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Dans cet article on va voir comment dessiner un portrait au pastel sec.

Tout d’abord je vais vous parler des étapes de travail sur un portrait

Et ensuite je vais vous inviter à regarder 2 cours vidéo qui viennent de ma chaîne YouTube

Comment dessiner un portrait au pastel Partie 1 et Comment dessiner un portrait au pastel Partie 2 dans lesques vous pourrez voir tout le processus de travail sur le portrait au pastel.

Commençons par quelques bases du dessin au pastel.

Pour rendre les couleurs de pastel et parfois pour augmenter leur intensité nous utilisons la couleur noire ou d’autres couleurs foncées.

Pour rendre les couleurs plus claires et pâles nous utilisons la couleur blanche ou les autres tentes claires. 

Par exemple si vous voulez rendre la couleur bleue plus foncée, il vous faut tout d’abord de travailler avec une couleur très foncée comme le noir, le brun très foncé (Sépia, Marc brun foncé), Gris de Payne etc… et pardessus mettre de la couleur bleue. Comme cela vous allez obtenir une couleur bleue plus foncée.

Faites attention, si vous mettez dans la première couche la couleur noire, cette couleur va rendre la couleur bleue plus foncée, mais elle ne va pas changer la couleur de bleue, alors que si vous mettez par exemple de la couleur bleue pardessus de la couleur brune, cela changera la couleur bleue qui certainement deviendra un peu plus chaude et moins vive.

Et pour rendre la couleur plus claire nous pouvons travailler pardessus avec de la couleur blanche ou avec d’autres tentes claires. Bien sûr lorsque vous superposez des couleurs elles vont se mélanger un peu et comme cela vous allez obtenir les nuances des couleurs.

Donc maintenant parlons des étapes du travail sur un portrait au pastel.

Comment dessiner un portrait au pastel sec

On commence par la composition, on place notre portrait sur une feuille de papier en prenant en considération le nombre d’or. Dans le portrait classique la tête se trouve dans la partie haute de la feuille et devant le visage on laisse plus de place que derrière la tête.

On commence à dessiner le portrait au pastel toujours selon notre impression car notre première impression est souvent juste et ensuite on vérifie notre impression, on mesure les proportions, on construit le visage selon les lignes auxiliaires.

Comment mesurer les proportions vous pouvez le lire dans mon article ” Comment dessiner correctement” et comment construire le portrait selon les lignes auxiliaires  je vous invite à lire dans mon article ” Comment dessiner un visage “.

A l’étape suivante quand la construction est déjà faite on commence à mettre des couleurs sur notre portrait. Faites attention, il n’y rien de mal à faire des hachures auxiliaires quand vous construisez le visage.

Le fait de dessiner de suite avec des hachures nous aide à voir la forme de suite en volume ce qui facilite une construction juste du portrait. Donc quand je commence à mettre des couleurs je peux facilement effacer les hachures axillaires en les couvrant pardessus avec une couche supérieure.

Je commence à dessiner le portrait au pastel par la tente générale et les couleurs assez foncées pour ensuite aller progressivement vers les couleurs plus claires. C’est le même principe que pour la peinture à l’huile, on commence par les ombres pour aller vers la lumière.

Et faites attention, pour dessiner le portrait au pastel correctement il faut toujours commencer par les grandes masses, les grands formats pour aller vers plus petits. En fait cette règle est valable pour n’importe quel sujet.

Donc après avoir dessiné les grandes formes on passe sur les formes plus petites et on commence à ajuster les formes des parties du visage.

Quand vous commencez à dessiner un portrait au pastel essayez de voir le plus possible toute la surface de votre tableau. Ne vous concentrez pas sur un seul détail pour le finir et passer sur un autre détail, dessinez tous les détails ensembles, le visage en entier. Essayez de travailler progressivement sur toute la surface du visage.

Et à l’étape finale on travaille en précision sur les parties du visage et sur les reflets.

Je vous rappelle que bien que la peau ait une couleur ocre- rose, ce n’est pas uniquement avec ces couleurs qu’on doit travailler pour arriver à transmettre la tente de la peau. On doit y rajouter les couleurs violettes, bleues, ocres, jaunes, rouges, parfois vertes, cela dépend des objets qui se trouvent autour de notre modèle et qui jettent leurs reflets colorés sur le visage.

Si vous dessinez un visage uniquement avec de la couleur d’ocre, il va paraitre artificiel, et pas vivant. Et bien sûr il faut se rappeler cette fameuse règle de la température des couleurs. Si la lumière (la partie éclairée) est chaude, l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide.

Maintenant je vous invite à regarder deux cours vidéo qui viennent de ma chaîne YouTube ou vous pouvez découvrir tout le processus de travail sur le portrait au pastel étape par étape.    

  Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider.

A bientôt ! 🙂

Dans cet article nous allons voir comment dessiner un paysage au pastel sec dans la style impressionniste.

Tout d’abord nous allons jeter un coup d’œil sur le matériel, ensuite je vous parlerai de la technique de pastel et de la technique impressionniste et à la fin de cet article je vous inviterai à regarder un cours vidéo qui vient de ma chaîne YouTube.

Dans cette vidéo de démonstration “Paysage au pastel sec dans le style impressionniste” vous verrez le processus de réalisation du dessin au pastel dans la technique impressionniste de A à Z et ce pas à pas avec toutes les explications, les conseils et les commentaires.

En fait j’ai fait cette vidéo pour un des cours de ma formation « Devenez artiste que vous rêvez d’être », mais finalement j’ai décidé de mettre cette vidéo sur mon site et de la rendre accessible à tous les lecteurs de mon blog.

Pour ceux qui suivent déjà ma formation – vous aurez cette vidéo de démonstration directement dans le cours 51 de la formation pour que vous puissiez la télécharger, elle sera publiée au-dessus de la vidéo du cours 51 « Comment dessiner les montagnes » comme complément de la vidéo 1 du cours. Et bien sûr cette démonstration est accessible à tout le monde sur ma chaîne YouTube.

Mais avant que vous alliez regarder la vidéo “Paysage au pastel sec dans la style impressionniste” je vous conseille de lire cet article car ici je donne quelques informations supplémentaires.

Le matériel pour dessiner le paysage au pastel sec

Comme support j’utilise du papier pastel noir grain fin. J’utilise souvent les papiers ou les cartons avec des couleurs foncées ou contrastées par rapport aux couleurs de mon tableau. Je trouve que le fait de travailler sur un support foncé fait ressortir la texture du pastel et ses couleurs vives.

Pour dessiner j’utilise un pastel sec demi-tendre Rembrandt, Jaxell, Podolsk et dur Drawent.

Maintenant  je voudrais vous donner quelques conseils pour réussir votre paysage au pastel sec.

Toutes d’abord je voudrais vous parler de la technique impressionniste. L’impressionnisme ce n’est pas uniquement un courant artistique c’est une façon de voir et de transmettre l’état de la nature.

L’impressionnisme transmets l’état de la nature « Ici et maintenant », transmet l’instant, le rayon de soleil, le mouvement de l’eau etc. Donc quand on réalise un paysage au pastel sec dans le style impressionniste on doit transmettre nos sensations, notre spectateur doit sentir la fraicheur du matin, la lumière chaude du soleil, le vent, on doit transmettre l’air et parfois même les odeurs à travers notre tableau.

Quand on travaille dans le style impressionniste on évite les lignes droites, les contours, on travaille beaucoup avec les couleurs, avec la température des couleurs et avec les couleurs opposées. 

Parlons maintenant des couleurs.

Dans ce tableau il y a beaucoup de couleurs vertes. La couleur verte est l’une des plus compliquée dans la peinture. Quand on travaille sur un paysage on suit une règle : « Ne pas peindre le vert avec la couleur verte ». Cela parait bizarre, n’est-ce pas ? donc comment cela s’explique…

En fait quand on parle de la couleur verte dans la nature on ne parle pas du pigment (vert viride, vert émeraude, dioxyde de chrome, vert de cobalt etc.), on parle des nuances riches des couleurs qu’on voit devant nous. Ce sont des nuances de bleu, de jaune, de rouge, de violet, d’ocre etc., qui ensemble font les nuances riches de la couleur verte.

Donc quand vous travaillez sur la verdure, n’utilisez pas la couleur verte que vous trouvez dans les pigments, cherchez toujours les nuances.

Cherchez toujours la différence entre les couleurs vertes sur votre tableau. Comparez les couleurs des parties éclairées des arbres ou des herbes. Demandez-vous quelle couleur vous voyez dans ces parties à par la couleur verte, peut-être la couleur jaune ou ocre ou rouge ou orange. Et dans les ombres…. Est-ce que les ombres sont vraiment bleues ? Ils peuvent être violettes, bleues, rouges froides.

Dans l’ombre on verra toujours les couleurs opposées à celles de la lumière, de la partie éclairée. Et n’oubliez pas une des règles principales de la peinture : « Si la lumière est chaude, l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide ». C’est la règle de la température des couleurs. Toutes les peintures impressionnistes sont basées sur cette règle. Pour les autres couleurs c’est la même chose. Il faut toujours chercher les nuances des couleurs et comparer les couleurs.

Les bleus avec les bleus, les jaunes avec les jaunes, les rouges avec les rouges et les verts avec les verts. Mais faites attention pour garder les parties éclairées et les parties ombragées des objets unifiées, pour ne pas les rendre fractionnées, en ragoutant les couleurs ne changez pas leurs valeurs. Cela veut dire que par exemple dans la partie éclairée d’un arbre on peut ragouter les nuances de jaune, d’ocre, du rouge, mais si l’on regarde cet arbre en plissant nos yeux on verra la différence des valeurs de gris de ces couleurs. La surface éclairée va nous paraitre unie et de même valeur.

Exercice.

Si vous avez du mal à réaliser cela je vous propose un exercice. Prenez la couleur rouge, bleue, jaune et blanche (si vous faite cet exercice au pastel, à l’huile ou à l’acrylique et vous pouvez vous passer du blanc si vous faites cette exercice à l’aquarelle), mettez-les à côté sur une feuille de papier ou sur un carton et essayez en diluant les couleurs ou en y ragoutant du blanc de les rendre pareille au niveau des valeurs de gris. Si vous regardez ces couleurs en plissant les yeux elles doivent vous paraitre pareilles au niveau des valeurs de gris.

Et ce que vous pouvez faire encore pour vérifier si vous êtes arrivés à les rendre de même valeur de gris, vous pouvez tout simplement les prendre en photo avec votre portable en mode de noir et blanc. Comme cela vous verrez facilement s’il y a la différence entre ces couleurs au niveau des valeurs ou non.

Maintenant je vous invite à regarder le cours vidéo “Paysage au pastel sec dans le style impressionniste” qui vient de ma chaîne YouTube, pour ce qui suivent ma formation, ce cours sera téléchargeable (exceptionnellement je mets ce cours en troisième vidéo dans le cours car je trouve qu’il sera utile même pour les membres de la formation).

Je vous invite également à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de ce cours, si l’exercice que je vous ai donné est utile pour vous, quels problèmes vous rencontrez lors de la réalisation d’un paysage. Et n’hésitez pas me poser des questions, je ferais de tous mon mieux pour vous répondre rapidement et vous aider dans vos réalisations artistiques. 

Merci d’avoir lu cet article ! A bientôt !:)

Dans cet article nous allons parler de comment dessiner un paysage au pastel sec. Tout d’abord nous allons parler du matériel nécessaire pour dessiner un paysage au pastel, ensuite je vous donnerai quelques informations techniques supplémentaires et à la fin de cet article nous allons regarder un cours vidéo qui vient de ma chaîne YouTube. Dans cette vidéo vous pourrez voir tout le processus de travail sur un paysage de A à Z.

Dans cette vidéo je vous donne beaucoup de conseils et d’explication pour dessiner un paysage au pastel, mais je vous invite à quand même lire cet article avant de passer à la vidéo comme ça vous aurez l’information la plus complète pour réussir votre paysage.

Matériel pour dessiner un paysage au pastel :

Ce paysage je l’ai réalisé au pastel sec, mais il excite encore un autre type de pastel – le pastel gras.

Quelle est la différence entre ces deux types de pastel ? Le pastel gras (à la base de l’huile ou de cire) et pastel sec.

Le pastel gras à la base de l’huile est fabriqué par pressage à partir de pigments mélangés avec de l’huile de lin. Le pastel sec est fabriqué de la même manière, à l’exception du fait que l’huile n’est pas utilisée. Les pastels à la cire sont à base de cire de la plus haute qualité et de pigments.

Ce type de pastel s’utilise pour les tableaux décoratifs, pour réaliser des tableaux avec beaucoup de texture et de couleurs vives. Ce pastel permet de ne pas utiliser de fixatif pour protéger la surface du tableau. Mais l’inconvénient c’est que ce pastel ne permet pas de travailler dans les nuances, la richesse des couleurs est plus limitée que dans le pastel sec.       

Le pastel sec se compose d’un pigment pur mélangé à un liant, qui peut être du sucre, de l’argile, de la gomme adragante, de la gomme arabique ou une autre colle à base d’eau. De différents pigments blancs sont ajoutés aux autres couleurs pures pour donner différentes nuances aux couleurs de pastel sec.

Si de la craie, du talc, du gypse sont mélangés à la poudre colorante pour la rendre plus pale le liant à la base de colle ne s’utilise pas. La dureté du pastel dépend du volume du liant – plus il est important, plus les pastels sont durs. En raison de la craie dans la composition, l’image prend une texture veloutée mate.

Il existe les pastels tendre (Sennelier – pastel à écu par exemple), les pastels demi-tendre (Rembrandt par exemple), pastels durs ( Derwent ).

Les pastels durs s’utilisent souvent pour faire le dessin préparatoire et parfois pour dessiner les petits détails à la Phase finale de réalisation du tableau.

Pastel demi-tendre c’est le type de pastel le plus utilisé par les artistes, il convient pour toutes les étapes de travail sur un tableau.

Le pastel tendre s’utilise principalement pour dessiner des grandes formes, dans la première couche de dessin au pastel, car il est très facile à estomper et dans les couches supérieures pour montrer la texture du pastel.

Avec le pastel vous pouvez travailler sur beaucoup de types de supports – carton, bois, toile, papier.

Pastel sec a besoin d’être fixé par le vernis en spray à la fin de la réalisation de votre tableau.

Aujourd’hui j’ai choisi un support classique pour dessiner un paysage au pastel – papier gris pour pastel avec une texture assez fine.

Je réalise ce paysage avec le pastel sec demi-tendre Rembrandt, Podolsk et le pastel dur Drawent.

Maintenant parlons un peu des étapes de travail pour dessiner un paysage au pastel.

La première étape c’est la composition et le dessin préparatoire.

Pour un tableau au pastel on fait un dessin préparatoire très général, on ne dessine que des grandes masses, grandes, formes, la composition générale, car ensuite on va directement passer au dessin en couleurs.

La deuxième étape c’est une ébauche, une sou couche colorée qui permet d’avoir la base pour les couleurs.

A cette étape on ne dessine pas de détails, on travaille uniquement avec les grandes formes. Faites attention, quand on travaille au pastel on commence très souvent par les couleurs sombres, pour travailler pardessus avec les couleurs plus claires.

Quand on travaille au pastel on mélange nos couleurs directement sur notre feuille. Pour obtenir telle ou telle nuance de couleur de pastel, hachurez la surface de votre feuille avec votre bâtonnet de pastel et ensuite rajoutez pardessus la couleur que vous voulez mélanger avec votre première couleur.

Les couleurs vont se mélanger sur votre papier, ensuite vous pouvez les estomper avec vos doigts ou garder la texture des hachures, cela dépend de votre technique choisie.

Pour rendre les couleurs plus sombres mélangez-les avec les couleurs noires ou grises foncées. Il vaut mieux mettre tout d’abord la couleur noire sur votre papier et ensuite mettre pardessus une autre couleur ou plusieurs couleurs que vous voulez rendre plus foncées. Mais vous pouvez également passer avec la couleur noire pardessus la couleur que vous voulez rendre plus foncée et ensuite encore retravailler pardessus avec la même couleur ou avec les nuances de couleurs que vous voulez rajouter.

C’est tout à fait pareil pour les couleurs claires. Pour éclaircir les couleurs s’utilise la même méthode que pour les couleurs foncées, mais déjà avec la couleur blanche ou avec les nuances de blanc.

A la troisième étape on commence à travailler sur les détails. Mais même quand vous travaillez sur les détails je vous conseille d’aller toujours des grandes formes vers les plus petites. Et faites très attention à ne pas rajouter trop de détails. Lors de votre travail vous devez toujours faire le tri. Rendre les détails et les formes importantes pour votre sujet plus visibles, plus détaillés et parfois vous débarrasser complètement des détails qui détournent l’attention de votre spectateur sur l’essentiel.

Quatrième étape c’est l’étape la plus difficile. C’est à cette étape qu’on doit unifier, généraliser notre tableau. Se débarrasser des détails en trop, intégrer tous les éléments de notre dessin, les réunir.

Pour faire cela je vous propose de regarder souvent votre tableau une distance d’au moins 3 mètres pour voir votre tableau en entier.

Je vous conseille de vous poser tout le temps des questions lors de votre travail, par exemple : « Quelle est la taille de cet objet ou cette partie par rapport aux autres parties ? Quelle est l’intensité et les valeurs des ombres du premier plan par rapport aux ombres du deuxième plan » etc.

On perçoit ce monde, tout ce qui nous entoure en comparaison. On voit que l’objet est grand car on le compare avec un autre objet ou avec nous, sinon comment on peut comprendre que cet objet est grand ? Donc pour dessiner un paysage au pastel, comme d’ailleurs pour n’importe quelle peinture ou dessin on doit utiliser cette méthode de comparaison.

Comparez les couleurs bleues avec les couleurs bleues pour trouver les nuances et la différence entre les couleurs bleues, les couleurs rouges avec les couleurs rouges, les couleurs jaunes avec les couleurs jaunes. Les valeurs des ombres avec les ombres et les parties éclairées, la lumière avec la lumière.

Et bien sûr n’oubliez pas une des règles principales de la peinture – la température des couleurs.

Si la lumière est chaude, l’ombre est froide et si la lumière est froide l’ombre est chaude.

Pour dessiner un paysage au pastel il faut connaitre les règles de la perspective atmosphérique et de la perspective linaire.

Plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon plus il devient petit, il perd ses contrastes, les ombres deviennent plus claires, la couleur générale de l’objet devient plus bleue, on voit cet objet flou, sans détail. Pour réussir la perspective atmosphérique comparer les valeurs des objets au premier plan avec les valeurs des objets au deuxième plan, les couleurs des objets au premier plan avec les couleurs des objets au deuxième plan.

Maintenant je vous propose de regarder la vidéo “Comment dessiner un paysage au pastel” qui vient de ma chaîne YouTube où vous verrez tout le processus de travail, la finesse de la technique en pastel en détail accompagnés par mes explications, mes commentaires, mes conseils.

Également je vous invite à m’écrire dans les commentaires de cet article ou de la vidéo sur YouTube quelles difficultés vous rencontrez quand vous travaillez au pastel et quelles solutions trouvez-vous pour dépasser ces difficultés. Et bien sûr si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me poser des questions ou me contacter par mail je suis toujours heureuse de vous aider.

Merci d’avoir lu cet article !

A bientôt ! 🙂               

Dans cet article nous allons voir comment dessiner un croquis au crayon de paysage d’après nature, gérer le clair-obscur et les contrastes dans le croquis au crayon et à la fin de cet article nous allons regarder une vidéo de démonstration qui vient de ma chaîne YouTube dans laquelle nous verrons tout le processus de travail sur un croquis au crayon d’après nature en plein air. Malgré que ce soit une démonstration très détaillée, je vous conseille de lire cet article avant car ici je donne des informations supplémentaires et ensuite de passer à la vidéo.

Pour dessiner un croquis au crayon d’après nature en plein air nous avons besoin :

1.Des crayons graphites H ou HB, B2, B3, éventuellement B4 et B5.

La dureté de crayon dépend de l’étape du dessin et du papier. Si vous dessinez sur une feuille de papier assez lisse (type bristol) vous pouvez prendre des crayons plus tendres.

Si vous dessiner sur une feuille de papier aquarelle vous pouvez utiliser des crayons plus durs car la texture de papier aquarelle rend les traces de crayon plus tendre. Si vous êtes sûr de vous et arrivez bien gérer la pression sur votre crayon quand vous êtes en train de dessiner vous pouvez réaliser le croquis en entier avec le même crayon par exemple avec un crayon B2, mais ça marche plutôt pour les croquis très rapides destinés juste à capter le mouvement.

Si vous voulez faire un croquis plus détaillé, travaillez plus sur les valeurs et l’atmosphère, je vous conseille d’utiliser un crayon H ou HB pour commencer votre croquis et passer ensuite aux crayons B2, B3 ou B4 pour travailler sur les valeurs de gris.            

Aujourd’hui on parle des croquis au crayon graphite, mais pratiquement les mêmes conseils vont pour tous les autres techniques de croquis.

Dans mes prochains articles nous allons voir comment dessiner des croquis à la sanguine, au stylo et à l’encre de chine, pour ces types de croquis on va utiliser des feuilles de papier différentes, pour la sanguine ou la sépia on peut utiliser les feuilles de papier pour le pastel ou des papiers type bristol comme pour les croquis en crayon et pour les croquis au stylos et à l’encre de chine on va utiliser du papier très lisse.

2.Une gomme. J’utilise une gomme koh-i-noor (avec un éléphant) car il ne tache pas la surface du papier.

3.Une feuille de papier collée sur un support ou carnet de croquis. Pour réaliser ce croquis j’ai utilisé un carnet de papier aquarelle grain fin, mais bien sûr pour réaliser les croquis vous avez un grand choix de papier.

Papier pour les croquis. Souvent ce type de papier se vend dans des carnets de croquis, mais parfois vous pouvez trouver ce papier par feuille ou dans en rouleau pour les croquis de grand format. D’habitude ce papier est assez fin (80gr – 120gr), ce type de papier ne supporte pas très bien le gommage donc il ne convient pas pour le dessin de long terme. Ce papier existe en blanc ou en couleur. Sur ce papier vous pouvez faire des croquis au crayon, au fusain, à la sanguine ou sépia (le matériel est pareil en utilisation, juste c’est la couleur qui change), au pastel.  

Papier bristol. Ce type de papier existe en rouleaux, par feuilles et en carnet de dessin de différents formats. Ce papier supporte bien le gommage et convient tout autant pour le dessin que pour les croquis rapides. Si vous faites des croquis de voyage je vous conseille de privilégier ce type de papier car sur ce papier vous pouvez choisir librement votre technique (stylos, fusain, crayon, sanguine, pastel, aquarelle, gouache, technique mixte).

Papier aquarelle. Existe en rouleaux, par feuilles et en carnets et en blocs. Ce type de papier peut être utiliser pour faire des croquis au crayon, à l’aquarelle, à la gouache, au pastel, à la sanguine, au fusain.

Si vous travaillez avec un carnet de croquis vous n’avez pas besoin de support, si ce sont le feuilles de papier je vous conseille de les fixer sur un support ( contre-plaqué par exemple).

Voilà, c’est tout ce que vous avez besoin pour faire des croquis, n’oubliez pas juste un cutteur et une chaise pliante si vous allez dessiner dans un endroit où il est difficile de trouver une place pour vous assoir.

Maintenant parlons des étapes de travail sur un croquis au crayon.

Dans ce cours on parle des croquis pour faire des dessins rapides destinés à capter l’atmosphère, le clair-obscur, l’état de la nature dans le moment précis. Donc ce type de croquis on commence toujours par un dessin léger pour déterminer la composition de notre feuille. Cette étape est très importante. Pour faire des croquis une bonne composition fait 90% du succès.

On commence à dessiner toujours par les grandes formes, par la composition générale, pour après passez ver les formes plus petites. A cette étape on travaille avec un crayon H ou HB. Faites attention, ne commencez jamais à dessiner par un détail ou détailler trop tôt votre dessin.

Ensuite on passe à l’étape suivante, ici on peut gommer légèrement notre dessin s’il nous parait trop foncé et commencer déjà à préciser les formes. Et de suite on peut commencer à travailler avec les valeurs en hachurant la surface de notre feuille.

Je vous conseille de commencer à travailler sur les valeurs le plus vite possible. C’est beaucoup plus facile que de travailler uniquement avec les contours. Notre cerveau perçoit et analyse les objets en volume, on voit la nature en volume, donc quand on dessine, notre vision est beaucoup plus juste quand on met de suite des hachures auxiliaires pour esquisser le volume.

Et pour finaliser notre croquis au crayon on va généraliser et unifier les formes, se débarrasser des détails qui nous empêchent d’avoir une vision globale de notre dessin, qui détournent notre attention des choses principales de notre dessin.

En fait ces étapes sont valables pour n’importe quel dessin et pour la peinture. Vous verrez toutes ces étapes détaillées dans la vidéo de démonstration.

Et encore une chose importante que je voudrais vous dire avant que vous passiez à la vidéo de démonstration. Faites toujours très attention aux contrastes dans votre dessin. Il n’y a pas de lumière sans ombre. Si vous voulez montrer par exemple les reflets du soleil qui brillent sur la surface d’eau, vous serez obligés de rendre la surface de la mer assez foncée.

Si vous n’avez pas de cet effet des reflets brillants, cela veut dire que la mer et également le ciel ne sont pas assez foncés.

Ici je vous ai parlé des contrastes des valeurs, mais il ne faut pas oublier que dans chaque dessin on doit avoir des contrastes qui rendent notre dessin intéressant à regarder – le contrastes des tailles, des formes, des lignes. Ce sont des contrastes utilisés pour rendre la composition de votre dessin ou de votre peinture intéressantes. Et bien sûr si vous travaillez en couleurs vous devez faire attention au contrastes des couleurs et surtout à la température des couleurs.

Maintenant je vous invite à regarder la vidéo ” Comment dessiner des croquis au crayon” qui vient de ma chaîne YouTube et dire dans les commentaires des vidéos sur YouTube ou ici sur ce site quelles difficultés vous rencontrez quand vous dessinez des croquis au crayon ou en autre matériel, qu’est-ce qui vous bloque pour avancer, quel type de dessin ou de peinture préférez- vous ? Votre retour est important pour moi pour que je puisse vous aider d’avantage.

Et bien sûr vous pouvez me posez toutes vos questions dans les commentaires et si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me contacter. Je serai toujours ravie de vous aider.

Merci d’avoir lu cet article ! A bientôt ! 🙂