dans la peinture acrylique ou la tempera PVA. Malgré que je fasse la démonstration avec la peinture à l’huile, le principe est tout à fait le même pour les autres techniques.

Juste quand vous travailler en acrylique ou en détrempe PVA diluez suffisamment votre peinture à partir du début, car la peinture acrylique et la tempera PVA sèchent très vite. Donc on est obligé de travailler vite pour pouvoir essuyer la surface de notre tableau pour rendre notre Imprimatura uniforme avant que la couche de peinture ne soit sèche.          

Le principe d’Imprimatura est très simple et très efficace. Et je conseille souvent cette technique surtout à mes élèves qui débutent dans la peinture à l’huile ou dans la peinture acrylique.

Les avantages de la technique Imprimatura

1. L’Imprimatura permet de se débarrasser de la « peur de la toile blanche »

Fameuse peur de la toile blanche ! J’ai vu des élèves qui restaient bloqués devant la toile blanche vierge sans pouvoir oser de commencer à peindre. Comme s’ils avaient peur de salir cette propreté de toile. Et là c’est l’Imprimatura qui vous aidera énormément. 

Dès qu’on sait répondre à la question quelle est tonalité générale et quelle est la gamme des couleurs de notre tableau (on a plus de couleurs froides ou de couleurs chaudes, quelles sont les couleurs principales de notre future peinture), on peut choisir la couleur ou les couleurs pour l’Imprimatura et commencer à mettre cette couche de peinture. Il est beaucoup plus facile de commencer le tableau par l’Imprimatura et comme cela dépasser la peur de la toile blanche. Car comme cela vous faite déjà de la peinture sans faire la peinture.

Votre toile n’est plus vierge. Vous avez déjà réfléchi sur la gamme des couleurs de votre tableau. Vous avez déjà mis les couleurs sur votre toile et vous avez déjà obtenus une jolie sous-couche de votre future œuvre. Il ne vous reste plus qu’à commencer.  

2. L’Imprimatura prépare l’ambiance et la tonalité colorique de votre tableau. L’Imprimatura nous sert de sous-couche transparente de même valeur qui donne l’unité, la profondeur ou bien qui révèle les contrastes de notre tableau.

Par exemple vous voulez peindre un paysage avec beaucoup de verdure. Quelle Imprimatura choisir ? Et bien cela dépend de ce que vous voulez souligner ou transmettre dans votre toile.

Si vous voulez montrer beaucoup de lumière de soleil, l’air, choisissez l’Imprimatura à la base des couleurs jaune et ocre

Mais vous pouvez aussi choisir un autre chemin. Pour montrer, par exemple, les couleurs éclatantes de la verdure vous pouvez choisir pour l’Imprimatura des couleurs contrastées ou des couleurs opposée dans le cercle chromatique aux couleurs de la verdure.  Vous pouvez faire l’Imprimatura avec les couleurs rouge foncées ( Alizarine, Laque de garance, Rouge de cadmium foncé, peut-être en mélange avec le Caput mortuum foncé). Cela fera ressortir les couleurs vertes et donnera de la profondeur aux ombres.

Maintenant imaginons que vous travaillez sur une nature morte. Quelle Imprimatura choisir ?

Ici également tout dépend de la tonalité et de la gamme des couleurs de votre nature morte. Si vous voulez montrer la profondeur dans votre nature morte, si dans votre nature morte règnent les couleurs chaudes vous pouvez choisir pour l’Imprimatura le mélange de la Terre de Sienne avec l’Ocre dorée ou de l’Ocre claire avec le Jaune de cadmium moyen, de la Terre d’ombre brulée ou de Mars brun avec l’Ocre dorée, Rouge anglais avec la Terre de Sienne, Le Jaune de cadmium pur, etc.

Mais si dans votre nature morte les couleurs froides sont en majorités ou bien au contraire vous voulez faire ressortir les couleurs chaudes en jouant sur les contrastes des couleurs et sur les couleurs opposées du cercle chromatique, pour l’Imprimatura vous pouvez utiliser les couleurs froides. Par exemple le bleu d’Outremer ou le bleu de cobalt en mélange avec l’Alizarine ou avec le Laque de garance ou même avec un peu de la Sépia pour casser la vivacité des couleurs. Ce sont juste des exemples car c’est à vous de choisir des couleurs et la valeur d’Imprimatura selon la gamme des couleurs de votre tableau.

Donc comment faire l’Imprimatura ?

C’est très simple. Prenez suffisamment de couleur sur votre pinceau, diluez le pigment avec un peu de médium et mettez la peinture sur votre toile en frottant avec votre pinceau. Vous verrez, peut- être vous aurez besoin de ragouter plus de me médium ou plus de couleurs. Vous pouvez également de rajouter plusieurs couleurs et les mélanger directement sur votre toile. Travaillez librement, mettez suffisamment de couleur sur votre toile.

Juste il faut se rappeler que la couche d’Imprimatura doit rester fine et transparente.

Dès que vous avez fini de mettre la peinture sur la toile, prenez un morceau de Sopalin et essuyez votre toile pour enlever le reste de la peinture et pour rendre la couche d’imprimatura uniforme.

Imprimatura
Imprimatura dans la gamme des couleurs chaudes

Les pinceaux et le médium

Pour faire l’Imprimatura utilisez toujours de grands pinceaux en soies de porc (brosse).

Comme médium je vous conseille d’utiliser un médium à base d’essence de térébenthine, l’huile de lin et de vernis de dammar dans la proportion classique (Ce médium est très facile à fabriquer, vous pouvez la recette de ce médium dans mon article “Matériel pour peindre à l’huile“). Ou bien vous pouvez utiliser tout simplement  l’essence de térébenthine. 

J’ai encore un conseil à vous donner. N’utilisez pas dans l’Imprimatura les couleurs mélangées avec la couleur blanche. Il faut savoir que l’Imprimatura réalisée avec les couleurs blanches existe. Il y a des artistes qui utilisent les pigments blancs en les mélangeant avec la sépia ou le noir pour obtenir l’Imprimatura grise.

Mais le problème c’est que tous les pigments blancs, même le blanc de zinc sont plus au moins opaques. Et ils rendent opaque les mélanges avec les autres couleurs. En conséquence ils vont rendre votre sous-couche plus au moins opaque.

A mon avis il vaut mieux avoir la sous-couche transparente. Et plus c’est très facile à faire car la couleur de notre toile est déjà blanche. Et comme la couche d’Imprimatura reste assez fine nous avons le même effet comme dans l’aquarelle quand on travaille avec les glacis. On voit à travers la couche supérieure les couleurs de la couche inférieure.

Donc pour obtenir la couleur grise on peut tout simplement mélanger la sépia avec le bleu d’outremer, bleu de cobalt ou bleu de Prusse (j’éviterais également le pigment noir dans la sous-couche). Car cette couche d’Imprimatura sera très transparente, on verra à travers la couleur blanche de notre toile. Et comme cela on va obtenir la couleur grise d’Imprimatura.

Comme on rend la couche de l’imprimatura très fine et transparente et en plus on l’essuie avec le sopalin ou avec un torchon, on peut ne pas attendre le séchage ce cette couche. On peut commencer à esquisser le dessin et peindre sans attendre que la couche de l’imprimatura soit sèche. Bien sûr, cela marche uniquement pour la peinture à l’huile. La peinture acrylique sèche très vite, donc la couche sera sèche en tous les cas.

Si vous faites l’imprimatura pour ensuite réaliser un dessin au pastel ou au crayon, il fait attendre que la couche colorée soit sèche si non vous risquez d’abîmer votre feuille.

Maintenant je vous invite de regarder une petite démonstration vidéo qui vient de ma chaine YouTube “Comment faire l’Imprimatura”   

Merci d’avoir lu cet article. Cela me fera très plaisir si vous me laissez des commentaires. Si vous avez des questions n’hésitez pas à me les poser. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle

Dans cet article je vais vous montrer comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle, mais aussi comment créer une peinture en couleurs à partir d’une photo noir et blanc.

D’habitude je conseille à mes élèves de travailler d’après nature. La nature est la meilleure des professeurs ! Mais il y a les moments quand pour telle ou telle raison on ne peut pas travailler d’après nature. Alors on travaille d’après une photo. Dans ce cas-là je conseille toujours de ne pas copier cette photo mais plutôt de l’utiliser comme le point de départ pour votre œuvre.

Donc dans cet article vous allez découvrir :

1.Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle. Si vous travaillez dans l’acrylique, la peinture à l’huile et même au pastel, cet article peut-être quand-même intéressant pour vous car la plupart des conseils que je donne peuvent être appliqués pour toutes les techniques de peinture.

2.Comment convertir une photo en noir et blanc en peinture en couleurs.

3.Comment apporter une touche personnelle dans votre peinture.

4.Comment même en travaillant d’après une photo créer une peinture qui vous rassemble.

5.Et à la fin de cet article nous allons regarder un tutoriel vidéo. Dans ce tutoriel vous verrez tout le processus du travail étapes par étapes. 

En fait vous trouverez tous ce que j’ai cité dans le tutoriel vidéo, mais avant de passer au tutoriel en bas de cet article, je vous conseille quand même de lire cet article avant de passer sur la vidéo car ici je vous donnerai quelques informations importantes qui vous aideront d’avantage pour réaliser un paysage enneigé en aquarelle et pouvoir transcrire une photo noir et blanc en peinture en couleurs.  

D’abord je voudrais vous donner la liste du matériel pour réaliser cette aquarelle.

Pour peindre un paysage enneigé en aquarelle nous allons avoir besoin :

1. Une feuille de papier d’aquarelle 250 -300 gr.

Dans la démonstration dans le tutoriel vidéo j’utilise le papier 200 gr en cellulose. C’est du papier bas de gamme. Mais j’utilise souvent dans mes du papier bas de gamme pour montrer toutes les difficultés et comment corriger des erreurs. Bien sûr, sur le papier plus haut gamme il est beaucoup plus facile et agréable de travailler. Donc malgré que j’utilise ce papier dans mes démonstrations, je vous conseille quand même de choisir le papier 250, 300 ou même 400 gr en coton ou coton-cellulose.

2.Un contre-plaqué ou un support en bois pour coller votre feuille de papier.

Je vous conseille de toujours coller votre feuille de papier sur un support dur. Souvent les papiers aquarelle sont vendus dans les blocks collés. Il parait qu’on peut travailler directement sur le block. Oui. C’est possible mais plutôt pour les tous petits formats en travaillant principalement avec les glacis et sans utiliser beaucoup de lavis. Si vous travaillez beaucoup dans le mouillé sur les blocks, la feuille de papier va gondoler quand même et après cela sera assez complique de la détacher des autre feuilles qui peuvent prendre elles aussi l’humidité. Donc si ce n’est pas le cas des croquis de voyage, je vous conseille de coller votre feuille sur le support dur avant de commencer à travailler.

3.Un crayon HB et une gomme pour faire le dessin préparatif.

4.Un pinceau en petit gris ( gros pinceau rond ) et deux pinceaux en martre ou en putois sibérien ( un petit pinceau rond et un pinceau moyen rond )

5.Un Sopalin ou un torchon pour essuyer et égoutter vos pinceaux.

6.Un bocal pour mettre de l’eau

7.Une boite de peinture aquarelle. ( J’utilise l’aquarelle White Night 36 couleurs )

8.Une éponge de mer. Bien sûr pour faire des corrections vous pouvez utiliser n’importe quelle éponge. Mais je vous conseille quand même d’utiliser une éponge de mer pour vos aquarelles. L’éponge de mer n’abîme presque pas la surface de papier aquarelle donc vous pouvez l’utiliser facilement en plusieurs fois sur un même endroit.

Maintenant regardons

Comment adapter une photo en noir et blanc à la peinture multicolore pour peindre un paysage enneigé à l’aquarelle.

Mais en fait ça marche pour toutes les autres techniques de peinture et pour peindre n’importe quel sujet.

Donc, si l’on regarde le cercle chromatique on peut remarquer que chaque couleur de cercle chromatique à sa tonalité et sa valeur. On voit cela clairement quand on convertit le cercle chromatique en image en noir et blanc. 

Cercle chromatique d'Itten
Cercle chromatique d’Itten
Cercle chromatique d'Itten valeurs de gris des couleurs
Cercle chromatique d’Itten valeurs de gris des couleurs.

Comme cela on voit les valeurs de gris de chaque couleur. Maintenant quand on regarde la photo on voit, approximativement bien sûr, à quelle valeur de gris correspond telle ou telle couleur.

photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé
photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé

C’est la théorie, en réalité ce n’est pas si simple, car il faut prendre en considération l’éclairage et les valeurs de gris des couleurs qui changent par rapport à l’éclairage. Mais la bonne nouvelle c’est que les couleurs de l’ombre et de la lumière ne sont pas les mêmes. Pour peindre l’ombre et la lumière on utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. Pour trouver encore plus d’information sur l’utilisation du cercle chromatique je vous invite à lire mon article “Cercle chromatique”.

Je répète toujours une de règles principales de la peinture.

La règle de la température des couleurs.

Si la lumière est chaude l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide. 

Par conséquent on peut deviser le cercle chromatique en deux parties, la partie des couleurs chaudes et la partie des couleurs froides. Ce sont deux parties opposées du cercle.

Donc pour peindre l’ombre et la lumière nous allons utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique. Par exemple si pour peindre l’ombre froide vous utilisez les couleurs bleues et violètes, dans la lumière vous trouverez les couleurs jaunes et oranges, les couleurs opposées du bleu et du violet dans le cercle chromatique.

Pourquoi la partie éclairée de l’objet n’a pas la même couleur que l’ombre de cet objet ? Parce que l’éclairage, la lumière du soleil, du feu, des bougies ou de l’ampoule électrique ont leurs couleurs. Et si la lumière de soleil est chaude, elle va influencer les couleurs de l’objet et les rendre plus chaudes dans la partie éclairée. Et comme de ce fait la partie éclairée de l’objet sera chaude, dans l’ombre on verra les couleurs opposées des couleurs chaudes – les couleurs froides.

Cet effet sera encore plus fort à l’extérieur qu’à l’intérieur car à l’extérieur on verra en plus les reflets bleus du ciel dans les ombres. Je parle des couleurs, mais en réalité cela sera rarement les couleurs vives, ce sera plutôt des nuances des couleurs.

Donc pour adapter la photo noir et blanc en couleurs on va jouer également avec la température et la tonalité des couleurs opposées. Et bien sûr quand vous travaillez d’après une photo, je vous conseille de vous laisser vous emporter par la créativité.

Comment apporter une touche personnel dans votre peinture.

C’est cela la différence entre un artiste-peintre et un photographe. Le photographe n’est pas complétement libre dans sa créativité, il est toujours dépendant du moment, de la scène, du sujet. L’artiste peintre est complétement libre dans sa créativité. Il peut changer le sujet, la composition, rajouter des objets et des personnages.

Donc quand on travaille d’après une photo, la photographie nous sert de point de départ pour notre peinture. Quand vous travaillez d’après une photo je vous conseille toujours d’avoir à l’esprit le résultat final de votre tableau.

Posez vous des questions….
Ou voulez-vous aller ? Quel message voulez-vous transmettre à vos spectateurs ? Quel sentiment ? Quelle histoire voulez-vous raconter à vos spectateurs ?

Pour tout cela il ne faut pas chercher un sujet particulier, vous pouvez passer le message ou évoquer les sentiments à travers des sujets tous simples… un paysage, une fleur, une chaise, un chat, un chien, une tasse etc…  Quand vous travaillez d’après une photo vous êtes libres de changer les couleurs, la composition, de rajouter des personnages, des objets etc. Tout cela fait partie de la création artistique.

Maintenant avant de vous laisser regarder le tutoriel vidéo “Comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle” où vous trouverez les conseils et verrez le processus de réalisation de cette peinture pas à pas je veux vous donner encore quelques conseils pour réussir votre paysage enneigé

1.Dégraissez toujours votre feuille de papier avant de commencer à travailler. Vous pouvez le faire facilement à l’aide de l’éponge de mer.

2.Commencer toujours par peindre le paysage en commençant par le ciel. Le ciel c’est ce qui est le plus propre, le plus transparent dans le paysage. ( Ce conseil marche pour toutes les techniques de peinture ).

3.Commencez votre aquarelle par les endroits les plus clairs pour aller après progressivement vers les teintes plus foncées.

4.Tachez de ne pas mélanger plus que 3 couleurs dans les lavis et plus que 2 couleurs par glacis pour éviter rendre la peinture boueuse.

5.Peignez ou bien sur une couche de peinture bien mouillée ou bien sur une couche complètement sèche. Evitez de travailler sur la couche demi-sèche.

6.Ne passez pas trop de temps à mélanger les couleurs sur votre palette. Quand on mélange les couleurs trop longtemps sur la palette on perd la vivacité de l’impression. Passez plus de temps sur votre peinture ou en regardant le nature ou la photo que en mélangeant les couleurs.

7.Soyez libre, ne soyez pas bloqués par la crainte de faire une erreur ! Les erreurs font la partie de la réalisation du tableau. On peut presque rattraper toutes les erreurs.

8.Avant de commencer votre tableau il vaut mieux avoir déjà une idée du résultat final.

9.Ne cherchez pas faire une peinture parfaite ! On peut trouvez des erreurs même dans les tableaux de Léonard de Vinci. Improvisez ! Le plus important c’est le sentiment éprouvé par les spectateurs qui vont regarder votre œuvre.

Maintenant je vous invite à regarder le tutoriel vidéo ou vous trouverez toutes les informations et les conseils nécessaires pour réaliser votre peinture. Et ensuite à vos pinceaux !  

Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle

 Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et du tutoriel vidéo. Votre avis est très importent pour moi !

A bientôt ! 🙂

                             

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Cercle chromatique

Dans cet article nous parlerons du cercle chromatique et comment l’utiliser dans la peinture pour rendre votre tableau harmonieux.

Il existe énormément de bouquins et d’articles qui parlent du cercle chromatique, mais ici je veux aller à l’essentiel. Ce qu’il faut savoir sur le cercle chromatique pour l’utiliser dans la peinture.

Je trouve que le cercle chromatique le plus utile pour un artiste peintre c’est le cercle de Johanne Itten (l’ancêtre des cercles chromatique que l’on peut trouver maintenant dans toutes les boutiques pour les artistes peintres.)

« La simplicité c’est du génie » et le cercle d’Itten reste le plus simple et le plus pratique. Dans ce cercle chromatique les 12 couleurs font un cercle de façon que les paires de couleurs contrastées se trouvent du côté opposé du cercle.

Cercle chromatique d'Itten
Cercle chromatique d’Itten

Les couleurs primaires du cercle chromatique

Dans le centre du cercle Itten a mis le triangle de trois couleurs Rouge, Bleu, Jaune. Ce sont des couleurs primaires. Les couleurs de bases pour toutes les autres couleurs du cercle chromatique.

Cercle chromatique. Couleurs primaires.
Cercle chromatique. Couleurs primaires.

Les couleurs secondaires du cercle chromatique

Le triangle des couleurs primaires est enfermé dans l’hexagone ou on voit encore trois couleurs. Ce sont les couleurs secondaires Orange, Violet, Vert qu’on peut obtenir en mélangeant les couleurs primaires (Rouge, Bleu, Jaune).

Rouge et Bleu donne Violet,
Rouge et Jaune donne Orange,
Jaune et Bleu donne Vert.

Couleurs secondaires du cercle chromatique
Couleurs secondaires du cercle chromatique

Les couleurs tertiaires du cercle chromatique

Ensuite sur le cercle chromatique on peut voir les couleurs tertiaires. Ce sont les couleurs obtenues par le mélange d’une couleur primaire et une couleur secondaire.

Rouge et Orange donne Rouge orangé (dans les pigments équivalents approximatif du Rouge de cadmium claire)

Rouge et Violet donne Pourpre  (proche d’alizarine, mais un peu plus chaud)

Jaune et Orange donne Jaune orangé (dans la peinture équivalant approximatif du Jaune de cadmium foncé)

Jaune et Vert donne Vert chaud

Bleu et Vert donne Bleu turquoise ou Cobalt Bleu-Vert dans les pigments

Bleu et Violet donne Indigo

Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.
Cercle chromatique. Couleurs tertiaires.

Je vous parle de toutes ces couleurs du cercle chromatique par ce qu’il faut les connaitre. Mais franchement c’est de la théorie pure. Si à chaque fois que vous mélangez les couleurs vous allez les mélanger en consultant tout le temps le cercle chromatique vous n’arriverez jamais à obtenir les mélange naturels, instinctifs. Ce qu’il nous faut pour la peinture.

Une des règles du mélange des couleurs dit que pour obtenir le mélange juste et pur il faut essayer de ne pas mélanger les couleurs sur votre palette durant plus de 5 à 7 secondes. Sinon vous risquez de perdre la pureté de l’impression et de vous tromper avec le mélange.

En fait avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger les couleurs automatiquement. Et bien sûr sans consulter le cercle chromatique.

Maintenant on est arrivé à la chose la plus importante pour l’artiste peintre dans le cercle chromatique. Soyez attentifs et concentrés c’est hyper important à retenir et à utiliser.

Les couleurs opposées du cercle chromatique.

Vous me direz «  les couleurs opposées du cercle chromatique, c’est très simple, tout le monde les connaît ». Oui, tout le monde les connaît mais aujourd’hui nous allons voir à quoi elles servent réellement dans la peinture. Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires se trouvent du côté opposés du cercle chromatique.

Donc les couleurs opposées du cercle chromatique.

Rouge est complémentaire du Vert
Jaune est complémentaire du Violet
Orange est complémentaire du Bleu
Jaune orangé est complémentaire de l’Indigo
Vert chaud est complémentaire du Pourpre
Bleu turquoise est complémentaire du Rouge orangé

Et bien sûr toutes les nuances de ces couleurs se contrastent entre elles.

Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.
Les couleurs opposées ou les couleurs complémentaires du cercle chromatique.

Quand on regarde le cercle chromatique on peut le diviser en deux parties. La partie chaude et la partie froide.  C’est très important  aussi.

Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique
Couleurs chaude et couleurs froides du cercle chromatique

Donc comment utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique et la température des couleurs dans la peinture.

Une des choses primordiales dans la peinture ce sont les contrastes entre les couleurs chaudes et couleurs froides. Je répète sans cesse que la peinture se construit sur les contrastes des couleurs.

Si l’ombre est froide la lumière est chaude et si la lumière est chaude l’ombre est froide.

C’est la règle incontournable de la peinture.

La deuxième règle incontournable de la peinture dit que si l’on travaille avec telle ou telle couleur, juste à côte on verra la couleur opposée de cette couleur.

Je vais expliquer plus précisément. Si par exemple vous peignez les arbres éclairés par le soleil. Imaginons que dans la lumière vous utilisez le vert chaud et le jaune, donc dans l’ombre vous verrez le violet ou les nuances de bleu et le rouge qui sont les couleurs opposées du vert et du jaune.

Vous direz comment est-ce possible, les arbres sont verts ! Non. C’est dans notre esprit que les arbres sont verts. C’est le cliché, c’est peut-être dans l’école maternelle la maitresse nous a dit que les arbres étaient verts.

Regardez les peintures de tous petits infants qui ne savent pas encore que les arbres sont verts, là les arbres et les herbes peuvent être rouges, jaunes, oranges. Et ils ont raison ! Ils n’ont pas encore appris les clichés.

Pourquoi je vous dis tout cela ? Pour vous montrer que quand vous peignez vous devez faire confiance à vos yeux. Je ne dis pas qu’il n’y a pas du tout de couleur verte dans les arbres et les herbes, mais ce sont plutôt des nuances riches du vert, vert-jaune, vert-orange, brun-rouge, bleu-vert etc.

Comment voir la vraie couleur ?

Il existe une technique pour voir la vraie couleur. Et je vous conseille fortement de l’utiliser au moins au début, avant que ça devienne automatique.

Si vous voulez voir la vraie couleur de l’objet, ou par exemple de l’ombre porté d’un objet ou la couleur de sa lumière, ne regardez pas directement cet endroit, régaterez à côté et comme ça vous verrez la vrai couleur de façon indirecte.

Par exemple si vous voulez voir la couleur de l’ombre de l’objet, regardez sa lumière. Et très probablement si vous regardez comme ça vous verrez dans l’ombre les couleurs opposées du cercle chromatique des couleurs de la lumière.

Au début quand vous faites cela vous pouvez consulter les couleurs opposées du cercle chromatique, pour soutenir votre impression. Mais très vite vous commencerez à faire cela intuitivement, sans consulter le cercle chromatique.   

Observons quelques exemples concrets.

Regardez ce tableau de Claude Monet. 

Claude Monet
Claude Monet

Ici on voit très bien comment l’artiste utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. La couleur du ciel est jaune et orange. Donc sur la ligne d’horizon, dans les ombres sur la terre et sur les meules de foin on voit les couleurs bleues et violets. On voit également dans la lumière sur la terre sur la neige les reflets des couleurs du ciel. La lumière sur la terre a les reflets rouges (roses) et jaunes. Ce qui est les couleurs opposées du bleu et du violet que l’on voit dans les ombres.

Claude Monet
Claude Monet

Dans ce tableau de Monet on voit le même principe. Les ombres sur les meules sont violettes et bleues – les couleurs opposées des couleurs de la lumière des meules l’ocre jaune, la terre de Sienne, le jaune et l’ocre rouge et  orange. La lumière sur les arbres sur le dernier plan est jaune ou jaune- vert et dans les ombres on voit du bleu, du violet et un peu de rouge (rouge- violet). Donc on voit bien comment Monet utilise cette règle de la peinture. La lumière est chaude et les ombres sont froides, les couleurs des ombres sont opposées aux couleurs de la lumière.

Igor Grabar
Igor Grabar

Sur ce tableau de Grabar on voit également comment l’artiste –peintre utilise le principe de température des couleurs. Sur les fleurs dans la lumière on trouve les couleurs jaunes et rouges, la lumière est chaude car ces fleurs sont éclairées par le soleil. D’habitude la lumière du soleil est chaude. Et dans les ombres on voit le bleu et le violet qui sont l’opposées des couleurs de la lumière du rouge et du jaune. Les ombres sont froides. Car d’habitude quand le ciel n’est pas couvet de nuages il jette ses reflets sur les ombres.

Igor Grabar
Igor Grabar

Je veux attirer votre attention sur ce paysage de Grabar. Ici on voit les nuances de la couleur vert dans les parties éclairées des arbres, des herbes sur les rives et dans les reflets des arbres dans le lac. Et dans les ombres des arbres on voit les couleurs rouges (qui correspondent à l’alizarine), les couleurs violètes et les bleues. Ce sont des couleurs opposées des couleurs de la lumière des arbres et des rives.

Je vais vous donner encore quelques informations sur le cercle chromatique.

Les couleurs analogiques

Les couleurs analogiques. Ce sont des couleurs qui se trouvent à côté dans le cercle chromatique, les couleurs adjacentes.

Les couleurs analogiques du cercle chromatique
Les couleurs analogiques

Les couleurs complémentaires adjacentes

Les couleurs complémentaires adjacentes. Ce sont des couleurs complémentaires à une ou plusieurs couleurs analogiques.

Les couleurs complémentaires adjacentes du cercle chromatique
Les couleurs complémentaires adjacentes

C’est assez utile à savoir pour trouver les couleurs complémentaires pour les couleurs nuancées. Mais je veux vous assurer qu’avec un peu de pratique vous arriverez à mélanger des couleurs et trouver les couleurs opposées (complémentaires) automatiquement, presque sans réfléchir.

Merci d’avoir lu cet article. J’espère qu’il a été intéressant pour vous. Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article. S’il est intéressent et utile pour vous. 

A bientôt ! 🙂  

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Comment peindre les roses à l’huile.

Dans cet article nous allons voir comment peindre les roses à l’huile dans le style impressionniste.

Je vous donnerai des conseils qui vous aiderons à réussir n’importe quel sujet en peinture à l’huile.

On regardera le tutoriel vidéo qui explique notamment comment peindre les roses à l’huile.

On parlera de la technique et des petits secrets pour réussir votre peinture à l’huile.

Comment peindre les roses à l'huile
Comment peindre les roses à l’huile

En fait ce tutoriel vidéo « Comment peindre les roses à l’huile » est assez complet, je voudrais juste avant que vous commenciez de le regarder vous rappeler quelques règles de base et parler de la technique « alla prima » que j’ai utilisé pour peindre les roses à l’huile.

Donc parlons d’abord de la technique « alla prima ».

Peindre à l’huile dans la technique “alla prima” cela veut dire que vous allez peindre directement sur une couche de peinture fraiche sans séchage. Cette technique de peinture s’utilise beaucoup pour peindre des études. Pour peindre dans cette technique il y a deux solutions.

Soit vous travaillez directement dans la couche fraiche pour modifier les formes et les couleurs directement dans cette couche. Soit vous faites tout le travail dans une journée ou bien vous ralentissez le séchage de la couche de peinture en utilisant le medium pour retravaillez votre tableau le lendemain. Quel medium choisir ? Vous pouvez le lire dans mon article « Matériel pour la peinture à l’huile ».

Soit vous travaillez une journée et ensuite vous laissez votre peinture sécher complètement pour retravailler après sur une couche de peinture déjà sèche.

Gras sur maigre

Dans la peinture à l’huile il existe une règle incontournable « gras sur maigre », cela veut dire que la couche supérieure doit être légèrement plus grasse que la couche inférieure. En fait ce n’est pas tout à fait vrai…. Vous pouvez facilement travailler « maigre sur gras », par exemple avec les glacis finals, mais en ce cas-là vous devrez être sûr que la couche inférieure de la peinture est déjà complétement sèche (ou plutôt dure). En fait quand on utilise le mot séchage pour la peinture à l’huile, ce n’est pas tout à fait un bon terme. La peinture à l’huile ne sèche pas, elle durcit. Ce processus chimique s’appelle la polymérisation.

Donc imaginons que l’on met la couche supérieure de la peinture à l’huile sur une couche de peinture qui n’est pas complètement dure. La couche supérieure durcira plus vite que la couche inférieure, ce qui peut provoquer des craquelures de la couche supérieure. Mais aussi la peinture de la couche inférieure restera instable longtemps ce qui peut influencer les couleurs de la couche supérieure. Les couleurs peuvent devenir ternes, fades, parfois avec des taches mates, avec le temps les couleurs peuvent noircir.

Quelle toile choisir pour peindre les roses à l’huile ?

Dans mon tutoriel vidéo « Comment peindre les roses à l’huile » je travaille sur une toile en lin, mais qui a été déjà couverte de peinture. Pour cette démonstration j’ai utilisé ma vieille étude qui n’a pas été finie.

Pour peindre à l’huile vous avez quatre solutions :

Utiliser une toile enduite avec un apprêt blanc,

Une toile avec un apprêt transparent,

Une toile déjà peinte (par exemple comme dans mon cas si vous avez une étude pas finie ou la peinture que vous ne voulez pas garder)

Ou une toile colorée ( ” imprimatura ” ). Je conseille souvent cette méthode aux peintres débutants pour réduire la “peur de la toile blanche”.

Si vous choisissez cette méthode, pour préparer votre toile il suffit juste de choisir la couleur pour colorer votre toile, appliquer cette couleur diluée avec l’essence de térébenthine et ensuite passer d’un morceau de Sopalin pour faire repartir la couleur sur la toile et rendre la couche uniforme. Pour cette couche vous pouvez choisir la couleur rouge (ocre rouge par exemple), l’ocre, la terre de sienne, le bleu foncé, la terre d’ombre brulée, le gris (mélange du noire et de l’essence de térébenthine uniquement) ou sépia. Pour faire ” imprimature ” je vous conseille de ne pas mélanger les couleurs avec le blanc pour la première couche. Une couleur blanche est trop opaque pour cette couche qui est très jolie dans sa transparence. Cette technique fut souvent utilisée par les grands maîtres de l’epoque de Renaissance.

Comment peindre les roses à l'huile. Technique imprimatura. Léonard de Vinci
Léonard de Vinci. “Imprimatura”

Comment faire un dessin préparatif pour peindre les roses à l’huile

Pour faire le dessin préparatif pour votre nature morte vous pouvez utiliser la peinture à l’huile diluée avec l’essence de térébenthine. Si vous dessinez comme moi dans ce tutoriel “Comment peindre les roses à l’huile” sur la toile avec une couche de peinture dure, vous pouvez utiliser des couleurs contrastées à cette couche de peinture. Si vous dessinez sur un apprêt blanc je vous conseille d’utiliser l’ocre, la terre d’ombre brulée, la sépia, le bleu d’outremer ou bleu de cobalt. Vous pouvez également dessiner avec le fusain à dessiner, mais en ce cas-là n’oubliez pas de fixer votre dessin avec un vernis avant de commencer à peindre.

Comment peindre les roses à l’huile

Maintenant quelques conseils comment peindre les roses à l’huile.

Peignez les roses principalement avec les coups de pinceau droits. C’est la technique qui convient le plus pour peindre ces fleurs.

Quand vous travaillez sur un bouquet de fleurs n’oubliez pas de peindre d’abord le volume général du bouquet et après le volume de chaque fleur !

Comment rendre l’objet volumineux vous pouvez le lire dans mon article Comment dessiner en volume.

Regardez souvent la nature et votre dessin en plissant les yeux. C’est uniquement comme cela que l’on peut voir clairement les valeurs de gris.

Quand vous travaillez sur votre peinture n’ayez pas peur des contrastes. Il n’a pas de lumière sans ombre et il n’y a pas d’ombre sans lumière. Si vous voulez rendre la lumière plus claire, dans la plupart des cas il vous faut d’abord rendre l’ombre plus foncée.

Mais faites attention, l’ombre n’est jamais noire. Sa couleur est très souvent opposée à la couleur de la lumière. Par exemple si dans la lumière on voit des couleurs rouge et jaunes, dans l’ombre on verra les couleurs bleues et vertes (pas toujours les couleurs vives ).

Il y a encore une règle incontournable pour toutes les techniques de peinture. Si la lumière est chaude, l’ombre est froide, si la lumière est froide, l’ombre est chaude.  Pour voir la vraie couleur de l’objet, regardez cet objet de côté comme si vous aviez glissé avec votre regard sur cet objet en regardant en même temps un objet ou une surface qui est à côté. Essayez également voir tout le bouquet ou la nature morte en entier, même si vous travaillez sur un détail.

Par quoi commencer à peindre les roses à l’huile

Commencez à peindre les roses à l’huile par les grandes formes pour aller après vers les petits détails. Quand vous travaillez dans la technique « alla prima » essayez de couvrir toute la surface votre toile avec les couleurs le plus vite possible. Et uniquement après cela commencez à travailler sur les objets et sur les détails.

Comment mélanger les couleurs à l’huile

Et encore un conseil, essayez de mélanger vos couleurs directement sur la toile. Bien sûr vous pouvez toujours mélanger les couleurs sur la palette, et c’est qu’il faut faire ! Mais sur la palette on voit les couleurs par rapport aux couleurs de la palette, et quand on rajoute progressivement les couleurs pour les mélanger directement sur la toile, on voit les couleurs par rapport aux couleurs de notre toile, ce qui est beaucoup plus juste. Cela n’empêche pas bien sûr que vous allez faire une grande partie de vos mélanges quand même sur la palette.

Et encore une chose…., quand vous mélangez vos couleurs sur la palette ne faites pas cela trop longtemps avant d’appliquer les couleurs sur la toile, je dirai pas plus que 10 secondes, sinon vous risquez de perdre la vivacité de votre impression.

Pour peindre les roses à l’huile vous avez besoin de :

1.Une toile en lin ou en coton 30×40 cm environ

2.Les pinceaux plats (grands) ou lange de chat et les pinceaux ronds en soie de porc. Les pinceaux ronds synthétiques.

3.Une palette

4.Un récipient pour le médium.

5.Un medium. La recette du medium ainsi que les conseils comment choisir du matériel pour la peinture à l’huile vous pouvez lire dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile »

6.Un Sopalin ou un torchon pour essuyer les pinceaux

7.Un couteau

8.Les couleurs de la peinture à l’huile ( 6 couleurs de base minimum) Ou plutôt regardez dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile » la liste des couleurs conseillées.

9.Le chevalet ou le chevalet boîte.

Maintenant passons à notre tutoriel vidéo !  Et après avoir regardé ce tutoriel « Comment peindre les roses à l’huile » je vous propose de me dire dans les commentaires ce que vous pensez de ce tutoriel, et bien sûr mettre en pratique les conseils.

Comment peindre les roses à l’huile. Tutoriel.

A bientôt ! 🙂

Comment peindre les roses à l'huile
Comment peindre les roses à l’huile
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Matériel pour peindre à l’huile

Dans cet article nous parlerons du matériel nécessaire pour peindre à l’huile

Dans cet article vous trouverez les réponses aux questions:

  • Quelle toile choisir pour peindre à l’huile ?
  • Quelle est la différence entre les mediums et quel medium choisir pour peindre à l’huile ? Je vous donnerai ma recette du medium qui convient pour tous types de peinture à l’huile.
  • Quels pinceaux choisir pour la peinture à l’huile?
  • Les couleurs pour la peinture à l’huile, les marques présentes sur le marché Français. Quelles sont les couleurs essentielles pour réaliser la peinture à l’huile ?
  • On parlera aussi des types des palettes qui conviennent pour peindre à l’huile.
  • Et comment choisir votre chevalet.

Matériel pour peindre à l’huile.

La toile

Une toile en lin ou en coton ?

Je préfère toujours les toiles en lin, car elles sont plus résistantes et souvent plus agréables pour peindre à l’huile ou à l’acrylique.

Toiles en lin pour peindre à l'huile
Toiles en lin

Mais il est tout à fait possible de peindre à l’huile sur une toile en coton.

Toile en coton
Toile aux grains forts

Juste un petit conseil, pour peindre à l’huile dans le style impressionniste ou dans n’importe quel autre style, où vous travailler avec les gros coups de pinceau ou avec les coups de pinceau pâteux (ou si vous travaillez avec le couteau) choisissez plutôt une toile aux grains moyens ou aux gros grains forts qui accrochent plus les couleurs.

Toile aux grains moyens
Toile aux grains fins

Et si vous travaillez avec les glacis privilégiez les toiles aux grains fins. (Ce conseil marche pour la peinture acrylique aussi. Il y a beaucoup de points en communs entre la peinture à l’huile et la peinture acrylique. Presque tous les conseils que je donne pour la peinture à l’huile marchent pour la peinture acrylique. Juste il faut prendre en considération que la peinture acrylique se dilue avec de l’eau et elle sèche beaucoup plus vite que la peinture à l’huile. Et un fois sèche la peinture acrylique est très difficile à enlever)

Dans les magasins pour les artistes peintres vous pouvez trouver une grande variété des toiles en rouleaux ou déjà tendues sur le châssis, des toiles brutes ou enduites, avec un apprêt blanc ou transparent.

Toiles en coton en rouleaux
Toiles en coton en rouleaux

Quelle toile acheter pour débuter en peinture à l’huile ?

Pour débuter à l’huile je vous propose d’acheter une toile déjà tendue sur le châssis, enduite avec un apprêt blanc ou transparent, à votre choix.
De la taille 30×40 cm ou 40×50 cm environ. Vous pouvez également récupérer votre veille toile (si par exemple vous avez déjà réalisé une peinture à l’huile et que vous ne vous êtes pas satisfait du résultat ou il y a quelques temps vous n’avez pas fini votre peinture et vous voulez tout simplement repeindre un tableau par-dessus une peinture existante.) Comment récupérer une veille toile je vous le montrerai dans le tutoriel vidéo “Comment peindre les roses à l’huile”.

Donc la toile en lin.

L’avantage: Une toile résistante, stable, agréable à travailler, convenant pour les grands formats, elle convient pour toutes les techniques de peinture.

L’inconvenant: Relativement chère.

La toile en coton.

L’avantage : assez souple mais convient quand même pour les petits formats, assez agréable à travailler, ne coute pas cher,

L’inconvenant : Souple, pas assez résistante, pas très stable.

Je n’ai pas mentionné avant la toile synthétique. Je n’utilise pas ce type de toile car elle est imprévisible durant le travail. Elle est assez économique, mais je préfère toujours acheter une toile en coton plutôt que synthétique.

La toile sur le carton.

Principalement c’est la toile en coton collée sur un carton. C’est une version économique qui convient pour les petites études. Et ne convient pas pour les grands formats car avec le temps elle a tendance de gondoler.

Le châssis

Par rapport aux châssis. Privilégiez toujours les châssis plus épais en bois solide. Si la toile même en lin est tendue sur un châssis qui n’est pas assez épais, au bout d’un moment elle aura la tendance à gondoler ou vriller à cause même d’un petit changement de température, ce qui est dommage surtout quand vous avez bien réussi votre peinture (en ce cas là pour sauver votre œuvre vous serez obligé de retendre votre toile sur un autre châssis déjà bien épais.)

Châssis avec les rebords pour peindre à l'huile
Châssis avec les rebords

Assurez-vous aussi que le châssis que vous avez choisi a des petits rebords ou les planches du châssis soient inclinées un peu vers l’intérieur de façon à ce que la toile ne soit pas collée contre les planches, mais les touchant juste aux bords.

Les pinceaux pour peindre à l’huile

Pour mes peintures à l’huile autant que pour la peinture acrylique j’utilise les pinceaux synthétiques et les pinceaux en soie de porc.

J’utilise les pinceau plats (brosses plates) et ronds. Mes pinceaux plats sont principalement en soie de porc et les pinceaux ronds sont synthétiques et en soie de porc. Les pinceaux en soie de porc sont assez résistants et permettent de travailler avec de gros coups de pinceaux et avec de la peinture bien pâteuse.

Pinceaux plats en soie de porc pour peindre à l'huile
Pinceaux plats en soie de porc
Pinceau en soie de porc rond pour peindre à l'huile
Pinceau en soie de porc rond

Les pinceaux synthétiques sont beaucoup plus souples et conviennent plutôt pour travailler sur les petits détails, les lignes ou avec les glacis.

Pinceaux synthétiques ronds
Pinceaux synthétiques plats pour peindre à l'huile
Pinceaux synthétiques plats

Auparavant pour la peinture à l’huile les artistes utilisaient beaucoup les pinceaux en poil de martre. Moi aussi, quand je faisais mes études au lycée et aux premières années de l’institut (Ecole supérieure académique des Beaux-Arts) j’ai utilisé ces pinceaux, qui sont vraiment magnifiques pour faire des glacis. Mais maintenant je les ai remplacés par les pinceaux synthétiques. Les pinceaux en poil de martre malgré tous leurs avantages ont un gros inconvénient…. ils s’usent très vite (dans la peinture à l’huile) et ils coutent relativement cher.

Il existe encore beaucoup de différents types de pinceaux. Les pinceaux éventails dédiés à créer les effets des textures ou utilisés pour le plaquage or.

Pinceaux éventails
Pinceaux éventails

Les pinceaux langue de chat (synthétique ou en soie de porc) qui sont utilisés de la même manière que les pinceaux plats. Avec ces pinceaux vous pouvez peindre avec de gros coups de pinceaux (plutôt pour les pinceaux en soie de porc), faire les dégradés et le glacis et aussi travailler en détail (plutôt pour les pinceaux synthétiques).

Pinceaux langue de chat en soie de porc pour peindre à l'huile
Pinceaux langue de chat en soie de porc

Les pinceaux à retouche, ce sont les pinceaux au poil court qui s’utilisent pour restaurer ou retoucher la peinture.

Pinceau à retouche
Pinceau à retouche

Les pinceaux trainards sont les pinceaux au poil long qui permettent de faire des lignes fines.

Pinceau trainard
Pinceau trainard

Mais pour débuter en peinture à l’huile je vous conseille d’utiliser les pinceaux plats ou arrondis (lange de chat) en soie de porc et synthétique et les pinceaux ronds classiques également en soie de porc et synthétique.

Et encore un conseil. Quand vous choisissez vos pinceaux, privilégiez les pinceaux avec un manche long, avec le poil assez résistant et pas très souple (même pour les pinceaux synthétiques).

Le medium pour la peinture à l’huile.

La peinture à l’huile en tubes c’est un mélange du pigment et de l’huile siccative. Vous pouvez d’ailleurs facilement fabriquer la peinture à l’huile vous-même à base de pigments en poudre et de l’huile (par exemple l’huile de lin).

Ocre rouge en poudre
Ocre rouge en poudre

Pour diluer la peinture à l’huile on a besoin du medium. Quand on parle de la peinture à l’huile, on parle souvent le temps de séchage de la peinture (moi aussi, je vais utiliser ce terme dans cet article car il est très courant), alors qu’en réalité la peinture à l’huile ne sèche pas, car il n’y a pas de processus d’évaporation de l’eau. La peinture à l’huile se durcit avec le temps ce qui est le résultat de la réaction chimique, la polymérisation. Donc pour que cette réaction chimique se produise on a besoin de mélanger les pigments avec le medium.

Il existe énormément de médiums à l’huile. Je vais vous donner quelques conseils pour ne pas se perdre dans cette diversité de médiums.

Il y a juste trois choses importantes à savoir sur les mediums:

Il y a les mediums qui accélèrent le séchage de la peinture à l’huile et il y a les mediums qui ralentissent le séchage.

Il y a les mediums qui rendent la peinture à l’huile plus épaisse et il y a les mediums qui au contraire diluent la peinture à l’huile.

Il y a les mediums qui augmentent la brillance et l’intensité de la peinture.

Les mediums sont fabriqués sur base de résine naturelle, d’huile et d’essence de térébenthine, parfois de White Spirit. Ce sont les mediums classiques oléo-résineux. Il existe aussi des mediums fabriqués à base de résine synthétique, les mediums alkydes.

Donc quel medium à choisir pour peindre à l’huile ?

Si vous peignez une esquisse ou une étude rapide, vous pouvez utiliser l’essence de térébenthine. La peinture dilue avec ce medium sèche assez vite. Mais l’inconvenant, c’est que une fois sèches, les couleurs deviennent fades et perdent de leur intensité (une petite remarque, après avoir séché complétement votre peinture, vous pourrez toujours passez une couche de vernis finale brillante et récupérer l’intensité et vivacité des couleurs presque complètement. Mais il faut prendre en considération que le temps de séchage de la peinture à l’huile demande entre six mois et un an ! Et parfois plus ! )

Pour ceux qui supportent mal les odeurs fortes, il existe l’essence de térébenthine sans odeur.

Il existe aussi des accélérateurs de séchage pour la peinture à l’huile. Mais je vous déconseille de les utiliser, au moins au début. Parfois l’action de ces produits est difficile à gérer et il est très facile d’abîmer la peinture et obtenir les craquelures.

Vous pouvez également utiliser l’essence de térébenthine dans la première couche de votre peinture ou quand vous dessinez votre sujet sur la toile avec les couleurs.

Il faut savoir que dans la peinture à l’huile il est important de respecter la règle ” gras sur maigre”. En fait c’est très simple. Si la couche inferieure de la peinture n’est pas sèche (dure) et que vous mettez par-dessus une couche supérieure de peinture, la couche inférieure va se durcir plus lentement que la couche supérieure ce qui peut créer des craquelures et des couleurs ternes sur la couche supérieure.

Donc pour que la couche sèche vite elle ne doit pas être trop épaisse, ou bien il faut attendre le séchage de cette couche avant de continuer à peindre par-dessus. Il n’y a rien de pire que de travailler sur une couche demi-sèche.

Si vous comptez travailler longtemps sur votre peinture et que vous ne voulez pas que les couleurs sèchent trop vite, utilisez comme medium l’huile de lin pure ou mélangée avec l’essence de térébenthine.

La recette du medium que j’utilise moi-même. Medium pour peindre à l’huile.

La meilleure chose que je peux faire, c’est de vous donner la recette du medium que j’utilise moi-même.

Je le fabrique sur base d’essence de térébenthine, d’huile de lin clarifiée et de vernis Dammar. C’est très facile à fabriquer.

Mélangez dans un flacon 2/3 d’essence de térébenthine, 2/9 de l’huile de lin et 1/9 du vernis Dammar. C’est la recette classique. Avec l’expérience vous pouvez toujours la modifier un peu.

Par exemple si vous voulez que votre peinture sèche plus vite et brille, vous augmentez le pourcentage du vernis, si vous voulez que votre peinture sèche moins vite vous augmentez le pourcentage d’huile de lin. Si vous voulez travailler plus avec les glacis, augmentez le pourcentage d’essence de térébenthine ou laisser ce medium en proportion classique qui convient pour toutes techniques de peinture.

Medium pour peindre à l'huile
Les proportions des ingrédients du medium.

Faites attention, dans ce recette j’utilise l’huile de lin clarifiée car l’huile de lin a tendance à jaunir. Vous pouvez toujours acheter l’huile de lin clarifiée dans les magasins pour les artistes peintres mais aussi vous pouvez facilement clarifier l’huile de lin vous-même en la laissant pour quelques semaines à côté de la fenêtre dans un bocal transparent. L’huile de lin se clarifie sous influence de la lumière.

Bien sûr, vous pouvez toujours acheter le medium déjà prêt dans les boutiques pour les artistes peintre, mais je suis plutôt partisane d’utiliser cette recette classique ou on peut toujours importer quelques modifications au niveau des proportions des produits pour adapter ce medium à nos besoins qu’acheter le medium déjà prêt. Souvent le producteurs ne mations pas de façon clair la composition de leurs mediums, donc on ne peut pas être sûr de l’effet que ça va donner.

Medium universel
Medium universel

Parlons aussi un peu des medium alkydes. Ce sont les mediums synthétiques qui sont prêts à l’emploi. Selon les producteurs, en utilisant ces mediums on peut ne pas respecter la règle “gras sur maigre”. Mais pour moi l’inconvénient de ces mediums et qu’ils sèchent trop vite et que le résultat reste peu prévisible. Donc je préfère quand même les mediums classiques.

medium alkyde
medium alkyde

Vous pouvez également peindre à l’huile sans utiliser le medium, car l’huile siccative que se trouve dans les tubes, en fait c’est déjà le medium. Par exemple Van Gogh dans ses peintures n’utilisait presque pas le medium. Mais si vous voulez rendre votre peinture plus onctueuse ou plus fluide, je vous conseille d’utiliser quand même le medium.

La palette pour peindre à l’huile

Il existe les palettes rondes et rectangulaires, les palettes en bois, en porcelaine, en plastique, même en papier (en blocs des feuilles jetables) et en verre. C’est à vous de choisir. Comme palette vous pouvez même utiliser tout simplement un morceau du contre-plaqué. L’essentiel est que pour peindre à l’huile votre palette ne doit pas absorber les couleurs. Elles doivent rester complétement sur la surface de la palette. Et la surface doit être assez lisse, pour qu’elle soit agréable et facile à travailler.

Donc si vous achetez une palette pour peindre à l’huile dans un magasin dans la plupart des cas elle sera déjà préparée pour travailler.

Si vous fabriquez votre palette vous-même à partir d’un contre-plaqué, passez quelques couches de vernis avant de commencer à travailler.

J’utilise une simple palette en bois. Juste un conseil, utilisez une palette assez grande pour avoir assez de place pour mélanger les couleurs. Pour moi, la taille minimale de la palette est de 30×40 cm environ.

ma palette
ma palette

Les couleurs de peinture à l’huile.

Il y a beaucoup de marques de couleurs à l’huile qui sont représentées sur le marché français. Il y a les marques des couleurs pas chères (principalement chinoises), les marques de moyennes gammes comme Sennelier et les marques haut de gamme, assez chère qui fabriquent des couleurs de bonne qualité comme Rembrandt. C’est à vous de choisir la marque. Il faut juste prendre en considération que dans la plupart des marques de bas de gammes les pigments ne sont pas naturels, ce sont des imitations, ce qui peut avoir un impact sur la qualité de votre peinture dans le futur. Les couleurs peuvent perdre leur pureté et l’intensité ou se noircir.

Mais pour apprendre la peinture vous pouvez toujours utiliser ces marques. Dans un premier temps d’apprentissage c’est même mieux de ne pas utiliser les pigments très chers, comme cela vous ne serez pas obligés d’économiser les couleurs et vous serez plus libre dans votre expression.

Je vous donnerai quand même la liste des marques de bonne qualité.

Sennelier, Royal Talens, Lefranc & Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh, Winsor & Newton, Master Class (St Petersburg )

Et les marques économiques

Pébéo, Créa.

Les couleurs que je vous conseille d’avoir sur votre palette.

Jaune de strontium ou Jaune de cadmium citron,
Jaune de cadmium clair,
Jaune de cadmium moyen,
Jaune de cadmium foncé,
Orange de cadmium,
Ocre claire,
Ocre dorée,
Terre de Sienne,
Terre de Sienne brulée,
Terre d’ombre,
Terre d’ombre brulée,
Mars brun foncé,
Sépia,
Caput mortuum foncé,
Noir,
Blanc de titane ou blanc de zinc,
Rouge de cadmium clair,
Rouge de cadmium foncé,
Alizarine,
Bleu d’Outremer,
Bleu de Prusse,
Céruleum,
Bleu de Cobalt,
Violet de cobalt clair,
Violet de cobalt foncé,
Vert émeraude,
Vert viride,
Vert de cobalt clair,
Vert de cobalt foncé. 

Chevalet pour peindre à l’huile

Ici je vais parler de trois types de chevalets qui conviennent pour peindre à l’huile. Chevalet trépied, chevalet socle H et chevalet boîte (souvent appelé tout simplement la boîte à peinture ).

Chevalet trépied peut être utilisez dans l’atelier et même pour peindre en plein air ( la version plus légère, souvent pliante). Le chevalet trépied classique est fabriqué en bois, parfois en aluminium ( pour les modèles pliants). Ce chevalet convient très bien pour travailler sur la peinture de petits formats et de formats moyens. Si vous achetez un chevalet de ce type privilégiez toujours les chevalets grands et lourds fabriqués en bois. Les chevalets lourds sont beaucoup plus stables.

peindre à l'huile. Chevalet trépied
Chevalet trépied

Chevalet socle H peut être utilisé uniquement dans l’atelier. C’est un chevalet lourd et très stable qui convient pour travailler sur tous les formats, même très grands. Pour moi c’est le meilleur chevalet.

peindre à l'huile. Chevalet socle H
Chevalet socle H

Le chevalet boîte ou la boîte à peinture. C’est un chevalet qui permet de travailler à l’atelier mais aussi en plein air. Je préfère toujours ce chevalet au chevalet trépied portatif en aluminium. Malgré que ce chevalet soit plus lourd que le trépied en aluminium ( appelé souvent le chevalet de campagne), il est beaucoup plus stable et en plus contient la boîte à peinture ce qui est très pratique pour travailler en plein air. Il convient pour les petits formats et pour les formats moyens.

Chevalet boîte

Donc c’est peut-être le meilleur choix si vous comptez peindre dans l’atelier et parfois aussi en plein air. Quand vous achetez le chevalet boîte assurez-vous qu’il contienne le trépied. Il existe des modèles de boîtes à peinture sans trépied. Vérifiez également que le trépied dépliant se fixe bien. Ce chevalet ne doit pas être trop léger est avoir une taille pas plus petite que 40×30 cm (taille de la boîte).       

Il existe également de petits chevalets de table, mais je vous déconseille vraiment de les acheter. Ils ne sont pas stables, ne conviennent que pour les petits formats et ne permettent pas de travailler debout, ce qui est très important pour peindre à l’huile.

Le Couteau pour peindre à l’huile

Et oui, avec le couteau on peut peindre à l’huile ou à l’acrylique. Et aussi nettoyer notre palette et enlever la couche de peinture de notre toile.

Couteaux pour peindre à l'huile
Couteaux

Sur cette image vous voyez les formes différentes des couteaux.

Mais pour débutez à l’huile je vous propose d’acheter la forme la plus simple et le plus classique de couteau. Comme dans cette image:

Avec ce couteau vous pouvez enlever la peinture de votre toile et de votre palette et aussi peindre avec le couteau.

N’oubliez pas également le Sopalin ou un torchon pour essuyer les pinceaux et le recipient pour le medium.  

Voilà, vous êtes bien équipé. Maintenant à vos pinceaux! Et n’hésitez pas à me contacter si vous avez des questions ou vous avez besoin de mon aide. Je suis toujours contente de vous aider !

Je vous invite également à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article. Votre avis est très important pour moi !

Ici je vous mets quelques liens sur les articles qui peuvent être intéressants pour vous.

Comment dessiner correctement

Composition dans la peinture

Comment dessiner un visage

Comment peindre les vagues à l’aquarelle

A bientôt 🙂

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Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle

Il n’y a pas longtemps j’ai fait un tutoriel vidéo en deux parties “Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle”. Dans ce tutoriel je montre notamment comment peindre les coquelicots à l’aquarelle mais aussi je donne des conseils qui marchent pour peindre n’importe quelle fleur à l’aquarelle.

Dans ce tutoriel nous allons voir :

  • Comment utiliser le liquide de masquage,
  • Comment faire la première couche de peinture. Quelles couleurs utiliser pour la première couche et pourquoi.
  • Comment peindre des coquelicots dans le mouillé et avec les glacis. Quelles couleurs utiliser pour peindre les coqueliots.
  • Comment travailler dans le mouillé et avec les fondus.
  • Comment peindre les pétales et les étamines des coquelicots. Comment peindre une fleur en volume, Comment peindre les ombres et la lumière. Comment travailler sur les détails.
  • Comment peindre le fond. Comment faire le lavis multicouleur du fond.

Tout cela vous pouvez trouver dans mon tutoriel “Comment peindre les coquelicots à l’aquarelle”.

Comment peindre des coquelicots à l'aquarelle. Processus du travail
Comment peindre des coquelicots. En cours du travail.

Juste avant de vous laisser regarder ce tutoriel vidéo ( en bas de cet page), je veux vous rappeler quelques notions de base qui me paressent indispensables pour réussir votre aquarelle.

Mélange des couleurs à l’aquarelle

1. Donc pour réussir votre peinture aquarelle n’oubliez pas que pour éviter la peinture boueuse on ne doit pas mélanger plus que 2 couleurs aquarelle pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques.

Les couches de peinture à l’aquarelle et la transparence des couleurs

2. Quand vous travaillez avec les glacis faites toujours attention aux couleurs de la couche inférieure. Les couleurs d’aquarelle sont les couleurs transparentes ( quand on parle de l’opacité des couleurs d’aquarelle, cela veut dire qu’il existe les couleurs aquarelle qui sont plus opaque que les autres, mais en général toutes les couleurs aquarelle sont transparentes ). Donc au travers de la couche supérieure on voit toujours les couleurs de la couche inférieure qui influencent les couleurs de la couche supérieure. Alors il nous faut prendre en considération les couleurs de la couche inferieure quand on fait le mélange pour la couche supérieure pour éviter la peinture lourde et boueuse.

Les couleurs chaudes et les couleurs froides.

3. Quand vous travaillez avec les glacis, d’après mon expérience il vaut mieux travailler avec des couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes. Les couleurs froides ( Bleu de cobalt, Bleu d’outremer, Violet quinacridone, Laque de garance, Alizarine, Bleu d’indanthène, Bleu de Prusse etc… ) sont en majorité les couleurs transparentes, et les couleurs chaudes ( Jeune de cadmium, Ocre d’or, Ocre jaune, Terre de Sienne, Terre d’ombre, Sépia, Rouge de Cadmium, Orange de cadmium etc… ) sont les couleurs opaques ou semi-opaques. Les couleurs opaques laissent beaucoup moins bien passer la lumière et souvent forment une couche de peinture trop “lourde”.

Donc il est préférable de travailler d’abord avec les couleurs chaudes ( en gardant quand même au maximum la transparence de la couche de peinture ( toutes les couleurs aquarelle sont quand même transparentes)). Et ensuite travailler avec les couleurs froides dans les couches supérieures.

Faites attention, quand je dis “travailler avec les couleurs froides par-dessus les couleurs chaudes”, cela ne veut pas dire que vous ne devriez pas utiliser pas du tout les couleurs chaudes dans les couches supérieures !

Tout sur le mélange des couleurs en aquarelle vous pouvez le lire dans mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”. Je vous conseille également de lire mes articles “Comment peindre une rose à l’aquarelle” et “Comment peindre une nature-morte à l’aquarelle”. Dans ces deux articles je parle beaucoup des couleurs dans les couches superposées ( dans le glacis), de l’influence des couleurs, de la tonalité et du choix des couleurs.

Quel papier aquarelle choisir pour peindre des coquelicots et d’autres sujets à l’aquarelle ?

Pour faire une aquarelle utilisez le papier aquarelle de plus de 250 gr. De préférence en coton ou coton + cellulose. Je conseille de commencer par le papier coton + cellulose pour les aquarelles sur lesquelles vous envisagez de travailler assez longtemps. Pour les petites études vous pouvez choisir le papier 100% cellulose ( mais toujours pas moins de 250-300 gr). Et pour les aquarelles de grand format sur lesquelles vous pensez travailler longtemps en utilisant les glacis et les lavis prenez le papier 100% coton ou 70% coton + 30% cellulose environ.

Quel pinceau choisir pour peindre des coquelicots ?

Comme pinceaux je vous conseille d’utiliser les pinceaux au poil de petit gris, au poil de martre et de putois Sibérien. Les pinceaux synthétiques conviennent mal pour la peinture aquarelle car ils absorbent très mal et retiennent très peu d’eau.

Pour réaliser l’aquarelle que vous aller découvrir dans le tutoriel vidéo “Comment peindre des coquelicots” j’ai utilisé le grand pinceau à lavis en petit gris et le pinceau moyen en putois Sibérien.

D’habitude il suffit d’avoir un grand pinceau et un pinceau moyen en petit gris et un pinceau moyen et un petit pinceau en putois Sibérien ( ou en martre ) pour réaliser n’importe quelle aquarelle. Verifiez juste que vos pinceaux étant mouillé , ils aient leur extremité pointue. Comme cela même avec le grand pinceau vous pourrez travailler sur les petits détails.

Tutoriel vidéo “Comment peindre des coquelicots”

Maintenant je vous propose de regarder mon tutoriel et ensuite de réaliser une fleur en aquarelle. Si vous avez besoin de mes conseils, mon aide ou si vous avez des questions, n’hésitez pas à m’écrire ou, si vous voulez, à m’envoyer votre peinture pour avoir mes conseils concernant votre tableau.

Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle. Tutoriel vidéo Partie 1.
Comment peindre des coquelicots à l’aquarelle. Tutoriel vidéo Partie 2

Merci d’avoir lu cet article. Je vous invite à m’écrire dans les commentaires ce que vous en pensez, si cet article était intéressant pour vous, quel sujet voulez-vous que j’aborde dans un de mes prochains articles ou tutoriels vidéo. Quelle technique vous intéresse le plus, aquarelle, peinture à l’huile, peinture acrylique, pastel, détrempe, techniques de dessin ?

A bientôt 🙂

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Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour

Dans cet article nous allons voir comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour. Je vous expliquerai tout le processus du travail pas à pas et à la fin de cet article on regardera le tutoriel vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour” qui vient de ma chaîne Youtube.

On commence comme d’habitude par mettre la première couche de peinture aquarelle. Pour la première couche je choisi souvent le jaune de cadmium moyen qui fait aussi la base pour faire des lavis.

Je mets la peinture librement avec beaucoup d’eau et de suite j’essaie de tracer les vagues et la ligne d’horizon avec des coups de pinceau rapides. Pour cette étude en aquarelle je n’ai pas fait de dessin préparatif, donc je dessine directement avec les couleurs.

Comment peindre la mer en aquarelle. la première couche de peinture

Comment peindre le ciel à l’aquarelle

Pour peindre le ciel je travaille souvent avec le lavis. Je fais un lavis dégradé multicouleur du haut vers le bas. Je commence en haut par les couleurs plus froides et foncées et je vais vers le bas vers les couleurs plus claires et chaudes.

Comment peindre le ciel à l'aquarelle

Pour peindre les nuages je retire les couleurs de l’endroit où je veux placer les nuages. Si la couche de peinture et encore bien mouillée je passe tout simplement avec le pinceau bien égoutté en petit gris. Le pinceau au poil de petit gris absorbe très bien de l’eau, donc il convient très bien pour retirer les couleurs de la surface bien mouillée.

Comment peindre les nuages

Ensuite, pour peindre les nuages en contre-jour je place les ombres presque au centre des nuages. Je rends les nuages assez foncés pour que la lumière sur les nuages paraisse encore plus claire.

Comment peindre les nuages à l'aquarelle

J’essaie de travailler au maximum dans le mouillé. Pour que les couleurs se dondent dans le ciel. Cela m’aide à montrer l’air et l’humidité.

Les nuages en aquarelle

Dans le paysage je commence toujours par peindre le ciel. Quand vous travaillez sur le ciel essayez toujours de faire des mélanges purs pour éviter que la peinture devienne boueuse. Pour obtenir les mélanges purs ne mélangez pas plus que 3 couleurs pour les couleurs transparentes et pas plus que 2 couleurs pour les couleurs opaques. Toutes les informations sur le mélange des couleurs en aquarelle vous pouvez lire dans mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”.

Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour

Par quoi commencer à peindre la mer en aquarelle en contre-jour

Je commence souvent par la ligne d’horizon. Je profite que le ciel est encore mouillé pour que les couleurs se fondent pour rendre la ligne d’horizon assez floue.

Comment tracer les vagues

Pour peindre la mer en aquarelle en contre-jour je dois de suite réserver la place pour les reflets du soleil qui brillent sur la mer. Je trace de suite la direction de vagues. L’écume sur les vagues en contre-jour nous parait foncée.

Il y a une règle : Le noir éclairé est plus clair que le blanc dans l’ombre.

Cela renforce l’effet de brillance de soleil sur la mer. Malgré que l’écume soit “blanche” pour montrer le volume on est obligé de rendre ses ombres assez foncées. Comment rendre des objets volumineux, vous pouvez le lire dans mon article “Comment dessiner en volume”.

Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour

Pour réaliser cette étude aquarelle je me sers de l’aquarelle White Night 36 couleurs en godets. Pour peindre la mer en aquarelle j’ai utilisé les couleurs suiventes:

  • Le jaune de cadmium moyen dans la première couche
  • Le bleu d’outremer
  • La laque de garance
  • le bleu d’indanthène
  • le gris de payne
  • le bleu de cobalt
  • l’ocre d’or (ocre jaune )
  • Violet quincridone (pour le premier plan )

Pour peindre le ciel j’ai utilisé:

  • le bleu d’indanthène
  • le violet quinacridone
  • la laque de garance
  • la bleu de cobalt
  • le gris de payne
  • le jaune de cadmium moyen
peindre la mer en aquarelle. Les contrastes

Maintenant je suis obligée de rendre le ciel plus foncé pour souligner l’effet de brillance du soleil avec les contrastes. Je touche rarement le ciel vers la fin de mon travail, mais ici je suis obligée de le faire car le ciel me parait trop clair par rapport aux reflets du soleil. Rappelez-vous que les couleurs d’aquarelle perdent environ 30 % de leur intensité après le séchage.

Comment peindre la mer en aquarelle et le ciel

Ensuite je reviens vers les vagues.

Comment peindre la mer en aquarelle avec les vagues

J’ai mouillé un peu ma feuille pour pouvoir travailler sur l’écume. Comment peindre les vagues avec l’écume vous pouvez le lire dans mon article “Comment peindre les vagues à l’aquarelle” Dans cet article vous pouvez voir également comment peindre les oiseaux volants.

Pourquoi placer des oiseaux ?

J’ai placé quelques oiseaux dans ma peinture pour souligner l’effet de perspective, de profondeur et de distance. Les régles de la perspective linéare et de la perspective aérienne vous pouvez les trouver dans mes articles: “La perspective” et ” La perspective aèrienne”. Les oiseaux me servent aussi pour centrer la composition de mon tableau et diriger le regarde du spectateur vers la profondeur de mon tableau.

Je trouve que connaitre les régles de la composition est indispencable pour l’artiste peintre. Comment organiser la composition du tableau vous pouvez lire dans mon article “Composition dans la peinture” où j’analyse plusieurs types de compositions sur les exemples des tableaux des grands artistes peintres.

Comment peindre la mer en aquarelle en contre jour

Ensuite je rends la mer de deux côtés des reflets du soleil encore plus foncée pour faire resortir l’effet du soleil en contre jour.

Comment peindre la mer en aquarelle

Pour finaliser mon étude je rends les vagues et les reflets sur le sable au premier plan encore plus contrastés.

Mon tutoriel vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour

Maintenant je vous propose de regarder mon tutoriel vidéo qui vient de ma chaîne Youtube “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour” dans lequel vous pouvez voir tout le processus du travail.

Je vous invite également à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article “Comment peindre la mer en aquarelle en contre-jour”. Est-ce que cet article est intéressant et utile pour vous. Et bien sûr, n’hésitez pas à m’écrire si vous avez des questions ou si vous avez besoin de mon aide dans vos créations artistiques. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt 🙂

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