Comment dessiner en volume.

Comment dessiner en volume.

dessiner en volume

 

A mon avis, il est le plus facile d’expliquer comment dessiner en volume à l’aide d’un…… tonneau. C’est comme cela que j’explique d’habitude les règles principales de volume à mes élèves à mon école d’art. C’est juste un schéma qui permet de montrer clairement comment  le clair-obscur se situent sur un objet arrondi en utilisant les valeurs de gris.

Donc, c’est parti…. Dessinons un tonneau.

Pour commencer à dessiner en volume, tout d’abords, déterminons l’emplacement de la source de lumière. L’endroit le plus clair sur le tonneau c’est une la tâche de lumière – Le reflet spéculaire.

dessiner en volume tonneau

Maintenant hachurons légèrement  le reste de la surface du tonneau.

C’est la lumière.- Le reflet diffus. 

dessiner en volume tonneau

Après ajoutons la demie-ombre (la pénombre) des deux côtés du tonneau. Ce sont les côtés ombragés de l’objet.

dessiner en volume tonneau

Ensuite dessinons l’ombre propre du tonneau. C’est l’endroit de l’objet qui ne reçoit pas de lumière de la source de lumière. Où l’on peut voir souvent une bosse d’ombre (le terminateur).

De l’autre côté de l’ombre portée ce sera l’ombre  réfléchie. En fait c’est la lumière réfléchie au sol.

dessiner en volume tonneau

Maintenant dessinons une ombre portée – C’est l’ombre projetée par l’objet.

Cette ombre,  elle aussi,  n’est pas uniforme. Ici on voit au centre la lumière réfléchie – C’est maintenant l’objet qui influence son ombre portée.

Donc c’est la lumière réfléchie à l’objet.  La lumière réfléchie de l’ombre portée de l’objet est toujours entourée par la surface plus sombre. Mais l’endroit le plus foncé de l’ombre portée se trouve toujours sous l’objet et a souvent une forme de triangle.

dessiner en volume tonneau

C’est bien ce triangle le plus foncé de l’ombre portée qui nous permet de positionner notre objet sur la surface. Il nous aide à éviter l’impression que l’objet flotte au-dessus de la surface et montrer le poids de l’objet.

Plus la source de lumière est proche de l’objet, plus les ombres sont contrastées.  

Comment dessiner en volume un objet rectangulaire.

Pour étudier comment dessiner en volume un objet rectangulaire, regardons comment le clair-obscur  se situe sur un cube.

Ici, sur les facettes du cube, on peut voir un effet  semblable à celui qu’on a pu observer dans l’ombre portée de l’objet. Au centre de la surface ombragée du cube on voit la lumière réfléchie par la feuille de papier blanc.

On voit aussi qu’à la frontière entre deux surfaces du cube l’ombre est beaucoup plus foncée. Mais la lumière du côté éclairé du cube est, au contraire, beaucoup plus lumineuse à la frontière des surfaces. C’est cela qui fait ce qu’on appelle un terminateur.

dessiner en volume cube

Donc quand on dessine un cube on fait les bords de ses surfaces ombragées plus foncées que le centre de ces surfaces ombragés et on dessine les bords de la surface éclairée plus clairs que le centre de la surface éclairée.

Regardez la ligne très foncée qu’on peut voir dans l’ombre portée sous le cube, elle sert à la même chose que le triangle sous le tonneau. Comme cela on peut mettre l’objet sur la surface.

Observez maintenant comment ces règles de volume que l’on a étudiées s’appliquent  sur une forme plus complexe telle qu’une boule et une cube.

C’est un haut relief qui a réuni les formes arrondies et polygonales. On voit ici les mêmes principes d’emplacement du clair-obscur et de la lumière que sur les formes simples.

dessiner en volume haut relief

Maintenant étudions l’influence des reflets colorés sur les objets. C’est important pour apprendre à dessiner en volume de prendre en considération la couleur du reflet même si vous dessinez au crayon, car chaque couleur a sa propre tonalité et sa valeur.

Cela se voit clairement comment la couleur du livre posé à côté d’une boule blanche, influence la couleur de l’ombre réfléchie de la boule.

dessiner en volume boule

dessiner en volume boule Vous voyez que si l’on met à côté de la boule un livre rouge, l’ombre réfléchie de la boule prend la couleur rouge,  si l’on met un livre bleu, l’ombre réfléchie de la boule devient bleue aussi.

Ce principe marche pour tous les objets de n’importe quelle couleur. Juste à noter que sur une boule blanche qui reflète très fort la lumière, cela se voit plus facilement.

Pour dessiner en volume ensemble des objets correctement, n’oubliez pas encore une règle.

Si l’on dessine plusieurs objets en même temps, par exemple une nature morte ou un bouquet de fleurs, on doit avant tout  faire attention au volume de la nature morte ou du bouquet de fleurs en entier. Et pour cela déjà dessiner le volume  de chaque objet  ou chaque fleur.

Maintenant je vous propose faire quelques exercices pour appliquer les règles que l’on vient d’étudier. Je vous recommande en tant qu’exercice de dessiner au crayon les œufs posés sur une feuille blanche. Je vous donne comme exemples de cet exercice les dessins faits par mes élèves de première année.

dessiner en volume œufs

dessiner en volume

 

Je vous propose aussi de lire mes articles  Comment apprendre à dessiner tous les jours, Comment choisir un crayon et Comment dessiner correctement.

Et n’oubliez pas de me laisser un commentaire ou posez une question dans les commentaires. Je serai toujours ravie de vous aider !

Pour découvrir comment construire les ombres portées des objets, je vous invite de lire mon article Comment dessiner les ombres. 

composition dans la peinture

 

5 règles simples de composition dans la peinture.

Dans mon article sur la méthode de comparaison je vous parle beaucoup de la composition dans la peinture et dans le dessin.   La composition est une chose primordiale dans n’importe quel œuvre. C’est la première étape de création d’un œuvre.  Il existe  plusieurs types de compositions dans la peinture. Ronde, triangulaire, quadrangulaire, en forme de croix, etc.

C’est avec la composition que l’artiste influence le spectateur. Quand vous  regardez les œuvres de grands artistes, votre œil circule sans arrêt sur la toile dont vous avez du mal à détourner le regard. C’est la composition  bien réfléchie, qui vous  fait suivre avec votre regard là où le peintre a voulu vous emmener.

La composition dans la peinture commence toujours par une figure géométrique. La forme, la plus  utilisée par les peintres est le triangle, ainsi que la croix. Ce sont les formes simples et très claires.  Elles sont très  faciles à déterminer par notre cerveau.  Il est intéressant, que lorsque l’on jette un coup d’œil sur une peinture, notre œil identifie d’abord une tache claire ou sombre, ensuite  il voit une figure géométrique et  après il voit la couleur. 

Donc les deux piliers les plus importants de la composition sont la balance des taches claires et sombres et la forme géométrique qui réunit les objets.

La position de l’objet sur la toile nous  influence aussi  beaucoup. Avec cela on peut faire ressentir les sentiments.

Par exemple.  Dessinons une jeune femme sur une feuille de papier blanc.  Plaçons notre personnage dans la partie gauche de notre feuille.  On a l’impression qu’elle  marche.

Composition dans la peinture

Maintenant dessinons la même jeune femme  dans la partie  droite de la feuille. La femme  marche toujours,  mais mois vite.

Composition dans la peinture

Ensuite plaçons la femme de cette manière ….

Elle s’est arrêtée.

En plus on a le sentiment qu’elle est dans l’impasse, elle ne peut pas ou ne veut pas avancer !

 On a  réussi à transmettre les sentiments justes en plaçant de différentes façon notre personnage. 

Le format de notre feuille nous influence aussi.  Plus le format de votre support s’approche de la forme carrée,  plus il donne une impression de tranquillité. Le format carré ou rond est naturellement équilibré, donc cela nous calme.

Composition dans la peinture  Composition dans la peinture

 

Composition dans la peinture

Regardez comment le format nous influence. On éprouve des émotions différentes. Avec le format on peut  exprimer des sentiments.

La première règle de composition dans la peinture :

Vous pouvez beaucoup influencer le spectateur juste avec le format de votre tableau et de la position des objets ou des personnages. 

Maintenant étudions des exemples de compositions dans les œuvres de grands peintres.

El GrecoVue de Tolède.

composition dans la peinture

C’est un bon exemple de composition ronde.

composition dans la peinture

Regardez comment notre œil suit les nuages,  après il descend vers les bâtiments,  passe sur les arbustes au premier plan et remonte vers les nuages en passant par un grand château à droite. Ensuite le regard suit de nouveau les nuages et descend pour suivre maintenant les murs et remonter vers le même château à droite.

C’est de cette manière que l’artiste nous oblige à circuler sans cesse sur la toile.  Il ne nous laisse pas partir.  C’est le signe d’une composition parfaite !

C’est le but de chaque artiste.

Et…

C’est la deuxième règle de composition dans la peinture !

De ne pas laisser partir le spectateur avant qu’il ne ressente  et comprenne ce que le peintre à voulu dire !

 

Une autre œuvre d’El Greco  L’Enterrement du comte d’Orgaz  nous montre une composition triangulaire très bien organisée.

Composition dans la peinture

En fait, comme c’est une peinture avec beaucoup de personnages le peintre utilise deux formes de composition.  La composition triangulaire et la croix.

Composition dans la peinture

Regardez, comment le peintre réunit des personnages avec les triangles.

Notre œil circule en passant d’un triangle à un autre.  Le peintre nous raconte son histoire. Ici comme dans toutes les œuvres bien organisées on peut voir les formes essentielles, qui organisent et généralisent l’œuvre.  Ici ce sont le triangle jaune et la croix rouge.

Faites attention!  La croix rouge sépare la toile en parties inégales.

C’est la troisième règle de la composition dans la peinture.

Ne placez jamais un objet, s’il est seul on centre du tableau.  Ne mettez jamais la ligne d’horizon au centre.

Ne séparez jamais votre toile en de parties égales par une ligne verticale ( un arbre, une maison, un mur. ) 

Ici il est indispensable de se souvenir du Nombre d’or.

La notion tout à fait mathématique qui nous sert à obtenir les proportions harmonieuses dans notre oeuvre.

On trouve partout le Nombre d’or. Dans la mathématique, dans la musique,  dans la sculpture,  dans l’architecture etc….  Le nombre d’or, on le trouve en Égypte, dans la Grèce antique, à l’époque de renaissance.   En mathématique le nombre d’or est (1+V5)/2 ou 1,61803398875.

C’est de la théorie pure. Pour expliquer plus facilement….

Le Nombre d’or, c’est une proportion où la partie petite se rapporte à la partie moyenne, comme  la partie moyenne à la partie grande.

Composition dans la peinture

Pourquoi doit-on connaître le Nombre d’or ?

Revenons à la peinture El Greco.  Observez, où le peintre a-t-il placé les éléments et les personnages les plus importantes. Regardez la ligne horizontale des têtes qui nous montre la ligne horizontale de la croix rouge.

Les têtes se trouvent exactement à la ligne du nombre d’or. Cela veut dire que cette partie de tableau  (d’en bas jusqu’à les têtes) se rapporte à la partie haute du tableau (des têtes jusqu’au bout du tableau) comme la partie haute à toute la taille du tableau. Cela fait les proportions harmonieuses et la composition idéale de cette œuvre.

La même chose que l’on peut voir dans un des plus célèbres tableaux de Raphaël, La Madone Sixtine.

composition dans la peinture

Le peintre met les têtes des personnages à la ligne de nombre d’or.

Ici on voit que Raphaël place la Sainte Vierges presque au centre du tableau,  ce que je vous ai déconseillé à faire ! 🙂 .

Mais quand on regarde cette composition,  notre œil glisse du visage de la Vierge au visage de l’Enfant. Comme cela, la partie gauche du tableau devient plus lourde au niveau de composition et ensuite descends par la tête,  les habits, les mains de Saint Sixte jusqu’aux anges et puis, notre œil fait une petite pose entre les anges et Sainte Barbara.

Dans la partie droite qui est plus légère notre œil passe Santé Barbara qui touche avec les habits  la Sainte Vierge et par les rideaux  revient vers le visage de la Vierge. Donc, comme Sainte Barbara équilibre la composition de la partie droite en touchant les habits de Santé Vierge dont la silhouette se réunit avec l’enfant, le peintre à pu se permettre de placer la Vierge au centre pour rendre la composition idéale.

composition dans la peinture

 

C’est la quatrième règle de composition dans la peinture.

Pour obtenir la composition idéale, les proportions harmonieuses, étudiez et utilisez la divine proportion  – Le Nombre d’or.

 

Jusqu’à présent nous avons analysé plusieurs types de composition dans la peinture. la composition ronde, triangulaire et en forme de croix. Maintenant regardons un bon exemple de la composition quadrangulaire La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli.

composition dans la peinture

 

Dans ce fameux tableau le peintre utilise plusieurs formes de composition, la composition triangulaire et la composition rectangulaire.

Souvent dans les tableaux assez complexes, avec beaucoup de personnages les artistes utilisent plusieurs formes géométriques pour créer une bonne composition.

En plus  ici on peut voir clairement comment le peintre utilise le nombre d’or.

composition dans la peinture

Regardez la partie centrale du tableau (carré des lignes rouges ). La taille de ce carré est exactement de la dimension du nombre d’or dans le rapport entre la largeur et la longueur du tableau.

Maintenant nous parlerons un peu de la balance de la lumière et des ombres, des taches claires et sombres dans le tableau.

Regardez comment la lumière  nous faire circuler dans le tableau de Michelangelo Merisi dit Caravage  La Mise au tombeau.

composition dans la peinture

On lit son tableau comme un livre. Comme un écrivain, le peintre nous faire découvrir son histoire petit à petit.

composition dans la peinture

La composition est irréprochable.

La pyramide des corps commence par les mains levées et descends vers sa base par les têtes, la main baissée du Christ et sa draperie blanche. Après notre œil passe vers sur les pieds de Saint Nicodème et remonte par les pieds du Christ vers le sommet de la pyramide.

Ensuite nous passons d’un visage à un autre en étudiant l’expression des visages de Marie Magdeleine  et de la Sainte Vierge. Puis on s’arrête sur le visage de Nicodème et ensuite on descend vers le corps du Christ. On passe jusqu’à son visage et on descend encore par son bras vers la base et l’on continue à découvrir le tableau.

Donc le peintre nous a fait circuler sur son tableau sans la moindre possibilité d’en partir.

Notre œil ne glisse jamais à l’extérieur du tableau. Il trouve toujours les chemins pour rester dans le tableau.

C’est la cinquième règle de composition dans la peinture.

Ne laissez jamais glisser la regard du spectateur  à l’extérieur du tableau !

Et ce qui est intéressant,  c’est que l’on revient et l’on s’arrête toujours au visage de Nicodème pour après continuer notre chemin dans le tableau. Regardez comment le peintre utilise les croix et les diagonales pour fixer notre œil sur le visage de Nicodème comme sur le point de départ.

Dans ce tableau de Caravage la lumière nous tape dans les yeux.  Ce sont des taches de lumière qui font la diagonale principale des mains levées jusqu’au bord de la draperie du Christ. Le corps du Christ, fortement éclairé, forme la croix en traversant cette diagonale.

Étudiez comment le peintre détaille la lumière, alors qu’il laisse les ombres généralisées et sans détail.

C’est un des règles de la peinture.  Si l’on détaille la lumière,  on généralise les ombres, et inversement.

La taille des objets ou des personnages joue beaucoup dans notre perception du tableau. Dans ce tableau le peintre a mis les personnages très proches de nous. Ils sont grands.  On a l’impression qu’ils déchirent la toile. Avec la forte lumière cela donne une impression lourde et dramatique.

Comme vous le voyez,  savoir construire la composition d’une œuvre, est complexe, mais indispensable pour l’artiste.

Je viens de vous expliquer plusieurs règles de composition. Connaître ces règles est primordial à chaque artiste peintre.  Connaître ! Pour ensuite l’utiliser intuitivement.

Pour entraîner votre œil à voir, analyser et déterminer votre propre composition, étudiez les tableaux de grands artistes peintres, analysez la composition de leurs œuvres. Quand vous faites vos tableaux pensez aussi aux règles de composition,  au nombre d’or.  Et assez vite cela deviendra automatique.

Je vous invite à lire encore mon article  La composition. Nature morte, où j’analyse la composition et la structure de la nature morte de Jean Baptiste Siméon Chardin étape par étape.

 

La restauration de Fresques

La restauration de fresques

La restauration et la conservation des fresques.

 

La couche de peinture et de plâtre des fresques, se décomposent et s’abîment avec le temps, elles ont donc besoin de restauration. Si les fresques sur enduits à base de chaux éteinte se trouvent sur les murs intérieurs ou extérieurs de structures architecturales, la cause de la destruction est due à la différence de température et d’humidité, ainsi qu’à la pénétration des eaux souterraines. Les eaux souterraines contiennent du dioxyde de carbone, les sulfates, les nitrates, dont l’interaction avec le carbonate de calcium en plâtre conduit à la formation de sels solubles dans l’eau, tout d’abord du bicarbonate de calcium: СаСО32О + СО2> Са(НСО3)2

Sous l’action de dioxyde de carbone de l’air, il se forme hors de lui, de nouveau du carbonate de calcium, qui couvre la surface de la peinture et qui est difficile à enlever  Са(НСО3)2 —> Н2О + СО2+СаСО3

Les effets dévastateurs sont également sur la peinture, les sels solubles qui se trouvent dans les eaux souterraines et qui se déposent sur la surface des fresques en raison de la différence de température et d’humidité. Leur retrait de la surface de la fresque est un processus exigeant beaucoup de main-d’œuvre, mais il n’est pas compliqué.

Les fresques, couvertes de fissures et de sels, se restaurent sur les murs du monument, dans des conditions qui en permanence exercent une influence sur les fresques. Cela complique le choix des matériaux et les techniques de restauration et provoque la nécessité de sa répétition périodique.

Les conditions d’environnement de la terre influent sur les fresques extraites lors de fouilles archéologiques. Ces fresques sont généralement privées de la couche de plâtre et elles tombent dans les mains des restaurateurs sous la forme de morceaux séparés. Après une longue restauration, on expose ces fresques dans des musées, dans des conditions qui favorisent leur longue conservation.

Les fresques anciennes sur du plâtre fragile peuvent être maintenues seulement par le biais de la conservation immédiate après leur découverte.

Pour enlever de la surface des fresques les incrustations de sels calciques on applique d’habitude une méthode laborieuse ce qui n’est pas toujours sûre avec le nettoyage mécanique avec un pinceau et avec un scalpel. L’application d’acides pouvant facilement nettoyer la surface est inacceptable, à cause de leurs réactions avec les pigments ayant pour résultat, la perte de la couche de la peinture.

Les restaurateurs enlèvent les encrassements de fresques avec l’aide du rinçage à l’eau. Si l’encrassement ne cède pas au rinçage de l’eau, on applique les solvants organiques et leurs mélanges, ainsi que les solutions de tensio-actifs.

Les solvants utilisés ne doivent pas avoir une toxicité trop forte. On utilise  généralement de l’alcool éthylique, l’alcool isopropylique, white-spirit, pinène. L’application d’hydrocarbures aromatiques-xylène, le toluène est aussi possible. Sur les espaces contaminés on impose des compresses de gaze imbibé d’un solvant. La majeure partie de résineux substances ramollis et une partie de la suie s’enlèvent aves les compresses. Le reste de l’encrassement s’enlève avec les mêmes solvants à l’aide des tampons de gaze ou des pinceaux.

De nombreux micro-organismes exercent une influence sur les fresques. Pour faire disparaître des micro-organismes et pour empêcher leur croissance, on utilise du biocide qui aide au traitement des peintures murales. En cas d’altération de la surface et d’exfoliation de la couche de la peinture il est nécessaire d’utiliser un antiseptique en combinaison avec le renforcement de la surface.

De tout ce qui précède on peut tirer la conclusion que la restauration des fresques est un processus très laborieux au cours duquel de nombreuses erreurs sont possibles ayant pour résultat, la perte des éléments de la peinture. Donc dans chaque cas, la question se pose de savoir s’il est judicieux de commencer les travaux de restauration ou s’il faut se décider à la conservation de l’oeuvre d’art. Car la restauration peut conduire à la perte de l’authenticité de l’oeuvre, en particulier dans le cas où la perte de la couche de peinture dépasse 40%.

Les fresques du monastère Ferapontov en Russie peuvent servir d’exemple d’une conservation réussite.

Fresques du monastère Ferapontov. Peintre Dionisius et ses fils.
Fresques du monastère Ferapontov. Peintre Dionisius et ses fils.
Fresques du monastère Ferapontov. Peintre Dionisiy
Fresques du monastère Ferapontov.

À la suite des études de la technologie des peintures murales dans la cathédrale du monastère Ferapontov, les restaurateurs ont conclu que l’état de la couche de la peinture initiale est le signe caractéristique de la couche d’auteur, et que l’application de la couche de colle supplémentaire sur la surface pouvait endommager les fresques. Toujours en restant sur la surface des peintures murales, une nouvelle colle conduit à la modification de la coloration et en plus provoque la destruction de l’encrage de la couche. Lors de l’examen des peintures murales de la cathédrale on a constaté que toutes les tentatives précédentes de renforcer la couche superficielle de la peinture par les méthodes et les moyens traditionnels ont mené à de nouvelles destructions. C’est pourquoi les méthodes d’évaluation de l’état de l’ensemble des peintures murales de la cathédrale ont été fondamentalement révisées.

L’état de conservation de chaque morceau et de chaque partie des peintures murales dépendait des matériaux, des caractéristiques technologiques et du positionnement sur les murs de la cathédrale. Par exemple, les fresques du mur ouest de la cathédrale avaient beaucoup souffert. Les peintures murales se trouvaient durant beaucoup d’années donnant sur la rue, par conséquent, de nombreuses couches de peinture étaient complètement perdues. L’installation des fenêtres a provoqué la perte de la couche d’impression de la partie de la composition «le Jugement dernier», des ailes des archanges dans le tambour et en outre de nombreuses fractures de l’enduit et les joints, ce qui conduisit au décollement de l’enduit et des couches de peinture. On peut dire que la méthode inhabituelle de l’évaluation de l’état des couches a incité à renforcer différemment  les petits morceaux de l’encrage de la couche donnant des signes visibles de destruction sur les bords de pertes (décollement de l’encrage de la couche, et du cloquage ). Le principe de l’utilisation d’agents de conservation était de les mettre sous la couche décollée sans toucher la surface. Cette méthode de renforcement a été utilisée  au cours de toutes les années de conservation des fresques.

Dans la cathédrale de la Dormition à Vladimir  l’affaire est tout autre. La perte de la couche de peinture de la composition d’Andreï Roublev  “le Jugement dernier” avait déjà dépassé les 40%.

Le Jugement Dernier d'Andreï Roublev. Fresques de la cathédrale de la Dormition à Vladimir
Le Jugement Dernier d’Andreï Roublev. Fresques de la cathédrale de la Dormition à Vladimir

Malgré la conservation partielle, les fresques continuèrent de se dégrader très rapidement à cause des mauvaises conditions qui se forment pendant les messes. Dans ce cas, la question de la restauration des fresques est très difficile, car il peut devenir la cause de la perte du style de l’artiste.

Archange d'Andreï Roublev

La Trinité d'Andreï Roublev

Les œuvres d’Andreï Roublev

 

D’autre part si la perte de la couche de peinture n’est pas trop grave, la restauration est la méthode préférée de la préservation du patrimoine culturel.

 

A lire encore dans le blog : Les règles de la peinture.

Composition. Nature morte.

La composition.

La composition a  aussi  ces règles ! Une bonne répartition des parties de l’œuvre, la définition de leurs interconnexions, leurs proportions, leurs plans spatiaux, les coloris.

La composition est une chose primordiale dans le tableau. 

Pour apprendre à faire une bonne composition analysez de grandes œuvres d’art, réfléchissez en quoi une œuvre nous influence t’elle plus que une autre, quelles sont les raisons de cette influence. Il n’existe aucune grande œuvre où le choix des objets et leur composition n’est été subordonnée à certaines règles. 

Pour vous aider à apprendre la composition, je vais analyser pour vous une nature morte du peintre français Jean Baptiste Siméon Chardin. 
Composition. Chardin. Nature morte
Chardin. Nature morte

L’artiste a choisi pour sa nature morte une marmite en cuivre, un poêlon, un creuset à épices, trois œufs, deux oignons, deux poireaux et un pain. Tous les objets ont des formes différentes.

Maintenant regardons si le peintre a mis ces objets dans cet ordre par hasard ou consciemment. Comment il a organisé la composition de sa nature morte.

Pour répondre à cette question essayons de comprendre dans quelle mesure cette composition est logique et naturelle.  Est-il possible de composer une nature morte de deux ou trois objets? Oui.

Essayons de les disposer de cette façon :

Composition. Exemple 1

 Mais si l’on les combine autrement ? 

Composition. Exemple 2

C’est plus naturel et logique.  Pourquoi?

Parce qu’il y a plus de lien entre les objets.   Dans la première illustration on voit deux objets séparés. La marmite ne touche pas le creuset à épices. Ils semblent isolés.   Sur la deuxième image la composition des objets est plus riche. Ici on voit que le creuset à épices touche et cache une partie de la marmite. On voit la combinaison de deux formes différentes et de couleurs différentes avec le fond gris.

Essayons de changer la composition en mettant à côté du creuset à épices deux oignons. A l’aide de cette combinaison des objets on a beaucoup enrichi la composition.

Composition. Exemple 3

Les couleurs des oignons et de la marmite se marient bien entre elles et rajoutent en plus une forme plus petite et de différente texture à la composition.

Mais il reste encore un certain mécontentement. Les lignes identiques et uniformes de la marmite rendent cette nature morte ennuyeuse.

Alors l’artiste a rajouté le pain dans la composition.

 

Composition. Exemple 4

De cette manière il rompt la monotonie de la silhouette de la marmite. La nature morte devient encore plus intéressante. Le pain, qui a une forme complexe et une couleur claire, complète la gamme de couleurs.

En plus de cette manière  l’artiste a crée le fameux triangle – la composition le plus utilisée pas les peintres.

Composition. Exemple 5

Mais l’artiste n’est pas encore totalement satisfait. Il cherche une forme qui lui permettra de réunir les objets et il rajoute les œufs et les poireaux.

Composition. Exemple 6

Les œufs indiquent le centre de la composition, réunissent les objets, et rajoutent des contrastes dans la composition.

Les poireaux font la diagonale qui réunit la partie droite et la partie gauche de la nature morte.   Si l’on regarde bien cette nature morte, on verra qu’elle est insérée dans un triangle. Cette forme idéale de la composition est la plus souvent  utilisée par les peintres. 

Il n’y a aucune grand œuvre d’art où le choix des objets et de leur position sur la toile ne subordonne pas aux lois de la composition. 

 

Je vous propose de lire mes articles: Composition dans la peinture ou j’analyse les formes différentes de composition sur les exemples des œuvres de grands artistes peintres,  Les règles de la peinture. qui sont très théoriques et parlent de la perception du clair-obscure et Comment dessiner correctement dans lequel vous découvrez comment mesurer les proportions.    

J’espère que cet article vous aidera à progresser dans votre démarche artistique.

Cela fait déjà 7 ans que je tiens une école de peinture pour adultes et cela fait 15 ans que j’enseigne  la peinture, le dessin et l’anatomie. Durant ce temps j’ai appris qu’il n’a pas de mauvais élèves. J’entends souvent que pour devenir peintre il fait avoir le don, du talent. Donc je peux vous dire qu’il n’y a personne qui ne pourrait apprendre la peinture. On est tous talentueux. Et je vais répéter cela encore et encore. Comme disait ma professeure de musique “Il n’y a personne qui n’a pas d’oreille, ni de voix. Tout s’apprend.”  Elle a eu raison. A voir les résultats de ses élèves. Il n’a pas de mauvaises élèves, il y de mauvaises professeures !

Tout le monde peut apprendre la peinture, il faut juste avoir beaucoup d’envie… j’ai voulu dire… et de patience… mais je m’suis arrêtée…., personnellement je ne suis pas quelqu’un de très patient, et beaucoup de mes élèves non plus. Mais cela ne nous empêche pas de progresser dans la peinture. Bien sûr que c’est très bien si vous avez cette qualité, si non, ce n’est pas grave. On est tous différents, mais tous talentueux !

On va apprendre la peinture ensemble. Je crois beaucoup en vous !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

 

Aquarelle alla prima

La méthode de l’ aquarelle alla prima.

 

La méthode de l’ aquarelle alla prima sous-entend que le tableau soit réalisé durant la même séance de peinture.
Cela signifie qu’il faut peindre à la fois rapidement et sans changements substantiels postérieurs.
Quand on utilise la technique d’ aquarelle alla prima il faut commencer et finir chaque détail d’emblée et d’un seul bloc et ensuite passer au détail suivant, et ainsi de suite. En travaillant sur les détails il ne faut pas oublier de voir et d’observer en même temps un ensemble d’objets ou de détails sur lesquels vous travaillez.

Il faut garder à l’esprit toute la composition et toutes les masses de votre peinture.
La technique de l’ aquarelle alla prima est très utile pour faire des études de paysages, le temps pouvant vite changer, cela nous oblige à peindre rapidement pour saisir les moindres variations de la nature.

C’est pour cela que cette technique de l’aquarelle a été tellement rependue à la fin de 19 éme- début du 20e siècle, quand les peintres travaillaient beaucoup en plein-air. La méthode alla prima permet d’obtenir la force et la pureté maximale des couleurs.
La méthode d’ aquarelle alla prima peut être combinée avec la technique de glaçage. 
Le peintre, utilisant ou adepte de la technique d’aquarelle alla prima, devra travailler sur le détail, et doit voir la peinture dans son ensemble et sa globalité, il doit bien imaginer sa tâche et son but, et savoir marier parfaitement formes et couleurs.

 

Signe astrologique. L'année du Chien. 30x30 Aquarelle alla prima   Signe astrologique. L'année du Singe. 30x30 Aquarelle alla prima

Aquarelle alla prima   Signe astrologique. L'année du Chat. 30x30 Aquarelle alla prima

Signe astrologique. L'année du Chèvre. 30x30 Aquarelle alla prima      Aquarelle alla prima

 

Aquarelle alla prima. Conseils pratiques

Quand vous mélangez les couleurs n’en utilisez pas trop, mélangez deux ou trois couleurs maximums. Si vous composez avec trop de couleurs, cela peut mener à la perte de la pureté et de l’éclat des couleurs.

En utilisant cette technique, ainsi que celle du glaçage, il vaut mieux mélanger les couleurs transparentes avec les couleurs transparentes, et les couleurs opaques entre elles.

D’ailleurs, il faut dire, que cette règle est moins obligatoire pour la technique alla prima, que pour la technique du glaçage, du fait que n’importe quelle couleur, appliquée sur le papier blanc par couches transparentes, garde sa pureté et sa saturation.

Si vous voulez obtenir une couleur intense, il faut utiliser des pigments plus saturés et transparents.

Pour les couleurs insaturées, utilisez les combinaisons de couleurs plus sombres, couleurs de terre.

Par exemple vous pouvez mélanger les couleurs saturées et transparentes avec les couleurs opaques comme le brun ou le noir.

En tout cas il faut que la couche de la peinture sèche reste transparente et ne devienne pas mate.

Utilisez consciemment les propriétés texturales (ou aussi appelées “’facturales’’)  des couleurs.

Pour peindre l’eau, l’air, l’espace, les ombres servez-vous de couleurs transparentes.

 

Pour la terre, les bâtiments, les objets rustiques et rugueux prenez les couleurs texturées, par exemple la terre de Sienne, ou le Cadmium Orange.
Il faut se rappeler que l’aquarelle perd environ vingt pour cent de son intensité après séchage.

C’est pourquoi vous devez essayer de mélanger les couleurs plus saturées, et intenses (avec une marge d’environ 20%), pour éviter que les couleurs ne se ternissent, ou se fanent.

Vue sur Antibes 30x45 Aquarelle alla prima
Vue sur Antibes. Mon aquarelle alla prima

 

Fleurs aquarelle alla prima
Fleurs. Mon aquarelle alla prima

 

Je vous invite à lire encore dans mon blog un article sur  la technique de glacis.

 

Maintenant à vos pinceaux ! Nous allons faire ensemble  un petit exercice de mélange des couleurs. 

Cela fait déjà 7 ans que je tiens une école de peinture pour adultes et cela fait 15 ans que j’enseigne  la peinture, le dessin et l’anatomie. Durant ce temps j’ai appris qu’il n’a pas de mauvais élèves. J’entends souvent que pour devenir peintre il fait avoir le don, du talent. Donc je peux vous dire qu’il n’y a personne qui ne pourrait apprendre la peinture. On est tous talentueux. Et je vais répéter cela encore et encore. Comme disait ma professeure de musique “Il n’y a personne qui n’a pas d’oreille, ni de voix. Tout s’apprend.”  Elle a eu raison. A voir les résultats de ses élèves. Il n’a pas de mauvaises élèves, il y de mauvaises professeures !

Tout le monde peut apprendre la peinture, il faut juste avoir beaucoup d’envie… j’ai voulu dire… et de patience… mais je m’suis arrêtée…., personnellement je ne suis pas quelqu’un de très patient, et beaucoup de mes élèves non plus. Mais cela ne nous empêche pas de progresser dans la peinture. Bien sûr que c’est très bien si vous avez cette qualité, si non, ce n’est pas grave. On est tous différents, mais tous talentueux !

On va apprendre la peinture ensemble. Je crois beaucoup en vous !

Techniques de peinture les plus utilisées.

 Techniques de peinture

Aujourd’hui je vous propose de lire mon article, que j’ai écrit il y a longtemps et miraculeusement il n’était pas publié. Dans cet article je parle de diverses techniques de peinture.

C’est un parcours rapide qui vous permettra de faire connaissance aux techniques différentes qui sont largement utilisées par les artistes peintres contemporains.

Cela vous permettra au futur de choisir librement une technique de peinture qui vous convient le plus pour réaliser votre œuvre.

Cet article est entièrement illustré avec les pentures de mes élèves et mes peintures.

Technique de peinture
Nature morte avec les fruits. Huile sur toile

L’Aquarelle.

Une des techniques de peinture les plus utilisées par les artiste.

C’est une technique de peinture tendre, élégante, légère, qui permet de peindre les études rapides de paysages, des natures-mortes, des compositions florales, des portraits et des modèles d’après nature, ainsi que la peinture sur une plus longue durée. L’aquarelle présente une grande variété de techniques, elle est très mobile.

Une rose. Peinture de mon élève Anna Nicole. Aquarelle. Techniques de peinture
Aquarelle faite par Anna Nicole, mon étudiante

 

C’est de l’aquarelle justement que les artistes prennent le plus souvent en voyage, le matériel nécessaire ne prend pas beaucoup de place dans les bagages et est très approprié pour évoquer des états fugitifs de la nature, pour peindre des paysages à “alla prima” ; des portraits élégants et des natures-mortes raffinées.

 

Techniques de peinture. Portrait d'une chienne. Aquarelle
Portrait d’une chienne. Aquarelle.
Techniques de peinture. Aquarelle classique. Nature morte
Nature morte. Aquarelle classique. Peinture de mon élève Nathalie Deniskina
Techniques de peinture. Aquarelle. Nature morte
Nature morte. Aquarelle faite uniquement en trois couleurs. Nathalie Deniskina
Techniques de peinture. Aquarelle. Paysage.
Vue sur Cagne sur Mer. Aquarelle

La Gouache.

La gouache est la technique de peinture à base de colle, en grande partie semblable à l’aquarelle, mais qui permet de peindre avec de grands et denses coups de pinceau pâteux autant qu’avec le glaçage. Elle est très appropriée pour peindre sur n’importe quelle surface (papier, carton, toile, bois), mais contrairement à la détrempe, la gouache peut être facilement effacée avec de l’eau. C’est pour cela que cette technique est principalement utilisée pour la peinture sur le papier et le carton et pour les esquisses en décoration.

Techniques de peinture. Nature morte avec des fleures. Gouache sur carton
Nature morte avec des fleures. Gouache sur carton
Techniques de peinture. Gouache. Nature morte
Nature morte avec les fruits. Gouache sur carton.

La Tempera.

La plus antienne de toutes les techniques de peinture. 

La détrempe ou la Tempera est une technique de peinture très ancienne. Il existe plusieurs types de détrempe, la détrempe à base d’œufs, d’huile et la détrempe PVA (polyacétate de vinyle). La tempera d’œuf est produite depuis plus de deux mille ans au moyen d’un mélange de pigments colorés avec du jaune d’œuf.
Au fil du temps la technique a évolué et s’est améliorée. Le jaune d’œuf a été remplacé par l’albumen, le jus de figues, le miel et la cire. La tempera est une des plus solides et résistantes techniques de peinture. La peinture à la colle (Tempera) est utilisée pour faire les fresques, les icônes, la peinture sur bois etc.  La tempera PVA convient pour la peinture sur la toile, le carton, le papier, et comme l’acrylique, pour la peinture murale décorative.

Techniques de peinture. Détrempe. Paysage cévenole.
Mont Lozère. Tempera sur carton
Techniques de peinture. Tempera. Fresque. Archange Gabriel.
Archange Gabriel. Tempera. Fresque faite pour une église orthodoxe.
Techniques de peinture. Tempera. Icône orthodoxe.
Icône. Peinture acrylique sur bois

La Peinture acrylique.

Une des plus modernes techniques de peinture.

La peinture acrylique est une peinture très résistante, composée de pigments synthétiques en émulsion d’eau du copolymère acrylique. L’acrylique est souvent utilisé pour faire les décors peints sur le bois, les meubles modernes et de la peinture murale. Les couleurs acryliques conviennent parfaitement pour la peinture sur carton, papier et sur toile. La peinture acrylique est une technique de peinture très polyvalente qui permet d’utiliser de nombreux effets décoratifs et de travailler sur presque toutes les surfaces.

Techniques de peinture. Fresque acrylique réalisée par mon étudiante
Fresque acrylique réalisée par mon étudiante Tatiana Viazgicheva
Assiette décorée. Peinture aqrylique.
Décoration d’une assiette avec la peinture acrylique réalisée par mon étudiante Svetlana De Ruche
Techniques de peinture. Peinture acrylique. Décoration d'une assiette.
Assiette décorée. Peinture acrylique
Décoration d'une porte de buffet faite par mon étudiante.
Décoration d’une porte de buffet faite par mon étudiante. Peinture acrylique
Techniques de peinture. Peinture acrylique. Paysage.
Vue sur les toits. Grèce. Peinture acrylique sur carton.
Techniques de peinture. Peinture acrylique
Décoration d’une table. Peinture acrylique sur bois

La Peinture à l’huile.

Une des plus aimées par les artistes techniques de peinture. 

La peinture à l’huile est l’une des techniques de peinture des plus utilisées par les artistes peintres. L’histoire de cette technique de peinture remonte à plus de six siècles.  Mais malgré ces origines anciennes, ce genre de peinture est très actuel de nos jours. Cette technique, où l’on utilise les pigments mélangés avec l’huile de lin, est très résistante et permets de corriger assez facilement des fautes. C’est très pratique, car en travaillant avec cette technique l’artiste n’a pas à avoir peur de se tromper et profite de toute la liberté de la création.

Technique de peinture. Peinture à l'huile. nature morte
Peinture a l’huile faite par mon étudiante Elena Kudrich
Peinture a l'huile faite par mon étudiante
Peinture a l’huile faite par mon étudiante Tatiana Ustinova
Techniques de peinture. Peinture à l'huile. Cheval
Portrait d’un cheval. Huile sur toile
Techniques de peinture. peinture à l'huile.
Portrait. Huile sur toile
Techniques de peinture. Huile sur toile
La Seine. Huile sur toile.
Techniques de peinture. Paysage. Huile sur toile
Paris au printemps. Huile sur toile

Le Pastel.

La technique qui permet faire la peinture raffiné ainsi que les dessins.

Ce serait injuste de ne pas parler dans cet article de la technique de pastel. Malgré que cette technique soit souvent classée comme technique graphique, car quand on travaille en pastel, on dessine avec les bâtons de pastel, je vais vous parler de cette technique.

Je trouve qu’avec cette technique on peut réaliser des peintures magnifiques avec toute une gamme de couleurs qui ne cédera pas à l’aquarelle ou à la peinture à l’huile.

Aujourd’hui il existe trois types de pastels, pastels secs et pastels à l’huile et pastels à la cire.

Pastel à l’huile, c’est un mélange de pigment avec de l’huile de lin. Pour fabriquer les bâtonnets de pastel ce mélange passe par le pressage. Le pastel sec se fabrique de la même façon, mais sans huile de lin. Le pastel à la cire se fabrique à partir d’un mélange de pigments et de cire.

De tous ces trois types de pastel, le pastel sec donne le plus de possibilités pour la création.

La technique de pastel était largement utilisée en Italie à l’époque de Renaissance. A cette époque, pour dessiner les peintres ont utilisé souvent le crayon italien avec la sanguine rouge. Cette technique s’appelait “a pastello”. Par exemple, on peut voir l’utilisation de cette technique dans les dessins de Leonard de Vinci.

A XVIII siècle la technique de pastel se développe et devient autonome par rapport aux autres techniques de dessin et de peinture. Cette technique devient très populaire en France. Beaucoup de peintres Français célèbres ont travaillé avec cette technique. Vous pouvez trouver les œuvres faites dans cette technique chez François BoucherMaurice Quentin de La Tour, Jean Baptiste Siméon ChardinJean-Baptiste GreuzeJean-Étienne LiotardFerdinand Victor Eugène DelacroixEdgar Degas, Auguste Renoir et autres.

Pour dessiner avec cette technique les peintres utilisaient comme support le papier pastel, carton, et même la peau de chamois. Dans la technique de pastel on peut dessiner ou peindre. Cela dépend uniquement du concept de votre œuvre.

Techniques de peinture. Pastel sur papier
la Seine. Pastel sec sur papier
Techniques de peinture. Pastel sur papier
Portrait. Pastel sec sur papier.
Techniques de peinture. Pastel sur carton
Le compétitions. 100×90 cm. Pastel sec sur carton.
Techniques de peinture. Pastel sur papier
Paris. la Seine est montée. 30×40 Pastel sec
Pastel sur papier
Etude. pastel

Il existe encore beaucoup de techniques de peinture mixtes. Par exemple, vous pouvez colorer votre feuille de papier blanc en couleur choisie pour après travailler par-dessus avec le pastel.

Ou bien vous pouvez même compenser votre peinture en tempera PVA et après affiner les formes en pastel.

Comme cela vous mélangez deux techniques, ce qui donne souvent de bons résultats. Vous pouvez aussi colorer votre toile avec la peinture acrylique et après continuer à peindre avec la peinture à l’huile.

Mais faites attention !

Il est très important de se rappeler que vous pouvez peindre avec la peinture à l’huile par-dessus la peinture acrylique ou la tempera, mais pas inversement.

La peinture à l’huile est très résistante et s’accroche très bien au support. C’est la peinture à base de l’huile de lin et son dissolvant qui est un medium telle que l’essence térébenthine ou le white spirit.
La peinture acrylique et la tempera PVA se diluent avec de l’eau. Donc la peinture qui a l’eau comme dissolvant a une mauvaise adhérence avec une surface non dégraissée. Alors que la peinture à l’huile a une bonne adhérence avec toutes sortes de surfaces.

Par exemple si vous voulez décorer une vielle table ou une porte, commencez par vérifier s’il reste encore du vernis ou une autre peinture sur la surface. Si vous voulez utiliser la peinture acrylique sur cette surface, vous devez être sûr que sur cette surface il ne reste que du bois dégraissé.

Si non vous pouvez avoir une mauvaise surprise après, car la peinture peut rester très sensible à l’eau.

Donc si vous ne voulez ne pas enlever la vielle peinture et le vernis de la surface, je vous conseille d’utiliser plutôt la peinture à l’huile pour la décorer.

En ce qui concerne la gouache et l’aquarelle. On peut facilement mélanger ces techniques à condition que d’abord l’on travaille avec de l’aquarelle et ensuite avec de la gouache. Les couleurs de l’aquarelle sont en général plus transparentes que les couleurs de gouache.

Donc la gouache (surtout la gouache blanche) s’utilise plutôt pour finaliser la peinture. Dans l’aquarelle classique la couleur blanche ne s’utilise pas.

Techniques de peinture mixtes. Pastel,tempera sur carton.
Monastère de Sainte Catherine. Sinaï. Pastel, Tempera sur carton

 

Techniques de peinture mixtes. Aquarelle, gouache.
Signe astrologique. Le Chat. 30×30 Aquarelle, gouache blanche sur papier

J’espère que cet article vous a plu et il sera utile pour vous !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions !

A bientôt ! 🙂

Les règles de la peinture

La peinture et le dessin. 

Comment maîtriser la perspective aérienne dans la peinture à l’aide de la comparaison de la force de la lumière.

Voir, Savoir, Pouvoir – ce sont les trois piliers qui portent la connaissance du monde : de l’observation vers la généralisation, de la généralisation vers la pratique. C’est comme cela qu’on apprend la peinture.

Pouvoir peindre, c’est pouvoir représenter n’importe quel objet dans n’importe quelle espace.

Pourquoi voit-on un objet plus loin qu’un autre ?

Évidemment, parce que les objets placés à des distance différentes d’une même source de lumière, sont éclairés différemment.

De plus des objets disposés plus loin de ceux du premier plan sont colorés en bleu clair et leurs contours et silhouettes sont moins précis.

Ainsi donc hormis des lois de la perspective linéaire, il y a des règles de la perspective aérienne, qui sont très importantes pour la peinture.

Dans la plupart des cas, dans la nature, la gradation du clair-obscur est graduelle, et parfois à peine perceptible.

Notre œil n’est pas capable de saisir instantanément, toute la finesse d’un clair-obscur, l’œil ne voit que le ton général.

Pour visualiser, froissons une feuille de papier et la mettons sur la table. Cette feuille aura plein de facettes irrégulières.

Chacune de ces facettes sera éclairée différemment en fonction de sa distance avec la source de lumière.

Si l’on essaie de comparer les facettes, on ne trouvera pas même une seule facette identique.

Donc, pour peindre l’ensemble des clairs-obscurs ou des objets, il faut comparer tout le temps un objet avec un autre pour trouver la différence entre eux.

règles de la peinture. feuille

La première règle de la peinture est une juste proportion de la force de la lumière dans la partie éclairée d’un objet autant que dans l’ombre et dans la pénombre. La proportion entre la lumière et l’ombre.  Pour apprendre à gérer un clair -obscur, il est très utile de commencer à peindre ou dessiner en une couleur unique. Travailler dans la technique de grisaille. Pour cette technique il vaut mieux de choisir les couleurs de terre comme l’ombre et éviter des couleurs claires comme le bleu outremer. Quand vous commencerez à faire de la peinture multicolore, vous rencontrerez plus de difficultés, car en plus du clair-obscur, vous devrez faire apparaître sur le tableau aussi des couleurs et des réflexes. Essayez de travailler plutôt d’après nature que d’après une photo. La nature est le meilleur des professeurs !

règles de la peinture. dessin de mon élève. règles de la peinture. dessin de mon élève. Fleur dans une vase en verre

Dessinez les sujets simples…. Un verre d’eau, une théière, une fleur, des fruits, des animaux, la vue à travers une fenêtre. Ils vous aideront à habituer votre œil à voir la nature, à analyser et à généraliser la forme, pour améliorer votre maîtrise de la peinture.

règles de la peinture. dessin de mon élève. Les poires.
Les poires. Dessin de mon étudiante Elena Whitman

Ici vous trouverez les liens que j’ai trouvé intéressants concernant la grisaille .

http://techniquedepeinture.com/peindre-un-tableau-baroque-par-maitre-donato-grieco/

http://expositions.bnf.fr/flamands/arret/07_1.htm

Je vous propose également de lire mon article Comment dessiner correctement où je parle de la méthode de comparaison et comment mesure les proportions.

Je vous invite à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂