Les proportions du corps humain

Dans cet article je vais vous parler des proportions du corps humain et du visage.

La doctrine qui parle des proportions du corps humain fait un chapitre spécial dans l’anatomie plastique ou l’anatomie artistique. Depuis des siècles les artistes cherchaient des proportions idéales du corps humain. Pendant ces recherches les artistes ont développé beaucoup de canons, des règles de construction du corps humain. Il existe environs 100 canons de proportions du corps humain. Mais même cette grande quantité de canons nous dit que s’il existe autant de canons ils ne peuvent avoir qu’une valeur indicative pour l’artiste.

Réellement on peut observer beaucoup de déviations des canons classiques. A la base de chaque canon est le module, c’est-à-dire une unité de mesure pour qui on prend une partie du corps humain.

Les modules pour mesurer les proportions du corps humain

En tant que module il était utilisé les parties du corps humain suivantes : La taille de la tête, la taille de la partie crânienne de la tête, la taille du doigt majeur ( médius ), le taille de la main, la longueur de la colonne vertébrale etc. Tous les canons sont le résultat des recherches des proportions du corps humain qui correspondent le plus au consente esthétique du corps humain harmonieusement développée. Cependant ses notions sont assez conditionnelles et variables.

Donc dans l’art classique le canon des proportions du corps humain ne peut servir que pour l’orientation approximative et en tant que les données moyennes qui doivent être ajustées au cas par cas.

Dans l’antiquité si les artistes voulaient transmettre la grâce, ils rendaient le cou et les membres plus longs et fins et au contraire s’ils voulaient montrer la force brute ils rendaient les membres, le cou, les épaules, la tête, plus larges et massifs. Ainsi donc les proportions des sculptures antiques ne reproduisent pas les vraies proportions du corps humain. Observez ces sculptures.

Dans ces sculptures on voit une idéalisation et une typification des formes réelles du corps humain. Ce n’est pas pour rien que l’on considère ces sculptures comme une synthèse des observations du corps humain.

Les proportions du corps humain dépendent de nombreux facteurs . Au premier lieu, l’âge et le sexe. Il est d’usage de distinguer trois formes basiques de la constitution ( morphologie ) humaine : Le corps long et étroit, large et court et le type entre deux premiers. Ces trois types de morphologies portent les noms : Dolichomorphe, Brahimorphe et Mésomorphe.

Les trois types de constitutions du corps humain

La constitution Dolichomorphe se caractérise par des épaules et un  bassin assez étroits, et des membres longes.

La constitution Brahimorphe se distingue par le corps assez large et long et les membres courts.

Et enfin la constitution Mésomorphe est intermédiaire entre deux constitutions précédentes.

Dans cette liste on peut voir la longueur moyenne des membres d’un homme par rapport à la longueur totale du corps en pourcentage.

Les proportions des constitutions différentes du corps humain Longueur du torse Largeur des épaules Largeur du bassin Longueur de la jambe Longueur du bras
Dolichomorphe 29,5 21,5 16,0 55,0 46,5
Brahimorphe 31,0 23,0 16,5 53,0 44,5
Mésomorphe 33,5 24,5 17,5 51,0 42,5

Les proportions du corps féminin sont différentes par rapport aux proportions masculines. La différence principale est que le bassin féminin est plus large proportionnellement que celui d’un homme et les épaules sont plus étroites proportionnellement que les épaules d’un homme.

Dans l’anatomie plastique il est d’usage de prendre comme la taille d’un homme 168 – 180 cm. Pour une femme 12 cm moins.

Maintenant passons aux proportions du corps humain…

La tête fait 1/7- 1/8 de la taille totale du corps humain.

La longueur de la main fait 1/10 de la taille totale du corps humain.

La taille de la partie crânienne de la tête fait aussi 1/10 de la taille totale du corps humain.

Dans l’anatomie plastique le corps humain se sépare en deux parties, la partie haute et la partie basse, le centre du corps se trouve au niveau du pubis.

Les proportions du corps humain. De face.

Proportions du corps humain. De face.
Dans ce dessin la partie crânienne de la tête était prise pour module

De face la partie haute se sépare en cinq parties.

1. Du point le plus haut de la tête ( suture sagittale ) jusqu’à la base du nez.

2. De la base du nez jusqu’au bord supérieur du sternum.

3. Du bord supérieur du sternum jusqu’au bord inferieur du sternum.

4. Du bord inferieur du sternum jusqu’au nombril.

5. Du nombril jusqu’au pubis.

Chacun de ces segments fait 1/4 environ de la colonne vertébrale. La taille de chaque segment est égale approximativement aussi à la taille du visage, la taille de la partie crânienne de la tête et la taille de la main.

La partie basse du corps humain peut être séparée en deux parties. La ligne centrale entre deux parties passe au niveau de l’articulation du genou. La partie supérieure de la partie basse du corps est égale à la longueur de la hanche et aussi fait 1/4 de la taille totale du corps humain

Le quart inferieur du corps est égal à la taille du tibia avec la hauteur de pied. La hauteur du pied est égale approximativement à la taille du nez et la largueur du pied est égale à la taille de l’avant-bras. La taille du pied entre la cheville et le grand orteil est égale à la longueur de la main. La longueur de la main est égale à la taille du visage et 1/4 de la taille de la colonne vertébrale.  

Les proportions du corps humain. Le dos.   

Proportions du corps humain. Le dos.
Dans ce dessin comme dans le dessin précédent la partie crânienne de la tête était prise pour module. Vous pouvez prendre également comme module la tête en entier comme dans l’explication suivant….

Du côté du dos la partie haute (supérieure) du corps humain est plus longue que celle du côté poitrine. On peut partager cette partie en quatre segments, mais cette fois-ci on prend comme module la taille de la tête en entier, alors que pour la partie haute du côté de la poitrine on prend comme module la taille de la partie crânienne de la tête. Donc les parties :

1. La première partie la taille de la tête même où, comme de côté du dos on ne voit pas de visage et notamment le menton pour déterminer exactement où le point inferieur de la tête se trouve on peut dire que la première partie se termine au milieu du bord supérieur du muscle trapèze.

2. La deuxième partie commence au début au bord supérieure du muscle trapèze et se termine au niveau de l’angle inferieur de l’omoplate qui à son tour se trouve au niveau du processus épineux de la septième vertèbre thoracique.

3. La troisième partie commence au niveau de l’angle inferieur de l’omoplate et se termine au bord supérieur du fessier.

4. La quatrième partie commence au bord supérieur du fessier et se termine au bord inferieur du fessier.

Si la partie haute du corps humain (si l’on regarde de côté du dos) est égale de la taille de quatre têtes, la partie basse est plus petite. Elle est égale à 3 ¼ – 3 ¾ de la taille de la tête. Donc la taille du corps humain fait un peu moins que 8 tailles de la tête.

La hauteur totale du corps humain est égale approximativement à la largeur des bras tendus.

Les proportions du corps humain. L’homme de Vitruve.

Le soi-disant « Carré des Anciens » se représente l’image d’un homme avec les bras tendus inséré dans un carré.

Proportions du corps humain. Carré des Anciens

Le corps humain avec les bras soulevés et tendus et les jambes écartées peut être inséré dans le cercle. Dans le centre de ce cercle se trouve le nombril. La distance entre le nombril et les doigts des mains et des orteils fait le radius du cercle. 

Les proportions du corps humain. Cercle.

Ce qui représente le fameux dessin de Léonard de Vinci « L’Homme de Vitruve » .  

Les proportions du corps humain. l'homme de vitruve.

Les proportions transversales du corps humain.

En ce qui consterne des dimensions transversales du corps humain, dans l’anatomie plastique on trouve les données suivantes :

La taille de ta tête ( hauteur ) s’empile deux fois dans la largeur des épaule d’un homme. La distance entre les tétons est égale approximativement à la hauteur de la tête. La distance entre les grands trochanters fait un et demi de la taille verticale de la tête. La même distance dans le corps d’une femme est égale à 1et1/3 de la taille verticale de la tête.

Dans le corps d’un homme de la constitution Mésomorphe la largeur des épaules fait 23% par rapport à la taille verticale totale du corps. La largeur du bassin fait 16,5% par rapport à la taille verticale totale du corps. Pour les femmes de même constitution la largeur des épaules fait 21,8% et la largeur du bassin 17,8% de la taille totale du corps. La largeur totale de la cage thoracique est égale approximativement à un et demi de la taille verticale de la tête.

Les proportions des membres.

Quand le bras est baissé, le doigt majeur de la main va jusqu’au milieu de la hanche ou un peu plus bas. Si le bras est levé, le coude se trouve au niveau du point supérieur de la tête. La taille du bras, si on compte à partir de l’aisselle jusqu’au doigt majeur de la main, fait la taille verticale de trois têtes ou la taille de la colonne vertébrale. La taille de la main fait environ ¼ de la taille totale du bras si on compte à partir du processus coracoïde de l’omoplate.

Le bras est plus long que l’avant-bras. La longueur de l’avant-bras est égale à la longueur du pied. La largeur de la main est égale approximativement à la taille du doigt majeur de la main. La taille du doigt majeur fait environ la moitié de la taille de la main.

La taille de l’avant-bras est égale à la distance entre le téton et le nombril. La taille de la main est égale à la distance entre le nombril et le milieu du ligament inguinal. La longueur du tibia aussi fait la distance entre le téton et le milieu du ligament inguinal. Alors que la taille de la hanche fait la distance entre le téton et le milieu du ligament inguinal opposé.

La taille de la hanche fait ¼ de la taille totale du corps humain et est égale à la taille du tibia avec la hauteur de pied.

La longueur de la clavicule est égale à la hauteur de l’omoplate et en même temps égale à la distance entre les deux omoplates.

Si l’on prend la circonférence du poignet et qu’on la multiplie par deux, on obtient la circonférence approximative du cou. La circonférence du poing est égale à la longueur du pied.

Les proportions du visage

Approximativement on peut partager le visage en trois parties : le front, le nez et les lèvres avec le menton.

La partie de la tête visible de face qui se trouve sous les cheveux peut être assez différente, mais si on considère cette partie égale à la taille du front ou la taille du nez, alors les pupilles des yeux vont partager le visage en deux parties égales : la partie supérieure et la partie inférieure du visage. La partie basse du visage peut être séparée à son tour en deux parties. Pour la frontière entre ces parties on peut prendre la bouche.

La ligne verticale auxiliaire sépare le visage en deux parties aussi. On peut voir qu’il n’y a pas de symétrie entre ces deux parties. On peut toujours voir la petite différence de la position des ailes du nez, des sourcils, et des coins de la bouche.

Approximativement on peut considérer la largeur du nez au niveau de ses ailes égale à la distance entre les coins intérieurs des yeux et la largeur de l’œil.

Pour completer et approfondir ces informations je vous invite à lire mon article ” Les os du crâne”.

Et aussi mes articles “Comment dessiner un visage” et “Comment dessiner des yeux “ qui vous aiderons à mettre en pratique les connaissances que vous avez acquises.

Effectivement toutes ces données ne sont pas ni absolues, ni 100% exactes. Ce n’est qu’un schéma approximatif. En réalité on voit toujours les variances. Quand vous dessinez vous pouvez vous appuyez sur ces proportions, mais pour capter le caractère, la ressemblance, la personnalité de votre modèle il faut toujours mesurer les proportions réelles, typiques pour votre modèle. Pour cela je vous conseille d’utiliser la méthode de comparaison qui est décrite dans mon article « Comment dessiner correctement ».

Les proportions du corps humain dépendent beaucoup de l’âge. Par exemple la tête d’un bébé fait ¼ de son corps. La tête d’un enfant de cinq ans fait 1/6 de son corps. La tête d’un enfant de 15 ans – 1/7 de son corps. La tête d’un adulte – 1/7 – 1/8 de son corps.  

A la fin de cet article je veux vous rappeler que toutes ces proportions « idéales » ne portent que sur une information indicative. Bien sûr que l’artiste doit connaitre ces canons de proportions. Les connaitre pour en dessinant capter mieux la différence que l’on voit dans la nature des proportions « idéales ». C’est cela qui fait la ressemblance.  La meilleure chose que je peux vous conseiller en tant qu’exercice, c’est de dessiner d’après nature (faute de nature, d’après une photo, mais il est toujours préférable de travailler d’après nature. La nature est le meilleur des professeurs ! )  et d’analyser ce qui est différent dans votre modèle des proportions idéales. Comme cela vous apprendrez vite à capter la ressemblance et le caractère de votre modèle.    

Merci d’avoir lu cet article ! Je serai très contente si vous me laissez un commentaire. Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser !

Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Comment peindre la mer en aquarelle

Dans cet article nous allons voir comment peindre la mer en aquarelle.

D’habitude je commence mes articles par la théorie mais aujourd’hui nous passerons directement à la pratique. Je vais peindre la mer devant vous d’après nature en plein-air.

Je vais vous montrer partie par partie comment peindre la mer en aquarelle et après cela vous pourrez regarder une vidéo qui vient de ma chaine YouTube. Comment peindre la mer en aquarelle.

Comment preparer une feuille de papier pour peindre la mer.

Commençons par préparer notre feuille de papier pour peindre la mer. Après avoir collé une feuille de papier sur une planchette à dessiner je vous conseille de dégraisser cette feuille avec de l’eau. Vous pouvez appliquer de l’eau à l’aide d’une éponge de mer ou d’un gros pinceau en poil d’écureuil (petit-gris).

Première couche de peinture

Pourquoi est-ce que je vous conseille de passer de l’eau sur une feuille avant de commencer à peindre à l’aquarelle ? Quand on touche une feuille de papier on laisse inévitablement un peu de gras sur notre feuille. Si l’on ne dégraisse pas la feuille, lorsque l’on est en train de peindre on risque d’avoir les endroits où les couleurs ne se mettent très bien sur la feuille et comme cela on risque d’abimer notre peinture. Pour mettre l’eau sur une feuille j’utilise toujours le pinceau écureuil ou l’éponge de mer comme ils sont très doux et n’abîment pas la surface du papier aquarelle.

Par quoi commencer peindre la mer

Au début vous avez le choix. Vous pouvez tout simplement dégraisser votre feuille, et attendre pour que votre feuille sèche complètement et ensuite commencer à peindre sur la surface complétement sèche ou bien rajouter dans l’eau un tout petit peu de couleur de base ( comme cadmium jaune, par exemple) et commencer à peindre directement sur le papier humide.

Peindre sur le papier humide ou sec ?

Dans l’aquarelle il y a une règle. On peut peindre sur le papier sec ou humide, mais on ne doit pas travailler sur le papier demi-sec. Si vous peignez sur une feuille de papier demi-sec vous risquez que la couleur que vous mettez par-dessus déchire une couche de peinture inferieure. ( Il y a les cas exceptionnelles où vous pouvez utiliser exprès cet effet de déchirure pour peindre l’écume sur les vagues par exemple. Mais on parlera de cette technique plus tard. 🙂 .

Si vous métrisez déjà bien la technique d’aquarelle vous pouvez contourner un peu cette règle en travaillant avec des pinceaux presque secs, mais cela ne marche pas toujours. Donc au début il vaut mieux tout simplement suivre cette règle.

Dans cette aquarelle j’ai choisi la deuxième variante pour peindre la mer.

J’ai mis la première couche de peinture en rajoutant un peu de cadmium jaune. Comme j’ai travaillé en plein-air au bord de la mer où l’air est très humide la peinture met assez longtemps pour sécher, donc j’ai choisi de travailler sur du papier humide. Par contre j’ai laissé non couvert les endroits où il y avait les reflets forts du soleil. Pourquoi l’ai-je fait on verra plus tard.

Première couche d'aquarelle

Normalement je couvre toute la surface de la feuille de papier avec un peu de couleur, y compris les taches de lumière, car même les taches de lumière très claires ont sa couleur. Dans la nature il n’existe pas la couleur purement blanche et noir, elles sont toujours composées des autres couleurs.

Par quoi commencer à peindre la mer

Sur le papier humide je rajoute les autres couleurs qui se fondent et se mélanges facilement sur la couche de peinture humide. Je trace de suite les nuages et la couleur du ciel plus foncée en haut qui s’éclaircie et devient plus chaude en descendant vers la ligne d’horizon. Pour marquer les parties claires des nuages, je les essuie avec un pinceau bien égoutté.

Comment peindre le ciel dans un paysage
Comment peindre le ciel

Après je rends les ombres des nuages plus foncées. Faites attention je change toujours les couleurs. La couleur des nuages est différente de celle du ciel de la mer, même si c’est toujours la couleur bleue.

Comment peindre le ciel avec les nuages

Ensuite je trace la ligne d’horizon et commence peindre la mer. Faites attention je travaille toujours sur une feuille de papier humide.

Comment commencer à peindre la mer

Si vous avez choisi de travailler sur une feuille de papier humide mais durant votre travail la couche de peinture sèche trop vite. Je vous conseille donc de la laisser sécher complètement, ensuite de mettre encore une couche d’eau sur votre feuille et enfin après cela continuer à travailler.

Il y a encore une règle à appliquer quand vous travaillez sur un paysage. Commencez toujours par peindre par le ciel et évitez de peindre le ciel après la terre pour ne pas emmener les couleurs de la terre dans le ciel. Les couleurs du ciel doivent rester très claires et très propres. (Cette règle touche plutôt des paysages avec la terre, quand on peint la mer on peut emmener dans le ciel les couleurs de la mer mais il faut quand même surveiller à ce que les couleurs restent propres.)

Donc on continue à peindre la mer en aquarelle.

Regardons quels mélanges de couleurs on peut utiliser pour peindre la mer.

Peindre les reflet sur la mer

La mer, même si elle nous parait bleue n’a pas qu’une seule couleur. Dans la mer on voit toujours beaucoup de nuances de bleu. Je précise dans la peinture que je suis en train de réaliser. En fait la mer peut être grise ( le gris comme couleur n’existe pas non plus, il est toujours composé d’autres couleurs. ), verte, ocre etc. Dons revenons à notre peinture.

Peindre la mer avec ses reflets

Je commence à peindre la mer avec un mélange de bleu outremer et bleu de cobalt et puis je continue vers le bas avec le bleu de cobalt et le bleu de céruléum et un peu d’ocre jaune.

Comment peindre la mer en aquarelle première couche

Ensuite je continue avec un mélange de bleu outremer, d’alizarine cramoisie et de violet d’outremer. Dans les endroits où il y a les reflets de soleil et où j’ai gardé le papier vierge je passe avec le pinceau bien égoutté mais avec juste un peu de couleur, ce qui ne me permet pas de couvrir complétement la surface blanche de papier, mais je juste laisse un peu de couleur sur les grainages inférieures du papier aquarelle torchon. Cela donne l’effet de brillance des reflets du soleil sur l’eau.

Comment peindre la mer. la première couche

Maintenant je commence à mélanger les couleurs pour le sable. Je mélange l’ocre avec un peu de violet d’outremer.

Peindre la mer. Les ombres
Peindre la mer
La mer avec ses reflets

Un conseil….

Evitez de mélanger trop de couleurs pour trouver le teint de l’endroit que vous peignez. Ne mélangez pas plus que trois, rarement quatre couleurs. Sinon votre mélange risque de perdre de sa pureté. En plus, il faut toujours prendre en considération que les couleurs d’aquarelle sont transparentes et quand vous peignez avec les glacis à travers la couche supérieure vous pouvez voir la couche inférieure.

Donc si vous travaillez par-dessus une couche où il y avait déjà un mélange de quelques couleurs essayez de travailler avec les couleurs pures au maximum avec le minimum de mélanges. Si non vous risquez d’obtenir au final une couleur boueuse.

Un exercice simple de mélange des couleurs que vous pourrez trouver dans mon article “Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices.”

Comment commencer à peindre la mer
Comment peindre la mer. On rajoute la deuxième couche de peinture
Comment peindre la mer

Donc après avoir fini la première couche de peinture je mets la deuxième couche sur la mer. Cette fois-ci je ne couvre pas complétement toute la surface de la mer, mais je laisse les endroits plus clairs non couverts.

comment peindre l'écume

Pour faire l’écume sur la vague au premier plan je passe avec le pinceau bien humide et ensuite sur le même endroit avec le pinceau très bien égoutté.

L'écume sur la vague

Comme cela j’enlève une couche de couleur dans cet endroit et tant que la feuille de papier reste humide dans cet endroit je rajoute de la couleur violet-ocre dans l’ombre de l’écume ( l’écume, malgré qu’elle nous paraisse blanche à sa forme, comme n’importe quel objet, donc comme tous les objets elle a son ombre, pénombre, son reflet et sa lumière.)

Peindre les vagues en aquarelle
Peindre le sable
On continue à peindre le sable

Après cela je mets quelques taches foncées sur le sable qui représentent le jeté de la mer.  Après je reviens vers la mer pour la rendre plus foncée. Comme cela les reflets brillants du soleil seront encore plus clairs et visibles. Il n’y a pas de lumière sans ombre. Si vous voulez rendre la lumière claire, faites l’ombre plus foncée. On voit tout en comparaison.

Ensuite je détaille le sable avec les ombres bleu outremer – ocre- alizarine cramoisie. Après cela je mets encore une couche de peinture sur le ciel pour le rendre plus foncé et faire ressortir les contours clairs des nuages.

Dès que j’ai fini de peindre la mer, le ciel et la terre je mets les petits bateaux. Et je continue à détailler la mer avec la couleur très pure (car je travaille déjà par- dessus les deux couches de peinture.)

Maintenant il ne me reste qu’à affiner le premier plan et enlever encore en peu la couche de peinture autour des bateaux pour souligner encore plus la différence de tonalité entre le reflet éblouissant du soleil sur l’eau et le bateau qui se trouve en contre-jour et sur le font du reflet brillant de soleil qui parait presque noir. 

Comment peindre la mer en aquarelle

Merci d’avoir lu cet article. A la fin je vous propose de regarder une vidéo “Comment peindre la mer en aquarelle” qui montre le travail sur cette aquarelle étape par étape. Cette vidéo vient de ma chaîne Youtube. J’envisage de publier réguliérement sur cette chaîne des tutos et des vidéos avec les astuces et les exercices.

Comme exercice je vous conseille de peindre la mer d’après une photo ou encore mieux d’après nature. Et n’hésitez pas à me poser des questions dans les commentaires. Vous pouvez également m’envoyer vos peintures si vous voulez que je les analyse et vous donne des conseils pratiques.

Comment peindre la mer en aquarelle

Je vous conseille également de lire mon article “Comment peindre à l’aquarelle une nature morte” où vous trouverez beaucoup de conseils pratiques qui peuvent vous aider à peindre en aquarelle. L’article “Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage” qui vous aidra à apprendre à dessiner l’eau. L’information sur le materiel de l’aquarelle vous la trouverez dans mon article “Débuter en aquarelle” Et les régles de la perspective aérienne vous pouver les trouver dans l’article “La perspective aérienne“.

Merci et à bientôt ! 🙂

Comment dessiner l’eau et ses reflets dans le paysage

Dans cet article nous allons découvrir comment dessiner l’eau dans le paysage et comment  construire les reflets des objets dans l’eau.
Dans la première partie de l’article je parlerai de la construction des reflets, ce sera une partie purement théorique. Et dans la deuxième partie, la partie pratique, nous dessinerons ensemble un paysage avec de l’eau.

Donc observons des règles de la construction des reflets qui sont indispensables, à mon avis,  pour dessiner l’eau dans un paysage.

Soyez patient, cette partie ne sera pas longue.

Pourquoi voit-on des reflets dans l’eau?  Parce que les rayons de lumière se reflètent  sur la surface faisant miroir sous les angles qui sont égaux aux angles de leur incidence. 

L’angle d’incidence est égal à l’angle de réflexion.

Plus la lumière est vive et la surface est lisse et polie, plus le rayon réfléchi sera clair.

L’image réfléchie de chaque point de l’objet se trouve sur la suite de la perpendiculaire tracée de ce point vers la surface miroir.

On dirait que l’image réfléchie se trouve à la même distance derrière la surface du miroir que le point qui (qu’il) reflète. Le reflet de l’objet dans le miroir plat est égal à l’objet même et est soumis aux mêmes règles de la perspective.

dessiner l'eau et ses reflets

Les reflets des lignes verticales sont verticaux, ceux des lignes horizontales sont horizontaux, les lignes réfléchies ont des directions parallèles aux directions des lignes des objets et les points de fuite sont communs. On peut  observer cela sur ce dessin. 
Quand on dessine les bâtiments, on peut souvent voir dans leurs reflets les côtés,  que l’on ne voit pas de notre point de vue de référence. Car ils peuvent être cachés derrière des autres objets. Regardez le dessin suivant, ici on voit dans le reflet la voûte de l’arc du pont, que l’on ne voit pas quand on regarde le pont lui-même.

Comment dessiner l’eau avec les reflets de forme complexe

Si l’on doit construire le reflet de forme complexe, alors il nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau. nous faut tracer quelques points de repère sur le dessin et retrouver ces points à la même distance plus bas que la surface d’eau.

Sur ce dessin, pour construire le reflet du pont, on doit tracer quelques points de repères sur l’arc (points 5, 7, 8, 9.. )

Comment dessiner l'eau et ses reflets

Comme les points 5 et 9 se trouvent sur la surface d’eau, leurs reflets se trouvent dans les mêmes endroits. Les points 7 et 8 sont projetés sur la surface d’eau ( c’est comme cela que l’on a obtenu les points 0 et 8’.) Ensuite les lignes verticales de projection sont tracées vers le bas. Maintenant nous devons reporter la distance d-d’  sur la ligne verticale de projection pour obtenir le point . De même façon on reporte la distance 7-0 pour  obtenir le point et la distance 8-8’, pour obtenir le point .

Ensuite on peut relier les points réfléchis que l’on a obtenu, et construire comme cela le reflet de l’arc du pont. De même façon on peut construire les personnages sur le quai.

Observez encore ce dessin. Ici on voit que les arbres et les personnages se trouvent à des distances différentes de l’eau.

comment dessiner l'eau dans un paysage

Donc pour construire le reflet du personnage qui se trouve à une certaine distance du bord de l’eau (7-7.1) on doit tirer une ligne verticale du point 7.1 vers le bas et tracer sur cette ligne le point 7.2 où se trouverait la surface de l’eau si elle continuait au-dessous vers le fond du quai. Pour trouver la taille du quai dans la profondeur passons la ligne auxiliaire du point P au point 6 ( le bord du quai ) à travers le point 7.1.

Du point 6 dessinons un perpendiculaire jusqu’à la surface d’eau et le point d’intersection 6.1 relions avec le point P. Au point d’intersection de la ligne 6.1 – P avec une ligne verticale tirée du point 7.1 ( le point où l’on a mis notre personnage ) on trouvera le point 7.2.

Ensuite on reporte la distance 7.2 – 7.1 du point 7.2 vers le bas pour obtenir le point 7.3. Le point 7.3 serait le reflet du point 7.2 si les points 7.1 et 7.2 étaient au bord du quai. Maintenant reportons du point 7.3 la distance 7-7.1 qui est égal à la taille du personnage vers le bas et comme cela trouvons le point 7.0. La taille du reflet.

Petit exercice.

Pour mieux comprendre comment dessiner l’eau et les reflets dans l’eau des objets situés des hauteurs différentes, je vous conseille de mettre un miroir sur la table et à côté de lui une pile de livres.

Comme cela vous pourrez observer comment les livres qui se trouvent sur la hauteur différente par rapport au miroir (qui le) reflètent. En tenant le crayon sous des angles différents par rapport à la surface, vous  pourrez observer ses reflets. Comme sur le premier dessin.

C’est une théorie. En réalité quand on doit dessiner l’eau, elle est rarement aussi lisse que le miroir. Souvent on peut voir les petites vaguelettes qui troublent la surface d’eau. 

Donc les contours des objets réfléchis sont moins nets que ceux des objets. La surface de l’eau ne reflète pas tous les rayons du soleil sous les mêmes angles, donc les objets clairs y apparaissent un peu plus foncés. Les bords est les détails des reflets sont moins bien déterminés que ceux des objets. Quand on travaille sur un paysage avec de l’eau, par exemple une rivière, on doit dessiner les objets qui se trouvent sur les bords en 3D- en volume. Mais pour les reflets on doit prendre en considération la surface d’eau, donc le volume des objets doit être subordonné à la surface d’eau.

Maintenant passons à la partie pratique dans laquelle nous allons voir :

Comment dessiner l’eau dans le paysage concret.

Je vais vous montrer comment dessiner l’eau en prenant pour exemple mon dessin que j’ai réalisé d’après une de mes photos prise en Thaïlande. Pour apprendre à dessiner l’eau il est bien souhaitable de dessiner d’après nature.

Si vous n’avez pas de possibilité de dessiner de suite d’après nature vous pouvez commencer par dessiner l’eau d’après une photo. Mais je vous conseille quand même de dessiner l’eau d’après nature dès que cela vous sera possible. La nature est le meilleur des professeurs ! Quand on dessine en plein air on voit beaucoup plus de nuances que quand on dessine d’après une photo.

Alors commençons comme d’habitude par trouver la ligne d’horizon et placer des objets sur notre feuille de parier.

comment commencer à dessiner un paysage

Quand vous dessinez un paysage il faut tout le temps se souvenir des règles de la perspective. Les règles de la perspective linéaire et aérienne vous pouvez trouver dans les articles suivants : “La perspective“, “Comment dessiner un paysage en perspective” et “La perspective aérienne“.

Pour placer correctement les objets sur une feuille de papier et faire une bonne composition, je vous conseille également de consulter mes articles “Comment dessiner correctement” dans lequel je parle de la méthode de comparaison, qui est utilisée par tous les artistes peintres professionnels, et “Composition dans la peinture” qui montre plusieurs formes de compositions sur l’exemple des tableaux des grands artistes peintres.

Dans cette vidéo vous pouvez voir la première étape du dessin.

Dans cette vidéo je montre comment commencer à dessiner un paysage.
Faites attention, je commence à dessiner selon mon impression, comme je le sens. Cela me sert de point d’appui. Et après cela je commence à comparer, corriger et mesurer les proportions.

Après avoir placé la ligne d’horizon et les maisons j’hachure légèrement de grandes masses d’arbres et les reflets dans l’eau. Je vois conseille de commencer à  travailler en tonalité le plus vite possible. Notre œil ne perçoit pas la forme avec les contours, mais avec les volumes. Donc pour arriver à transmettre ce que l’on voit devant nous il fait commencer par dessiner en volume le plus vite possible.

dessiner l'eau dans le paysage. Etape 2. On dessine en tonalité.
A cette étape je rajoute des ombres. Je vais affiner mon dessin après. Le fait de commencer à dessiner en tonalité le plus vite possible m’aide à capter mieux la forme.

Ensuite on dessine les maisons et les arbres en volume, en pleine force de leur tonalité. Quand vous dessinez un détail n’oubliez pas voir l’ensemble des objets du paysage pour ne pas perdre l’unité de votre tableau.

comment dessiner un paysage avec de l'eau
Je dessine d’abord les cabanes et les arbres pour avoir le point de référence au niveau de la tonalité et de la forme pour dessiner les reflets dans l’eau après.

Après cela on peut commencer à dessiner l’eau. Faites attention comment je dessineles reflets des arbres et des cabanes dans l’eau en les hachurant en vertical. Le fait de les hachurer comme cela donne un effet supplémentaire de reflet.

Comment dessiner des reflets dans l'eau
Faites attention, après avoir hachurer en vertical, je dessine par-dessus les lignes horizontales pour souligner la surface de l’eau.

Ensuite je continue de dessiner avec la gomme. Pour montrer le mouvement de l’eau je gomme en horizontal les parties éclairées de l’eau où il y a les vagues. Cela m’aide à montrer la surface horizontale de l’eau.

Maintenant dessinons les vagues. Pour cela dessinons uniquement les ombres sans toucher la lumière sur les vagues.

comment dessiner les vagues

Il y a une règle de la peinture et du dessin. Si l’on dessine l’ombre, on généralise la lumière et au contraire si l’on dessine la lumière, on généralise l’ombre. Cela veut dire, que si vous détaliez plus les ombres dans votre tableau, vous devez détailler beaucoup moins les parties éclairées pour que votre tableau reste uni. Dans chaque tableau vous devez choisir ce que vous allez dessiner, les ombres ou la lumière.

Pour donner l’effet de transparence des vagues vous pouvez faire la jonction entre la lumière et l’ombre de la vague un peu plus foncée, mais pas trop, pour ne pas rendre cet endroit aigu. Chaque vague a sa forme, son volume. Ne dessinez pas les contours, suivez la forme des vagues avec les hachures.

Au final pour souligner encore plus la surface d’eau hachurez légèrement en horizontal la partie de l’eau avec les reflets des arbres et des maisons.

Pour apprendre à dessiner l’eau il est très utile au début de copier quelque dessins de grands artistes peintres. Cela aide à apprendre la technique.

Ce sont les dessins que j’ai trouvé intéressants et utils à étudier.

Ivan Aïvazovski
Ivan Konstantinovitch Aïvazovski
Dans ce paysage on peut observer comment le peintre dessine les vagues. Ici on voit que l’artiste dessine les reflets dans l’eau et après il gomme la lumière sur les vagues.
Rembrandt. L'eau-forte
Rembrandt
Dans cette eau-forte de Rembrandt on voit comment peintre dessine les reflets dans l’eau. Faites attention, après avoir dessiné les reflets, le peintre hachure en horizontal la surface de l’eau.
Alexeï Savrassov
Alexeï Kondratievitch Savrassov
Ici on peut étudier comment l’artiste dessine les reflets des arbres dans l’eau et dans la glace.

Merci d’avoir lu cet article! Maintenant je vous proprse de faire quelques exercices. Pour appliquer les connaissences aquises dans cet article je vous invite à dessiner l’eau dans un paysage et faire une copie du dessin du peintre qui vous inspire.

Si vous avez des questions, posez-les moi dans les commentaires. Je vous propose également de m’envoyer vos dessins si vous voulez que je les corrige ou donne mon avis. Je suis toujours heureuse de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Comment peindre à l’aquarelle une nature morte

Dans cet article nous allons découvrir comment peindre à l’aquarelle une nature morte.

Dans la première partie nous analyserons une nature morte aquarelle et dans la deuxième partie nous réaliserons une petite nature morte à l’aquarelle pas à pas.

Nature morte à l'aquarelle
Je vais peindre à l’aquarelle cette petite nature morte pour vous montrer toutes les étapes de travail.

Je veux commencer par l’organisation de la nature morte. On va peindre à l’aquarelle une nature morte composée d’une cruche bleue, d’une grenade, d’une tranche de melon, les draperies brunes et bleues et comme fond le mur blanc et la draperie jaune.

Les couleurs des objets dans la nature morte sont assez riches, elles sont composées de couleurs différentes. On ne peut pas obtenir ces couleurs sans faire des mélanges riches.

Commençons par dessiner cette nature morte. Je ne vais pas m’arrêter longtemps sur ce sujet, je voudrais juste vous rappeler que pour dessiner la nature morte, comme d’ailleurs pour tous les dessins, on utilise la méthode de comparaison qui consiste à comparer les objets les uns par rapport aux autres et mesurer les proportions.

Dessin d'une nature morte
Faites attention aux lignes auxiliaires qui aident à déterminer les angles , dessiner des ovales et construire la cruche ( la ligne auxiliaire centrale verticale et les lignes auxiliaires horizontales qui aident à dessiner les ovales et mesurer la largeur de la cruche par rapport à sa taille verticale.)

Comment  mesurer les proportions et comment utiliser la méthode de comparaison vous  pouvez lire dans mon article Comment dessiner correctement où je montre aussi les étapes du dessin de la nature morte.

Par quoi commencer pour peindre à l’aquarelle

Donc par quoi commencer pour peindre à l’aquarelle une nature morte. Nous avons deux solutions. Deux techniques différentes. Si l’on veut utiliser la technique alla prima on doit commencer par les objets qui ont des couleurs assez claires et vives.

Si l’on travaille dans la technique d’aquarelle classique, cela veut dire dans la technique des glacis, on doit commencer par les teintes les plus claires et aller vers celles plus foncées en superposant progressivement les couches. Donc au début essayons de peindre à l’aquarelle en technique classique, mais en rajoutant quelques éléments de la technique alla prima. Comment mixer les deux techniques ainsi que comment peindre sur le papier ou la couche de peinture mouillée je vais vous le monter dans la deuxième partie de cet article.

Maintenant un peu de théorie. Dans la première partie de l’article nous allons analyser une nature morte faite par un élève.  Dans notre nature morte les objets qui ont les couleurs les plus déterminées sont la grenade et la cruche, donc il est plus facile de trouver les couleurs de ces objets. Comme on a décidé de travailler dans la technique classique avec les éléments d’alla prima on peut peindre ces objets de suite en pleine force de couleurs. Cela va déterminer la tonalité générale de notre nature morte.

Nature morte

La cruche étant bleue en général, elle a beaucoup de nuances de couleurs. Dans l’ombre et dans la lumière on voit  les couleurs différentes. Par exemple dans l’ombre la couleur bleue devient presque violette et quelque part vert-brun sous l’influence des reflets des autres objets.
Sur l’influence de couleurs  vous pouvez lire dans mon article Comment dessiner en volume.

Comment utiliser la méthode de comparaison pour peindre à l’aquarelle

Un conseil.

Pour arriver à voir, capter la couleur la plus juste possible essayez de regarder de façon à voir la cruche en entier et avec le fond. Je sais qu’au début c’est très difficile à faire.

Mais cela aide énormément pour ne pas se tromper avec les couleurs et avec la tonalité générale.

Il existe encore une autre technique pour voir la vraie couleur d’un objet. Pour déterminer une couleur il ne fait pas regarder directement l’objet que vous êtes en train de peindre, mais à coté de lui.

Cela veut dire à quel point le côté éclairé de la cruche est plus foncé en comparaison du mur qui sert du fond. Vous pouvez aussi vérifier les contrastes en regardant la nature morte en pliant les yeux. Mais cette technique aide plutôt à voir clairement la tonalité des objets, mais ne marche pas si bien que la première technique pour voir des couleurs.
Il faut se souvenir encore que la peinture aquarelle a la tendance à s’éclaircir en séchant.

Donc quand vous cherchez la couleur pour le côté éclairé, essayez de voir la cruche en entier avec le fond pour identifier le contraste basique de la silhouette de la cruche par rapport au mur.

Quelle technique d’aquarelle utiliser ?

Les couleurs de l’aquarelle peuvent perdre presque 30% de leur (intensité) saturation.

Donc quand vous travaillez dans la technique alla prima je vous conseille de peindre à l’aquarelle avec les couleurs un peu plus fortes, que vous ne les voyez dans la nature, car elles vont s’éclaircir un peu.
Dès que vous aurez peint la lumière, continuez avec la pénombre. Quand vous peignez la lumière vous pouvez utiliser sa couleur comme la couleur de base pour la cruche et mettre cette couleur partout sur toute la surface de la cruche, sauf la tâche de lumière, qui reste pour l’instant blanche. (Dans la technique aquarelle classique la couleur blanche ne s’utilise pas, le blanc dans la technique classique, c’est la couleur du papier pour aquarelle. )

Il existe les techniques dans lesquelles l’on utilise le blanc gouache, mais ce n’est pas déjà la technique propre aquarelle, mais plutôt une technique mixte.

Et je vous conseille fortement d’apprendre la technique d’aquarelle classique avant d’utiliser les techniques mixtes.

Car la technique d’aquarelle classique donne les bases pour toutes les autres techniques.

Revenons à notre nature morte. Donc la couleur du côté éclairé peut nous servir comme la couleur de base pour la cruche, après on rajoute une couche de couleur de pénombre qui à son tour peut servir de base pour l’ombre. Les ombres sur les parties différentes de la cruche seront différentes aussi sous l’influence des reflets des autres objets.

Essayez toujours de trouver la différence des nuances des couleurs des ombres en les comparants entre elles. Et ne mélangez pas les mêmes couleurs pour l’ombre, la pénombre, pour la lumière et pour les ombres réfléchies, pour qu’elles soient différentes non seulement par la tonalité mais aussi par la nature du ton de couleur. Un petit exercice de mélange de couleurs vous pouvez trouver dans mon article Mélange de couleurs à l’aquarelle.

Ayant peint la cruche, faites de même façon pour la grenade. N’oubliez jamais de regarder la grenade en entier et chercher la différence entre les nuances du rouge.

Une régle incontournable pour peindre à l’aquarelle

Ici je veux vous rappeler d’une règle incontournable de la peinture. Quand vous travaillez dans n’importe quelle technique que peinture, que ce soit l’aquarelle, la peinture à l’huile ou l’acrylique… si dans la lumière on utilise les couleurs chaudes, dans l’ombre on doit utiliser les couleurs froides et si on peint la lumière avec les couleurs froides, l’ombre sera chaude. C’est un des premiers principes de la peinture. Le contraste des couleurs froides et des couleurs chaudes.

Commençant à peindre à l’aquarelle la tranche de melon comparez sa couleur et sa tonalité avec celles du mur et des draperies. Qu’est-ce qui est plus clair, le melon ou le mur ? Qu’est ce qui est plus froid au niveau des couleurs, le mur, le melon ou l’assiette ? Quelles sont les différences entre eux ?
Quand on travaille, on se pose tout le temps des questions comme ça et on observe la nature. Ces questions et les réponses que l’on trouve nous aident à avancer vite et à éviter beaucoup d’erreurs dans notre peinture.

Quand vous travaillez sur votre peinture regardez de temps en temps votre travail de loin (ou dans le miroir). Cela aide énormément à voir les erreurs.

Peindre à l’aquarelle sur une couche seche ou umide ?

Peignant en aquarelle travaillez toujours sur la feuille de papier où il y a déjà une couche de peinture complètement sèche ou au contraire très humide, mais pas sur la couche de peinture demi-sèche (bien sûr si vous ne voulez pas avoir l’effet que la couche de peinture superposée “déchire ” la couche inférieur. Cet effet vous pouvez utiliser exprès quand vous peignez l’écume sur les vagues. Je vais vous parler de cette technique quand on va apprendre peindre la mer en aquarelle).

Donc pour l’instant on travaille uniquement que sur les couches sèches. N’oublions pas que la couleur nous sert pour relever la forme d’un objet. C’est pour cela que chaque coup de pinceau doit suivre le dessin et la forme de l’objet.
Quand on travaille en couleur il est toujours plus difficile de déterminer les fautes et les corriger. Ici l’unité, l’ensemble de la peinture et son harmonie se composent de la couleur, sa tonalité, et sa saturation. Par exemple on trouve une bonne tonalité de couleur, mais cette couleur doit être correcte au niveau de la saturation et ses nuances de coloris. Il arrive que l’on ai réalisé très bien un objet dans la nature morte, mais on n’a pas réussi à trouver une bonne tonalité et bonne couleur pour un objet à côté ou pour le fond.

peindre à l'aquarelle une nature-morte

Alors l’harmonie de la nature morte sera en déséquilibre. Comment peut-on corriger cela ? C’est une question difficile. Est-ce que l’on doit refaire cette étude ? 

Mais où sont les garanties que l’on ne fera pas les mêmes erreurs, si l’on n’a pas compris l’origine de notre échec…. ? 

C’est pour cela que l’on doit s’obliger de s’habituer à l’ordre du travail.

Pour peindre à l’aquarelle correctement, il faut se corriger, comparer des objets et des couleurs, se poser des questions sans arrêt durant tout le travail.

Comment comparer les couleurs

Donc comment comparer… pour ne pas se tromper. Je vous conseille de comparer les couleurs chaudes avec les couleurs chaudes avec les chaudes, les froides avec les froides, les couleurs claires avec les couleurs claires, les foncées avec les foncées, les peu saturées avec les mêmes. Et bien sûr on doit toujours prendre le temps penser aux contrastes des couleurs et de leur tonalité. Cela étant fait on peut vérifier en regardant la nature en pliant les yeux. Déterminez les endroits les plus colorés avec les couleurs les plus saturées pour les teintes froides et chaudes. Et gardez-les toujours en vue. Chaque erreur enchaîne sur une autre. En même temps contrôlez la taille et la forme de chaque coup de pinceau.

Et encore une fois je veux vous rappeler que la peinture ne consiste pas à un copiage isolé de telle ou telle endroit de la nature. Pour peindre il faut déterminer la liaison entre toutes les couleurs en les comparants tout le temps.

Ce qui est plus facile à faire si l’on arrive à voir la nature en entier, et non pas détail par détail.

Maintenant pour donner un exemple je vais peindre à l’aquarelle devant vous une nature morte. J’ai choisi une nature morte qui a une gamme de couleurs assez limitée, ce qui est assez difficile car on est obligé de comparer les couleurs très nuancées.

Donc comment peindre à l’aquarelle une nature morte avec les châtaignes.

Nature morte avec les châtaignes. début de dessin.
Dédut de dessin.
Faites attention, je dessine principalement avec les lignes droites et je vais des grandes formes vers des formes plus petites sans les détailler.

Ici on commence comme d’habitude par la composition de la nature morte. On commence à dessiner toujours par les grandes masses et par les figures géométriques. Vous pouvez voir que j’ai commencé par dessiner une sorte de triangle dans lequel j’ai placé tous les objets. De cette façon j’ai déterminé la forme générale de toute la nature morte.

Nature morte avec les châtaignes.
Je travaille sur les formes des objets. Maintenant on voit déjà que ce sont des châtaignes.

Maintenant je commence à détailler les formes pour rendre les objets plus reconnaissables. Faites attantion , je ne commence pas à dessiner les détails avant d’être sûre que tous les oblets sont placés correctement au niveau de la composition.

Nature morte avec les châtaignes. Je passe une éponge.
Je passe une éponge. Pour cela, comme d’ailleurs pour faire tous les lavis, j’utilise toujours une éponge de mer qui n’abîme pas la surfasse de ma feuille.

Dès que le dessin est terminé, avant de commencer è peindre je passe partout avec une éponge mouillée. je fais cela pour éclaircir un peu le dessin et dégraisser la surface de la feuille aquarelle.

Comment commencer à peindre à l'aquarelle une nature morte avec les châtaignes
La première couche de peinture. Légère et claire.

Je commence à peindre à l’aquarelle toujours par la couleur la plus claire de l’objet pour après aller vers les plus foncées. Ce qui est la base de l’aquarelle classique où on utilise des glacis. Mais dans cette aquarelle je me permet de mixer les deux techniques. La technique du glacis et la technique alla prima. Donc juste après avoir fait la première couche de peinture, je commence à y rajouter d’autres couleurs pendant que la première couche de peinture n’est pas encore séche ce qui permet aux nouveaux couleurs de bien s’intégrer et de se mélanger dans la couche de base.

Nature morte avec les châtaignes. Comment peindre à l'aquarelle

Je commence à peindre la châtaigne de suite en ragoutant les couleurs presque en pleine force.

Comment peindre à l'aquarelle une nature morte avec les châtaignes
Comment peindre à l'aquarelle une nature morte avec les châtaignes. On commence à travailler sur les détails.

Vous voyez qu’ici je travaille plus en technique alla prima que dans la technique de glacis. Je mets les couleurs en pleine force de suite. Cela n’empêche pas qu’après je vais rajouter encore quelques couches de peinture avec les glacis pour affiner la forme.

Comment commencer à peindre à l'aquarelle les châtaignes

De même façon je peins les autres châtaignes. Faites attention, je ne laisse pas les tâches de lumière blanche, malgré qu’elles sont les plus claires, Je les peins avec la couleur bleu clair.

Les piqies de châtaigne

Voilà. Je recommence à travailler avec les glacis pour approfondir les ombres. Quand vous travaillez avec les glacis il faut se rappeler que les couches de peinture aquarelle sont transparentes. Donc à travers une couche de telle ou telle couleur on vois la couleur de la couche inferieure. Alors on doit prendre en considération la couleur de la couche inférieure quand on choisit la couleur pour une couche supérieure. Car en se mélangeant les deux couches en feront une autre .

Comment commencer à peindre à l'aquarelle une nature morte avec les châtaignes. Les ombres.

A cette étape j’approfondie les ombres et je travaille sur le volume des objets.

Comment commencer à peindre à l'aquarelle une nature morte avec les châtaignes. Le volume.

C’est maintenant que l’on peut travailler sur les détails.

peindre à l'aquarelle  une nature morte

Après cela je travaille sur le fond. Tout d’abord je mets la couleur ocre qui me sert de couleur de base pour la table en bois ou j’avais posé mes châtaignes.

Comment peindre une nature morte

Ensuite je commence à peindre la structure du bois. Et tracer légèrement les ombres portées des objets.

Peindre à l'aquarelle le fond dans une nature morte

A l’étape suivante j’approfondie le fond en rajoutant les couleurs froides et je rends les ombres plus foncées dans les endroits ou elles touchent les objets. Cela m’aide à mettre les objets sur la table et à me débarasser de l’effet que les objets peuvent paraître en train de flotter au-dessus de la surface de la table. Pour rendre votre peinture plus unie, passez partout avec un glacis léger en utilisant la couleur que l’on trouve dans tous les autres objets. Dans mon cas c’est la couleur bleue.

Comment finaliser la nature morte

Après avoir fait des ombres je retravaille la structure du bois au premier plan et dans les ombres. Faites attention que la structure du bois qui est très visible au premier plan devient floue au dernier plan et que les lignes de structure du bois suivent la perspective. C’est comme cela que l’on peut montrer que le surface de la table est en horizontale.

comment faire des lavis

Maintenant je fait ressortir les piques claires des châtaignes avec les lavis. Et pour les rendre encore plus claires je les souligne avec les ombres. Pour faire des lavis très précis je travaille avec un pinceau et non pas avec l’éponge. Donc pour enlever la couleur on doit quelque part détruire la couche de peinture. Pour cela on met tout simplement de l’eau sur l’endroit où l’on doit enlever la couleur et après cela on passe par dessus avec un pinceau bien égoutté ou des fois prèsque sec.

Nature morte. Derniers coups de pinceau

Voilà notre nature morte est finie.

Nature morte est finie

Maintenant je vous propose de regarder la vidéo qui vient de ma chaîne YouTube et qui montre une des étapes de la réalisation de cette nature morte ce qui vous aidera à encore mieux visualiser ce cours. Et après cela faites un petit exercice. Pour commencer, je vous conseille de réaliser une nature morte de trois ou quatre objets de structures différentes et une draperie, blanche par exemple. Les conseils pour choisir vos materiels nécessaires à peindre à l’aquarelle vous pouvez trouver dans mon article Débuter en aquarelle. L’information sur la composition de la nature morte vous pouvez la trouver dans mon article Composition. Nature morte. Et sur la composition en générale dans l’article Composition dans la peinture où j’analyse plusieurs oeuvres d’art pour montrer les exemples des compositions utilisées par les grands artistes peintres.

Dans cette vidéo je voudrais vous montrer la première couche de peinture en technique alla prima.

Et bien sûr je serais très contente si vous me laissez des commentaires et même envoyez-moi vos natures mortes si vous avez besoin de mes conseils. Je suis toujours ravie de vous aider ! 🙂

A bientôt

Comment dessiner des yeux

Dans cet article vous allez découvrir  comment dessiner les yeux.

J’ai partagé mon article en deux parties. La partie théorique et la partie pratique.

Dans la partie théorique on parlera de l’anatomie et de la construction de l’œil. Dans la partie pratique on dessinera l’oeil en quelques positions.

La partie théorique.

Commençons par l’anatomie artistique. Si l’anatomie medicale nous enrichie des connaissances d’anatomie, l’anatomie artistique nous aide à appliquer ces connaissances quand on dessine. La connaissance de la construction d’un œil, notamment de sa forme permet de dessiner des yeux sous les angles différents.

l'anatomie externe  artistique de l'oeil.
l’anatomie externe artistique de l’oeil.

Le globe oculaire se trouve dans la cavité orbitale. La forme du globe oculaire est sphérique, mais  on la voit comme unhémisphère, car le globe oculaire est enfoncé  dans la cavité orbitale.

Quand vous commencez à dessiner les yeux, faites attention que les paupières supérieures et paupières inférieures forment les coins plus arrondis à côté du nez et les coins extérieurs sont plus aigus. Dans le coin intérieur se trouve la caroncule lacrymale. Quand on dessine des yeux, la caroncule lacrymale se souligne souvent avec une ombre jetée par la surface latérale du nez.

l'oeil de Davide Michel-Ange
L’oeil de Davide de Michel-Ange dessiné de face. Ici on voit bien que le coin intérieur et le coin extérieur de l’oeil ne se trouvent pas à la même hauteur. Et la plus haute de la paupière supérieure et la partie la plus basse de la paupière inférieure ne se trouvent pas sur la même vertical.

Les paupières ont une certaine épaisseur.
Avec l’éclairage normal l’épaisseur de la paupière inférieure à l’air d’une raie claire. La paupière supérieure, avec son ombre portée paraît plus foncée et plus large. Les paupières supérieures sont plus longues vers le coin extérieur que les paupières inférieures. Donc les paupières supérieures ressortent plus en avant, ce qu’on peut voir quand on regarde l’œil en profile.

La fente oculaire, si l’œil est ouvert, perçoit comme un quadrilatère étiré horizontalement. En fonction de la rotation de l’œil et de la direction du regard, les rapports entre les côtés du quadrilatère changent. Quand on regarde l’œil en profile, on le perçoit comme triangle.

l'oeil de David Michel-Ange dessiné en profile
L’oeil de David de Michel-Ange dessiné en profil. Sur ce dessin on peut voir que l’iris se trouve sur la surface sphérique et il s’apperçoit comme un ovale.

Si l’on regarde un œil en face, on peut remarquer que la partie la plus haute de la paupière supérieure et la partie la plus basse de la paupière inférieure ne se trouvent pas sur la même vertical, mais elles sont posées obliquement l’un par rapport à l’autre.
Je vois souvent que l’iris est dessiné comme le rond, ce qui n’est pas vrai en réalité. L’iris est situé sur une forme sphérique et en plus en perspective.

La couleur d’un œil dépend l’iris. Au centre de l’iris se trouve la pupille qui s’agrandit en fonction de la force de la lumière. De côté de la source de lumière on peut voir une tâche de lumière sur l’œil, et de l’autre côté se trouve le reflet ou l’ombre réfléchie. La brillance des yeux est due à l’humidité de leurs surfaces.

l'oei qui nous regard.
L’oei qui nous regard.

Quand on est en train de dessiner des yeux, on doit faire attention à la direction du regard. D’habitude les axes de vue se croisent dans le même point. Donc dans la plupart de cas les yeux sont légèrement tournés à l’intérieur. Mais quand le modèle restant pensif regarder le lointain, les axes de vue deviennent parallèles.

La direction du regard.
La direction du regard.

La position et le “caractère “des  yeux peuvent être différents. Les yeux peuvent être petits ou grands, ils peuvent être placés près du nez et plus loin. Les coins extérieurs peuvent se trouver sur la même ligne horizontale que les coins intérieurs, mais ils peuvent être plus bas ou plus haut que les coins inférieurs. Les paupières supérieures peuvent se cacher sous le pli cutané ou au contraire le globe orbital peut être très visible comme sur la tête de plâtre.

Les yeux avec les sourcils donnent au visage les expressions différentes.
Les cils ombragent le regard.

Un conseil…. Quand vous dessinez un portrait, évitez de dessiner les cils un par un. Dessinez plutôt l’ombre de cils.
Pour garder l’unité de la forme commencez les yeux  toujours par la grande forme et après allez vers les plus petites. Quand vous dessinez le portrait tracez les deux yeux en même temps. 

Sur cela on a fini la partie théorique.

Donc comment dessiner des yeux.

La partie pratique.

Commençons à découvrir comment dessiner des yeux par dessiner un œil en traçant un rond ou plutôt le globe oculaire. Il va nous servir d’un support pour l’œil. 

Comment dessiner des yeux. Globe oculaire.
Globe oculaire

Ensuite, suivant la forme du globe oculaire dessinons les paupières.

Comment dessiner des yeux. Les paupières.
Les paupières.

Et l’épesseur des paupières.

Comment dessiner des yeux. Les paupières avec leurs épaisseurs
Les paupières avec leurs épaisseurs

Maintenant c’est le temps de dessiner l’iris. Faites attention que dans mon dessin, je trace l’iris à travers les paupières pour ne pas se tromper avec sa forme.

Comment dessiner des yeux. On place l'iris.
On place l’iris

Ici l’iris n’est pas rond, mais plutôt ovale et il se trouve sur la surface sphérique. Donc il se déforme en suivant cette forme. 

Comment dessiner des yeux. L'iris et la pupille. Avec les lignes auxiliaires.
L’iris et la pupille. Avec les lignes auxiliaires.

Maintenant on peut insérer l’œil dans la cavité orbitale.

Comment dessiner des yeux.

Commençons à travailler sur le volume. On doit sentir que derrière les paupières il y a le globe oculaire. Les paupières ont du volume elles aussi,  mais elles sont quand même subordonnées au volume du globe oculaire.

Comment dessiner des yeux.

Comme sur chaque forme ronde, sur l’œil on peut voir la tâche de lumière,  la lumière, l’ombre, la pénombre et l’ombre réfléchie. Toutes les règles du dessin en volume : vous pouvez les découvrir dans mon article  Comment dessiner en volume.

Comment dessiner des yeux.

L’iris a sa couleur et comme l’iris est transparent on peut voir souvent le reflet sur le côté opposé par rapport à la tâche de lumière. L’iris a aussi une sorte de contour, qui est plus visible, plus l’iris est clair.

Comment dessiner des yeux. Etape finale

Comment dessiner des yeux en face.

Maintenant étudions un œil d’une personne qui nous regarde. Faites attention à ce que l’œil n’ait pas la même forme, que sur l’exemple précédent. Il a une forme de quadrilatère. Car l’œil s’élargit toujours au niveau d’iris.
C’est l’œil d’une personne âgée, donc on voit bien le pli cutané qui couvre la grande partie de la paupière supérieure. 
Le travail se déroule de même façon.

On dessine le rond du globe oculaire. Ensuite, comme on dessine l’œil en face on doit tracer son angle.

Comment dessiner des yeux. globe oculaire et sa ligne auxiliaire
Le globe oculaire et sa ligne auxiliaire.

Ça veut dire dessiner la ligne auxiliaire droite qui rejoint les deux coins de l’œil. Le coin intérieur et le coin extérieur. Comme cela on voit clairement que le coin extérieur est plus haut que le coin intérieur. Cela nous aide à capter la forme et le caractère de l’œil. 

Comment dessiner des yeux. Les paupières.
Les paupières.

Maintenant dessinons les paupières qui suivent la forme du globe oculaire. Et ensuite dessinons l’iris et la pupille.

Comment dessiner des yeux. l'iris et la pupille
l’iris et la pupille

Faites attention à ce que  je dessine toujours à travers les paupières, après on pourra facilement gommer les lignes que l’on en n’aura plus besoin. On n’oublie pas de dessiner l’épaisseur de la paupière inférieure aussi.

Comment dessiner des yeux. Le volume des grandes formes.
Le volume des grandes formes.
 tonalité générale de l'iris.
tonalité générale de l’iris

Maintenant on commence à hachurer l’œil. Et on commence toujours par les grandes formes pour aller après vers les plus petites. N’oublions pas de garder le volume général de l’œil, toutes les petites formes sont subordonnées aux grandes formes au niveau du volume. Cette règle marche pour tout,  et pas que pour un œil !
Après avoir déterminé le volume de l’œil, nous trouverons la tonalité générale de l’iris. Ensuite on peut placer la pupille et dessiner les détails de l’iris, le contour, les petites tâches. Dessinons également l’ombre portée qui tombe sur le blanc de l’œil, l’iris, la pupille et sur l’épaisseur de la paupière inférieure.

Comment dessiner des yeux.

Maintenant on peut approfondir le volume et préciser les détails. Faites attention, le blanc de l’œil est plus foncé dans l’ombre que l’iris qui est plus foncé du côté de la tâche de lumière. Cela vient du fait que l’iris a une structure transparente et la lumière passe à travers lui. L’épaisseur de la paupière inférieure n’est pas uniforme au niveau de la tonalité. Il y a  les endroits plus éclairés et d’autres sont plus foncés, vers les coins.

Dessin final

Après avoir fini l’œil dessinons les ombres de l’arcade sourcilière et le pli cutané, ce qui nous permettra de bien placer l’œil et montrer son caractère.

Comment dessiner des yeux baissés

Pour finir cet article je voudrais vous montrer aussi comment dessiner l’œil qui regarde vers le bas.

Le processus de travail est tout à fait le même. On commence par le globe oculaire. Ensuite on dessine les paupières avec leurs épaisseurs. On trouve la place de l’iris et de la pupille.

Comment dessiner des yeux baissés.

On travaille sur le volume et sur la transparence de l’iris et on place l’oeil dans l cavité orbitale.

Comment dessiner des yeux baissés.

Faites juste attention à la forme de l’œil, qui devient triangulaire dans cette position et à la perspective qui est très marquée sur ce dessin.

Comment dessiner des yeux baissés.

Maintenant je vous propose de faire un petit exercice. Dessinez un œil en utilisant la méthode décrite dans cet article. Et surtout faites attention aux étapes. Allez toujours de la grande forme vers les plus petites. Et encore un conseil, quand vous dessinez un portrait essayez toujours de dessiner des yeux ensemble, comme c’est décrit dans mon article Comment dessiner un visage.

Et bien sûr, Je vous invite à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Comment dessiner un visage

Dans cet article vous allez découvrir les petits secrets et les étapes de travail à suivre qui vous aidront à apprendre à dessiner un visage et réussir votre portrait.

Comment dessiner un visage et réaliser le portrait professionnel.

D’abord je veux vous parler d’une chose qui est extrêmement importante et extrêmement difficile  pour chaque artiste peintre.

L’unité, la perception globale du tableau et de la nature !

Et l’ordre de travail sur notre tableau qui nous aide à arriver à unifier notre tableau.

Je pense que je devrais parler de cela dans chaque article que j’écris car c’est vrai pour toutes les réalisations que ce soit un portrait, un paysage, une nature-morte ou une illustration.     

Grâce à la capacité de notre œil à voir l’objet en entier nous voyons d’un premier coup son volume,  ses couleurs. C’est exactement cela qu’il faut que le spectateur voie sur notre dessin.

Toutes les parties de l’objet on doit les dessiner dans l’ensemble et pas en attachant ou rajoutant une partie à une autre. Car dans la nature toutes les parties de l’objet existe dans  leur ensemble.

Mais comme dessiner tout et en même temps et impossible physiquement et si l’on commence à dessiner partie par partie le résultat laisse à désirer, l’artiste doit trouver la possibilité de garder l’intégrité de la perception de la nature et en même temps que de travailler sur les détails. Pour arriver à faire cela l’artiste est obligé de commencer la construction du portrait par dessiner les grandes masses et formes et après passer aux détails. Même quand on dessine les détails il faut éviter de les « copier », mais faire correspondre les uns avec les autres et l’objet en entier.

Cette façon de travailler en comparant tout le temps les proportions, les couleurs, la tonalité est une sorte de plâtre qui assemble toutes les parties de la tête ou de n’importe quel objet en forme unique.

Pour en savoir plus de cette façon de travailler vous pouvez lire dans mon article « Comment dessiner correctement ».

Donc pour réussir le portrait à partir de début il faut commencer par les grandes masses et aller progressivement vers les formes plus petites et les détails. De l’intégralité vers la précision, du facile vers le difficile.

L’ordre de travail pour dessiner un visage.

Quand l’artiste peintre travaille sur un portrait, il respecte une séquence de travail. Chaque dessin doit avoir son début, son milieu et sa fin. La rupture de cette séquence mène au copiage désorganisé et aléatoire et pas au dessin structuré.

Donc on peut separer le travail sur un dessin en trois partie:

1.Au début du travail le dessinateur trace rapidement la forme générale de la tête sur une feuille en montrant ses grandes parties et les grandes masses. ( Une petite remarque. Quand vous commencez à dessiner un visage, dessinez d’abord selon votre impression qui peut souvent être vraie et après vérifiez les proportions en utilisant la méthode de comparaison. Comme cela votre première impression ou plutôt le dessin fait selon votre impression, va vous servir d’un point d’appuit pour vérifier les proportions.)

2.Ensuite vers le milieu de travail il fait ressortir les formes plus petites. Ici il travaille en ovalisant et en précisant la forme. On travaille sur les détails.

3.A la fin l’artiste revient vers les formes générales pour assembler les formes et les détails. De cette façon l’artiste fait ressortir les détails ou les formes importantes et fait reléguer au second plan les formes moins importantes.

Ainsi donc une séquence stricte de travail est une condition principale de la réalisation réussie du dessin.       

Maintenant passons aux étapes de travail sur le portrait.

1.La composition.

Quand vous commencez le portrait,  la première chose dont il vous faut vous occuper, c’est la composition du portrait  sur une feuille de papier, ou sur n’importe quel support. La position du portrait sur une feuille dépend de l’orientation de la tête, de sa forme,  des ombres portées, du fond, des vêtements. 

Il faut  éviter de mettre le portrait au centre de la feuille. 

Par exemple, mettons un portrait dessiné en profil juste au centre d’une feuille carrée de façon que tous les contours se trouvent à une distance égale des bords de la feuille et son centre soit directement sur le centre géométrique de la feuille.

Comment dessiner un visage. Composition.

En ce cas-là le dessin nous paraît un peu déplacé vers le côté du visage et vers le bas.

On a cette impression  parce que la partie faciale de la tête prédomine la partie crânienne de la tête, car elle a beaucoup  de détails et attire plus l’attention du spectateur.

Sur ce dessin on a déplacé la tête à gauche et vers le haut. Comme cela on a laissé pls d’éspace devant le visage.

Comment dessiner un visage. La composition du portrait

Si l’on compare le premier et le deuxième dessin, on verra que sur le deuxième dessin où la tête est déplacée à gauche et vers le haut la composition est plus équilibrée.  

2.L’esquisse rapide, le point de vue et la taille de votre portrait

Quand vous commencez à esquisser la tête et le cou, faites attention à l’orientation de la tête par rapport à la verticale et à l’horizontale. Regardez attentivement si votre modèle a tourné ou ( et ) penché la tête. Quel est son mouvement ou la position habituelle. On a tous nos habitudes, tenir ou pencher la tête de telle ou telle façon. Cela fait partie de la ressemblance.  

Un conseil

Commencez à dessiner un visage avec les traits légers, prenez pour dessiner au début les crayons H ou HB.

Si vous hésitez entre quelques crayons de valeurs différentes, je vous invite à lire mon article “Comment choisir un crayon”.  

Si vous utilisez beaucoup la gomme, vous risquez d’abîmer votre feuille. La tonalité du dessin doit augmenter à mesure que vous avancez dans votre dessin. 

En encore une petite remarque. Regardez cette image au-dessous. Vous voyez comment je tiens le crayon. C’est une position ou plutôt cette façon de tenir un crayon qui est très efficace quand vous dessinez de grandes masses et formes. Comme quand on commence notre dessin.

Si vous ne conaissez pas cette façon à tenir le crayon vous pouvez l’apprendre dans mon article “Comment tenir un crayon”.

Comment dessiner le portrait. Début de travail.
Ici je trace rapidement le portrait pour déterminer sa composition et sa forme générale.
Comme j’ai déjà dit, j’evite d’appuyer trop sur mon crayon pour que les lignes restent légères.

Dès que vous avez choisi le point de vue sur votre modèle, déterminez la taille de votre portrait.  Il doit être un peu plus petit, que la taille réelle de votre modèle. La taille de portraits dépend aussi de la distance entre vous et votre modèle.  Plus le modèle est loin,  plus la taille de votre portrait est petite.  

3. La construction du portrait

Comment dessiner un visage à l’aide les lignes auxiliaires.

Pour réussir la construction du portrait il faut absolument utiliser les lignes auxiliaires.

Je trace la ligne auxiliaire centrale et la ligne transversale horizontale qui ensemble forment la croix au niveau de la racine du nez.

La ligne centrale verticale et les lignes horizontales. La ligne centrale met en place les deux parties symétriques de la tête. Deux fossés frontaux, deux arcades sourcilières, deux cavités orbitales etc…  La ligne centrale passe par la racine du nez vers le menton.

Quand vous dessinez le portrait directement en face, la ligne centrale partagera le visage en de parties égales. Si le modèle tourne la tête à gauche ou à droite la ligne devient convexe et divise la tête en deux parties inégales. Le rapport de ces parties détermine le degré de rotation de la tête.

La ligne transversale horizontale passe à travers le centre des cavités orbitales et divise la tête en deux parties, la partie crânienne et la partie faciale. Cette ligne peut être droite ou courbée, selon la position de la tête. 

 Les lignes auxiliaires, verticale et horizontale, forment la croix.
Les lignes auxiliaires, verticale et horizontale, forment la croix.

Comme la ligne centrale, ligne transversale nous aide à déterminer l’orientation de la tête, son angle d’inclinaison et sa perspective.

Comment dessiner un visage en racourci

Sur ces dessins on peut observer comment les formes se diminuent ou au contraire grandissent sur la tête inclinée.

Donc ces deux lignes auxiliaires, verticale et horizontale, se croisent sur le point qui détermine la racine du nez et y forment la croix. Si cette croix est bien placée au début du dessin, elle détermine la position de la tête dans l’espace et sert de point d’appui pour le travail futur.  

En s’appuyant sur cette croix on peut tracer les lignes parallèles qui déterminent les bosses frontales, des arcades sourcilières, des yeux, des pommettes, de la base du nez et du bord inférieur du menton.

Dessiner un visage
A cette étape je commence à construire les détails en m’appuyant sur les lignes auxiliaires

Je vous propose de regarder cette vidéo “Comment dessiner un visage”, qui vient de ma chaine YouTube. La composition et les lignes auxiliaires ou je montres les deux premières étape de la construction du portrait.

Comment dessiner un visage. Etapes 1 et 2. La composition et la construction du portrait à l’aide des lignes auxiliaires

4. La forme du visage et comment utiliser la méthode de comparaison pour dessiner un visage.  

En même temps on doit faire attention aux rapports proportionnels des parties de la tête, en les comparants les uns aux autres et avec la tête en entier. Comment mesurer les proportions vous pouvez lire dans mon article “Comment dessiner correctement “. 

Souvent la construction du dessin se complique par le raccourcissement des formes dans la perspective qui dépend de la position de la tête. Les formes égales se perçoivent comme inégales (plus grandes, plus petites ou de formes différentes) par exemple sur la tête inclinée ou en position trois quarts.  

Donc ayant positionné la tête sur une feuille, on s’occupe de sa forme. On se pose tout le temps des questions. Quelle est la forme de la tête ? Elle est ovale, ovoïde, elle s’élargi vers le haut ou vers le bas? Elle est inclinée? Quel est le rapport proportionnel entre sa largeur et sa hauteur ?

Dès que l’on a déterminé sa forme, on dessine les lignes auxiliaires.  Et ensuite on passe à l’étape où l’on doit identifier les surfaces principales constituant le volume de la tête. Pour cela on peut séparer la surface faciale et la surface latérale ( qui va vers la partie crânienne ) de la tête avec l’ombre légère. En même temps on peut utiliser la claire obscure pour déterminer les formes plus petites sur la partie faciale de la tête.

Comment dessiner un visage. les lignes auxiliaires
On peut séparer la surface faciale et la surface latérale avec l’ombre légère.

Par exemple sur ce dessin vous pouvez voir que sur la partie faciale on a esquissé la forme généralisée du nez et dans cette forme on voit les détails plus petits comme les ailes du nez.

Faites attention que le nez soit construit à l’aide des facettes qui séparent le nez en trois surface, la surface inférieure, latérale et supérieure. 

Comment dessiner un visage

A cette étape je construis les détails. J’utilise le clair obscure pour faire ressortir les détails et les volumes de toute la tête en entier. Je travaille toujours avec les traits léges.
Cette vidéo montre la construction des détails du visage.

La forme du front se forme avec cinq surfaces.  La surface frontale supérieure, deux surfaces latérales et deux surfaces temporales. Toutes les formes de la tête doivent avoir un support anatomique. A cette étape on trace aussi les formes généralisées des yeux, du menton, des oreilles et des pommettes. La forme généralisée facilite la construction des surfaces de la tête en perspective.  

Mais faites attention ! A cette étape vous dessinez les formes en vous appuyant sur l’anatomie et pas sur le jeu aléatoire des ombres !  Les parties qui vont par paires comme les yeux, les oreilles, les bosses frontales, on doit toujours les dessiner en même temps. Par exemple les yeux on doit les dessiner ensemble, en trouvant leurs places dans les cavités orbitales, le même principe marche pour les pommettes, les arcades sourcilières et les bosses frontales.

Comment dessiner un visage.
Maintenant je commence à travailler sur le volume et préciser les détails en les comparant tout le temps.

Quand vous dessinez les détails qui vont par paires, comme les yeux, par exemple, vous devez les comparer tout le temps entre eux.

Cette technique aide à leur construction dans la perspective car même s’ils sont pareils, on les perçoit différemment sur le visage dans la position trois quarts, par exemple.

Dans cette position la méthode de comparaison nous donne la possibilité de positionner correctement les yeux par rapport aux surfaces latérales du nez, déterminer le ratio entre les surfaces latérales du nez et les ailes du nez et les narines, entre le nez et les lèvres, voir la différence entre l’œil qui est plus proche de nous et deuxième œil en raccourci etc. Quand vous comparez les détails du visage vous voyez la différence entre eux.

Notre visage n’est pas symétrique. Par exemple un œil plus grand que l’autre, une paupière surplombant, un sourcil surélevé etc.

Comment dessiner un visage. Le volume.
Je continue à travailler sur le volume. Ici je compare les détails entre eux et la tonalité des ombres.

Donc la méthode de comparaison nous aide à dessiner un visage en volume et en perspective et à capter les traits caractéristiques de notre modèle.  Quand on commence à construire le portrait, notre travail n’est pas très différents de celui que l’on fait quand on dessine la tête en plâtre. On doit construire la tête correctement et la rendre volumétrique.

Mais si on veut dessiner un visage, dessiner le portrait, on doit en plus le rendre vivant. Le spectateur doit voir que c’est un modèle vivant, avec les os, les muscles et la peau. C’est pour cela que l’anatomie artistique est indispensable pour un portraitiste.

Ma jolie modèle Clémentine.

En plus dans le portrait l’intensité du clair obscure ne dépend pas que de la position de la source de lumière, mais encore de la couleur et de la tonalité de la surface éclairée. Par exemple la peau peut être claire ou mate, les cheveux blonds ou bruns, les yeux clairs ou noirs….   Mais travaillant sur les détails il faut ne pas oublier de garder l’unité de portraits et la perception holistique de la nature.  

Comment dessiner un visage. Etape finale.
Le portrait est fini.

Quand vous dessinez un visage, n’oubliez pas tracer en même temps le coup et les épaules. Cela vous aidera à capter le mouvement de la tête. Pour déterminer la position de la tête par rapport aux épaules, déterminez d’abord sa position par rapport aux clavicules et à la fosse jugulaire qui se trouve entre les deux clavicules.

 Dans mes prochains articles nous parlerons de comment dessiner les détails, par exemple les yeux et les lèvres, Comment saisir la ressemblance et rendre votre portrait “vivant”.  

Maintenant je vous propose de faire quelque exercises. Dessinez un portrait en suivant les étapes decrites dans cet article. Et je vous propose de faire une copie du dessin d’un grand peintre pour étudier sa technique.

Ici je vous donne des exemples des dessins de Hans Holbein le Jeune , un grand peintre allemand qui est entré dans l’histoire de l’art avec ses magnifiques portraits.

Hans Holbein le Jeune. Portrait
Hans Holbein le Jeune
Hans Holbein le Jeune
Hans Holbein le Jeune

Merci d’avoir lu cet article !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Les os du crâne.

Les os du crâne. Anatomie artistique.  

Avec cet article consacré aux os du crâne je commence une série de mes cours dédiés à la réalisation de portraits. Comment dessiner et peindre le portrait.   

Anatomie humaine.

Dans cet article je vous parlerais de l’anatomie plastique (anatomie artistique) humaine notamment des os du crâne.

Cet article vous aidera à apprendre à réaliser des portraits professionnels de haut niveau.

Bien sûr l’anatomie humaine ce n’est qu’une étape dans votre parcours de l’apprentissage, mais c’est une étape extrêmement importante pour l’artiste peintre qui veut atteindre un bon niveau pour réaliser des portraits.  

Je suis persuadée que pour l’artiste peintre qui veut apprendre à dessiner correctement des portraits et des tableaux avec des personnages se doit d’apprendre l’anatomie. L’anatomie va vous servir de support pour vos réalisations. 

Quand l’artiste peintre dessine un portrait, il doit sentir la construction du crâne et des muscles. Le but de l’anatomie plastique est d’aider l’artiste aller jusqu’au bout des choses.  Dessiner ce qu’il voit et comprendre ce qu’il voit. 

Donc dans cet article vous allez découvrir :

Les différences dans la forme du crâne chez des personnes différentes.

La différence entre le crâne d’un enfant, celui d’un adulte et celui d’un vieillard.

La différence entre la partie faciale et la partie crânienne de la tête. Les proportions.

Les os du crâne

Les sutures du crâne

Les procès des os crâniens

Les bosses et les cavités du crâne

La forme de la tête est conditionnée par la spécificité de la construction de son crâne et de ses muscles. 

Dans l’anatomie artistique il est d’usage de distinguer deux parties du crâne. La partie faciale et la partie crânienne. 

Les os du crâne. Partie crânienne et la partie faciale de la tête
Les os du crâne et les sutures. Partie crânienne et la partie faciale de la tête

La partie crânienne se consiste de huit os. La partie faciale – de quatorze os. Regardons les os crâniens. 

Les os du crâne de la partie crânienne de la tête.

Les lignes, les procès et les os du crâne.. Partie crânienne et la partie faciale.
Les lignes, les procès et les os du crâne.

L’Os frontal. Cet os joue un grand rôle dans la construction du visage.

L’os frontal se distingue très bien sur la tête quand on dessine le portrait. Les bosses frontales et les arcades sourcilières se distinguent très bien. De chaque côté du front on peut palper les lignes temporales qui séparent la surface frontale de la surface latérale de la partie crânienne de la tête. De chaque coté extérieur des cavités orbitales l’os frontal forme les procès zygomatiques.

Les os du crâne. Partie crânienne
Les os, les sutures, les bosses du crâne. Partie crânienne

Entre l’os frontal et l’os occipital se trouve l’os pariétal. En fait ce sont deux os joints par la suture sagittale. L’os pariétal forme la bosse pariétale qui se distingue fortement sur le crâne. Sur l’os pariétal on voit la ligne temporale aussi, comme sur l’os frontal. Mais sur l’os pariétal la ligne temporale se sépare en ligne temporale supérieure et la ligne temporale inférieure. L’os pariétal se rejoint l’os frontal avec la suture coronal

Au-dessous de l’os pariétal se trouve l’os occipital qui se rejoint avec l’os pariétal avec la suture lambdoïde. On peut palper facilement les bosses de cet os.

A droite et à gauche de l’os occipital se trouve l’os temporal que se rejoint à l’os pariétal avec la suture squamosale, à l’os occipital avec la suture lambdoïdale et à l’os sphénoïde avec la suture sphénosquamosale. L’os temporal forme le méat acoustique externe, l’apophyse mastoïde et le procès styloïdien que l’on peut palper facilement sous la peau.

L’os sphénoïde se trouve entre l’os temporal, l’or frontal, l’os pariétal et l’os zygomatique. Chez les adultes l’os sphénoïde se soude avec l’os occipital.

L’os ethmoïdal se trouve au centre de la partie crânienne de la tête et participe à la construction les cavités orbitales avec l’os lacrymal et l’os sphénoïde qui forme la surface orbitale.

Si l’on compare la partie crânienne de la tête de personnes différentes on verra que la forme du crâne est différente. La forme allongée, courte et plutôt ronde et une forme entre deux présidentes ( la forme que l’on voit plus souvent dans la vie ) .

Les os du crâne. Partie crânienne

Le développement des parties différentes (les bosses, les procès etc… ) n’est pas pareil non plus. Il y a des cas où l’on voit une personne avec les bosses frontales ou les bosses pariétales très développées, qui se aperçoivent facilement sous la peau. Chez une autre personne ces bosses peuvent ne pas être si visibles. L’artiste peintre doit prendre tout cela en compte quand il dessine un portrait.

Maintenant passons à la partie faciale de la tête.

Les os du crâne de la partie faciale

Les plus grands os de la partie faciale sont :

La mandibule

Le maxillaire

Os zygomatique

Le maxillaire a quatre procès. Les Deux procès les plus importants pour nous sont le procès de l’os maxillaire (processus alvéolaire) où se trouvent les dents et le procès frontal du maxillaire qui côtoie les os nasal, frontal et lacrymal. Ce procès participe à la construction de la forme du nez.

L’os zygomatique joue un rôle important dans la construction du visage et détermine la largeur du visage. On peut palper facilement toute la surface extérieure de l’os zygomatique. Cet os a deux procès. Le procès temporal qui rejoint l’os temporal avec la suture zygoâticotemporale et le procès frontal qui à son tour rejoint l’os frontal avec la suture frontozygomatique. L’os zygomatique participe à la construction de la cavité orbitale.

La mandibule est très importante pour la construction du visage. La mandibule a le corps et deux branches et les processus alvéolaires comme le maxillaire. A l’extérieur de son corps se trouve la protubérance mentonnière. Chaque branche de la mandibule a deux procès. Le procès coronoïdien de la mandibule et le procès condyloïdien de la mandibule. Le procès coronoïdien se trouve à côté de l’os zygomatique et servie d’un point de fixation du muscle temporal. Le procès condyloïdien forme l’articulation temporo-mandibulaire. Le raccord entre la branche et le corps de la mandibule s’appelle l’angle de la mandibule qui s’aperçoit très bien sous la peau.

Les lignes, les procès et les os du crâne. En face.
Les lignes, les procès et les os du crâne. En face.

Maintenait passons aux autres os de la partie faciale. L’os lacrymal et os nasal participent à la construction du nez. Dans les fosses nasals se trouvent le vomer et l’os ethmoïdale.

L’os hyoïde ne s’attache au crâne qu’avec les muscles et les ligaments. L’os hyoïde a le corps et deux procès qu’on peut facilement palper sous la peau.

Le grand rôle dans la construction de la forme de la tête jouent….

Les cavités orbitales, les fosses nasales, la bouche et la cavité temporale.

Cavité orbitale à une forme de pyramide dont le sommet est inversée  vers l’intérieur du crâne. La paroi supérieure de la cavité orbitale est formée par l’os frontal. La paroi extérieure – par l’os zygomatique et l’os sphénoïde. La paroi inférieure – par le maxillaire et la paroi intérieure – principalement par l’os ethmoïde. Les formes des cavités orbitales peuvent être différentes, plus rondes ou plus allongées. Par son axe transversal, la cavité orbitale se situe horizontalement ou légèrement inclinée. Alors les axes transversaux des deux cavités orbitales se situent sous l’angle obtus l’une par rapport à l’autre. Les bords des cavités orbitales sont très faciles à palper sous la peau.

Les fosses nasales ont une construction complexe. Les fosses nasales sont séparées par la cloison nasale qui se forme de l’os ethmoïde et le vomer. Les cornets qui vont à l’intérieur des fosses nasales s’appellent les cornets nasaux, il y a trois cornets dans chaque cavité nasale. 

La bouche est formée par la mandibule, le maxillaire et

La cavité temporale estformée par l’os pariétal, l’os sphénoïde, l’os temporal, l’os frontal et l’os zygomatique. Elle a une forme d’une cavité plate et elle est assez facile à palper sous la peau.

Il y a toujours la différence entre le crâne d’un enfant, celui d’un adulte et d’un vieillard. Le crâne d’un enfant a d’autres proportions que le crâne d’un adulte.

La taille de la partie faciale du crâne d’un enfant et très petite par rapport à la taille de sa boîte crânienne, là ses maxillaires et mandibule ne sont pas assez développés ainsi que les puits dentaires. L’os frontal est très grand et ses bosses frontales s’aperçoivent  facilement, les arcades sourcilières au contraire s’aperçoivent à peine. L’os nasal nez n’est pas développé non plus comme d’ailleurs l’apophyse mastoïde. 

Les os du crâne d’un enfant sont mobiles et ils n’ont pas de sutures. Sur le crâne il y a les fontanelles. Ce sont des membranes cartilagineuses molles qui se trouvent entre les parties osseuses du crâne. La fontanelle lambdatique est triangulaire et elle sera combinée à deux mois environ. La fontanelle bregmatique a une forme de losange et elle sera combinée plus que les autres, à la seconde année de sa vie.

Les proportions

La tête d’un enfant est proportionnellement plus grande par rapport à son corps que la tête d’un adulte. La tête d’un enfant représente ¼ de son corps, alors que la tête d’un adulte représente 1/6,5 – 1/8 de la taille de son corps.

Le crâne d’un vieillard se caractérise par l’absence des sutures sagittale, lambdoïde et la suture coronale qui se sont soudées. Et plus il y a lieu l’atrophie des puits dentaires et de la mandibule, ce qui conduit à la diminution de la taille de la partie faciale du crâne.

Quand on observe la tête en face, on peut remarquer que la dimension transversale dans la partie supérieure, dans la partie centrale et dans la partie inferieure du visage ne sont pas pareils chez les différentes personnes. Ce que vous pouvez voir sur ce dessin.

D’ailleurs la forme du visage ne dépend pas uniquement de la forme de crâne, mais aussi des muscles.

Si l’on regarde la tête en profile on peut déterminer l’angle générale du profile, ce qui aide beaucoup quand on dessine le portrait.

l’angle générale du profile
l’angle générale du profile

Cet angle se trouve entre deux lignes droites. La ligne verticale qui passe entre le point qui se trouve sur la ligne centrale du visage entre l’os frontal et l’os nasal et l’épine nasale.

Et la ligne horizontale qui passe par le bord supérieur du méat acoustique extrême et le bord inférieur de la cavité orbitale. L’angle entre ces deux lignes est égale à 80 – 84,9° . Il y a des cas que où cet angle est plus petit ( prognathisme ) ou plus grand ( orthogénisme ) . Il peut atteindre l’angle droit ou même le dépasser.

Si l’on trace une ligne verticale à travers le méat acoustique extrême on pourra comparer la partie avant et la partie arrière du crâne. Ce qui est très importent lors qu’on dessine un portrait. Car le développement de la partie avant et la partie arrière chez les personnes différentes n’est pas toujours pareille. 

Le crâne. la partie avant et la partie arrière du crâne
Comparaison de la partie avant et la partie arrière du crâne

En conclusion je voudrais vous conseiller d’essayer d’apprendre à dessiner le crâne par cœur. Cette pratique vous facilitera la réalisation d’un portrait.

Vous n’êtes pas obliger d’apprendre par cœur tous les os du crâne. On les observe uniquement pour que vous compreniez la structure et la forme du crâne. Vous verrez que les connaissances acquises vous aideront beaucoup pour dessiner les portraits de niveau professionnel.

Comme exercice je vous propose d’apprendre à dessiner par cœur le crâne et encore mieux si vous pourriez faire quelque dessins d’un crâne. Vous pouvez facilement trouver le crâne en plâtre ou en plastique dans les magazines spécialisés sur les matériels pour les artistes. 

Le crâne

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans les commentaires. Et bien sûr si vous avez besoin de mon aide pour vos réalisations artistique, je suis toujours ravie de vous aider.

A bientôt 🙂                

La perspective aérienne

La perspective aérienne

Dans mes articles précédents je vous avez beaucoup parlé de la perspective linéaire.  Aujourd’hui  parlons un peu de la perspective aérienne.

L’artiste peintre a besoin de connaître les règles de la perspective aérienne pour pouvoir représenter correctement la profondeur de l’espace de son tableau.

Quand on compare visuellement les objets qui sont placés à côté de nous et à distance, on voit qu’au fur et à mesure que l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, ses ombres et sa lumière perdent leur contraste. Les contours deviennent moins clairs et précis. Les volumes s’aplatissent. Les couleurs deviennent plus claires.

Dans la peinture de l’époque  du Classicisme il était d’usage de repartir le paysage en plans ayant des teintes différentes. Selon cette règle, le premier plan devait avoir principalement les couleurs brunes, le deuxième plan – les couleurs vertes et le dernier plan les couleurs bleus.

Cette règle a du sens, car dans la perspective aérienne la couleur de l’air compte aussi.

Et oui, l’air a de la couleur aussi. C’est la couleur bleu claire. Donc, plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon, plus la couche d’air entre nous et l’objet est épaisse. Et comme l’air a la couleur bleu claire, on voit les couleurs de l’objet  plus froides et plus claires. C’est le bleu d’air qui influence les couleurs de l’objet. En plus l’air n’est pas complètement transparent. On peut voir parfois les mouvements de l’air les jours de canicule.

Néanmoins, la représentation de la perspective aérienne est basée sur la différence des valeurs de gris, la différence entre les ombres et la lumière plus contrastées au premier plan et moins contrastées et plus flous au second plan.  Sur un tableau on peut représenter beaucoup de plans et chaque plan plus éloigné vers la ligne d’horizon sera plus clair et plus froid, au niveau des couleurs.

Par exemple si vous dessinez une allée d’arbres, chaque arbre qui s’éloigne vers la ligne d’horizon sera plus clair,  moins contrasté, moins volumétrique et plus froid que l’arbre précédent, plus proche de nous.

Quand vous travaillez d’après nature,  pour voir la différence de clair-obscur, essayez de regarder des objets ou, ce qui est mieux, le paysage en entier, en plissant les yeux. Comme cela vous verrez clairement la différence entre la lumière et l’ombre et pourrez facilement comparer l’intensité des plans.

En plein air il faut aussi prendre en considération des couleurs réfléchies sur les objets. Par exemple, quand il fait beau, on voit la couleur bleu du ciel dans les ombres portées des objets, le soleil jette sa lumière chaude sur les arbres verts, cette lumière colore les feuilles qui sont à la base vertes en couleurs jaunes, ocres et rouges.

Maintenant je vous propose de faire quelques exercices. Dessinez ou peignez une allée d’arbres et le champ avec la route.

Comme par exemple dans cette peinture  d’ Ivan Chichkine où on peut voir les couleurs et les teintes plus intenses au premier plan et beaucoup plus claires vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Ivan Chichkine
Ivan Chichkine

Faites attention ! Le ciel, lui aussi, perd de son intensité et change sa couleur vers la ligne d’horizon. Cette peinture peut également nous servir d’exemple d’utilisation de trois plans de couleurs dans la perspective aérienne. Sauf que le peintre a fait le premier plan vert, deuxième – brun et dernier plan – bleu, alors que dans la peinture classique le premier plan est brun, deuxième est vert et le dernier plan est bleu.

Ou par exemple comme dans cette peinture de Claude Monet.

Ici on peut voir clairement la différence entre les arbres du premier plan et les arbres de deuxième et arrière-plan.

Les arbres qui sont très foncés et contrastés au premier plan perdent leur volume et leur contraste au fur et à mesure qu’ils s’éloignent vers la ligne d’horizon.

la perspective aérienne Claude Monet
Claude Monet Les peupliers

Merci d’avoir lu cet article !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Comment construire un carrelage en perspective.

Comment construire un carrelage en perspective.

Cet article est la suite de l’article précédent de mon blog Comment dessiner un carré aléatoire en perspective. Ici on apprendra comment construire un carrelage en perspective dans une position frontale et aléatoire.

Commençons par étudier:

Comment construire un carrelage en perspective dans la position frontale .

D’abord traçons la ligne d’horizon, sur laquelle nous dessinerons le point de fuite central P. La distance jusqu’au spectateur, ou le point de vue, division cette distance par trois pour que la construction soit plus facile.

Comment construire un carrelage en perspective frontale

Ensuite traçons les points qui indiquent la largeur des carrés de carrelage sur le bas de notre tableau.

Maintenant on peut relier les points 1,2 et 3 avec le point de fuite central P. De cette manière nous obtiendrons les directions des côtés des carrés de carrelage qui vont dans la profondeur du tableau. Pour déterminer la profondeur de chaque carré en perspective, divisons la largeur de chaque carré ( en bas du tableau ) en trois.

Après avoir relié tous ces points avec le point D1:3, trouvons les points 1°,2°,3°,4° sur la direction 1 – P. Ces points nous indiquent la profondeur nécessaire pour  construire un carrelage en perspective. Il ne nous reste plus qu’à dessiner les lignes horizontales en passant par ces points et comme cela finir construire un carrelage en perspective frontale.

Comment dessiner un carrelage, placé sous un angle de 45° en perspective.

Si on a besoin de construire un carrelage en perspective, placé sous un angle de 45° par rapport à la surface du tableau, on doit tout simplement tracer les diagonales pour chaque carré et reproduire la même construction que pour  le carrelage dans la position frontale. Comme on peut voir sur ce dessin.

Comment construire un carrelage en perspective sous angle 45

La seule différence est que les points en bas du tableau n’indiqueront pas les côtés, mais leurs  diagonales.

Dans l’article précédent  je vous ai parlé du principe de la grille en perspective. Pour illustrer ce principe,regardons :

Comment construire un carrelage en perspective dans une position aléatoire.

Pour construire un carrelage en perspective oblique, je vous donnerai la méthode qui est très simple.

Commençons, comme d’habitude par dessiner la ligne d’horizon sur laquelle nous tracerons deux points de fuite F1 et F2. En bas du tableau nous dessinerons les points qui indiquent la largeur des carrés 1, 2, 3, 4, etc.

Comment construire un carrelage en perspective oblique

De ces points nous tirerons les lignes droites vers le point de fuite  F1 ( 1 – F1, 2 – F1, 3 – F1, 4 – F1 ). Et ensuite nous relierons les mêmes points avec le point de fuite F2  ( 1 – F2, 2 – F2, 3 – F2, 4 – F2 ).

Voilà, vous  savez  comment construire un carrelage en perspective et pouvez utiliser ces connaissances pour appliquer le principe de grille en perspective lorsque vous dessinez les paysages, l’architecture en perspective et les intérieurs.

Observons maintenant quelques exemple de l’histoire de l’art où les artistes ont représenté dans leurs tableaux le carrelage ou les carreaux de parquet.

Sur la fresque de Raphaël  “L’École d’Athènes” , placée au début de cet article, on peut étudier comment construire un carrelage en perspective frontale.

Cette aquarelle de Fiodor Ivanovitch Tolstoï  représente le parquet en mosaïque dans la position frontale aussi.

Fiodor Ivanovitch Tolstoï. Comment construire un carrelage en perspective frontale
Fiodor Ivanovitch Tolstoï

Sur cette peinture de  Mikhailov , on peut voir comment le peintre construit les mosaïques de parquet placés sous un angle de 45° par rapport à la surface du tableau.

Mikhailov
Grégoire Mikhailov

Et à la fin regardons encore une fois la peinture de Nicolaï Gay  où on peut étudier comment l’artiste construit le carrelage dans la position oblique.

Nicolaï Gay. Comment construire un carrelage en perspective oblique
Nicolaï Gay. Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis à Peterhof

Maintenant je vous propose de dessiner le carrelage ou la mosaïque de parquet pour appliquer ce qu’on a appris dans cet article. Pour vous entraîner, je vous propose également de dessiner les planches de parquet, comme, par exemple sur ce tableau d’Ilia Répine

Ilia Répine.
Ilia Répine  Visiteur inattendu

Et bien sûr, Je vous invite à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

Comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

Et pourquoi il faut savoir comment dessiner un carré aléatoire en perspective pour apprendre la peinture, notamment le paysage. 

Les études approfondies de la perspective aident au artiste peintre à apprendre à dessiner d’après nature. Car l’artiste dessine ou peinte la nature d’après ses observations et ses connaissances acquises. La capacité à dessiner un carré aléatoire en perspective est importante lorsque vous représentez des carrelages ou des carreaux de parquet.

Comme par exemple, dans ce tableau de Nicolaï Gay.

Dessiner un carré aléatoire en perspective. Gay.
Nicolaï Gay. Pierre le Grand interrogeant le tsarévitch Alexis à Peterhof

La capacité à construire le carrelage en perspective à une grande importance lorsque vous dessiner un paysage. Par exemple quand vous dessinez les vagues ou les nuages. Le principe de la représentation et identique à celle des carreaux de parquet ou des carrelages. C’est  le principe de la grille en perspective.

Malgré que les contours des nuages soient variables, le type de leurs formes, a la même hauteur et dans les mêmes conditions météorologiques, est homogène.

C’est pour cela que l’on doit les dessiner plus petites vers la ligne d’horizon. Et les parties supérieures des nuages peuvent se cacher partiellement derrière les nuages qui sont plus proches du spectateur. Il faut se rappeler que les parties basses des nuages se trouvent à la même hauteur.

Dans ce paysage d’ Isaac Levitan on voit la réduction progressive des vagues au fur et à mesure qu’elles s’éloignent vers la ligne d’horizon et dans la profondeur du tableau. Étudiez aussi la peinture d’Isaac Levitan “Le lac” que vous avez vu au déduit d’article. Dans ce paysage vous pouvez voir la diminution progressive des nuages vers la ligne d’horizon. 

Dessiner un carré aléatoire en perspective. Levitan
Isaac Levitan. Le vent frais. La Volga.

Donc étudions maintenant comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

D’abord on choisit le point de fuite central P et un côté du carré A E. Ensuite nous devons relier les points  A et E avec le point de fuite centrale P et continuer de tirer ces lignes jusqu’au bas du tableau, cela veut dire jusqu’aux points A1 et E1. Comme la distance entre le tableau et le point de vue et trop grande, on va la réduire de quatre fois (Z:4), pour que cela soit plus pratique à construire. Alors la distance A P on doit la diviser par quatre aussi. Comme cela on obtient la distance P-a.

dessiner un carré aléatoire en perspective
Comment dessiner un carré aléatoire en perspective.

Du point a tirons une ligne parallèle au segment A E, jusqu’à son point d’intersection avec la ligne d’horizon. Comme cela on obtiendra le point F2:4. Maintenant  trouvons  le point e. C’est le point d’intersection des lignes E-P et a- F2:4.  Le point F2:4 relions les avec le point Z:4. Ensuite construisons un angle droit avec le point Z:4, en construisant son deuxième côté jusqu’à la ligne d’horizon.

De cette manière on trouvera le point F1:4. Dans la partie basse du tableau, le segment A1 – E1 est représenté par la projection de la taille réelle du carré. Il faut reporter cette distance A1 – E1 sur la ligne d’horizon du point F2:4 dans la direction du point de fuite central P.

La construction restera correcte même si l’on ne reportera pas la distance entière, mais sa moitié. Comme sur notre dessin où on reporte la moitié du segment A1 – E1 et comme cela on obtient le segment n1- F2:4. Du point n1 tirons la perpendiculaire jusqu’au point d’intersection avec la ligne F2:4 – Z:4 et ainsi nous trouverons le point n. Le segment n- F2:4 est égal à la moitié de la taille réelle d’un côté de carré.

Maintenant  relions les points a et e avec le point F1:4 et nous trouverons ainsi les directions des autres côtés du carré en perspective ( ce et ab ).

Pour obtenir les directions de ces côtés de carré, nous reporterons la taille de segment n-F2:4 du point de fuite F1:4 dans la direction du point  Z:4. De cette façon nous aurons trouvé la dimension F1:4 -m.

Maintenant on doit projeter le point m sur la ligne d’horizon pour obtenir le point m1.  La dimension F1:4-m1, c’est la taille de la moitié  de la projection du côté A B de carré. Maintenant on peut facilement trouver la taille de la projection du côté A B en entier, ayant reporté deux fois la distance F1:4-m du point A1 jusqu’au point B1 ( A1-B1) dans la partie basse du tableau.

Relions le point B1 avec le point de fuite central P et trouvons le point b. Ce sera le point d’intersection des lignes B1-P et a-F2:4. Ayant relié le point b avec le point F2:4 on obtiendra le point c au point d’intersection avec la ligne e-F1:4. Voilà on a trouvé le carré abce. Maintenant il ne nous reste que tirer une ligne parallèle à la ligne a-F1:4 du point A jusqu’au point d’intersection avec la ligne B1-P pour trouver  le point B. De la même manière trouvons le point C et comme cela nous pourrons finir à dessiner un carré aléatoire en perspective.

Je vous donnerai ici encore une  astuce, beaucoup plus simple, pour dessiner un carré aléatoire en perspective.

comment dessiner un carré aléatoire en perspective  une astuce simple.

Pour commencer traçons la ligne d’horizon et les points de fuite F1 et F2.

Ensuite choisissons la place du point A et tirons les lignes droites du point A aux points F1 et F2  ( A – F1, A – F2 ). Sur la ligne A – F1 traçons le point B et relions le point B avec le point de fuite F2 ( B – F2 ).

Après cela traçons le point E sur la ligne A – F2 et relions le point  E avec le point de fuite F1 ( E – F1 ). Finissons la construction de ce carré par trouver le point C. Le point C sera le point d’intersection de la ligne E – F1 avec la ligne B – F2.

La différence entre deux méthodes.

La différence entre ces deux méthodes est que la première méthode est utilisée plutôt par les architectes ( cela ne signifie pas que les peintres ne doivent pas la connaître ) pour placer le carré avec les proportions et les dimensions exactes et précises dans l’espace du tableau.

Donc si l’on regarde de nouveau le premier schéma, ici le deuxième carré abce, c’est la projection du premier carré ABCE. C’est pour cela qu’ils n’ont pas les mêmes points de fuite.

Le problème de la deuxième méthode est que l’ on ne peut pas mesurer la taille exacte des côtés de carré de cette manière et on est obligé de les tracer à l’œil. Ce qui n’est pas grave en soit quand vous dessinez d’après nature et quand vous pouvez en plus utiliser la méthode de comparaison pour vérifier votre dessin.

Bravo! Si vous êtes arrivé jusqu’ici, cela veut dire que vous avez eu la patience pour lire cet article qui est assez complexe jusqu’au bout.

Et vous avez bien raison!

Car il n’y a pas de choses le plus important pour l’artiste peintre que de vouloir comprendre pourquoi le monde qui nous entoure est organisé de cette façon, pourquoi on voit  tel ou tel objet de cette manière, aller jusqu’au bout pour comprendre l’origine des choses et vouloir apprendre.

Maintenant je vous propose de faire un exercice. Dessinez un paysage avec les vagues ou avec beaucoup de nuages en appliquant le principe de grille en perspective.

Cela ne veut pas dire que vous deviez absolument construire le carrelage pour dessiner les nuages. Vous pouvez facilement utiliser la méthode de comparaison pour dessiner d’après nature.  Mais comme vous avez déjà acquis les connaissances  dans cet article, vous auriez plus de facilité à dessiner, sachant comment cela se construit.

Je vous invite également à me laisser un commentaire. Et n’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours ravie de vous aider !

A bientôt ! 🙂

Lisez la suite de cet article dans mon article suivant Comment construire un carrelage en perspective, ou je vais parler plus du principe de la grille en perspective.