Apprendre la peinture avec Elena Kuznetsova ! - Page 6 sur 7 - Apprendre la peinture avec une professionnelle. Mes astuces et mes exercices.

Comment choisir un crayon

Maintenant parlerons un peu comment choisir un crayon !

Pour choisir un crayon il est important de connaître le classement de la dureté des crayons.

Les crayons graphites sont classés par le degré de la dureté de leur mine.

Les crayons avec les mines dures : H – Hard.

(10H, 9H, 8H, 7H, 6H, 5H, 4H, 3H, 2H, H) Les chiffres plus élevés correspondent aux mines plus sèches et dures.

Les crayons avec les mines de dureté moyennes : HB – Hard Black et F – Fine point.

Les crayon avec les mines tendres : B – Black

(B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 7B, 8B, 9B, 10B) Les chiffres plus élevés correspondent aux mines plus grasses et tendres.

Personnellement j’utilise principalement les crayons Koh-i-Noor et Faber castell. Ce sont des crayons de bonne qualité. A mon avis, il est très important de dessiner avec des crayons de bonne qualité car le crayon est notre outil principal.

Je préfère la gomme de marque Koh-i-Noor aussi. C’est une gomme qui ne laisse pas les traces grasses sur le papier. A mon avis elle est une des meilleure, et en plus, de très bon rapport qualité – prix.

Choisir un crayon pour un dessin demandant du temps .

Quand je commence à construire mon dessin, je place tout d’abord les objets sur une feuille pour en déterminer la composition et ensuite construire avec les facettes la forme même des objets.

Pour cela j’ai besoin d’un crayon à mine dure. Donc je commence toujours par choisir un crayon avec une mine plus ou moins sèche H, F ou HB .

Après, quand je précise la forme des objets et les hachures, je passe aux crayons HB, B, 2B, 3B, 4B qui ont des mines plus tendres.

Si l’on commençait à dessiner de suite avec les crayons avec les mines grasses (tendres) B, 2B, 3B, 4B etc, on aurait du mal à corriger notre dessin, car ces crayons font les lignes trop grasses et difficiles à gommer.

Alors que les crayons H, HB donnent des lignes plus claires.

Mais attention ! Quand vous dessiner avec les crayons avec les mine sèches H, HB, il ne faut pas trop appuyer sur le crayon. Le graphite des crayons H, HB est très dur et peut gratter et abîmer votre feuille de papier.

Il existe bien sûr les crayons avec les mines très dures ( 2H, 3H, 4H etc… ) mais ils sont utilisés principalement pour le dessin technique, industriel ou d’architecte. Pour les dessins artistiques ils s’utilisent rarement.

Toutes les techniques que je vous donne marchent pour le dessin sur lequel vous envisagez de travailler, que ce soit pour un temps plus ou moins long.

Choisir un crayon pour un croquis ou une esquisse.

Si vous voulez dessiner un croquis rapide ( un sketch ) ou une esquisse, je vous conseille de commencer à dessiner directement avec les crayons gamme de 3B jusqu’à 8B.

Choisir un crayon . Croquis — Croquis. Portrait d’une fille. Papier lisse

La différence entre un long dessin et un croquis, c’est que quand vous dessinez un croquis, vous devrez dessiner selon votre impression, et dans l’idéal sans avoir à utiliser la gomme.

Vous commencerez à dessiner en faisant des lignes et des hachures légères sans appuyer sur votre crayon, et ensuite vous appuierez plus fort pour souligner, préciser ou pour faire ressortir les objets.

L’intensité de ton que donne le graphite du crayon peut changer en fonction du papier sur lequel vous dessinez. Par exemple une ligne faite par le même crayon 2B sera plus grasse et foncée sur le papier aquarelle que sur le papier à dessin.

Choisir un crayon pour une esquisse — Croquis rapide. Portrait. Papier à dessin.

Choisir un crayon pour un croquis — Vielle rue. Dessin sur un papier aquarelle.

Donc je vous conseille, quand vous commencez à dessiner sur un support inconnu pour vous ( par exemple vous essayez le nouveau feuille de papier avec une texture différente de celle sur laquelle vous avez dessiné auparavant ), de tester d’abord comment le crayon de telle ou telle intensité va dessiner sur ce support.

Pour dessiner essayez sur plusieurs supports avec des textures différentes. La texture donne parfois des effets très intéressants.

En plus quand vous connaissez plusieurs textures vous pouvez choisir tel ou tel support en fonction de votre sujet.

Par exemple si vous envisagez de dessiner une rue ancienne vous pouvez prendre un papier aquarelle qui donnera plus de texture aux vielles pierres. Ou si vous voulez dessinez la mer, vous prendrez une feuille de papier avec une texture plus lisse.

Je vous invite à lire également mes articles : Comment tenir un crayon, Comment dessiner correctement – la méthode de comparaison, et Comment dessiner les mains.

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Comment tenir un crayon.

Un petit mot sur la position de la main en train de dessiner ou comment tenir un crayon.

Il existe deux positions principales de la main pour tenir un crayon.

Première position de la main pour tenir un crayon.

Mettez votre crayon sur vos doigts et serrez légèrement avec votre pouce.

Essayez de prendre le crayon de cette façon quand vous commencez votre dessin par dessiner les grandes masses pour déterminer la composition et placer les objets. …. Après, quand vous commencerez à préciser la forme des objets, cette position de la main vous aidera aussi à dessiner les facettes de la forme.

Le fait est ,qu’en dessinant en tenant le crayon de cette manière, vous ne travaillez pas seulement avec vos doigts, mais aussi avec votre main et votre bras.

Comme cela vous avez plus une plus grande liberté de mouvement. Cette position vous aidera aussi à faire de grandes hachures. Vous pouvez hachurer comme cela les grandes surfaces de papier ( pour faire le fond, par exemple ) et pour généraliser votre dessin.

Deuxième position de la main pour tenir un crayon.

Tenez votre crayon de même façon que vous tenez votre stylo quand vous écrivez. Cette position s’utilise pour dessiner les petites détails et faire les petites hachures fines.

Au premier regard la première façon d tenir un crayon paraît un peu difficile et inhabituelle. Mais vous verrez que les deux positions sont très faciles à apprendre. Il faut juste les pratiquer un peu de temps. La deuxième position paraît plus facile, tout simplement parce qu’on l’utilise depuis l’école.

Vous verrez que la première position vous donnera plus de liberté dans le dessin.

Dès que vous avez appris comment tenir un crayon, vous pouvez apprendre comment faire les hachures sans abîmer la partie de dessin qui était déjà faite avant. Par exemple vous faites un portrait. Vous avez déjà beaucoup avancé mais il reste encore une partie de dessin à faire.

Comment l’hachurer sans abîmer la partie qui était déjà faite ?

Si vous allez tenir un crayon de cette façon,

vous risquez d’abîmer votre dessin en frottant avec votre main.

Alors pour éviter cela, prenez votre crayon comme si vous écrivez quelque chose ( deuxième position ) et appuyez votre auriculaire contre votre feuille de papier.

Comme cela ce n’est que votre petit doigt mais le crayon qui touchent une feuille de papier. De cette manière vous prouvez faire des hachures sans frotter la feuille avec votre main.

Il y a une autre solution pour protéger votre dessin – mettre une feuille de papier blanche entre votre main et votre dessin, pour dessiner posez votre main déçu.

Mais cette méthode présente un grand inconvenant. Avec cette feuille de papier vous allez couvrir une partie de dessin et comme cela en travaillant vous ne pourrez observer votre dessin en entier ( ce qui est très important pour réussir votre dessin ).

Pour faire de grandes hachures vous pouvez tenir votre crayon comme dans la première position, cela donne plus de liberté à vos mouvements et vous pourrez ne pas vous inquiéter de toucher la feuille de papier avec votre main.

Maintenant à vous de dessiner !

Faites quelques petits exercices pour vous habituer à tenir votre crayon correctement.

Par exemple dessinez un sujet simple pour vous ou celui que vous avez déjà dessiné, mais n’utilisez que la première position de la main pour construire la forme et pour hachurer. Cela vous obligera de tenir le crayon tout le temps dans une position inhabituelle pour vous.

Et vous verrez que vous apprendrez vite cette technique!

Je vous invite à lire également mes articles :

Comment dessiner correctement – La méthode de comparaison et Les règles de la peinture.

J’ai aussi trouvé un article qui me paraît interagissant sur Le dessin à l’époque de Renaissance.

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Comment dessiner correctement.

Comment dessiner correctement en utilisant

“La méthode de comparaison.”

Le nom : « la méthode de comparaison » parle d’elle-même. Pour dessiner correctement on doit constamment comparer un morceau par rapport à l’autre, une couleur par rapport aux autres, une ligne par rapport aux autres, un angle par rapport aux lignes horizontales ou verticales.

Ce qui est très important d’apprendre pour dessiner correctement, c’est de se poser la question :

” Où ce détail (objets, morceau, partie, ligne) se trouve t’il par rapport aux autres ?”

D’ailleurs, pour dessiner correctement il faut toujours trouver le point de départ pour votre dessin.

Personnellement, pour débuter un dessin je commence à dessiner selon ma vision et mon impression sans essayer de comparer.

Dès que j’ai déjà quelque chose sur mon feuille de papier, je commence à me poser cette fameuse question ” Où cet objet se trouve-t-il par rapport aux autres ? “

Pour vous montrer plus clairement dont je parle, j’ai pris pour exemple une nature morte composée d’une bouteille et de poires.

On commence le travail en dessinant l’unité des objets de la nature morte en entier avec une figure géométrique pour déterminer la composition.

Pourquoi une figure géométrique ? Parce que c’est beaucoup plus simple pour notre cerveau de structurer notre sujet en utilisant cette forme. Regardez les tableaux de grandes peintre. Rembrandt, Vélasques, Ingres, Raphaël….. Ils ont tous utilisé les figures géométriques pour construire leurs compositions. La figure géométrique la plus utilisée dans la composition, c’est le triangle. Il est partout !

Dans mon prochain article je vous rencontrai plus en détail comment organiser la composition de votre oeuvre. En attendant je vous propose de lire mon article Composition dans lequel je analyse la composition de la nature morte de Jean Baptiste Siméon Chardin.

Revenons à notre thème:

Comment dessiner correctement en utilisant la méthode de comparaison.

Donc, ensuite plaçons les objets dans cette forme géométrique.

Pour l’instant on ne donne que notre impression des objets, on ne corrige rien. On va précisera notre dessin par la suite. Ce croquis nous donne un point de départ pour appliquer la méthode de comparaison.

Maintenant commençons à préciser notre dessin.

Pour dessiner correctement il faut absolument apprendre à voir et mesurer et comparer les proportions. Donc, dans notre nature morte mesurons les objets les uns par rapport aux autres.

Par exemple la taille de la bouteille est égale à la taille de la poire située à sa droite. La largeur de la bouteille est égale à sa taille jusqu’à la gorge etc.

Pour mesurer clignez d’un œil, prenez un crayon et mesurez la largeur de bouteille.

Une fois que vous avez déterminé sa taille, vous la fixez avec le doigt sur le crayon et mesurez cette dimension par rapport à la taille de la bouteille.

Faites toutes les mesures en ayant toujours avec le bras tendu car la distance entre vos yeux et un objet doit rester toujours la même.

Après que vous ayez mesuré les proportions de la bouteille qui est devant vous, vous allez mesurer les mêmes dimensions de la bouteille sur votre dessin pour comprendre si les proportions sont les mêmes.

Maintenant mesurons où se trouve la poire droite par rapport à la bouteille et à la poire gauche. Pour mesurer on cligne de nouveau d’un œil. On prend le crayon et, toujours avec un bras tendu, on fixe le bas de la poire.

Comme cela on voit clairement la distance entre le crayon et le bas de la bouteille ainsi que le bas de la poire située à sa gauche.

Après cela on dessine une ligne horizontale droite qui touche le bas de la poire, là sur notre dessin. Et on voit où l’on doit placer la poire par rapport à la bouteille et aux autres objets.

Ensuite mesurons un angle entre la queue de la poire et sa partie ronde. On fixe le crayon en horizontal au bas de poire. Et on voit quelle est la distance entre le crayon et la queue de la poire.

Après on dessine la ligne horizontale au bas de poire sur notre dessin et on voit où sera la queue.

Il y a un autre moyen pour vérifier si la queue est bien placée. Vous fixez votre crayon en horizontal (toujours !) sur la queue du poire et regardez où elle se trouve par rapport à la partie ronde de la poire.

Sur votre dessin également vous dessinez une ligne droite horizontale entre la queue et la partie ronde de la poire. Vous comparez si sur votre dessin la ligne passe dans le même endroit que la poire que vous avez devant vous.

Très important ! Toutes les mesures se font toujours avec le bras tendu, un œil mi-clos et avec les lignes horizontales et verticales.

Pour mesurer l’intensité du clair – obscur, on cligne des yeux et on mesure l’intensité des ombres les unes par rapport aux autres et la lumière aussi les unes par rapport aux autres aux endroits éclairés.

Dans la peinture pour trouver une couleur correcte, on compare les couleurs similaires entre elles ( les verts entre les verts, les bleus entre les bleus etc ) pour trouver la différence des nuances.

Pour vous montrer un exemple, j’ai choisi quelques œuvres de Claude Monet où on peut voir clairement la diversité des nuances de couleurs bleue.

Voilà ! Maintenant à vos pinceaux ! Essayez de faire une petite exercice en appliquant cette méthode. Dessiner par exemple une nature morte simple. Disons, une nature morte composée de trois objets. Les choses les plus géniales sont toujours les plus simples ! 🙂

Si vous avez les question ou les petites difficultés ( tout les artistes rencontrent les difficultés sur leur chemin. Il ne faut pas en avoir peur! On est tellement heureux de les surmonter ! ) je suis là pour vous aider ! Ecrivez-moi dans les commentaires si cette méthode vous aide à dessiner correctement et progresser dans la peinture ! Vous pouvez m’écrire également sur mon adresse mail en utilisant le formulaire de contacte sur la page “A propos “.

Je suis toujours heureuse de vous aider !

P.S. On finira la nature morte avec les poires, que l’on a commencé aujourd’hui dans un des prochains cours. 🙂

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Comment dessiner les mains.

Commençons à dessiner les mains comme d’habitude par déterminer la composition et bien placer notre dessin sur une feuille de papier.

Je répète et répète cette phrase comme un axiome…. Commençons par la composition ! Toujours ! Ne ratez jamais cet étape importante de votre futur oeuvre!

Prenez toujours le temps de bien réfléchir sur la composition.

Combien de fois ai je vu des tableaux, bien faits techniquement, mais au final, complètement ratés à cause de négligences sur la composition !

Parfois, si vous n’êtes pas sûrs de votre composition, il est raisonnable de prendre une feuille de papier, puis dessiner un petit cadre et faire une petite esquisse pour décider de la composition et ensuite réaliser votre sujet sur une grande feuille sans avoir peur de vous tromper dans la composition.

Revenons à notre dessin.

On continue à dessiner les mains.

Quand notre composition est bien déterminée faisons un croquis rapide. Juste la position des mains, notre impression de ce que l’on voit. On commence à dessiner les mains, comme d’ailleurs tous les autres sujets, selon notre impression, sans vérifier si c’est correct ou pas. Souvent la première impression est très juste !

Et en plus, comme cela on a déjà le point de départ de notre dessin car on utilise toujours la méthode de comparaison pour dessiner les mains comme pour tous les sujets compliqués.

Ensuite on commence à préciser et construire notre dessin. On fait sa construction toujours avec des lignes droites qui nous permettent de bien voir les angles et de comparer les détails, les uns par rapport aux autres.

La position des mains est assez difficile, donc pour dessiner les mains le plus correctement possible, dessinons comme si les mains étaient transparentes, essayons de voir une forme à travers une autre forme. C’est une méthode très efficace pour dessiner correctement n’importe quel sujet.

Dès que la construction est prête on efface les lignes de structure et on commence à rendre les formes moins géométriques en continuant à les préciser et à les ajuster. Petit à petit les mains deviennent plus naturelles et réalistes.

Maintenant précisons encore plus les formes en rajoutant les claires-obscurs. Essayez de faire des hachures qui suivent la forme, ça vous aidera à montrer le volume.

Mais évitez de faire les hachures trop arrondies, car cela peut faire un effet de gonflage. Alors qu’on n’en a pas besoin . On doit plutôt montrer les facettes de la forme.

C’est une faute très répandue chez les débutants mais aussi chez les peintres expérimentés. Essayons de l’éviter !

Toutes les formes qu’on voit autour de nous ont des facettes. Toutes, sans exception!

Regardez une pomme. Quelle forme a t’elle ? Ronde ? Arrondie ? Non. Elle a plein de facettes.

Touchez une pomme pour vérifier. Et pour tout ce qu’on voit autour de nous, c’est pareil. Des facettes partout! Bien sûr en dessinant on adoucit les facettes pour rendre la forme plus naturelle, mais sans facette elle ne serait pas réaliste non plus.

Voila ! Un peu de théorie.

Maintenant on continue à dessiner les mains !

En ce qui concerne notre dessin, on rajoutera encore plus de clair-obscur avec les ombres portées.

Pour faire ressortir la mains droite au premier plan faisons les ombres un peu plus foncées et soulignons les doigts qui couvrent les autres doigts.

N’oubliez pas, que tout au long de notre travail, on n’arrête pas de préciser la forme.

Pour finaliser notre dessin, on va généraliser les ombres, car on ne doit jamais détailler de manière identiques les ombres et la lumière. Si la lumière est plus détaillée, on généralise les ombres et inversement .

Pour que cela soit plus facile à dessiner les mains correctement je vous propose d’étudier un peu leur anatomie. Je sais que cela peut paraître pas trop intéressent voire inutile. Mais selon mon expérience, la connaissance approfondie de l’anatomie aide beaucoup à comprendre telle ou telle position, ou encore la structure des mains ou du corps humain.

Je vous conseille à lire quelques articles sur l’anatomie:

Les études d’anatomie de Léonard de Vinci !

L’anatomie artistique.

Maintenant à vous à dessiner ! On va apprendre la peinture et le dessin ensemble !

Et n’oubliez pas me laisser un commentaire ! 🙂

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Comment peindre un verre transparent au pastels. Les 5 étapes.

Comment peindre un verre transparent aux pastels.

Etape 1. Comment se préparer à peindre un verre transparent. Construction et composition.

Quant on se prépare à peindre un verre transparent mis sur une table noire et sur une serviette blanche qu’est-ce qu’on voit ? On voit la table et la serviette à travers le verre. Le verre est transparent ! Donc pour montrer sa transparence, on doit commencer par peindre ce que l’on voit à travers le verre. Mais tout d’abord on commence bien sûr par faire la composition de notre future nature morte et construire les objets en dessinant leurs contours.

peindre un verre transparent au pastel. La composition générale

peindre un verre transparent au pastel. la précision

peindre un verre transparent au pastel. La construction

Ici j’ai choisi pour ma nature morte la composition classique en triangle. En fait c’est le type de composition le plus utilisé par les artistes.

Pour en savoir plus je vous propose de relire mon article La Composition de la nature morte.

Etape 2. Pour peindre un verre transparent on dessine tout ce que l’on voit à travers.

Dès que la construction est prête on commence à peindre la table, la serviette et la pêche que l’on voit à travers le verre. On mélange d’abord les couleurs de pastel pour dessiner vraiment ce qu’on voit devant nous, sans faire attention au verre. Comme si le verre n’existait pas.

peindre un verre transparent au pastel. A travers le verre

Etape 3. On esquisse la forme du verre.

Ensuite, petit à petit on commence à rajouter quelques petites touches pour déterminer les bords du verre. Comme cela on continue à construire la forme du verre.

peindre un verre transparent au pastel. déterminer la forme

Après on passe au vin rosé qu’on avait mis dans le verre. Ici on voit beaucoup de couleurs roses, oranges et rouges. C’est la couleur propre du vin, mais encore des couleurs réfléchies. La pêche jettent les réflexes et cela influence les couleurs du vin. Encore, nous voyons les réflexes bleus sur la surface du vin, c’est le ciel bleu qui se reflète dans le verre. On rajoute aussi le rouge foncé sous l’ovale du verre ce qui détermine la surface du vin dans le verre .

peindre un verre transparent au pastel. les contours du verre

peindre un verre transparent au pastel. quelques réflexes

En pastel il est indispensable d’utiliser la couleur noire pour rendre les autres couleurs plus foncées. Par exemple vous avez dans votre boîte de pastel un bâton de pastel d’une couleur rouge vive, pour obtenir des autres nuances de cette couleur vous la mélanger directement sur votre support (papier pastel, carton, etc ) en rajoutant d’autres couleurs pour obtenir la teinte nécessaire. Pour obtenir du violet vous mélangerez le rouge avec le bleu, ou avec le jaune pour avoir de l’orange, ou avec vert pour obtenir la couleur marron, etc. Mais comment faire si vous voulez obtenir une couleur plus foncée? On n’a qu’une seule solution, mélanger la couleur de base avec du pastel noir ! Et faire de la même manière pour rendre les couleurs plus claires. On doit alors les mélanger avec le pastel blanc ou d’une autre couleur très pâle.

Revenons à notre peinture. On continue à peindre un verre transparent.

Etape 4. Pour peindre un verre transparent on travaille beaucoup sur les réflexes et les reflets.

Après que l’on ait esquissé le vin dans le verre, on dessine la pêche, avec toutes ces nuances des couleurs et de clair-obscure. Sans oublier de déformer un peu la forme de la pêche dans le verre. Dès qu’on a fini, on s’attaque aux reflets et aux tâches de lumière sur le verre. C’est comme cela que l’on va déterminer sa forme.

peindre un verre transparent au pastel. la forme du verre

peindre un verre transparent au pastel. le vin dans la verre

On voit qu’il y a les reflets de différentes couleurs, les reflets clairs et plus foncés. Comme le verre à une texture lisse, il reflète les objets et les couleurs qui se trouvent autour de lui.

peindre un verre transparent au pastel. le verre avec des réflexes

peindre un verre transparent au pastel. le verre avec des réflexes presque fini

Etape 5. Les tâches de lumière.

Maintenant on passe au tâches de lumière. On attaque cela au dernier moment quant tout est déjà fait et quand pour finir il ne nous restera que le point final. … La tâche de lumière. C’est l’endroit le plus clair du verre. Avec la tâche de lumière notre verre commence à briller.

peindre un verre transparent au pastel. verre réflexes

peindre un verre transparent au pastel. le verre et les fruits

Pour finaliser la nature morte j’ai rajouté au premier plan une pêche coupée en deux et un citron vert qui équilibrent la composition, ainsi que la décoration de la serviette faite d’ornements rouges.

peindre un verre transparent au pastel. nature morte

peindre un verre transparent au pastel. nature morte finie

Voilà ! Maintenant je résume cet article :

Pour peindre un verre transparent on suit ces 5 étapes :

Déterminer la composition générale des objets sur le support (papier pastel, carton, d’autre type de support.) et construire la forme du verre. Dessiner les contours.
Peindre d’abord tout ce qu’on voit à travers le verre comme si le verre n’existait pas.
Commencer à esquisser la forme du verre par les petites touches de couleurs réfléchies sur les contours et les ombres portées. Ensuit on peint le liquide mis dans le verre avec tous ses reflets.
Travailler sur les reflets sur le verre.
Finaliser la peinture par mettre les tâches de lumière.

Cette méthode marche pour peindre la transparence du verre comme matière ( vases, verres, bouteilles, etc ) en toutes les techniques ( sauf aquarelle classique).

J’ai trouvé un article sur l’histoire du pastel qui peut-être sera intéressent pour vous. “Le pastel des peintre.”

Maintenant à vos pinceaux ! On va apprendre la peinture ensemble !

Et n’oubliez pas me laisser un commentaire ! 🙂

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La restauration de Fresques

La restauration de fresques

La restauration et la conservation des fresques.

La couche de peinture et de plâtre des fresques, se décomposent et s’abîment avec le temps, elles ont donc besoin de restauration. Si les fresques sur enduits à base de chaux éteinte se trouvent sur les murs intérieurs ou extérieurs de structures architecturales, la cause de la destruction est due à la différence de température et d’humidité, ainsi qu’à la pénétration des eaux souterraines. Les eaux souterraines contiennent du dioxyde de carbone, les sulfates, les nitrates, dont l’interaction avec le carbonate de calcium en plâtre conduit à la formation de sels solubles dans l’eau, tout d’abord du bicarbonate de calcium: СаСО₃+Н₂О + СО₂ —> Са(НСО₃)₂

Sous l’action de dioxyde de carbone de l’air, il se forme hors de lui, de nouveau du carbonate de calcium, qui couvre la surface de la peinture et qui est difficile à enlever Са(НСО₃)₂ —> Н₂О + СО₂+СаСО₃

Les effets dévastateurs sont également sur la peinture, les sels solubles qui se trouvent dans les eaux souterraines et qui se déposent sur la surface des fresques en raison de la différence de température et d’humidité. Leur retrait de la surface de la fresque est un processus exigeant beaucoup de main-d’œuvre, mais il n’est pas compliqué.

Les fresques, couvertes de fissures et de sels, se restaurent sur les murs du monument, dans des conditions qui en permanence exercent une influence sur les fresques. Cela complique le choix des matériaux et les techniques de restauration et provoque la nécessité de sa répétition périodique.

Les conditions d’environnement de la terre influent sur les fresques extraites lors de fouilles archéologiques. Ces fresques sont généralement privées de la couche de plâtre et elles tombent dans les mains des restaurateurs sous la forme de morceaux séparés. Après une longue restauration, on expose ces fresques dans des musées, dans des conditions qui favorisent leur longue conservation.

Les fresques anciennes sur du plâtre fragile peuvent être maintenues seulement par le biais de la conservation immédiate après leur découverte.

Pour enlever de la surface des fresques les incrustations de sels calciques on applique d’habitude une méthode laborieuse ce qui n’est pas toujours sûre avec le nettoyage mécanique avec un pinceau et avec un scalpel. L’application d’acides pouvant facilement nettoyer la surface est inacceptable, à cause de leurs réactions avec les pigments ayant pour résultat, la perte de la couche de la peinture.

Les restaurateurs enlèvent les encrassements de fresques avec l’aide du rinçage à l’eau. Si l’encrassement ne cède pas au rinçage de l’eau, on applique les solvants organiques et leurs mélanges, ainsi que les solutions de tensio-actifs.

Les solvants utilisés ne doivent pas avoir une toxicité trop forte. On utilise généralement de l’alcool éthylique, l’alcool isopropylique, white-spirit, pinène. L’application d’hydrocarbures aromatiques-xylène, le toluène est aussi possible. Sur les espaces contaminés on impose des compresses de gaze imbibé d’un solvant. La majeure partie de résineux substances ramollis et une partie de la suie s’enlèvent aves les compresses. Le reste de l’encrassement s’enlève avec les mêmes solvants à l’aide des tampons de gaze ou des pinceaux.

De nombreux micro-organismes exercent une influence sur les fresques. Pour faire disparaître des micro-organismes et pour empêcher leur croissance, on utilise du biocide qui aide au traitement des peintures murales. En cas d’altération de la surface et d’exfoliation de la couche de la peinture il est nécessaire d’utiliser un antiseptique en combinaison avec le renforcement de la surface.

De tout ce qui précède on peut tirer la conclusion que la restauration des fresques est un processus très laborieux au cours duquel de nombreuses erreurs sont possibles ayant pour résultat, la perte des éléments de la peinture. Donc dans chaque cas, la question se pose de savoir s’il est judicieux de commencer les travaux de restauration ou s’il faut se décider à la conservation de l’oeuvre d’art. Car la restauration peut conduire à la perte de l’authenticité de l’oeuvre, en particulier dans le cas où la perte de la couche de peinture dépasse 40%.

Les fresques du monastère Ferapontov en Russie peuvent servir d’exemple d’une conservation réussite.

Fresques du monastère Ferapontov. Peintre Dionisius et ses fils.

Fresques du monastère Ferapontov. Peintre Dionisiy — Fresques du monastère Ferapontov.

À la suite des études de la technologie des peintures murales dans la cathédrale du monastère Ferapontov, les restaurateurs ont conclu que l’état de la couche de la peinture initiale est le signe caractéristique de la couche d’auteur, et que l’application de la couche de colle supplémentaire sur la surface pouvait endommager les fresques. Toujours en restant sur la surface des peintures murales, une nouvelle colle conduit à la modification de la coloration et en plus provoque la destruction de l’encrage de la couche. Lors de l’examen des peintures murales de la cathédrale on a constaté que toutes les tentatives précédentes de renforcer la couche superficielle de la peinture par les méthodes et les moyens traditionnels ont mené à de nouvelles destructions. C’est pourquoi les méthodes d’évaluation de l’état de l’ensemble des peintures murales de la cathédrale ont été fondamentalement révisées.

L’état de conservation de chaque morceau et de chaque partie des peintures murales dépendait des matériaux, des caractéristiques technologiques et du positionnement sur les murs de la cathédrale. Par exemple, les fresques du mur ouest de la cathédrale avaient beaucoup souffert. Les peintures murales se trouvaient durant beaucoup d’années donnant sur la rue, par conséquent, de nombreuses couches de peinture étaient complètement perdues. L’installation des fenêtres a provoqué la perte de la couche d’impression de la partie de la composition «le Jugement dernier», des ailes des archanges dans le tambour et en outre de nombreuses fractures de l’enduit et les joints, ce qui conduisit au décollement de l’enduit et des couches de peinture. On peut dire que la méthode inhabituelle de l’évaluation de l’état des couches a incité à renforcer différemment les petits morceaux de l’encrage de la couche donnant des signes visibles de destruction sur les bords de pertes (décollement de l’encrage de la couche, et du cloquage ). Le principe de l’utilisation d’agents de conservation était de les mettre sous la couche décollée sans toucher la surface. Cette méthode de renforcement a été utilisée au cours de toutes les années de conservation des fresques.

Dans la cathédrale de la Dormition à Vladimir l’affaire est tout autre. La perte de la couche de peinture de la composition d’Andreï Roublev “le Jugement dernier” avait déjà dépassé les 40%.

Le Jugement Dernier d'Andreï Roublev. Fresques de la cathédrale de la Dormition à Vladimir — Le Jugement Dernier d’Andreï Roublev. Fresques de la cathédrale de la Dormition à Vladimir

Malgré la conservation partielle, les fresques continuèrent de se dégrader très rapidement à cause des mauvaises conditions qui se forment pendant les messes. Dans ce cas, la question de la restauration des fresques est très difficile, car il peut devenir la cause de la perte du style de l’artiste.

Les œuvres d’Andreï Roublev

D’autre part si la perte de la couche de peinture n’est pas trop grave, la restauration est la méthode préférée de la préservation du patrimoine culturel.

A lire encore dans le blog : Les règles de la peinture.

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Débuter en aquarelle. Comment commencer à peindre.

Comment débuter en aquarelle.

Le Matériel pour débuter en aquarelle !

1. Une planche à dessin.

Pour débuter en aquarelle vous pouvez utiliser une planche à dessin en bois ou de contre-plaqué de 40×50 cm ou 50 cm environ (pour coller une feuille de papier aquarelle).

Planche à dessin à l'atelier — Planche à dessin à l’atelier

2. Une boîte de couleurs d’aquarelle.

Il y a une grande diversité de marques présentes sur le marché Français, j’ai personnellement sélectionné quelques marques que je connais depuis des année :

Il en existe encore bien d’autres….

Personnellement, j’utilise la boîte d’aquarelle White Nights 24 couleurs en gobelets. En tout cas, je vous conseille en achetant les couleurs d’aquarelle, de porter votre préférence plutôt sur les couleurs extra-fines.

Boite d'aquarelle White Nights — Boite d’aquarelle White Night

Les caracteristiques des couleurs d’aquarelle White Night et les conseils de mélange des couleurs vous pouvez les trouver dans mon article “Aquarelle White Night”.

3. Les pinceaux pour débuter en aquarelle.

Je vous propose de commencer par 3 pinceaux :

Un grand pinceau en petit gris, (en poil d’écureuils nordiques. )
Un pinceau moyen en marte Kolinsky
Un petit pinceau en marte ou en marte rouge.
Tous les pinceaux lorsqu’ils sont mouillés doivent avoir la pointe effilée.

Pour débuter en aquarelle vous pouvez aussi utiliser les pinceaux synthétiques, mais je trouve qu’ils sont moins adaptés pur l’aquarelle et conviennent plutôt pour la peinture acrylique ou la peinture à l’huile. Mais par défaut vous pouvez les utilisez aussi.

Mes pinceaux d'aquarelle — Mes pinceaux d’aquarelle

Pour faire des lavis et pouvoir corriger des fautes en lavant le papier je vous conseille d’acheter une éponge naturelle de mer. Elle permet de faire les lavis délicatement et n’abîme pas la surface du papier.

4. Les crayons

Faber Castell ou Koh-i-noor , , il existe encore bien d’autres marques.

Dans les duretés H, HB, F,B

Le degré de dureté des mines de crayons est défini par l’échelle suivante :

Dure

→

Moyenne

→

Tendre

H: dure (ou sèche);
B: tendre (ou grasse) ;
HB: moyenne ;
F: fine. Il s’agit du milieu de l’échelle, HB étant un peu plus tendre.

Mon matériel d'aquarelle — Mon matériel d’aquarelle que j’utilise tous les jours,

5. Le papier d’aquarelle

À mon avis le papier optimal pour débuter en aquarelle est celui de grammage situé entre 300-450 gr. Vous pouvez acheter les feuilles de papier encollées en bloc ou les grandes feuilles de papier en rouleaux. Si vous achetez les blocs de papiers, je vous conseille tout de même de coller les feuilles sur la planche à dessin pour qu’ils ne gondolent pas à cause de l’humidité. Au début vous pouvez les coller avec quatre bandes de scotch, de papier gommé ou de papier autocollant.
En tout cas une feuille de papier aquarelle doit être bien tendue si vous pensez travailler longtemps en technique de glacis ou sur papier mouillé.
Pour les petits croquis les feuilles en bloc conviennent parfaitement.

Il existe trois types de papier aquarelle :

le grain satiné, le grain fin et le grain torchon. Pour commencer je peux vous conseiller d’utiliser le papier en grain fin ou torchon qui conviennent pour faire des essais de l’ensemble des techniques.
Vous avez un grand choix de marques de papier aquarelle :
Arches 100% coton – papier de très bonne qualité, bonne stabilité dimensionnelle (ne gondole pas beaucoup), assez résistant aux grattages. Mais ce papier ne permet pas atténuer les couleurs et faire des lavis.
Waterford 100% coton
Canon 100% cellulose, 100% coton – papier pas cher, le rapport qualité prix est correct.
Hahnemuhle 100% cellulose – papier de très bonne qualité, résistant, convient très bien pour faire les lavis.
Fabriano 100% coton papier de très bonne qualité, mais assez cher.
Sennelier 100% coton ne gondole pas beaucoup au mouillage, résistant, mais il reste très cher.

Le choix de papier aquarelle est énorme, mais au début il vaut mieux commencer à travailler avec le papier cellulose. Car il permet de faire les lavis, et de laver les zones de papier nécessaires pour corriger des fautes, ou d’essayer toutes les techniques.

Pour faire des croquis et des esquisses en aquarelle j’utilise le papier Canon XL Mixmedia – très bon rapport qualité prix.
Pour peindre avec la technique de glaçage autant que « alla prima » je préfère Hahnemuhle dans la référence : Moulin du Coq 300 gr , en blocs, qui est de très bonne qualité, les couleurs ne pénètrent pas si facilement et on peut le laver aisément, et Fabriano en rouleaux.

6. Une palette.

Une palette en plastique pour mélanger les couleurs. Une simple assiette… peut suffire, mais elle devra absolument être blanche. Vous pouvez aussi prendre une feuille de papier blanche ou utiliser une palette en plastique.

7. Un pot de confiture pour l’eau.

Voilà vous êtes bien équipés. On peut commencer…
Maintenant à vous de jouer ! Je vous invite à passer chez votre spécialiste peinture et beaux-arts, ou de commander chez Géant des beaux-arts, ou Amazon votre matériel.

A vos pinceaux ! On commence….

Je vous propose également de lire mon article “Comment mélanger les couleurs à l’aquarelle”

Et faire un petit exercice : Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices.

Merci d’avoir lu cet article ! Si vous avez des questions n’hésitez pas à me les posez dans les commentaires. Je suis toujours ravie de vous aider.

A bientôt !:)

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Composition. Nature morte.

La composition.

La composition a aussi ces règles ! Une bonne répartition des parties de l’œuvre, la définition de leurs interconnexions, leurs proportions, leurs plans spatiaux, les coloris.

La composition est une chose primordiale dans le tableau.

Pour apprendre à faire une bonne composition analysez de grandes œuvres d’art, réfléchissez en quoi une œuvre nous influence t’elle plus que une autre, quelles sont les raisons de cette influence. Il n’existe aucune grande œuvre où le choix des objets et leur composition n’est été subordonnée à certaines règles.

Pour vous aider à apprendre la composition, je vais analyser pour vous une nature morte du peintre français Jean Baptiste Siméon Chardin.

Composition. Chardin. Nature morte — Chardin. Nature morte

L’artiste a choisi pour sa nature morte une marmite en cuivre, un poêlon, un creuset à épices, trois œufs, deux oignons, deux poireaux et un pain. Tous les objets ont des formes différentes.

Maintenant regardons si le peintre a mis ces objets dans cet ordre par hasard ou consciemment. Comment il a organisé la composition de sa nature morte.

Pour répondre à cette question essayons de comprendre dans quelle mesure cette composition est logique et naturelle. Est-il possible de composer une nature morte de deux ou trois objets? Oui.

Essayons de les disposer de cette façon :

Mais si l’on les combine autrement ?

C’est plus naturel et logique. Pourquoi?

Parce qu’il y a plus de lien entre les objets. Dans la première illustration on voit deux objets séparés. La marmite ne touche pas le creuset à épices. Ils semblent isolés. Sur la deuxième image la composition des objets est plus riche. Ici on voit que le creuset à épices touche et cache une partie de la marmite. On voit la combinaison de deux formes différentes et de couleurs différentes avec le fond gris.

Essayons de changer la composition en mettant à côté du creuset à épices deux oignons. A l’aide de cette combinaison des objets on a beaucoup enrichi la composition.

Les couleurs des oignons et de la marmite se marient bien entre elles et rajoutent en plus une forme plus petite et de différente texture à la composition.

Mais il reste encore un certain mécontentement. Les lignes identiques et uniformes de la marmite rendent cette nature morte ennuyeuse.

Alors l’artiste a rajouté le pain dans la composition.

De cette manière il rompt la monotonie de la silhouette de la marmite. La nature morte devient encore plus intéressante. Le pain, qui a une forme complexe et une couleur claire, complète la gamme de couleurs.

En plus de cette manière l’artiste a crée le fameux triangle – la composition le plus utilisée pas les peintres.

Mais l’artiste n’est pas encore totalement satisfait. Il cherche une forme qui lui permettra de réunir les objets et il rajoute les œufs et les poireaux.

Les œufs indiquent le centre de la composition, réunissent les objets, et rajoutent des contrastes dans la composition.

Les poireaux font la diagonale qui réunit la partie droite et la partie gauche de la nature morte. Si l’on regarde bien cette nature morte, on verra qu’elle est insérée dans un triangle. Cette forme idéale de la composition est la plus souvent utilisée par les peintres.

Il n’y a aucune grand œuvre d’art où le choix des objets et de leur position sur la toile ne subordonne pas aux lois de la composition.

Je vous propose de lire mes articles: Composition dans la peinture ou j’analyse les formes différentes de composition sur les exemples des œuvres de grands artistes peintres, Les règles de la peinture. qui sont très théoriques et parlent de la perception du clair-obscure et Comment dessiner correctement dans lequel vous découvrez comment mesurer les proportions.

J’espère que cet article vous aidera à progresser dans votre démarche artistique.

Cela fait déjà 7 ans que je tiens une école de peinture pour adultes et cela fait 15 ans que j’enseigne la peinture, le dessin et l’anatomie. Durant ce temps j’ai appris qu’il n’a pas de mauvais élèves. J’entends souvent que pour devenir peintre il fait avoir le don, du talent. Donc je peux vous dire qu’il n’y a personne qui ne pourrait apprendre la peinture. On est tous talentueux. Et je vais répéter cela encore et encore. Comme disait ma professeure de musique “Il n’y a personne qui n’a pas d’oreille, ni de voix. Tout s’apprend.” Elle a eu raison. A voir les résultats de ses élèves. Il n’a pas de mauvaises élèves, il y de mauvaises professeures !

Tout le monde peut apprendre la peinture, il faut juste avoir beaucoup d’envie… j’ai voulu dire… et de patience… mais je m’suis arrêtée…., personnellement je ne suis pas quelqu’un de très patient, et beaucoup de mes élèves non plus. Mais cela ne nous empêche pas de progresser dans la peinture. Bien sûr que c’est très bien si vous avez cette qualité, si non, ce n’est pas grave. On est tous différents, mais tous talentueux !

On va apprendre la peinture ensemble. Je crois beaucoup en vous !

Je vous invite également à me laisser un commentaire. N’hésitez pas à me poser des questions ! Je suis toujours contente de vous aider !

A bientôt ! 🙂

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Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices.

Mélange de couleurs à l’aquarelle.

1. Exercices. Pour appendre la technique “alla prima”.

1. Pour faire le premier exercice de mélange de couleurs à l’aquarelle prenez une feuille de papier 30×40 cm environ et collez cette feuille sur une planche (avec du ruban adhésif) . Délimitez trois rectangles 5×7 cm ou 7×15 cm environ.
Ensuite prenez une couleur assez lumineuse et commencez à appliquer sur la feuille en dirigeant de la peinture de haut en bas.
En rajoutant de l’eau vous parviendrez à la clarification progressive de la peinture.

2. Un autre exercice de mélange de couleurs à l’aquarelle que je vous propose à faire, est de rajouter progressivement l’autre couleur au lieu de l’eau.
De cette manière vous apprendrez comment faire le gradient de couleurs.

Mélange de couleurs à l'aquarelle. Exercices. — Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exercices 1 et 2. Exemple.

L’essence de ces exercices de mélange de couleurs est d’apprendre comment gérer les couleurs fluides de l’aquarelle.

2. Exercices. Pour appendre la technique de glacis.

3. Prenez une feuille de papier 30×40 cm environ et collez cette feuille sur une planche. Délimitez trois rectangles de 5×7 cm ou 7×15 cm environ. La surface de chaque rectangle ne doit pas être trop petite. Maintenant il nous faut dissoudre une des couleurs jusqu’à obtenir un teint clair et transparent.

Ensuite il faut enduire les trois rectangles avec ce teint, partant de l’angle supérieur gauche vers l’angle inférieur droit.

Puis, quand la peinture sera sèche sur les trois rectangles, appliquez une autre couche de peinture sur le deuxième et le troisième rectangle. Et enfin mettez encore la troisième couche sur le troisième rectangle après le séchage des couches précédentes.

Par conséquent, vous obtenez trois rectangles de même couleur mais de luminosité différente.

4. Maintenant faites le même exercice mais en appliquant successivement les couches de couleurs différentes.

Par exemple vous pouvez enduire un rectangle avec la couleur jaune et, après le séchage, appliquez la couleur bleue. (Sur un rectangle bleu appliquez une couleur rouge, après jaune – rouge, etc.)

Mélange de couleurs à l'aquarelle. Exemple. Exercice. Glacis. — Mélange de couleurs à l’aquarelle. Exemple. Exercice 3, 4. Glacis.

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Aquarelle alla prima

La méthode de l’ aquarelle alla prima.

La méthode de l’ aquarelle alla prima sous-entend que le tableau soit réalisé durant la même séance de peinture.
Cela signifie qu’il faut peindre à la fois rapidement et sans changements substantiels postérieurs.
Quand on utilise la technique d’ aquarelle alla prima il faut commencer et finir chaque détail d’emblée et d’un seul bloc et ensuite passer au détail suivant, et ainsi de suite. En travaillant sur les détails il ne faut pas oublier de voir et d’observer en même temps un ensemble d’objets ou de détails sur lesquels vous travaillez.

Il faut garder à l’esprit toute la composition et toutes les masses de votre peinture.
La technique de l’ aquarelle alla prima est très utile pour faire des études de paysages, le temps pouvant vite changer, cela nous oblige à peindre rapidement pour saisir les moindres variations de la nature.

C’est pour cela que cette technique de l’aquarelle a été tellement rependue à la fin de 19 éme- début du 20e siècle, quand les peintres travaillaient beaucoup en plein-air. La méthode alla prima permet d’obtenir la force et la pureté maximale des couleurs.
La méthode d’ aquarelle alla prima peut être combinée avec la technique de glaçage.
Le peintre, utilisant ou adepte de la technique d’aquarelle alla prima, devra travailler sur le détail, et doit voir la peinture dans son ensemble et sa globalité, il doit bien imaginer sa tâche et son but, et savoir marier parfaitement formes et couleurs.

Aquarelle alla prima. Conseils pratiques

Quand vous mélangez les couleurs n’en utilisez pas trop, mélangez deux ou trois couleurs maximums. Si vous composez avec trop de couleurs, cela peut mener à la perte de la pureté et de l’éclat des couleurs.

En utilisant cette technique, ainsi que celle du glaçage, il vaut mieux mélanger les couleurs transparentes avec les couleurs transparentes, et les couleurs opaques entre elles.

D’ailleurs, il faut dire, que cette règle est moins obligatoire pour la technique alla prima, que pour la technique du glaçage, du fait que n’importe quelle couleur, appliquée sur le papier blanc par couches transparentes, garde sa pureté et sa saturation.

Si vous voulez obtenir une couleur intense, il faut utiliser des pigments plus saturés et transparents.

Pour les couleurs insaturées, utilisez les combinaisons de couleurs plus sombres, couleurs de terre.

Par exemple vous pouvez mélanger les couleurs saturées et transparentes avec les couleurs opaques comme le brun ou le noir.

En tout cas il faut que la couche de la peinture sèche reste transparente et ne devienne pas mate.

Utilisez consciemment les propriétés texturales (ou aussi appelées “’facturales’’) des couleurs.

Pour peindre l’eau, l’air, l’espace, les ombres servez-vous de couleurs transparentes.

Pour la terre, les bâtiments, les objets rustiques et rugueux prenez les couleurs texturées, par exemple la terre de Sienne, ou le Cadmium Orange.
Il faut se rappeler que l’aquarelle perd environ vingt pour cent de son intensité après séchage.

C’est pourquoi vous devez essayer de mélanger les couleurs plus saturées, et intenses (avec une marge d’environ 20%), pour éviter que les couleurs ne se ternissent, ou se fanent.