Comment dessiner un paysage au pastel sec

Dans cet article nous allons voir comment dessiner un paysage au pastel sec dans la style impressionniste.

Tout d’abord nous allons jeter un coup d’œil sur le matériel, ensuite je vous parlerai de la technique de pastel et de la technique impressionniste et à la fin de cet article je vous inviterai à regarder un cours vidéo qui vient de ma chaîne YouTube.

Dans cette vidéo de démonstration “Paysage au pastel sec dans le style impressionniste” vous verrez le processus de réalisation du dessin au pastel dans la technique impressionniste de A à Z et ce pas à pas avec toutes les explications, les conseils et les commentaires.

En fait j’ai fait cette vidéo pour un des cours de ma formation « Devenez artiste que vous rêvez d’être », mais finalement j’ai décidé de mettre cette vidéo sur mon site et de la rendre accessible à tous les lecteurs de mon blog.

Pour ceux qui suivent déjà ma formation – vous aurez cette vidéo de démonstration directement dans le cours 51 de la formation pour que vous puissiez la télécharger, elle sera publiée au-dessus de la vidéo du cours 51 « Comment dessiner les montagnes » comme complément de la vidéo 1 du cours. Et bien sûr cette démonstration est accessible à tout le monde sur ma chaîne YouTube.

Mais avant que vous alliez regarder la vidéo “Paysage au pastel sec dans la style impressionniste” je vous conseille de lire cet article car ici je donne quelques informations supplémentaires.

Le matériel pour dessiner le paysage au pastel sec

Comme support j’utilise du papier pastel noir grain fin. J’utilise souvent les papiers ou les cartons avec des couleurs foncées ou contrastées par rapport aux couleurs de mon tableau. Je trouve que le fait de travailler sur un support foncé fait ressortir la texture du pastel et ses couleurs vives.

Pour dessiner j’utilise un pastel sec demi-tendre Rembrandt, Jaxell, Podolsk et dur Drawent.

Maintenant  je voudrais vous donner quelques conseils pour réussir votre paysage au pastel sec.

Toutes d’abord je voudrais vous parler de la technique impressionniste. L’impressionnisme ce n’est pas uniquement un courant artistique c’est une façon de voir et de transmettre l’état de la nature.

L’impressionnisme transmets l’état de la nature « Ici et maintenant », transmet l’instant, le rayon de soleil, le mouvement de l’eau etc. Donc quand on réalise un paysage au pastel sec dans le style impressionniste on doit transmettre nos sensations, notre spectateur doit sentir la fraicheur du matin, la lumière chaude du soleil, le vent, on doit transmettre l’air et parfois même les odeurs à travers notre tableau.

Paysage au pastel sec. Impressionnisme

Quand on travaille dans le style impressionniste on évite les lignes droites, les contours, on travaille beaucoup avec les couleurs, avec la température des couleurs et avec les couleurs opposées. 

Parlons maintenant des couleurs.

Dans ce tableau il y a beaucoup de couleurs vertes. La couleur verte est l’une des plus compliquée dans la peinture. Quand on travaille sur un paysage on suit une règle : « Ne pas peindre le vert avec la couleur verte ». Cela parait bizarre, n’est-ce pas ? donc comment cela s’explique…

En fait quand on parle de la couleur verte dans la nature on ne parle pas du pigment (vert viride, vert émeraude, dioxyde de chrome, vert de cobalt etc.), on parle des nuances riches des couleurs qu’on voit devant nous. Ce sont des nuances de bleu, de jaune, de rouge, de violet, d’ocre etc., qui ensemble font les nuances riches de la couleur verte.

Donc quand vous travaillez sur la verdure, n’utilisez pas la couleur verte que vous trouvez dans les pigments, cherchez toujours les nuances.

Cherchez toujours la différence entre les couleurs vertes sur votre tableau. Comparez les couleurs des parties éclairées des arbres ou des herbes. Demandez-vous quelle couleur vous voyez dans ces parties à par la couleur verte, peut-être la couleur jaune ou ocre ou rouge ou orange. Et dans les ombres…. Est-ce que les ombres sont vraiment bleues ? Ils peuvent être violettes, bleues, rouges froides.

Paysage au pastel sec

Dans l’ombre on verra toujours les couleurs opposées à celles de la lumière, de la partie éclairée. Et n’oubliez pas une des règles principales de la peinture : « Si la lumière est chaude, l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide ». C’est la règle de la température des couleurs. Toutes les peintures impressionnistes sont basées sur cette règle. Pour les autres couleurs c’est la même chose. Il faut toujours chercher les nuances des couleurs et comparer les couleurs.

Les bleus avec les bleus, les jaunes avec les jaunes, les rouges avec les rouges et les verts avec les verts. Mais faites attention pour garder les parties éclairées et les parties ombragées des objets unifiées, pour ne pas les rendre fractionnées, en ragoutant les couleurs ne changez pas leurs valeurs. Cela veut dire que par exemple dans la partie éclairée d’un arbre on peut ragouter les nuances de jaune, d’ocre, du rouge, mais si l’on regarde cet arbre en plissant nos yeux on verra la différence des valeurs de gris de ces couleurs. La surface éclairée va nous paraitre unie et de même valeur.

Exercice.

Si vous avez du mal à réaliser cela je vous propose un exercice. Prenez la couleur rouge, bleue, jaune et blanche (si vous faite cet exercice au pastel, à l’huile ou à l’acrylique et vous pouvez vous passer du blanc si vous faites cette exercice à l’aquarelle), mettez-les à côté sur une feuille de papier ou sur un carton et essayez en diluant les couleurs ou en y ragoutant du blanc de les rendre pareille au niveau des valeurs de gris. Si vous regardez ces couleurs en plissant les yeux elles doivent vous paraitre pareilles au niveau des valeurs de gris.

Et ce que vous pouvez faire encore pour vérifier si vous êtes arrivés à les rendre de même valeur de gris, vous pouvez tout simplement les prendre en photo avec votre portable en mode de noir et blanc. Comme cela vous verrez facilement s’il y a la différence entre ces couleurs au niveau des valeurs ou non.

Maintenant je vous invite à regarder le cours vidéo “Paysage au pastel sec dans le style impressionniste” qui vient de ma chaîne YouTube, pour ce qui suivent ma formation, ce cours sera téléchargeable (exceptionnellement je mets ce cours en troisième vidéo dans le cours car je trouve qu’il sera utile même pour les membres de la formation).

Je vous invite également à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de ce cours, si l’exercice que je vous ai donné est utile pour vous, quels problèmes vous rencontrez lors de la réalisation d’un paysage. Et n’hésitez pas me poser des questions, je ferais de tous mon mieux pour vous répondre rapidement et vous aider dans vos réalisations artistiques. 

Merci d’avoir lu cet article ! A bientôt !:)

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Comment dessiner un paysage au pastel

Dans cet article nous allons parler de comment dessiner un paysage au pastel sec. Tout d’abord nous allons parler du matériel nécessaire pour dessiner un paysage au pastel, ensuite je vous donnerai quelques informations techniques supplémentaires et à la fin de cet article nous allons regarder un cours vidéo qui vient de ma chaîne YouTube. Dans cette vidéo vous pourrez voir tout le processus de travail sur un paysage de A à Z.

Dans cette vidéo je vous donne beaucoup de conseils et d’explication pour dessiner un paysage au pastel, mais je vous invite à quand même lire cet article avant de passer à la vidéo comme ça vous aurez l’information la plus complète pour réussir votre paysage.

Matériel pour dessiner un paysage au pastel :

Ce paysage je l’ai réalisé au pastel sec, mais il excite encore un autre type de pastel – le pastel gras.

Quelle est la différence entre ces deux types de pastel ? Le pastel gras (à la base de l’huile ou de cire) et pastel sec.

Le pastel gras à la base de l’huile est fabriqué par pressage à partir de pigments mélangés avec de l’huile de lin. Le pastel sec est fabriqué de la même manière, à l’exception du fait que l’huile n’est pas utilisée. Les pastels à la cire sont à base de cire de la plus haute qualité et de pigments.

Ce type de pastel s’utilise pour les tableaux décoratifs, pour réaliser des tableaux avec beaucoup de texture et de couleurs vives. Ce pastel permet de ne pas utiliser de fixatif pour protéger la surface du tableau. Mais l’inconvénient c’est que ce pastel ne permet pas de travailler dans les nuances, la richesse des couleurs est plus limitée que dans le pastel sec.       

Le pastel sec se compose d’un pigment pur mélangé à un liant, qui peut être du sucre, de l’argile, de la gomme adragante, de la gomme arabique ou une autre colle à base d’eau. De différents pigments blancs sont ajoutés aux autres couleurs pures pour donner différentes nuances aux couleurs de pastel sec.

Si de la craie, du talc, du gypse sont mélangés à la poudre colorante pour la rendre plus pale le liant à la base de colle ne s’utilise pas. La dureté du pastel dépend du volume du liant – plus il est important, plus les pastels sont durs. En raison de la craie dans la composition, l’image prend une texture veloutée mate.

Il existe les pastels tendre (Sennelier – pastel à écu par exemple), les pastels demi-tendre (Rembrandt par exemple), pastels durs ( Derwent ).

Les pastels durs s’utilisent souvent pour faire le dessin préparatoire et parfois pour dessiner les petits détails à la Phase finale de réalisation du tableau.

Pastel demi-tendre c’est le type de pastel le plus utilisé par les artistes, il convient pour toutes les étapes de travail sur un tableau.

Le pastel tendre s’utilise principalement pour dessiner des grandes formes, dans la première couche de dessin au pastel, car il est très facile à estomper et dans les couches supérieures pour montrer la texture du pastel.

Avec le pastel vous pouvez travailler sur beaucoup de types de supports – carton, bois, toile, papier.

Pastel sec a besoin d’être fixé par le vernis en spray à la fin de la réalisation de votre tableau.

Aujourd’hui j’ai choisi un support classique pour dessiner un paysage au pastel – papier gris pour pastel avec une texture assez fine.

Je réalise ce paysage avec le pastel sec demi-tendre Rembrandt, Podolsk et le pastel dur Drawent.

Maintenant parlons un peu des étapes de travail pour dessiner un paysage au pastel.

La première étape c’est la composition et le dessin préparatoire.

Pour un tableau au pastel on fait un dessin préparatoire très général, on ne dessine que des grandes masses, grandes, formes, la composition générale, car ensuite on va directement passer au dessin en couleurs.

Dessin préparatoire pour le dessin au pastel
Dessin préparatoire pour le dessin au pastel

La deuxième étape c’est une ébauche, une sou couche colorée qui permet d’avoir la base pour les couleurs.

A cette étape on ne dessine pas de détails, on travaille uniquement avec les grandes formes. Faites attention, quand on travaille au pastel on commence très souvent par les couleurs sombres, pour travailler pardessus avec les couleurs plus claires.

Comment dessiner un paysage au pastel. Deuxième étape de dessin au pastel. Première couche de pastel
Deuxième étape de dessin au pastel. Première couche de pastel

Quand on travaille au pastel on mélange nos couleurs directement sur notre feuille. Pour obtenir telle ou telle nuance de couleur de pastel, hachurez la surface de votre feuille avec votre bâtonnet de pastel et ensuite rajoutez pardessus la couleur que vous voulez mélanger avec votre première couleur.

Comment dessiner un paysage au pastel. Deuxième étape de dessin au pastel. Première couche de pastel
Deuxième étape de dessin au pastel. Deuxième couche de pastel

Les couleurs vont se mélanger sur votre papier, ensuite vous pouvez les estomper avec vos doigts ou garder la texture des hachures, cela dépend de votre technique choisie.

Pour rendre les couleurs plus sombres mélangez-les avec les couleurs noires ou grises foncées. Il vaut mieux mettre tout d’abord la couleur noire sur votre papier et ensuite mettre pardessus une autre couleur ou plusieurs couleurs que vous voulez rendre plus foncées. Mais vous pouvez également passer avec la couleur noire pardessus la couleur que vous voulez rendre plus foncée et ensuite encore retravailler pardessus avec la même couleur ou avec les nuances de couleurs que vous voulez rajouter.

C’est tout à fait pareil pour les couleurs claires. Pour éclaircir les couleurs s’utilise la même méthode que pour les couleurs foncées, mais déjà avec la couleur blanche ou avec les nuances de blanc.

A la troisième étape on commence à travailler sur les détails. Mais même quand vous travaillez sur les détails je vous conseille d’aller toujours des grandes formes vers les plus petites. Et faites très attention à ne pas rajouter trop de détails. Lors de votre travail vous devez toujours faire le tri. Rendre les détails et les formes importantes pour votre sujet plus visibles, plus détaillés et parfois vous débarrasser complètement des détails qui détournent l’attention de votre spectateur sur l’essentiel.

Troisième étape de travail sue un paysage au pastel.
Troisième étape de travail sue un paysage au pastel.

Quatrième étape c’est l’étape la plus difficile. C’est à cette étape qu’on doit unifier, généraliser notre tableau. Se débarrasser des détails en trop, intégrer tous les éléments de notre dessin, les réunir.

Comment dessiner un paysage au pastel. Quatrième étape de travail sur un paysage au pastel
Quatrième étape de travail sur un paysage au pastel.

Pour faire cela je vous propose de regarder souvent votre tableau une distance d’au moins 3 mètres pour voir votre tableau en entier.

Je vous conseille de vous poser tout le temps des questions lors de votre travail, par exemple : « Quelle est la taille de cet objet ou cette partie par rapport aux autres parties ? Quelle est l’intensité et les valeurs des ombres du premier plan par rapport aux ombres du deuxième plan » etc.

On perçoit ce monde, tout ce qui nous entoure en comparaison. On voit que l’objet est grand car on le compare avec un autre objet ou avec nous, sinon comment on peut comprendre que cet objet est grand ? Donc pour dessiner un paysage au pastel, comme d’ailleurs pour n’importe quelle peinture ou dessin on doit utiliser cette méthode de comparaison.

Comparez les couleurs bleues avec les couleurs bleues pour trouver les nuances et la différence entre les couleurs bleues, les couleurs rouges avec les couleurs rouges, les couleurs jaunes avec les couleurs jaunes. Les valeurs des ombres avec les ombres et les parties éclairées, la lumière avec la lumière.

Et bien sûr n’oubliez pas une des règles principales de la peinture – la température des couleurs.

Si la lumière est chaude, l’ombre est froide et si la lumière est froide l’ombre est chaude.

Pour dessiner un paysage au pastel il faut connaitre les règles de la perspective atmosphérique et de la perspective linaire.

Plus l’objet s’éloigne vers la ligne d’horizon plus il devient petit, il perd ses contrastes, les ombres deviennent plus claires, la couleur générale de l’objet devient plus bleue, on voit cet objet flou, sans détail. Pour réussir la perspective atmosphérique comparer les valeurs des objets au premier plan avec les valeurs des objets au deuxième plan, les couleurs des objets au premier plan avec les couleurs des objets au deuxième plan.

Maintenant je vous propose de regarder la vidéo “Comment dessiner un paysage au pastel” qui vient de ma chaîne YouTube où vous verrez tout le processus de travail, la finesse de la technique en pastel en détail accompagnés par mes explications, mes commentaires, mes conseils.

Également je vous invite à m’écrire dans les commentaires de cet article ou de la vidéo sur YouTube quelles difficultés vous rencontrez quand vous travaillez au pastel et quelles solutions trouvez-vous pour dépasser ces difficultés. Et bien sûr si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me poser des questions ou me contacter par mail je suis toujours heureuse de vous aider.

Comment dessiner un paysage au pastel

Merci d’avoir lu cet article !

A bientôt ! 🙂               

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Comment dessiner des croquis au crayon

Dans cet article nous allons voir comment dessiner un croquis au crayon de paysage d’après nature, gérer le clair-obscur et les contrastes dans le croquis au crayon et à la fin de cet article nous allons regarder une vidéo de démonstration qui vient de ma chaîne YouTube dans laquelle nous verrons tout le processus de travail sur un croquis au crayon d’après nature en plein air. Malgré que ce soit une démonstration très détaillée, je vous conseille de lire cet article avant car ici je donne des informations supplémentaires et ensuite de passer à la vidéo.

Pour dessiner un croquis au crayon d’après nature en plein air nous avons besoin :

1.Des crayons graphites H ou HB, B2, B3, éventuellement B4 et B5.

La dureté de crayon dépend de l’étape du dessin et du papier. Si vous dessinez sur une feuille de papier assez lisse (type bristol) vous pouvez prendre des crayons plus tendres.

Si vous dessiner sur une feuille de papier aquarelle vous pouvez utiliser des crayons plus durs car la texture de papier aquarelle rend les traces de crayon plus tendre. Si vous êtes sûr de vous et arrivez bien gérer la pression sur votre crayon quand vous êtes en train de dessiner vous pouvez réaliser le croquis en entier avec le même crayon par exemple avec un crayon B2, mais ça marche plutôt pour les croquis très rapides destinés juste à capter le mouvement.

Si vous voulez faire un croquis plus détaillé, travaillez plus sur les valeurs et l’atmosphère, je vous conseille d’utiliser un crayon H ou HB pour commencer votre croquis et passer ensuite aux crayons B2, B3 ou B4 pour travailler sur les valeurs de gris.            

Aujourd’hui on parle des croquis au crayon graphite, mais pratiquement les mêmes conseils vont pour tous les autres techniques de croquis.

Dans mes prochains articles nous allons voir comment dessiner des croquis à la sanguine, au stylo et à l’encre de chine, pour ces types de croquis on va utiliser des feuilles de papier différentes, pour la sanguine ou la sépia on peut utiliser les feuilles de papier pour le pastel ou des papiers type bristol comme pour les croquis en crayon et pour les croquis au stylos et à l’encre de chine on va utiliser du papier très lisse.

2.Une gomme. J’utilise une gomme koh-i-noor (avec un éléphant) car il ne tache pas la surface du papier.

3.Une feuille de papier collée sur un support ou carnet de croquis. Pour réaliser ce croquis j’ai utilisé un carnet de papier aquarelle grain fin, mais bien sûr pour réaliser les croquis vous avez un grand choix de papier.

Papier pour les croquis. Souvent ce type de papier se vend dans des carnets de croquis, mais parfois vous pouvez trouver ce papier par feuille ou dans en rouleau pour les croquis de grand format. D’habitude ce papier est assez fin (80gr – 120gr), ce type de papier ne supporte pas très bien le gommage donc il ne convient pas pour le dessin de long terme. Ce papier existe en blanc ou en couleur. Sur ce papier vous pouvez faire des croquis au crayon, au fusain, à la sanguine ou sépia (le matériel est pareil en utilisation, juste c’est la couleur qui change), au pastel.  

Papier bristol. Ce type de papier existe en rouleaux, par feuilles et en carnet de dessin de différents formats. Ce papier supporte bien le gommage et convient tout autant pour le dessin que pour les croquis rapides. Si vous faites des croquis de voyage je vous conseille de privilégier ce type de papier car sur ce papier vous pouvez choisir librement votre technique (stylos, fusain, crayon, sanguine, pastel, aquarelle, gouache, technique mixte).

Papier aquarelle. Existe en rouleaux, par feuilles et en carnets et en blocs. Ce type de papier peut être utiliser pour faire des croquis au crayon, à l’aquarelle, à la gouache, au pastel, à la sanguine, au fusain.

Si vous travaillez avec un carnet de croquis vous n’avez pas besoin de support, si ce sont le feuilles de papier je vous conseille de les fixer sur un support ( contre-plaqué par exemple).

Voilà, c’est tout ce que vous avez besoin pour faire des croquis, n’oubliez pas juste un cutteur et une chaise pliante si vous allez dessiner dans un endroit où il est difficile de trouver une place pour vous assoir.

Matériel pour les croquis au crayon
Matériel pour les croquis au crayon

Maintenant parlons des étapes de travail sur un croquis au crayon.

Dans ce cours on parle des croquis pour faire des dessins rapides destinés à capter l’atmosphère, le clair-obscur, l’état de la nature dans le moment précis. Donc ce type de croquis on commence toujours par un dessin léger pour déterminer la composition de notre feuille. Cette étape est très importante. Pour faire des croquis une bonne composition fait 90% du succès.

On commence à dessiner toujours par les grandes formes, par la composition générale, pour après passez ver les formes plus petites. A cette étape on travaille avec un crayon H ou HB. Faites attention, ne commencez jamais à dessiner par un détail ou détailler trop tôt votre dessin.

début de dessin

Ensuite on passe à l’étape suivante, ici on peut gommer légèrement notre dessin s’il nous parait trop foncé et commencer déjà à préciser les formes. Et de suite on peut commencer à travailler avec les valeurs en hachurant la surface de notre feuille.

croquis au crayon

Je vous conseille de commencer à travailler sur les valeurs le plus vite possible. C’est beaucoup plus facile que de travailler uniquement avec les contours. Notre cerveau perçoit et analyse les objets en volume, on voit la nature en volume, donc quand on dessine, notre vision est beaucoup plus juste quand on met de suite des hachures auxiliaires pour esquisser le volume.

croquis contrastes

Et pour finaliser notre croquis au crayon on va généraliser et unifier les formes, se débarrasser des détails qui nous empêchent d’avoir une vision globale de notre dessin, qui détournent notre attention des choses principales de notre dessin.

En fait ces étapes sont valables pour n’importe quel dessin et pour la peinture. Vous verrez toutes ces étapes détaillées dans la vidéo de démonstration.

 croquis au crayon. Les valeurs

Et encore une chose importante que je voudrais vous dire avant que vous passiez à la vidéo de démonstration. Faites toujours très attention aux contrastes dans votre dessin. Il n’y a pas de lumière sans ombre. Si vous voulez montrer par exemple les reflets du soleil qui brillent sur la surface d’eau, vous serez obligés de rendre la surface de la mer assez foncée.

Si vous n’avez pas de cet effet des reflets brillants, cela veut dire que la mer et également le ciel ne sont pas assez foncés.

Ici je vous ai parlé des contrastes des valeurs, mais il ne faut pas oublier que dans chaque dessin on doit avoir des contrastes qui rendent notre dessin intéressant à regarder – le contrastes des tailles, des formes, des lignes. Ce sont des contrastes utilisés pour rendre la composition de votre dessin ou de votre peinture intéressantes. Et bien sûr si vous travaillez en couleurs vous devez faire attention au contrastes des couleurs et surtout à la température des couleurs.

Maintenant je vous invite à regarder la vidéo ” Comment dessiner des croquis au crayon” qui vient de ma chaîne YouTube et dire dans les commentaires des vidéos sur YouTube ou ici sur ce site quelles difficultés vous rencontrez quand vous dessinez des croquis au crayon ou en autre matériel, qu’est-ce qui vous bloque pour avancer, quel type de dessin ou de peinture préférez- vous ? Votre retour est important pour moi pour que je puisse vous aider d’avantage.

Et bien sûr vous pouvez me posez toutes vos questions dans les commentaires et si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me contacter. Je serai toujours ravie de vous aider.

Merci d’avoir lu cet article ! A bientôt ! 🙂

                    

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Comment peindre un paysage à l’aquarelle d’après nature

En été il est si agréable d’aller dessiner et peindre en plein air. Dans cet article nous allons voir les étapes de travail sur un paysage d’après nature, comment peindre un paysage à l’aquarelle, comment s’organiser pour peindre en plein air à l’aquarelle et à la fin de cet article nous regarderons le cours vidéo Comment peindre un paysage à l’aquarelle d’après nature”.

Comment s’organiser pour peindre un paysage à l’aquarelle d’après nature en plein air.

Le matériel à prévoir

Donc pour peindre un paysage à l’aquarelle en plein air nous allons avoir besoin:

  1. Une planche à dessiner
  2. Un scotch pour fixer notre feuille de papier sur une planche à dessiner
  3. Une boite de peinture aquarelle
  4. Une palette en plastique ( si votre boîte de la peinture aquarelle est fournie avec une palette, ce qui est souvent le cas, vous n’aurez pas besoin d’avoir une palette supplémentaire )
  5. Les pinceaux ronds ( grand pinceau au petit gris, un pinceau au petit gris de taille moyen, un pinceau en putois sibérien ou en martre de taille moyen, un petit pinceau en putois sibérien ou en martre. )
  6. Goblet pour mettre de l’eau ( pot de confiture par exemple)
  7. Bouteille d’eau
  8. Un chiffon ou le sopalin pour essuyer les pinceaux
  9. Une petite chaise pliante ( comme pour les pécheurs)
  10. Une feuille de papier aquarelle ( d’après mon expérience la taille idéale pour travailler en plein air se situe entre A4 et A3 environ ).
  11. Une éponge de mer.
  12. Une casquette ou un chapeau.

Avant de partir peindre je vous conseille de coller votre feuille de papier aquarelle sur votre planche à dessiner .

Scotche pour coller une feuille sur une planche à dessiner
Comment peindre un paysage à l'aquarelle d'après nature. Planche à dessiner

Dans les boutiques pour les artistes peintres vous pouvez trouver le papier aquarelle en blocs, il parait que c’est pratique pour peindre sans coller la feuille sur le support, mais en réalité ce n’est pas si pratique que ça. Si votre feuille de papier dans le bloc gondole, parfois après le séchage elle ne se redressera pas uniformément, de même il n’est pas très pratique pour décoller la feuille après le travail du bloque, car les bords après avoir être mouillés peuvent se déchirer facilement.

Egalement quand vous travaillez sur un bloc vous n’avez pas de bords libres pour poser votre main. Vous pouvez utiliser les blocs pour les petits formats et quand vous n’avez pas prévu de travailler beaucoup dans le mouillé. Mais si vous allez peindre sur un grand format il vaut mieux de décoller la feuille du bloc et la recoller sur votre planche à dessiner.

Comme chaise pour peindre en plein air choisissez plutôt une chaise très basse pour que quand vous êtes assis pouvoir mettre votre boite d’aquarelle, le gobelet et la palette par terre.

Bien sûr il est mieux d’avoir une boite à peinture avec le trépied, pour peindre à l’huile c’est obligatoire et avec cette boite à peinture vous pouvez travailler restant debout ou assis sur une chaise assez haute. Mais pour peindre à l’aquarelle la boite à peinture n’est pas obligatoire, on peut bien s’en passer.

 Chevalet boîte
Boîtes à peinture avec le trépied

L’intérêt d’aller peindre un paysage à l’aquarelle d’après nature c’est aussi le facilité de transporter le matériel, c’est pour cela que même les artistes qui travaillent principalement à l’huile prennent dans leurs voyages l’aquarelle pour pouvoir faire les études d’après nature sans avoir beaucoup de matériel.

Comment s’installer pour peindre un paysage d’après nature ?

Quand vous arrivez sur place installez-vous de façon à ce que votre feuille de papier soit dans l’ombre. La lumière du soleil change les couleurs et les valeurs sur votre peinture. Donc en travaillant sur une feuille de papier éclairée par le soleil vous risquez de vous tromper avec les couleurs et rendre votre peinture pas assez contrastée.

Comment peindre un paysage d'après nature.
Les élèves de mon école d’art en plein air

Une fois que vous êtes installé vous pouvez commencer votre peinture par un dessin préparatoire ou sans dessin préparatoire, on parlera de cela après dans la vidéo qui se trouve en bas de cet article et que je vous invite à regarder après avoir finir à lire cet article.

Faites votre esquisse !

Mais avant de faire votre dessin, surtout si vous allez peindre sur un format assez grand, je vous conseille de faire une petite esquisse sur une feuille de papier à part. ( votre esquisse doit être vraiment petit 7cm x 10 cm environ) Malgré ce qui peut nous paraitre une perte de temps, en faisant cette esquisse on ne perd pas notre temps, on économise le temps.

Comment peindre un paysage d'après nature. Esquisse.
C’est une esquisse pour une nature morte, mais le principe est le même pour le paysage.

L’esquisse nous permet d’avoir une idée juste de ce qu’on doit avoir au finale sur notre feuille et bien sûr il nous sert pour ne pas nous tromper avec la composition. Car la composition c’est une chose primordiale pour n’importe quel dessin ou peinture.

Commencez à peindre votre paysage par dégraisser votre feuille avec éponge de mer ou avec un pinceau en petit gris.

Quand vous transportez votre feuille, collez sur une planche, faites un dessin préparatoire, vous touchez la feuille avec vos doigts et laissez en peu de sébum sur la surface de votre feuille ce qui peut empêcher de mettre une couche de peinture aquarelle uniformément. Et en mettant l’eau sur votre feuille vous enlevez le sébum. D’ailleurs vous pouvez ragouter un un peu de couleur chaude dans l’eau pour colorer légèrement votre feuille.

Commencez à peindre votre paysage à l’aquarelle par l’endroit la plus claire.

Ne mélangez pas plus que 3 couleurs transparents et pas plus que 2 couleurs opaques dans un mélange. Tout sur le mélange des couleurs vous pouvez lire dans mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”.

Maintenant je vous invite à regarder mon cours vidéo qui vient de ma chaîne YouTube dans lequel vous verrez tous les étapes de travail et les techniques utilisées.

Comment peindre un paysage à l’aquarelle d’après nature

Merci d’avoir lu cet article !

A bientôt ! 😊

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Comment dessiner des croquis de paysage

Quand il fait beau il est tellement agréable de sortir en plein air pour dessiner ou peindre d’après nature. Il est tellement intéressant de réaliser pendant les vacances ou tout simplement un petit voyage des croquis de paysage qui peuvent laisser de bons souvenirs des vacances ou de voyage. Il y a une différence énorme entre une photo et un dessin ou une peinture réalisée d’après nature et des croquis de paysage.

Quand vous dessinez ou peignez tel sujet, ou tel paysage, vous donnez votre impression sur cet endroit, qui peut être complètement différant de l’impression des autres personnes de cet endroit. Vous pouvez exprimer vos sentiments à travers votre dessin, et passez un message à vos spectateurs.

C’est pour cela que faire des croquis de paysage, des croquis de voyage devient tellement à la mode. Mais en plus de cela le fait de dessiner d’après nature, d’observer la nature nous enrichie énormément. Tous les grands artistes dessinaient des croquis d’après nature. C’est comme cela qu’on apprend mieux.

La nature est le meilleur des professeurs !

Pour dessiner en plein air vous avez besoin de très peu de matériel.

Matériel pour réaliser des croquis de paysage

Comment dessiner des croquis de paysage

Pour réaliser un croquis de paysage d’après nature vous avez besoin des crayons HB,B,2B,3B ou 4B et 5B, bien sûr vous pouvez utiliser des crayons encore plus tendre comme 6B, 7B et 8B.

Mais dans ce cas faites attention à ne pas utiliser des crayons qui se trouvent trop loin dans l’échelle de dureté de mine. Par exemple si vous commencez à dessiner des croquis de paysage avec les crayons B continuez avec 2B et 3B et ne passez pas de suite aux crayons 7B. Les crayons qui se trouvent trop loin dans l’échelle de dureté se mélangent mal dans un dessin.

Donc pour faire un dessin aux crayons vous avez besoin des crayons, d’une gomme, des feuilles de papier pour le dessin ou pour l’aquarelle et d’une planche qui va vous servir de support pour les feuilles. D’ailleurs vous pouvez faire de jolis dessins en dessinant sur du papier aquarelle car la structure de ce papier est plus riche que celle d’un papier pour le dessin.

Faites juste attention, les crayons peuvent paraitre plus tendres sur le papier aquarelle. Donc pour dessiner sur ce type de papier prenez un crayon plus dur que pour le papier dessin. Par exemple si d’habitude vous dessinez avec le crayon B3, pour le papier aquarelle prenez B2.

Avant de vous laisser regarder le cours vidéo je voudrais vous rappeler quelques règles principales qui peuvent vous aider à réaliser les croquis d’après nature.

Les règles générales à respecter pour réussir des croquis de paysage

1.Commencez toujours par les grandes formes pour ensuite aller vers les plus petites.

2.Faites attention à la composition. Même pour le dessin de petit format, pour un croquis la composition doit être réfléchie et bien organisée.

3.Vous n’êtes pas obligé de dessiner tous les détails. Dessinez l’essentiel et laissez votre spectateur imaginer le reste.

4.Attirez toujours le regard de votre spectateur sur l’objet principal de votre tableau. Même pour les croquis utilisez les règles du nombre d’or pour construire la composition de votre dessin.

5.Respectez les règles de la perspective linéaire et la perspective atmosphérique. Plus l’objet est éloigné vers la ligne d’horizon plus il est clair, petit et moins contrasté.

6.Comparez tout le temps les valeurs. Comparez les ombres avec les ombres et les parties éclairées avec les partes éclairées pour voir clairement la différence des valeurs au premier plan, au deuxième et au dernier plan.

7.Regardez souvent votre dessin en plissant les yeux. Cela aide énormément à voir les valeurs.

Maintenant je vous laisse regardez le cours vidéo qui vient de ma chaîne YouTube et je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de ce cours.        

Merci d’avoir lu cet article !

A bientôt ! 🙂

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Comment dessiner des croquis de portrait

Dans cet article je vais vous montrer comment dessiner des croquis de portrait d’après nature.

comment dessiner des croquis de portrait

C’est tellement agréable de s’installer sur une terrasse de café, prendre une tasse de café et regarder la vie qui se déroule autour de nous.
Mais encore plus agréable de transmettre cette vie sur une feuille de papier, se sentir un peintre impressionniste qui fait des croquis dans un bistro parisien ou dans un café d’Antibes.
Pour faire cet article, moi aussi, je me suis installée sur une terrasse de Menton pour dessiner des croquis de portrait.

 portrait

Pour dessiner des croquis de portrait et tous les autres types d’après nature vous avez juste besoin d’un carnet de croquis, un crayon HB, un crayon 2B ou 3B ou même 4B, une gomme et…. C’est tout ! C’est très accessible comme matériel et en plus vous pouvez l’emporter partout avec vous, si vous voyez un sujet qui vous intéresse, vous avez de suite tout pour dessiner.

Bien sûr pour faire des croquis vous pouvez utiliser des crayons ou des bâtonnets de sanguine, de pierre noire, de sépia, de pastel, de fusain, l’encre de chine et même l’aquarelle, c’est à vous de voir, mais le crayon graffite reste le matériel le plus simple et le plus accessible.

Avant de vous laisser regarder le cours vidéo « Comment dessiner des croquis de portrait » je voudrais juste vous rappeler les étapes importantes d’un dessin de portrait qui marchent pour les croquis de portrait aussi bien que pour les portraits de long terme.

Comment dessiner des croquis portrait, les étapes de réalisation.

1. Donc on commence toujours par la composition générale, par placer notre sujet sur notre feuille avec les grande masses, ici il n’y a pas de surprise, c’est comme cela qu’on commence n’importe quel dessin ou peinture.

2. Ensuite on dessine la forme générale du visage avec les grandes lignes droites. On travaille comme un sculpteur qui taille un bloc de pierre, on dessine les facettes de la forme.

Première étape et Deuxième étape de  croquis

3. Après cela on dessine les lignes auxiliaires horizontales et verticales.
On détermine la position de la tête. Si la tête est penchée de tel ou tel côté, la direction, le mouvement.  Tout cela on le fait pour l’instant à l’œil, selon notre impression et sans prendre de mesures.

les lignes auxiliaires . Etape 3

4. Ensuite on commence à préciser la forme et déjà à mesurer les proportions. Par exemple la largeur du visage par rapport à sa hauteur, le ratio entre la partie faciale et la partie crânienne de la tête.

Vous pouvez trouvez l’information sur les proportions du visage dans mon article Proportions du vusage.

la forme générale du visage Etape 4

5. A l’étape suivante on commence à dessiner les détails en cherchant toujours le raccord proportionnel entre les détails et les parties du visage.

les détails Etape 5

6. Dès qu’on a finalisé la construction de la forme du visage on peut effacer les lignes auxiliaires et commencer à dessiner le portrait avec les lignes et les hachures plus libres et arrondies pour rendre notre portrait vivant.

comment dessiner des croquis de portrait. Etape 6

C’est à cette étape de croquis de portrait qu’on essaie de capter le caractère, les émotions, le regard, le mouvement, en fait capter tout qui fait la ressemblance.

dessiner des croquis de portrait. Etape 6

7. Pour finaliser le portrait on rend la partie de notre portrait qui se trouve au premier plan plus contrastée pour montrer la profondeur et le volume. De cette façon également on peut attirer l’attention de notre spectateur sur les détails les plus importants de notre portrait, par exemple sur la bouche et sur les yeux.

Toutes les étapes de réalisation du portrait vous pouvez trouver dans mon article Comment dessiner un visage.

dessiner des croquis portrait Etape 7

Maintenant je vous laisse regarder tranquillement le cours vidéo qui vient de ma chaîne Youtube et je vous invite de me poser toutes les questions dans les commentaires et me dire ce que vous pensez de ce cours. C’est très important pour que je puisse vous aider d’avantage.          

Comment dessiner des croquis de portrait

A bientôt ! 🙂

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Techniques de peinture à l’huile

Dans cet article je vais vous montrer les trois principales techniques de la peinture à l’huile.
J’ai réuni ces trois techniques dans le même cours vidéo, que vous pourrez voir à la fin de cet article.

C’est un cours vidéo « Techniques de peinture à l’huile » très complet.

Dans ce cours je vais vous montrer :

Comment peindre à l’huile au couteau,
comment peindre à l’huile avec une brosse en soies de porc et comment réaliser un glacis avec des pinceaux synthétiques.

Techniques de peinture à l'huile

Mais avant de regarder ce cours vidéo je vous propose quand même de lire cet article dans lequel je vais vous donner des informations complémentaires sur les techniques de peinture à l’huile et du matériel pour la peinture à l’huile. 

Les trois principales techniques de peinture à l’huile

Comment peindre au couteau.

Il fait savoir qu’il existe trois types de couteaux.

Couteaux à palette. Ce type de couteau est destiné principalement à nettoyer la palette et à mélanger les couleurs sur la palette.

Couteaux à palette.
Couteaux à palettes

Couteaux à peindre et à palette avec lequel vous pouvez également nettoyer votre palette

Couteaux à peindre. Techniques de peinture à l'huile
Couteaux à peindre et à palette

Et couteau à peindre. Avec cette forme de couteau il est difficile de nettoyer la palette.

Couteau à peindre. Techniques de peinture à l'huile
Couteau à peindre

Il existe beaucoup de formes de couteaux à palette et de couteaux à peindre. Pour distinguer à quel type correspond tel ou tel couteau regardez à cet endroit.

Techniques de peinture à l'huile
couteau à peindre

Si la lame de couteau qui la surmonte, ne se trouve pas sur la même ligne que son poignet, c’est le couteau à peindre.

couteau à palette

 Si la lame est sur la même ligne que le poignet, c’est le couteau à palette.

Mes couteaux préférés ont cette forme.

Mes couteaux

Avec les couteaux de cette forme vous pouvez peindre, nettoyer la palette et corriger la peinture sur votre toile. Donc comme cela vous n’avez pas besoin d’avoir beaucoup de couteaux.

Les brosses en soies de porc

Ce sont des pinceaux de base pour la peinture à l’huile.

Ce sont des pinceaux très résistants qui permettent de travailler avec de gros coups de pinceau, et avec de la peinture pâteuse.
Les pinceaux comme cela sont indispensables si vous travaillez dans la technique impressionniste.  

Les pinceaux en soies de porc peuvent être ronds, plats, ou langue de chat. C’est à vous de choisir la forme qui vous convient le mieux.

pinceau rond
pinceaux plats
pinceau langue de chat

Je veux juste vous donner un conseil. Travaillez le plus possible avec les grands pinceaux. Passez aux pinceaux plus petits uniquement quand vous ne pouvez plus travailler avec les grands.

Les pinceaux synthétiques.

Ces pinceaux s’utilisent principalement pour travailler à précision et pour réaliser des glacis. Les pinceaux synthétiques sont beaucoup plus doux que les pinceaux en soies de porc.

pinceaux rond. techniques de peinture à l'huile
pinceaux ronds synthétiques
Pinceaux langue de chat synthétiques.
pinceaux langue de chat synthétiques
pinceaux plats synthétiques. Techniques de peinture à l'huile
pinceaux plats synthétiques

Donc ils conviennent très bien pour peindre les petits détails et pour peindre avec les glacis sur une couche de peinture déjà dure.

Vous pouvez également faire tout à fait la même chose avec des pinceaux en poils de martre ou en putois sibérien. Mais malgré que ce soit des pinceaux très agréables à travailler ils s’usent beaucoup plus vite que les pinceaux synthétiques.  

Quelle médium choisir

Comme médium  je vous conseille d’utiliser le médium à trois composants : essence de térébenthine, huile de lin, vernis de Dammar. La recette exacte de ce médium vous pouvez la trouver dans mon article « Matériel pour peindre à l’huile ». Si vous réalisez une peinture à l’huile en plusieurs couches je vous conseille d’utiliser l’essence de térébenthine pour la sous couche ou pour l’imprimatura, pour la deuxième couche du médium dans la proportion classique et pour les glacis finaux vous pouvez augmenter un peu dans votre médium le pourcentage de vernis de Dammar et de l’huile de lin. 

Quelques conseils concernent les techniques de la peinture à l’huile

Maintenant je vais vous donner quelques conseils par rapport au processus du travail.

Première étape. Quand vous commencez votre peinture faite tout d’abord attention aux couleurs et aux valeurs de gris. L’ébauche nous sert à mettre de bonnes couleurs et bonnes valeurs sur notre toile.

Travaillez avec des coups de pinceaux droits, comme si c’était des facettes, comme si vous étiez un sculpteur qui taille un bloc de marbre. Faites une sorte de mosaïque des couleurs. Lâchez vous, n’avez pas peur de faire une erreur. Vous allez ajuster la forme des objets après.

Essayez le plus vite possible de couvrir complètement votre toile avec la peinture. Ne commencez pas ajuster la forme et surtout ne pas travailler sur les détails avant que votre toile ne soit complétement couverte avec les couleurs, avant de finir l’ébauche.

Deuxième étape consiste à commencer à ajuster la forme en travaillant toujours avec des pinceaux les plus grands possible. A cette étape continuez à travailler avec les « facettes » mais peut-être un peu plus petites. 

Avant de réaliser le glacis laisser sécher votre peinture suffisamment pour que la couche inferieure soit dure. Travaillez avec les glacis sur une couche sèche et surtout pas sur une couche demi-sèche.

Il n’y a rien de pire que de travailler sur une couche de peinture demi-sèche.  Cela peut provoquer l’apparition d’embus – les endroits mats et les craquelures de la couche supérieure.

C’est le fameux principe de la peinture à l’huile « gras sur maigre ». C’est pour cela que dans les couches inférieures on utilise des médiums qui sèchent vite ou relativement vite et dans les couches supérieures on utilise des médiums plus « gras » qui sèchent moins vite.
En fait vous pouvez même utiliser partout le même médium, il faut juste attendre que chaque couche soit complétement dure avant de continuer de travailler, et cela peut prendre du temps.

Troisième étape. Les glacis. Le glacis c’est une couche de peinture très transparente à travers laquelle on peut voir les couleurs et les valeurs de la couche inférieure.
Les glacis s’utilisent pour enrichir la peinture, généraliser, unifier le tableau, ajuster la forme, rajouter des couleurs, des ombres et de la lumière, rajouter plus de la profondeur.

Pour les glacis utilisez les couleurs pures, ne mélanger plus que deux couleurs pour le glacis final. Dans les ombres je vous déconseille de rajouter la couleur blanche. La couleur blanche rend la peinture plus opaque.

Mais quand même il existe des glacis clairs où l’on rajoute de la couleur blanche, pour ce type de glacis utilisez plutôt du Blanc de Zinc qui est beaucoup moins opaque que le Blanc de Titane.

Maintenant je vous invite de regarder le cours vidéo « Les techniques de la peinture à l’huile » qui vient de ma chaîne YouTube, dans laquelle vous verrez tout le processus de réalisation de la peinture à l’huile par l’utilisation de chaque technique.

Techniques de peinture à l’huile

Merci d’avoir lu cet article ! N’hésitez pas à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et me poser des questions. Je ferai tout mon mieux pour vous aider.

A bientôt ! 🙂

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Gommer le dessin avec la Mie de pain.

Dans cet article je vais vous montrer une astuce pour éclaircir votre dessin avec de la mie de pain.

On connaît tous la gomme de mie de pain. C’est une gomme très souple en caoutchouc qui nous permet d’éclaircir les parties de notre dessin sans les effacer complètement. Mais aujourd’hui je vais vous parler de la vraie mie de pain. Par exemple la mie de baguette « tradition » qui nous permet d’éclaircir très bien notre dessin et qui, à mon avis plus d’avantages que la gomme de mie de pain.

pain

En fait nous avons trois solutions pour éclaircir notre dessin :

1.On peut éclaircir avec une gomme dure simple.

gomme. dessin
Gomme dure

La gomme s’utilise plutôt pour effacer complétement le dessin ou la partie du dessin sur papier. Si vous avez besoin d’effacer complétement une partie de votre dessin, par exemple pour corriger le dessin, pour effacer les lignes auxiliaires de construction ou pour dessiner une tâche de lumière, bien sûr, il faut utiliser la gomme dure. Vous pouvez également dessiner avec la gomme dure ou éclaircir votre dessin en hachurant avec les arêtes de votre gomme.

De même façon, en hachurant votre dessin avec la gomme dure vous pouvez faire les dégradés. Mais c’est la technique qui demande beaucoup de précision et de contrôle. Si sur votre dessin il y a déjà plusieurs couches d’hachures ou vous avez dessiné avec les crayons trop tendres comme par exemple les crayons 6b, 7b, 8b, vous aurez du mal à faire les hachures correctes avec la gomme dure. La gomme peut quelque part estomper votre dessin sans pouvoir efface complétement la couche de graphite par un passage des hachures.   

2. On peut éclaircir le dessin avec la gomme de mie de pain.

gomme de mie de pain. dessin
Gomme de mie de pain

On utilise la gomme de mie de pain pour éclaircir une partie de notre dessin. La gomme de mie de pain c’est une pâte caoutchouc assez molle. La gomme de mie de pain est assez souple et peux prendre la forme que l’on veut pour éclaircir même les petites parties de notre dessin.

L’inconvénient de la gomme de pain de mie, c’est que parfois elle laisse des traces « sales » sur le papier. (D’ailleurs on peut éviter cela en la modelant pour trouver un endroit propre sur la gomme).
Et encore avec la gomme de mie de pain il est assez difficile d’éclaircir uniformément toute la surface ou des grandes parties de notre dessin. Mais la gomme de mie de pain nous permet quand même de faire les dégrader et estamper le dessin.

3. On peut éclaircir le dessin avec la mie de pain.

mie de pain. dessin
Mie de pain

L’avantage de mie de pain c’est que l’on peut éclaircir toute la surface et les grandes parties de notre dessin autant que les petites parties.

La mie de pain ne laisse pas de traces « sales » sur notre dessin. Le seul inconvénient c’est que l’on ne peut pas effacer le dessin complétement avec la mie de pain. Mais quelque part cela devient un avantage aussi, car avec la mie de pain on peut éclaircir doucement sans risquer d’en effacer trop.

De toute façon pour effacer complétement votre dessin ou un partie de votre dessin d’une feuille de papier il vaut mieux toujours utiliser la gomme dure.  

Vous pouvez utiliser la mie de pain pour éclaircir toute la surface de votre dessin si par exemple vous l’avez rendue trop foncé ou trop contrasté. Vous pouvez éclaircir la partie de votre dessin pour la même raison. Vous pouvez dessiner avec les petits morceaux de mie de pain par exemple les reflets ou la partie éclairée de l’objet, ou même les plis de la draperie. Vous pouvez facilement faire les dégradés avec la mie de pain. Tous ce qui demande d’être éclairci doucement sans limites trop définies.

Moi-même je n’utilise pratiquement pas la gomme de mie de pain. Pour mes dessin je préfère d’utilise la gomme dure simple et la mie de pain.

Maintenant je vous invite à regarder ce tutoriel vidéo, qui vient de ma chaîne YouTube, dans lequel vous allez voir la démonstration comment éclaircir votre dessin avec la mie de pain.

Tutoriel vidéo

Ici je vous met les liens sur les articles que peuvent être intéressants et utiles pour vous:

Comment dessiner en volume
La perspective
Comment dessiner les ombres
Comment dessiner un visage
Comment dessine des yeux
Comment dessiner un cheval
Apprendre à dessiner un cheval

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions, n’hésitez pas me les poser. Egalement si vous avez besoin de mon aide, n’hésitez pas à me contacter, je suis toujours contente de vous aider. Je vous invite à m’écrire dans les commentaires ce que vous pensez de mes articles. Votre avis est très importent pour moi !

A bientôt ! 🙂

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Imprimatura. Technique de peinture.

L’Imprimatura (ou imprimature) est une technique assez ancienne qui fut utilisée souvent à l’époque de Moyen Age et à l’époque de la Renaissance pour préparer le support pour les fresques, pour la détrempe, pour le dessin et plus tard pour la peinture à l’huile.

Léonard de Vince. Dessin. Exemple Imprimatura
Ce dessin de Léonard de Vinci nous montre l’utilisation de l’imprimatura pour préparer la fond pour le dessin

A cette époque la couche d’Imprimatura pouvait être assez épaisse car elle servait d’enduit coloré pour les fresques ou pour la tempera sur le support bois.

Giotto. Imprimatura. Exemple
Sur cette fresque de Giotto on voit clairement l’enduit coloré du mur. Ici l’artiste utilise l’imprimatura dans la gamme des couleurs chaudes ( Ocre, Terre ) qui est contrastée au fond bleu de la fresque.

L’Imprimatura qu’on utilise maintenant et qui d’ailleurs était utilisée à l’époque de Renaissance, à l’époque Baroque pour la peinture à l’huile, c’est une couche de peinture très fine et souvent très transparente qui sert à couvrir le support avec une couleur ou un mélange de quelques couleurs et comme cela elle donne la tonalité, l’ambiance des couleurs du futur tableau.

Portrait Rembrandt. L'example d'utilisation Imprimatura
Dans ce portrait de Rembrandt on voit clairement la sous-couche colorée de l’imprimatira qui donne à cette toile la profondeur et l’ambiance chaude des couleurs de la Terre.

Dans cet article je vais vous montrer comment faire l’Imprimatura

On parlera des avantages de cette technique, notamment comment vaincre la peur de la toile blanche en utilisant l’Imprimatura. 

Comment choisir les couleurs pour réaliser l’Imprimatura

Quel pinceau et quel médium choisir

Et à la fin de cet article nous allons regarder une vidéo de démonstration ” Imprimatura”.

Mais avant de regarder la vidéo je vous conseille de lire cet article, car ici je donne quelques informations pratiques que vous ne trouverez pas dans la vidéo.

La technique Imprimatura que je vais vous montrer peut être utilisée dans la peinture à l’huile mais également dans la peinture acrylique ou la tempera PVA. Malgré que je fasse la démonstration avec la peinture à l’huile, le principe est tout à fait le même pour les autres techniques.

Juste quand vous travailler en acrylique ou en détrempe PVA diluez suffisamment votre peinture à partir du début, car la peinture acrylique et la tempera PVA sèchent très vite. Donc on est obligé de travailler vite pour pouvoir essuyer la surface de notre tableau pour rendre notre Imprimatura uniforme avant que la couche de peinture ne soit sèche.          

Le principe d’Imprimatura est très simple et très efficace. Et je conseille souvent cette technique surtout à mes élèves qui débutent dans la peinture à l’huile ou dans la peinture acrylique.

Les avantages de la technique Imprimatura

1. L’Imprimatura permet de se débarrasser de la « peur de la toile blanche »

Fameuse peur de la toile blanche ! J’ai vu des élèves qui restaient bloqués devant la toile blanche vierge sans pouvoir oser de commencer à peindre. Comme s’ils avaient peur de salir cette propreté de toile. Et là c’est l’Imprimatura qui vous aidera énormément. 

Dès qu’on sait répondre à la question quelle est tonalité générale et quelle est la gamme des couleurs de notre tableau (on a plus de couleurs froides ou de couleurs chaudes, quelles sont les couleurs principales de notre future peinture), on peut choisir la couleur ou les couleurs pour l’Imprimatura et commencer à mettre cette couche de peinture. Il est beaucoup plus facile de commencer le tableau par l’Imprimatura et comme cela dépasser la peur de la toile blanche. Car comme cela vous faite déjà de la peinture sans faire la peinture.

Votre toile n’est plus vierge. Vous avez déjà réfléchi sur la gamme des couleurs de votre tableau. Vous avez déjà mis les couleurs sur votre toile et vous avez déjà obtenus une jolie sous-couche de votre future œuvre. Il ne vous reste plus qu’à commencer.  

2. L’Imprimatura prépare l’ambiance et la tonalité colorique de votre tableau. L’Imprimatura nous sert de sous-couche transparente de même valeur qui donne l’unité, la profondeur ou bien qui révèle les contrastes de notre tableau.

Par exemple vous voulez peindre un paysage avec beaucoup de verdure. Quelle Imprimatura choisir ? Et bien cela dépend de ce que vous voulez souligner ou transmettre dans votre toile.

Si vous voulez montrer beaucoup de lumière de soleil, l’air, choisissez l’Imprimatura à la base des couleurs jaune et ocre

Mais vous pouvez aussi choisir un autre chemin. Pour montrer, par exemple, les couleurs éclatantes de la verdure vous pouvez choisir pour l’Imprimatura des couleurs contrastées ou des couleurs opposée dans le cercle chromatique aux couleurs de la verdure.  Vous pouvez faire l’Imprimatura avec les couleurs rouge foncées ( Alizarine, Laque de garance, Rouge de cadmium foncé, peut-être en mélange avec le Caput mortuum foncé). Cela fera ressortir les couleurs vertes et donnera de la profondeur aux ombres.

Maintenant imaginons que vous travaillez sur une nature morte. Quelle Imprimatura choisir ?

Ici également tout dépend de la tonalité et de la gamme des couleurs de votre nature morte. Si vous voulez montrer la profondeur dans votre nature morte, si dans votre nature morte règnent les couleurs chaudes vous pouvez choisir pour l’Imprimatura le mélange de la Terre de Sienne avec l’Ocre dorée ou de l’Ocre claire avec le Jaune de cadmium moyen, de la Terre d’ombre brulée ou de Mars brun avec l’Ocre dorée, Rouge anglais avec la Terre de Sienne, Le Jaune de cadmium pur, etc.

Mais si dans votre nature morte les couleurs froides sont en majorités ou bien au contraire vous voulez faire ressortir les couleurs chaudes en jouant sur les contrastes des couleurs et sur les couleurs opposées du cercle chromatique, pour l’Imprimatura vous pouvez utiliser les couleurs froides. Par exemple le bleu d’Outremer ou le bleu de cobalt en mélange avec l’Alizarine ou avec le Laque de garance ou même avec un peu de la Sépia pour casser la vivacité des couleurs. Ce sont juste des exemples car c’est à vous de choisir des couleurs et la valeur d’Imprimatura selon la gamme des couleurs de votre tableau.

Donc comment faire l’Imprimatura ?

C’est très simple. Prenez suffisamment de couleur sur votre pinceau, diluez le pigment avec un peu de médium et mettez la peinture sur votre toile en frottant avec votre pinceau. Vous verrez, peut- être vous aurez besoin de ragouter plus de me médium ou plus de couleurs. Vous pouvez également de rajouter plusieurs couleurs et les mélanger directement sur votre toile. Travaillez librement, mettez suffisamment de couleur sur votre toile.

Juste il faut se rappeler que la couche d’Imprimatura doit rester fine et transparente.

Dès que vous avez fini de mettre la peinture sur la toile, prenez un morceau de Sopalin et essuyez votre toile pour enlever le reste de la peinture et pour rendre la couche d’imprimatura uniforme.

Imprimatura
Imprimatura dans la gamme des couleurs chaudes

Les pinceaux et le médium

Pour faire l’Imprimatura utilisez toujours de grands pinceaux en soies de porc (brosse).

Comme médium je vous conseille d’utiliser un médium à base d’essence de térébenthine, l’huile de lin et de vernis de dammar dans la proportion classique (Ce médium est très facile à fabriquer, vous pouvez la recette de ce médium dans mon article “Matériel pour peindre à l’huile“). Ou bien vous pouvez utiliser tout simplement  l’essence de térébenthine. 

J’ai encore un conseil à vous donner. N’utilisez pas dans l’Imprimatura les couleurs mélangées avec la couleur blanche. Il faut savoir que l’Imprimatura réalisée avec les couleurs blanches existe. Il y a des artistes qui utilisent les pigments blancs en les mélangeant avec la sépia ou le noir pour obtenir l’Imprimatura grise.

Mais le problème c’est que tous les pigments blancs, même le blanc de zinc sont plus au moins opaques. Et ils rendent opaque les mélanges avec les autres couleurs. En conséquence ils vont rendre votre sous-couche plus au moins opaque.

A mon avis il vaut mieux avoir la sous-couche transparente. Et plus c’est très facile à faire car la couleur de notre toile est déjà blanche. Et comme la couche d’Imprimatura reste assez fine nous avons le même effet comme dans l’aquarelle quand on travaille avec les glacis. On voit à travers la couche supérieure les couleurs de la couche inférieure.

Donc pour obtenir la couleur grise on peut tout simplement mélanger la sépia avec le bleu d’outremer, bleu de cobalt ou bleu de Prusse (j’éviterais également le pigment noir dans la sous-couche). Car cette couche d’Imprimatura sera très transparente, on verra à travers la couleur blanche de notre toile. Et comme cela on va obtenir la couleur grise d’Imprimatura.

Comme on rend la couche de l’imprimatura très fine et transparente et en plus on l’essuie avec le sopalin ou avec un torchon, on peut ne pas attendre le séchage ce cette couche. On peut commencer à esquisser le dessin et peindre sans attendre que la couche de l’imprimatura soit sèche. Bien sûr, cela marche uniquement pour la peinture à l’huile. La peinture acrylique sèche très vite, donc la couche sera sèche en tous les cas.

Si vous faites l’imprimatura pour ensuite réaliser un dessin au pastel ou au crayon, il fait attendre que la couche colorée soit sèche si non vous risquez d’abîmer votre feuille.

Maintenant je vous invite de regarder une petite démonstration vidéo qui vient de ma chaine YouTube “Comment faire l’Imprimatura”   

Merci d’avoir lu cet article. Cela me fera très plaisir si vous me laissez des commentaires. Si vous avez des questions n’hésitez pas à me les poser. Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle

Dans cet article je vais vous montrer comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle, mais aussi comment créer une peinture en couleurs à partir d’une photo noir et blanc.

D’habitude je conseille à mes élèves de travailler d’après nature. La nature est la meilleure des professeurs ! Mais il y a les moments quand pour telle ou telle raison on ne peut pas travailler d’après nature. Alors on travaille d’après une photo. Dans ce cas-là je conseille toujours de ne pas copier cette photo mais plutôt de l’utiliser comme le point de départ pour votre œuvre.

Donc dans cet article vous allez découvrir :

1.Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle. Si vous travaillez dans l’acrylique, la peinture à l’huile et même au pastel, cet article peut-être quand-même intéressant pour vous car la plupart des conseils que je donne peuvent être appliqués pour toutes les techniques de peinture.

2.Comment convertir une photo en noir et blanc en peinture en couleurs.

3.Comment apporter une touche personnelle dans votre peinture.

4.Comment même en travaillant d’après une photo créer une peinture qui vous rassemble.

5.Et à la fin de cet article nous allons regarder un tutoriel vidéo. Dans ce tutoriel vous verrez tout le processus du travail étapes par étapes. 

En fait vous trouverez tous ce que j’ai cité dans le tutoriel vidéo, mais avant de passer au tutoriel en bas de cet article, je vous conseille quand même de lire cet article avant de passer sur la vidéo car ici je vous donnerai quelques informations importantes qui vous aideront d’avantage pour réaliser un paysage enneigé en aquarelle et pouvoir transcrire une photo noir et blanc en peinture en couleurs.  

D’abord je voudrais vous donner la liste du matériel pour réaliser cette aquarelle.

Pour peindre un paysage enneigé en aquarelle nous allons avoir besoin :

1. Une feuille de papier d’aquarelle 250 -300 gr.

Dans la démonstration dans le tutoriel vidéo j’utilise le papier 200 gr en cellulose. C’est du papier bas de gamme. Mais j’utilise souvent dans mes du papier bas de gamme pour montrer toutes les difficultés et comment corriger des erreurs. Bien sûr, sur le papier plus haut gamme il est beaucoup plus facile et agréable de travailler. Donc malgré que j’utilise ce papier dans mes démonstrations, je vous conseille quand même de choisir le papier 250, 300 ou même 400 gr en coton ou coton-cellulose.

2.Un contre-plaqué ou un support en bois pour coller votre feuille de papier.

Je vous conseille de toujours coller votre feuille de papier sur un support dur. Souvent les papiers aquarelle sont vendus dans les blocks collés. Il parait qu’on peut travailler directement sur le block. Oui. C’est possible mais plutôt pour les tous petits formats en travaillant principalement avec les glacis et sans utiliser beaucoup de lavis. Si vous travaillez beaucoup dans le mouillé sur les blocks, la feuille de papier va gondoler quand même et après cela sera assez complique de la détacher des autre feuilles qui peuvent prendre elles aussi l’humidité. Donc si ce n’est pas le cas des croquis de voyage, je vous conseille de coller votre feuille sur le support dur avant de commencer à travailler.

3.Un crayon HB et une gomme pour faire le dessin préparatif.

4.Un pinceau en petit gris ( gros pinceau rond ) et deux pinceaux en martre ou en putois sibérien ( un petit pinceau rond et un pinceau moyen rond )

5.Un Sopalin ou un torchon pour essuyer et égoutter vos pinceaux.

6.Un bocal pour mettre de l’eau

7.Une boite de peinture aquarelle. ( J’utilise l’aquarelle White Night 36 couleurs )

8.Une éponge de mer. Bien sûr pour faire des corrections vous pouvez utiliser n’importe quelle éponge. Mais je vous conseille quand même d’utiliser une éponge de mer pour vos aquarelles. L’éponge de mer n’abîme presque pas la surface de papier aquarelle donc vous pouvez l’utiliser facilement en plusieurs fois sur un même endroit.

Maintenant regardons

Comment adapter une photo en noir et blanc à la peinture multicolore pour peindre un paysage enneigé à l’aquarelle.

Mais en fait ça marche pour toutes les autres techniques de peinture et pour peindre n’importe quel sujet.

Donc, si l’on regarde le cercle chromatique on peut remarquer que chaque couleur de cercle chromatique à sa tonalité et sa valeur. On voit cela clairement quand on convertit le cercle chromatique en image en noir et blanc. 

Cercle chromatique d'Itten
Cercle chromatique d’Itten
Cercle chromatique d'Itten valeurs de gris des couleurs
Cercle chromatique d’Itten valeurs de gris des couleurs.

Comme cela on voit les valeurs de gris de chaque couleur. Maintenant quand on regarde la photo on voit, approximativement bien sûr, à quelle valeur de gris correspond telle ou telle couleur.

photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé
photographie noir et blanc pour peindre un paysage enneigé

C’est la théorie, en réalité ce n’est pas si simple, car il faut prendre en considération l’éclairage et les valeurs de gris des couleurs qui changent par rapport à l’éclairage. Mais la bonne nouvelle c’est que les couleurs de l’ombre et de la lumière ne sont pas les mêmes. Pour peindre l’ombre et la lumière on utilise les couleurs opposées du cercle chromatique. Pour trouver encore plus d’information sur l’utilisation du cercle chromatique je vous invite à lire mon article “Cercle chromatique”.

Je répète toujours une de règles principales de la peinture.

La règle de la température des couleurs.

Si la lumière est chaude l’ombre est froide et si l’ombre est chaude, la lumière est froide. 

Par conséquent on peut deviser le cercle chromatique en deux parties, la partie des couleurs chaudes et la partie des couleurs froides. Ce sont deux parties opposées du cercle.

Donc pour peindre l’ombre et la lumière nous allons utiliser les couleurs opposées du cercle chromatique. Par exemple si pour peindre l’ombre froide vous utilisez les couleurs bleues et violètes, dans la lumière vous trouverez les couleurs jaunes et oranges, les couleurs opposées du bleu et du violet dans le cercle chromatique.

Pourquoi la partie éclairée de l’objet n’a pas la même couleur que l’ombre de cet objet ? Parce que l’éclairage, la lumière du soleil, du feu, des bougies ou de l’ampoule électrique ont leurs couleurs. Et si la lumière de soleil est chaude, elle va influencer les couleurs de l’objet et les rendre plus chaudes dans la partie éclairée. Et comme de ce fait la partie éclairée de l’objet sera chaude, dans l’ombre on verra les couleurs opposées des couleurs chaudes – les couleurs froides.

Cet effet sera encore plus fort à l’extérieur qu’à l’intérieur car à l’extérieur on verra en plus les reflets bleus du ciel dans les ombres. Je parle des couleurs, mais en réalité cela sera rarement les couleurs vives, ce sera plutôt des nuances des couleurs.

Donc pour adapter la photo noir et blanc en couleurs on va jouer également avec la température et la tonalité des couleurs opposées. Et bien sûr quand vous travaillez d’après une photo, je vous conseille de vous laisser vous emporter par la créativité.

Comment apporter une touche personnel dans votre peinture.

C’est cela la différence entre un artiste-peintre et un photographe. Le photographe n’est pas complétement libre dans sa créativité, il est toujours dépendant du moment, de la scène, du sujet. L’artiste peintre est complétement libre dans sa créativité. Il peut changer le sujet, la composition, rajouter des objets et des personnages.

Donc quand on travaille d’après une photo, la photographie nous sert de point de départ pour notre peinture. Quand vous travaillez d’après une photo je vous conseille toujours d’avoir à l’esprit le résultat final de votre tableau.

Posez vous des questions….
Ou voulez-vous aller ? Quel message voulez-vous transmettre à vos spectateurs ? Quel sentiment ? Quelle histoire voulez-vous raconter à vos spectateurs ?

Pour tout cela il ne faut pas chercher un sujet particulier, vous pouvez passer le message ou évoquer les sentiments à travers des sujets tous simples… un paysage, une fleur, une chaise, un chat, un chien, une tasse etc…  Quand vous travaillez d’après une photo vous êtes libres de changer les couleurs, la composition, de rajouter des personnages, des objets etc. Tout cela fait partie de la création artistique.

Maintenant avant de vous laisser regarder le tutoriel vidéo “Comment peindre un paysage enneigé à l’aquarelle” où vous trouverez les conseils et verrez le processus de réalisation de cette peinture pas à pas je veux vous donner encore quelques conseils pour réussir votre paysage enneigé

1.Dégraissez toujours votre feuille de papier avant de commencer à travailler. Vous pouvez le faire facilement à l’aide de l’éponge de mer.

2.Commencer toujours par peindre le paysage en commençant par le ciel. Le ciel c’est ce qui est le plus propre, le plus transparent dans le paysage. ( Ce conseil marche pour toutes les techniques de peinture ).

3.Commencez votre aquarelle par les endroits les plus clairs pour aller après progressivement vers les teintes plus foncées.

4.Tachez de ne pas mélanger plus que 3 couleurs dans les lavis et plus que 2 couleurs par glacis pour éviter rendre la peinture boueuse.

5.Peignez ou bien sur une couche de peinture bien mouillée ou bien sur une couche complètement sèche. Evitez de travailler sur la couche demi-sèche.

6.Ne passez pas trop de temps à mélanger les couleurs sur votre palette. Quand on mélange les couleurs trop longtemps sur la palette on perd la vivacité de l’impression. Passez plus de temps sur votre peinture ou en regardant le nature ou la photo que en mélangeant les couleurs.

7.Soyez libre, ne soyez pas bloqués par la crainte de faire une erreur ! Les erreurs font la partie de la réalisation du tableau. On peut presque rattraper toutes les erreurs.

8.Avant de commencer votre tableau il vaut mieux avoir déjà une idée du résultat final.

9.Ne cherchez pas faire une peinture parfaite ! On peut trouvez des erreurs même dans les tableaux de Léonard de Vinci. Improvisez ! Le plus important c’est le sentiment éprouvé par les spectateurs qui vont regarder votre œuvre.

Maintenant je vous invite à regarder le tutoriel vidéo ou vous trouverez toutes les informations et les conseils nécessaires pour réaliser votre peinture. Et ensuite à vos pinceaux !  

Comment peindre un paysage enneigé en aquarelle

 Merci d’avoir lu cet article ! Je vous invite à me dire dans les commentaires ce que vous pensez de cet article et du tutoriel vidéo. Votre avis est très importent pour moi !

A bientôt ! 🙂

                             

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